Куда сходить в Москве сегодня вечером

Эту сказку написал известный венгерский писатель Дюла Урбан, автор произведения, по которому был сделан знаменитый мультфильм «Голубой щенок». Тема непохожести, неодинаковости в этой истории опять становится главной. Дружба двух маленьких веселых мышат могла бы с самого начала сложиться удачно, но есть серьезная преграда: Фружи белого цвета, а Шоша – серого. И родители двух мышиных семейств никак не могут найти общий язык. Они не хотят быть соседями, не хотят жить в мире, не разрешают детям играть вместе. Однако маленькие мышата не сдаются и отважно ищут способы встретиться. Чтобы помочь друзьям, за дело принимается Великий Кот-маг. Он живет на чердаке сыроварни, его никто не видел, но все слышат его голос и считаются с его присутствием. В конце спектакля всем становится ясно: совсем не важно, какого ты цвета, главное, что все мыши любят сыр!

Мистическая постановка создана по известной сказке Оскара Уайльда. Спектакль с ироничными придумками и обаятельными куклами предназначен для всей семьи. Где прячутся, чем питаются и о чем мечтают привидения? До смерти напугать людей? Но если люди не боятся его гремящих по ночам цепей и могильных стонов, призраку ничего не остается, как уйти на покой… Вот только избавление от проклятья может подарить ему далеко не каждый человек. Ведь для этого необходимы искренность, чуткость, способность к состраданию.

Поэма Н. Гоголя – классика русской и мировой литературы. Режиссер М. Белякович представит свою версию известного произведения в жанре мистического триллера. Роли в этом спектакле исполняют ведущие актеры театра: А. Багиров, А. Матошин, М. Белякович, А. Белов, А. Кудзин и другие. Главный герой Чичиков приезжает в уездный город и встречается с местными помещиками. Его предложение всех шокирует: он скупает у них мертвые души, не вычеркнутые из списков живых. Зачем они Чичикову? Никто не знает. Как никто и не догадывается о его прошлом. Новое драматургическое прочтение знаменитой поэмы Н. Гоголя сегодня чрезвычайно актуально. Обличение социальных пороков, которые и сегодня никуда не делись, – важная миссия искусства. В спектакле раскрываются не только сатирические, но и духовные смыслы сочинения.

Авторская песня была важной составляющей культурной жизни СССР. Можно назвать много выдающихся имен того времени, среди которых театр «Академия слова» особо выделяет три: Александр Галич, Булат Окуджава и Владимир Высоцкий. Для кого-то произведения советских поэтов, исполнявших свои стихи под гитару, связаны с ностальгией по ушедшей эпохе, кто-то ощущает благодаря поэзии Галича, Окуджавы, Высоцкого, некую связь времен… Так или иначе, творчество этих поэтов оставило яркий, незабываемый след, оно до сих пор будоражит умы и сердца избранного круга людей. Музыкально-поэтический спектакль театра «Академия слова» посвящен как самим поэтам, так стране, в которой они жили, людям, судьбы которых волновали, ценности человеческой жизни и, конечно, любви. В спектакль включены стихи Галича, Окуджавы, Высоцкого. Музыка к стихам – в обработке композитора и музыканта, артиста Концертного объединения «Москонцерта» Александра Блока.

Кто не знает героев замечательных книг Николая Носова, которые запели и затанцевали в этом веселом спектакле для маленьких зрителей? Николай Носов создал удивительный мир, наполненный шутками, приключениями и дружбой. Незнайка и Знайка, Синеглазка, Цветик и прочие обаятельные коротышки отправляются в путешествие на воздушном шаре, где они успевают пережить удивительные приключения и лучше узнать друг друга. Стихи, загадки, смешные скороговорки и веселые песенки вместе с героями сказки с удовольствием повторят и юные зрители.

«С оперы «Набукко» действительно началась моя творческая карьера», – говорил Верди. Первая опера 28-летнего композитора, имевшая огромный успех на сцене, – именно она стала сочинением, после которого Верди, переживший провал двух своих опер и личную трагедию, воспрял духом и вновь вернулся к творчеству. Обратить внимание на либретто Солеры «Навуходоносор» Джузеппе Верди уговорил импресарио театра Ла Скала Мерелли. Библейский сюжет о раскаявшемся в своих грехах и пришедшем через страдания к истинной вере вавилонском царе, о страданиях несчастных евреев, о коварстве дочери Навуходоносора Абигайль, стремящейся любой ценой добиться власти, по-настоящему взволновал Верди. Премьера, состоявшаяся 9 марта 1842 года в Ла Скала, произвела фурор. Верди в один день стал знаменитым.

Имя поэта, барда и актера Владимира Высоцкого еще при жизни стало легендой. А начиналось все в послевоенных московских двориках, где рос скромный мальчик из семьи военного, мечтающий стать актером. И он стал им. И прожил сотни жизней не только на сцене и на экране, но и в своих песнях, которыми заслушивалась вся страна. Образ Высоцкого возникает из разыгранных на сцене эпизодов его жизни, исповедальных стихов и песен. В основу спектакля легли воспоминания современников, малоизвестные факты жизни Высоцкого, фрагменты из писем и дневников. Как и у многих поэтов, биография Высоцкого описана в его песнях и стихах. В исполнении актеров Московского Губернского театра звучат самые знаменитые из них: «Я не люблю», «Моя цыганская», «Баллада о любви», «Мой черный человек», «Лирическая», «Я несла свою беду», «07», «Кони привередливые», «На Большом Каретном» и многие другие. Песни Высоцкого исполняются в разных жанрах – от классического бардовского исполнения под гитару и оркестровых аранжировок в стиле 70-х годов прошлого века до абсолютно нового рок-звучания.

Пьеса «Горе от ума» в интерпретации театра превратилась в комедию характеров, обличающую гипертрофированную односторонность человеческих качеств. Дворянская усадьба вписалась в скромное пространство небольшой сцены театра. Сюда-то и попадает Чацкий, прибывший в Москву из далекой призрачной Европы. То, что его здесь никто не ждал, понятно сразу. Дом и без того живет полной жизнью. Мужчины без ума от смекалистой, кокетливой и вполне доступной Лизы. Красавец Молчалин без всякого сомнения достигнет «степеней известных». Фамусов ведет беззаботную и полную барских удовольствий жизнь, а фарфоровая барышня Софья, подобно мраморной Диане, холодна ко всем. Знаменитая сцена бала превращается у Спесивцева в костюмированный маскарад, и в этом театрализованном великолепии бедняга Чацкий выглядит белой вороной. Чацкий чужой на этом празднике жизни. И его визит в дом Фамусова – лишь досадное недоразумение, которое было очень скоро исправлено предприимчивыми обитателями «московского гнезда», о которых режиссер рассказал так иронично, беззаботно и удивительно легко.

Два приятеля спустя годы встречаются в санатории на берегу Черного моря. Один из них, Валентин, – преуспевающий чиновник, женатый человек, приехал на море отдохнуть. А второй, Сергей, – одинокий массовик-затейник, он на этой базе отдыха работает и живет… Это история о любви и страхе, об их силе и первенстве, о том, что деятельная любовь может оказаться совсем не во благо… На пятачке сцены театра «Сфера» родился большой и значительный спектакль. Он теплый по атмосфере, живой, сильный по актерской работе и колоссальный по эмоциональному воздействию. А главное – этот спектакль напоминает, что во все времена есть преграды, с которыми нужно бороться за любовь.

Откликаться на самые важные исторические события всегда было свойственно Малому театру, составляло одну из его главных традиций. Спектакль Андрея Житинкина по знаменитой пьесе Виктора Розова "Вечно живые" - это попытка воскресить в нашей памяти события, поступки и чувства людей, живших в годы Великой Отечественной войны. Боль потерь, честь и долг, искренняя любовь и приспособленчество - эти понятия снова и снова оживают в наших сердцах. Режиссер-постановщик Андрей Житинкин: «Для меня это очень личный спектакль, два мои деда не вернулись с войны… Но наш спектакль не об окопах, а о том, что ломает война в душах человеческих. И еще, конечно, это посвящение нашим близким. Это метафора памяти. Только любовь помогает выжить в условиях войны и не потерять себя. Для многих молодых людей разрешение конфликта Розовым станет настоящим откровением. Сегодня очень важно подарить зрителям надежду…».

В утренней суматохе богатого московского дома снуют слуги, беспрерывно звонят в дверь посетители: артельщик от Бурдье с платьем для молодой барыни, интересующийся всем на свете господин Сахатов, непутевый буфетчик, элегантный доктор. Не торопясь, к завтраку спускаются и хозяева дома, чтобы в очередной раз погрузиться в разговоры о медиумах, спиритизме и сеансах. Череду визитов продолжают нежданные гости – мужики из Курской деревни, хлопочущие о покупке земли. Как это ни парадоксально, но главный вопрос их жизни решит находчивая служанка. Первая ремарка у Толстого – «молодой и красивый лакей глядится в зеркало и прихорашивается». Ее-то и взяли за основу художник Сергей Бархин и режиссер Миндаугас Карбаускис, воплотив в декорациях само театральное понятие «зеркало сцены». Именно зеркало стало своеобразным паспартом к спектаклю: вот неловкий буфетчик репетирует роковой взгляд, старательно причесывает лысину господин Сахатов, лакей Григорий, красуясь, вспоминает любовные победы, хозяйка дома, проходя мимо, поправляет прическу, а служанка Таня усердно все начищает до блеска тряпкой. Спектакль – один из самых «густонаселенных»: в постановке задействованы все поколения труппы театра.

Повесть Бориса Лавренева «Сорок первый» была написана в 1924 году за два дня. Выдающийся художественный текст, занимающий особое место в русской литературе, – история о любви, которая рождается вопреки миру и времени. Эта невероятная любовь вспыхивает в условиях почти фантастических, зыбких. Медное солнце, синь-море, бескрайняя пустыня, кораблекрушение. На необитаемый остров закинула Гражданская война двух непримиримых классовых врагов. Юная тоненькая Марютка, девочка-воин, пишущая нелепые стихи о революции и Ленине, бывшая рыбачка, а теперь революционный снайпер, ведущая счет убитым ею врагам (уже сорок!), – и Вадим Говоруха-Отрок, поручик белой армии с синими как море глазами, белая кость, враг из другой жизни, другой культуры, которая исчезает безвозвратно в страшной Гражданской войне. В спектакле от выстрела до выстрела эти двое, как Адам и Ева, проживают будто всю историю человечества, библейскую, мифологическую, земную: и хождение по пустыне, и потоп, и обретение рая, и изгнание из него. Люди, в каждом из которых заключена вся планета, весь мир, от капли воды до космической бездны, услышали в себе самое лучшее, истинное, единственно важное – любовь.

Что, если в 91 год жизнь только начинается – по-настоящему? Герой спектакля, Альмандар из деревни Альдермеш, знает об этом немало. Он упрямо любит мир, смеется, спорит, мечтает и не собирается сдаваться возрасту. Его сердце по-прежнему открыто жизни – и именно это делает его по-настоящему опасным собеседником. Однажды к Альмандару приходит тот, кого обычно боятся и о ком предпочитают молчать, – посланник смерти. Но вместо страха возникает разговор. Честный, ироничный, глубокий. Диалог о времени, прожитых днях, свободе выбора и о том, что делает человека живым. И чем дольше он длится, тем больше сомнений появляется у того, кто пришел выполнить свою миссию. Спектакль по произведению классика татарской литературы Туфана Миннуллина – это мудрая, светлая и неожиданно жизнеутверждающая история. О старости без уныния, о жизни без спешки и о том, что возраст – лишь цифра, если душа умеет радоваться каждому мгновению. Это история, после которой хочется жить внимательнее и благодарить каждый день.

«Таня» – одна из самых значимых пьес советской драматургии, написанная Алексеем Арбузовым в 1938 году. Это камерная драма о любви и счастье. Главный персонаж – молодая женщина Таня, жена талантливого конструктора, посвятившая свою жизнь карьере любимого мужа. Она растворена без остатка в своей любви, но находит силы отказаться от нее, узнав о предательстве мужа. Это простая, но вместе с тем очень трогательная история о человеке, обретающем самого себя. Официальная премьера 27 апреля 2022. Режиссер и инсценировка Константин Богомолов. Художник-постановщик и художник по костюмам Лариса Ломакина. Художник по свету Иван Виноградов.

Александр Пушкин – символ национального самосознания, центр русской культуры, и именно потому спектакль об этом великом поэте России появился в репертуаре Московского государственного историко-этнографического театра. Михаил Мизюков выбрал пьесу Андрея Платонова «Ученик лицея», написанную в 1950 году и знакомящую зрителя с прекрасным периодом юности Александра Пушкина – периодом его обучения в Царскосельском лицее, ставшим временем пылких юношеских мечтаний и первых стихотворных опытов. Собственно говоря, Александр Пушкин здесь – ровесник тех юных школьников, которые придут в зрительный зал. Итак, в 1811 году Пушкин поступает в Царскосельский лицей. Здесь его лучшими друзьями становятся Дельвиг, Пущин, Кюхельбекер. Лицеисты жадно интересовались событиями того времени, тайком читали запрещенные книги, мечтали о вольности и преобразовании России. Они дружили пылко и страстно, сохранив свою дружбу на всю жизнь. По ходу сюжета зрители познакомятся с ближайшим окружением поэта, попадут в петербургский дом сестры Пушкина Ольги Сергеевны, увидят его няню Арину Родионовну, которая была самой большой душевной привязанностью поэта и заменила ему мать, познакомятся с дядей Пушкина Василием Львовичем, а также знаменитым другом Пушкина Петром Чаадаевым, встретятся и с известным поэтом Василием Жуковским, высоко ценившим стихи юного Александра. Спектакль воссоздает настоящую атмосферу лицейской жизни живо и точно. Можно увидеть воочию знаменитых лицейских друзей Александра Пушкина – Ивана Пущина, Вильгельма Кюхельбекера и Антона Дельвига.

Московский новый драматический театр (в новом сезоне) приступает к осуществлению масштабного проекта, включающего в себя четыре основные пьесы А. Чехова – «Чайка», «Дядя Ваня», «Три сестры» и «Вишневый сад». Безусловно, каждая из них имеет свой, обособленный сюжет. Но если присмотреться ко всему происходящему в этих пьесах внимательно, вчитаться, то можно найти много общего, переходящего из одной истории в другую. Да и место действия всех четырех пьес одно – провинциальная Россия, далекая от столичных проблем. Чехов словно наблюдает жизнь людей то в одном доме, то в другом. Везде встречаются похожие друг на друга персонажи и слышатся одинаковые реплики. А во всем пространстве этих чеховских пьес у всех его героев бьется и вырывается наружу желание понять, «зачем мы живем, зачем страдаем». Антон Павлович создал панораму русской жизни на ее излете перед историческим переломом, сменившим генофонд нации. Какие человеческие качества исчезли навсегда, какие заняли главенствующее место в поведении людей после смены исторических обстоятельств? Кажется, что неизменным остается лишь стремление человека к счастью, попытка понять, в чем же оно.

Постановка приурочена к 80-летию Великой Победы. Смыслы, заложенные в тексте советского драматурга Ивана Стаднюка, режиссер-постановщик Ирина Михайленко, победительница режиссерской лаборатории в Малом театре, раскрывает через символические образы. Война переплетает судьбы, лишает человека мира в душе, ставит каждого перед выбором, заставляет задуматься, как не потерять себя, спасая других. В белых палатках полевых госпиталей военные медики борются за жизни воинов, а параллельно разворачивается другое поле битвы – в сердцах людей. «Важно понять другого человека и даже оправдать. Главное, чтобы мы помнили, что были такие люди, что они достойно сражались и тоже переживали, что у них не все всегда получалось. И, несмотря на то, что их уже сегодня нет среди нас, осталась память о них. Этот спектакль о войне. Но в первую очередь он о людях, которые столкнулись с ужасами Великой Отечественной войны», – режиссер-постановщик Ирина Михайленко.

На российских просторах роман В. Гюго переносили на балетную сцену Ж. Перро, М. Петипа, А. Горский, В. Бурмейстер. Сегодня без потерь текста существует только версия В. Бурмейстера. Она была создана в самую подходящую для такого сюжета эпоху – эпоху драмбалета и, наверное, в самом подходящем для этого театре – Московском академическом Музыкальном театре. В. Бурмейстер вместе с В. Тихомировым написали новый вариант либретто. К музыке Ц. Пуни, оркестрованной и облагороженной Р. Глиэром в 1920-е годы, была добавлена музыка С. Василенко, специально написанная для балета В. Бурмейстера. Сценографию создал А. Лушин, тогдашний главный художник театра. Эсмеральду на премьере танцевала выдающаяся балерина В. Бовт. Балетоведы называют «Эсмеральду» В. Бурмейстера в числе лучших драмбалетов. Про такие спектакли говорят: «украшает афишу». Он – такой же знак балета Музыкального театра, как пьесы А. Чехова для Московского Художественного театра. Он передавался от одного поколения к другому, «из ног в ноги» от первых исполнителей к теперешним солистам.

Художественный руководитель театра Марк Розовский вновь обращается к отечественной классике. На сцене театра – трагикомедия «Горе без ума», сценическая редакция бессмертного шедевра российской словесности. Комедия в стихах «Горе от ума» А. Грибоедова чрезвычайно злободневна: в центре – конфликт общества и личности, противостояние чести и подхалимства, любви и пошлости, верности и предательства. Критический взгляд на состояние современного мира усиливают используемые Розовским в постановке фрагменты переписки А. Пушкина с П. Чаадаевым.

Спектакль Светланы Земляковой «Деревянные кони» поставлен по мотивам повестей Федора Абрамова «Деревянные кони», «Пелагея» и «Алька». Спустя 50 лет ставший каноническим спектакль Юрия Любимова «Деревянный кони» возвращается в Театр на Таганке – теперь в интерпретации режиссера Светланы Земляковой. Глухая русская деревня как замкнутый, самостоятельный мир. Как некая цивилизация, пережившая свой расцвет и закат. Три героини. Три поколения. Три жизни. Василиса Милентьевна – совершенно утерянный сегодня, почти иконописный образ невероятного смирения-принятия. Пелагея – мощь и красота, за которыми уже прячется эго. И Алька – вылетела птичка из гнезда, заколотила досками свой дом, и ушло все под землю...

«Чехов неисчерпаем, сколько бы к нему ни обращались. Всякий раз видишь в нем что-то ранее незамеченное, непочувствованное, неоткрытое», – так говорит известный режиссер Андрей Кончаловский, фильм которого «Дядя Ваня» (1970 г.) стал одной из лучших экранизаций великого драматурга. В театральной постановке режиссер вновь обратился к пьесе и ее героям, чтобы еще раз осмыслить вечную тему поиска человеком самореализации и счастья. Мир Антона Чехова, созданный на сцене, буквально сталкивается с сегодняшней суетной повседневностью. Этим сценическим приемом режиссер объединяет формы традиционного и современного театра. Спектакль, по замыслу режиссера, поставлен в классической эстетике, но в неклассической интерпретации. Глубокая и точная режиссерская трактовка, мощный актерский ансамбль, стильное оформление делают постановку яркой, психологически тонкой и зрелищной.

Очаровательная комедия А. Н. Островского, замыкающая трилогию о любовных похождениях мелкого чиновника. Миша Бальзаминов наивен, простодушен и кажется маленьким капризным ребенком. А между тем он уже вступил в тот прекрасный возраст, когда самое время всерьез задуматься о женитьбе. Но как тут найти одну единственную, когда вокруг столько чудесных и, главное, состоятельных невест! Вот и мечется новоиспеченный жених от одного дома к другому, то и дело попадая в самые нелепые истории. На классический текст пьесы, давно разошедшийся на цитаты, режиссер Максим Мышанский решается взглянуть по-новому. В его неожиданной интерпретации спектакль – скорее остроумный фарс, красочный карнавал или ярмарочные гуляния, где все по-русски весело, широко и с размахом!

Одна фраза – и жизнь маленького города летит кувырком. «Уезжаю я…» – говорит Коля. Сгоряча, от скуки или просто так. Но в мире провинциального городка ни одно – даже случайно брошенное – слово не проходит бесследно: слух об отъезде Коли, возникнув мгновенно, разрастается. И вот уже соседи делят его вещи, близкие – его судьбу, а он сам… еще никуда не уехал. На сцене: смех и слезы, абсурд и поэзия, разговоры шепотом и крики в полный голос. Жизнь вдруг становится громче, быстрее и нелепее, чем прежде. Но за этим комическим хаосом – до боли знакомая тема: когда человек настолько незаметен, его «исчезновение» кажется логичнее, чем его присутствие… Это история о каждом, кто хотя бы раз чувствовал себя лишним, и о том, как одна случайная фраза может стать резким поворотом на бездорожье. В спектакле используется стихотворение Бориса Рыжего «В России расстаются навсегда».

Режиссёр Владислав Наставшев: «Интересно задуматься о том, кто в «Идиоте» главный герой. С одной стороны, конечно, князь Мышкин. Он резко отличается от других действующих лиц. Мышкин – человек «извне», он приезжает в Россию из Швейцарии, где прожил долгое время. Поэтому он способен взглянуть на Россию не только «изнутри» как русский человек, но и с позиции другой культуры. Достоевский ведь и сам писал «Идиота», находясь за границей. Мышкин – не такой, как все, еще и потому, что он болен; его взгляд на действительность поневоле отличается от взгляда окружающих его здоровых, или «нормальных» людей. С другой стороны, князь Мышкин – не только действующее лицо. Он – еще и зритель разворачивающейся перед ним драмы, в которой другие герои – актеры. Играя свои роли, они втягивают Мышкина в свое действие, и он становится «идиотом» в том смысле, что перестает отличать правду от вымысла, свою правду – от чужой игры. Романы Достоевского верно называют «полифоничными». Это значит, что каждый из героев претендует на обладание некой конечной правдой. В столкновении разных правд рождается новая реальность, в которой с равной силой звучат разные голоса. В этом смысле все герои «Идиота» – авторы сюжета; все герои главные, они даже спорят за авторство своей истории. Поэтому в романе невозможно определить одну правду – «главную» для всех. В этом хоре голосов Достоевский стремится услышать и предугадать будущие судьбы своей страны и ее людей. «Идиот» – это, конечно, роман о России.»

Режиссерским дебютом актера Сергея Волкова был спектакль «Преступление и наказание», поставленный в 2013 году в Санкт-Петербургском театре имени Ленсовета. И вот – новый диалог с Федором Достоевским, теперь уже на мхатовской сцене. Спектакль «Идиоты» – не пересказ романа «Идиот», а, скорее, рефлексия его персонажей, их попытка «хоть с одним человеком обо всем говорить, как с собой». Из всех персонажей густонаселенного романа на сцене только четверо: Мышкин, Настасья Филипповна, Аглая и Рогожин. Сергей Волков сосредоточился на знакомом всем любовном квадрате, вокруг которого вьется движение и в котором есть воздух и пространство, чтобы выйти в вертикаль. Федор Достоевский, по мнению автора спектакля, всегда трамплин в вертикаль. Режиссер называет темами этого спектакля несоответствие человека той роли, которую ему приписывают, и разрыв между тем, кем его хотят видеть и кем он оказываемся наедине с собой. А центром постановки стало неуклюжее милосердие, которое, спотыкаясь и промахиваясь, все-таки дает надежду превратить одиночество рядом друг с другом в близость.

Спектакль по рассказам Татьяны Толстой «Милая Шура» и Веры Инбер «Соловей и Роза». Самыми сильными по воздействию порой являются вещи неочевидные. Зритель вдруг начинает понимать, что часы над головами актеров не неправильное время показывают, а идут в обратную сторону. Они просто отсчитывают время назад и уносят за собой в прошлое, создавая иллюзию, что еще можно вернуть утраченную любовь и исправить необратимые ошибки. В первой части «Милая Шура» – виртуозный текст Татьяны Толстой и игра Людмилы Давыдовой рисуют картины прошлого, в котором царствуют черный кофе и белые кексы, высокие потолки с лепниной и шляпы с кружевами... Вторая часть «Соловей и Роза» – полная нежности и юмора история влюбленности портного Эммануила Соловья в молодую актрису.

«Ты для меня – надежда на будущее. Ты для меня – находка, желанная и дорогая, при которой я не утрачу собственного «я». 100-летию со дня рождения великого русского артиста Иннокентия Смоктуновского (28.03.1925 – 03.08.1994) Московский Художественный театр посвящает спектакль «Люблю. Целую. Кеша». В его основе – переписка 30-летнего Смоктуновского и его жены Суламифи, письма, отражающие время, когда все только начиналось – отношения, семейная жизнь, путь к успеху, в который Суламифь верила больше, чем Иннокентий. Признание гением, слава, роли, вписанные в историю искусства, подмостки великих театров, всенародно любимые фильмы – все впереди, а пока: «…не беда, коли звезды поначалу достают палкой, ведь надо учиться чем-то тянуться к ним». Письма, хранящиеся в фондах Театрального музея имени А. А. Бахрушина, ранее не публиковались и публично звучат впервые. В 2024 году театроведом Александрой Машуковой по ним была создана документальная пьеса «Дорогая моя находка», которая стала фундаментом спектакля. В режиссерской версии пьесы использованы фрагменты мемуаров Иннокентия Смоктуновского «Быть!».

Спектакль поставлен по мотивам пьес «Лошадка» Ольги Богуславской и Юлии Тупикиной и «Ловля окуней в июле» Игоря Витренко и Александра Тюжина. «Мой самый Сон» – камерная постановка по двум современным пьесам, в основе которых лежит конфликт между матерью и дочерью. Создатели спектакля размышляют об опыте выживания в ситуации «нелюбви» и предательства самого близкого человека, о травме, передающейся через поколения, но также и о попытке спасти близкие отношения, в которых нуждаются и мать, и дочь. Сергей Сотников: «В процессе работы оказалось, что у пьес одна тема, что они замечательно дополняют и развивают друг друга. Первая пьеса – история клаустрофобии, ужаса от полного отсутствия любви, взаимопонимания, эмпатии. В ней мы почти что спускаемся в своеобразный ад человеческих отношений. Вторая история дает нам возможность «выдохнуть и взлететь», увидеть сопереживание, примирение. Это психотерапевтический сеанс».

Молодой купец Николай Иванович и его жена Глафира Семеновна едут в свое первое путешествие в Париж. Окрыленные ожиданиями, они простодушно удивляются всем чудесам французской земли, устремляясь навстречу новым впечатлениям. Однако очень скоро чужбина покажется уже не такой гостеприимной, и герои отправляются назад со святым убеждением, что «в гостях хорошо, а дома лучше». У Екатерины Еланской получился спектакль легкий, смешной и чуть романтичный. Эдакая фарфоровая игрушечка. Бонбоньерка. Актеры с видимым удовольствием отрабатывают множество игровых ситуаций, очаровывая изяществом и яркостью. Режиссер выстраивает загадочный, волшебный и немного чудной мир Парижа, так смутивший наивного купца и его жену...

Эта история так же смешна, как и печальна. Человек безумно любил свою жену, но сделал все, чтобы ее потерять! Он хотел бы начать новую жизнь, но прошлое не отпускает его. Поезд жизни мчит вперед, а в нем – случайные попутчики, свидетели на суде, встреча с женщиной, сны, воспоминания, надежды. Прекрасная игра актеров то вызывает неудержимый хохот, то заставляет задуматься. На фоне нелепого, смешного поведения персонажей гораздо ярче просматривается трагичность их судеб. А в самом деле, можно ли переиграть жизнь заново?

Как ошибки родителей отражаются на детях? Насколько сильно желание свободы у тех, кто вырос среди компромиссов и лжи? Сумеет ли новое поколение разорвать «цепь зла», или оно обречено жить в рамках, навязанных историей и выбором их отцов? За закрытыми дверями дома отношения трещат по швам: глава семьи, отец пятерых взрослых детей, внезапно лишается властной должности, места полицмейстера. Теперь ему приходится просить деньги у брата, а детям – ютиться в доме дяди. Не все из них разделяют взгляды отца, но как жить иначе, если все детство прошло под его суровой властью? Ссоры превращаются в допросы, признания – в приговоры, любовь – в улику, а правда – в риск. Режиссер Олег Липовецкий впервые обращается к тексту Горького, вслушиваясь в эпоху, когда за потрясениями революции следовал расцвет внутренней свободы: стремление к новому, разрушение привычных границ, поиск иных форм искусства. Пространство спектакля – вращающийся круг; зрители находятся совсем близко, почти внутри его орбиты. И этот круг не останавливается – он постоянно движется, втягивая всех вокруг в свое движение…

В предстоящем «Романе», спектакле-событии главного режиссера Центрального академического театра Российской армии – народного артиста России Александра Лазарева – по мотивам прекрасного и вечного произведения Михаила Булгакова «Мастер и Маргарита», зритель не встретит привычные театр «Варьете», «нехорошую квартиру», так называемый Дом Грибоедова и Патриаршие пруды, но встретит намного большее… Эту сторону романа затрагивают обычно мельком, поверхностно или не освещают вовсе, эта линия не такая привлекательная и зрелищная, но заставляет думать, сопереживать и, самое главное, сострадать. Даже если обзавестись тряпками и заткнуть ими все щели, сострадание живет глубоко внутри человека. Именно эту неразгаданную историю выбрал главный режиссер Александр Лазарев – историю Понтия Пилата, принявшего решение тогда, давно, четырнадцатого числа весеннего месяца нисана. Главные роли исполнят настоящие мастера сцены: Понтий Пилат – Александр Балуев и заслуженный артист России Максим Аверин, Воланд – народный артист России Александр Домогаров. Впервые за много десятилетий откроется танковый подъезд, откуда появятся вороные кони. Во всем, начиная от костюмов и заканчивая деталями реквизита, – изысканность и лаконичность, под стать великому произведению. Балетмейстер Михаил Колегов создает пластические сцены, в которых задействованы 60 танцовщиков, выбранных для спектакля.

Помимо основного заработка, Якову приносила доход игра на скрипке, обыкновенно на свадьбах и концертах местечкового оркестра, большинство музыкантов в котором были евреи. Играл он хорошо, но из-за грубого отношения к флейтисту оркестра Ротшильду, который вызывал у Якова презрение и ненависть за свою жалобную игру, приглашали его не часто и «только в случае крайней необходимости». Яков – это алчный, жестокосердный человек, никогда не пребывающий в хорошем расположении духа и постоянно терпящий убытки от сидения сложа руки в праздники, коих набиралось около 200 дней в году. Со страшными мыслями герой обыкновенно справлялся с помощью скрипки, струны которой он предпочитал перебирать в темноте, и ему становилось легче.

«Сон в летнюю ночь» по пьесе Уильяма Шекспира – веселый, яркий спектакль, наполненный юмором и волшебными превращениями. Действие комедии начинается в декорациях телевизионного шоу, где стираются рамки между правдой и вымыслом. В этой измененной, полуабсурдной реальности возможны любые чудеса и трансформации, которые меняют восприятие героев, становятся испытанием, проверкой чувств на прочность. Режиссер спектакля – художественный руководитель Театра им. Н. В. Гоголя Антон Яковлев: «Эта пьеса для меня – гротескное выражение сегодняшней жизни, которая иногда сама похожа на безумный сон...»

Прельстившись изнаночной стороной жизни театра, главный герой, молодой автор Максудов, обретает свой мир, который становится его же проклятием. Театральная очерченность волшебного мира, его закулисье, напоминает путешествие без карты. Здесь, как во сне, все время происходит что-то непостижимое, по законам другой, театральной, правды и иной логики. Несколько кафкианской. Очарование, влюбленность разбились о жестокость и непредсказуемость театрального мира. Театральный человек – личность, воспринимающая жизнь по законам сцены. Это делает его и уязвимым, и безжалостным. Для одиночки-автора соблазн волшебного чарующего мира – в коллективной кипучей деятельности, которая ничем для него не кончается. Одиночка оказывается вытесненным наружу. Максудова раздирает двуединое противоречивое чувство любви-ненависти. Очарованность сменяется отчаянием. Театр не прощает никакой эйфории, никаких восторгов. Театр причиняет и боль, и радость. Чего больше? У каждого по-своему. Подробно о спектакле – на сайте театра.

Новая интерпретация знаменитого текста отличается от других версий не только необычной формой воплощения, но и количеством героев. В спектакле – сразу три Зилова, символизирующих до боли знакомый образ человека, хотя бы раз в жизни встречавшийся каждому. Главный герой пьесы Александра Вампилова «Утиная охота» вошел в историю как русский Гамлет. Постигая тайны собственного я, одинокий и опустошенный Зилов рефлексирует над миром вокруг в попытке понять, «быть или не быть». Анна Закусова решает драматическую ситуацию через пластику, выражая в ней все то, что нельзя высказать словами. Режиссер Анна Закусова: «Мне интересен Зилов. Я хочу поговорить о нем, о его состоянии. Пьесу Вампилова долго не ставили, даже всем полюбившийся фильм пролежал на полке, пока его не увидел зритель. Вампилов, продолжая традиции Чехова и Гоголя, говорит о «лишних людях», и я понимаю, что знаю таких людей, знаю Зиловых. Мне интересно говорить про них, про этих настоящих людей. Мы видим Зилова в драматически напряженный момент его жизни, на пороге, который нужно переступить. Момент, который вынуждает Зилова к действию. Вся пьеса – воспоминание, даже как будто сон. И эта нереальность происходящего дает возможность говорить на языке движения, тела и пластики…»

Главный герой романа – умственно отсталый Чарли – соглашается на экспериментальную операцию на мозге. Его интеллект начинает стремительно расти. Но могут ли знания сделать человека счастливым? Нужно ли обладать высоким IQ, чтобы быть личностью? Режиссер Юрий Грымов создал чувственный эксперимент в области человеческих отношений. Он увидел историю живой и абсолютно библейской, и поэтому – про людей и вне времени. Исполнитель главной роли Максим Керин стал лауреатом премии «Хрустальная Турандот» за роль Чарли Гордона. Билеты можно приобрести у операторов: ООО «Компания Афиша» – по ссылке; ООО «МДТЗК» – по ссылке; ООО «Яндекс Афиша» – по ссылке.

Любой актер мечтает о Шекспире - о своей заветной главной роли. Сыграть Ромео и Джульетту, Гамлета, Отелло, Лира и Ричарда III… И в этом спектакле артистам выпадает шанс на бенефис. Куклы вместе с актерами докажут, что им по плечу вечные шекспировские темы - любовь, смерть, актер, театр...Зрители увидят день в театре без начала и конца. Артисты разминаются, поют под гитару, опытные мастера поучают молодых. Но когда они берут в руки кукол, спонтанно возникают мини-спектакли – то ли это репетиция, то ли импровизация, то ли сама жизнь. Ведь место действия – театр. Вчера, сегодня, завтра.Авторы постановки раскрывают все разнообразие и силу играющих кукол. В каждом отрывке использованы разные системы кукол: планшетные и перчаточные, тростевые и марионетки, маски и сложные необычные инсталляции. Даже декорация тут становится персонажем! А в «Ромео и Джульетте» столкновение двух противоположных систем кукол - это часть драматургии. Но освободившись от своих нитей и тростей, куклы воспарят над сценой в танце любви.В спектакль вошли сцены из пьес: «Гамлет», «Сон в летнюю ночь», «Ромео и Джульетта», «Ричард III», «Отелло», «Король Лир».

Николай Лесков, «Очарованный странник» (Житие человеческое) Режиссер Наталья Ковалева: «Эта история – сегодняшняя. Читаешь последние страницы повести и проникаешься тревогой ее героя. Он страшится за свой народ, потому что когда все кричат о мире, то нападает «всегубительство». А что мы видим вокруг? В газетах, в интернете, по радио, на телевидении – все рассказывают нам о том, как борются за мир и покой, а на деле – там война, там террористический акт, там насилие, там вандализм, там коррупция, там грабеж, там ложь и так далее. Время от времени каждый из нас задает себе непростые вопросы: кто я? зачем я живу? каково мое назначение? что я могу и не могу себе позволить? Вместе с героями спектакля мы отправимся в очарованное странствие по своей жизни. Пароход. Маленький кусочек суши посреди бескрайней воды. Иван Флягин плывет на святой остров. Долгий путь располагает к размышлению, к внутренней исповеди. И развернется перед нами человеческая жизнь. Яркая, полная непредсказуемых поворотов, ситуаций смешных и горьких. В ней будет все: высокая жертвенная любовь, муки телесные и душевные, жестокость и сострадание.

Новая экспериментальная работа на сцене «Студии». Дебют режиссёра и драматурга Аделины Гизатуллиной. Аделина — выпускница Высшего театрального училища имени Михаила Щепкина, в 2014 году была принята в Первую студию Вахтанговского театра, до 2024 года служила в нашем театре, в том числе играла моноспектакль «Мисс Никто из Алабамы» на сцене «Студии». Поэтому камерное пространство «Студии», его возможности и риски — 35 зрителей находятся на расстоянии вытянутой руки от артистов — Аделина знает безукоризненно. Аделина Гизатуллина: «История спектакля рождается из непростых и противоречивых отношений Одри Хепбёрн и её матери — баронессы Эллы ван Хемстра. В основе лежат реальные факты биографии великой актрисы, но в центре повествования оказывается не сама Одри, а женщина, стоящая за её становлением. Что такое истинная материнская любовь? Это поддержка или требование? Принятие или стремление переделать? Я задаю эти вопросы не как исследователь, а как режиссёр, который ищет живую правду в человеческих отношениях. Мир знает Одри Хепбёрн как актрису, икону стиля, обладательницу премии «Оскар». Но о том, о чём она мечтала на самом деле, — знают немногие. Я уверена, что эта история откликнется не только у женщин. Мужчины также узнают в героях себя.»

В этот вечер старинная усадьба наполнится звуками, которые согревают осенью. Вас ждет захватывающее музыкальное путешествие от культовых танго-композиций до расслабляющей босса-новы и французского шарма. В программе прозвучат шедевры великих мастеров: Астор Пьяццолла и Карлос Гардель – короли аргентинского танго.Ежи Петерсбурский – автор легендарного «Утомленного солнца».Максимо Диего Пухоль и Хорхе Кардосо – мастера гитарной романтики.Антонио Карлос Жобим – создатель солнечной босса-новы.Жозеф Косма – автор незабываемых французских мелодий. На сцене – «Пикник-квинтет»: виртуозное исполнение, авторские аранжировки и невероятный драйв обеспечат яркие солисты: Мария Лошкарева (саксофон);Ирина Лемешкина (флейта);Ольга Заикина (фортепиано);Дмитрий Андреев (гитара);Александр Парфенов (контрабас);Сергей Тарев (ударные). Подарите себе вечер, полный вдохновения, тепла и живой музыки, которая останется в сердце надолго.

В программе вечера выступят лауреаты международных конкурсов и молодые таланты – студенты кафедры вокального искусства и оперной подготовки Московского государственного института музыки имени А. Г. Шнитке. Класс мастерства ведет народный артист России, доктор искусствоведения, профессор Михаил Михайлович Кизин. Вечер обещает стать настоящим музыкальным приношением вечной теме. Каждый номер программы представлен как письмо, адресованное сердцу слушателя, позволяющее на время забыть о суете повседневности. Музыкальное полотно концерта соткано из произведений разных эпох, составляющих золотой фонд отечественной культуры. Особая акустика зала галереи народного художника СССР А.М. Шилова позволит зрителям не просто услышать, но прочувствовать тончайшие нюансы звучания голоса и инструментального сопровождения молодых артистов. Программа также дополнится классическими романсами о любви, которые традиционно вызывают самый горячий отклик у публики.

Абонемент «Оркестровая палитра» откроется концертом, посвященным юбилею одного из старейших оркестровых коллективов страны. Многие выпускники Московской консерватории тесно связаны с коллективом, являются его артистами. В предстоящем концерте примут участие солисты Госоркестра России: Алексей Коноплянников (гобой), Василий Чернятин (кларнет), Егор Галышев (фагот), Валерий Жаворонков (валторна), Нина Куприянова (арфа), Алексей Гуляницкий (скрипка), Максим Тарноруцкий (виолончель), Ксения Апалько (фортепиано). В программе: Бах. Соната для гобоя и фортепиано соль минор, BWV 1 020; Шрекер. «Ветер» для скрипки, кларнета, валторны, виолончели и фортепиано; Сурила. Сюита для гобоя, валторны, виолончели и арфы; Майзедер. Трио для скрипки, валторны и арфы, соч. 41; Гизекинг. Квинтет для гобоя, кларнета, валторны, фагота и фортепиано.

Ансамбль старинной музыки «МонтеВерде» вместе со сводным оркестром, состоящим из музыкантов ансамблей «Пратум Интегрум» (Pratum Integrum) и «Алькантар» под управлением дирижера Дмитрия Брашовяна, представит на Малой сцене (камерной) музыку Григория Теплова из сборника «Между делом безделье» – первый в истории русский вокальный сборник, написанный в 1759 году Григорием Тепловым. Григорий Теплов – имя, которое сегодня не слишком знакомо современным слушателям, да и не многие музыканты его назовут. В первую очередь он был государственным деятелем, главой Академии наук, приближенным графа Кирилла Разумовского, но при этом он был и музыкантом-любителем. Музыка сборника исполняется сегодня не слишком часто, тем более нет концертов, посвященных только Григорию Теплову.

Сентябрьский музыкальный фестиваль «Творческая молодежь Московской консерватории» продолжит выступление Камерного оркестра Immensa Musica, который возглавит художественный руководитель и дирижер Андрей Серов, лауреат Международного конкурса, посвященного Игорю Стравинскому (2024, I премия). Программа концерта выстроена на контрастах: в ней соседствуют шедевры барокко и сложнейшие авангардные и спектральные сочинения XX века. Сольные партии исполнят Диана Телепнева (сопрано) и Екатерина Елистратова (альт). В программе: Франсуа Куперен. Leçons de ténèbres № 2; Дьердь Лигети. Соната для альта соло; Тристан Мюрай. «13 цветов заходящего солнца»; Пьетро Локателли. Concerto grosso, соч. 1 № 11; Марк-Антуан Шарпантье. Симфония «Пред алтарем», H. 508; Оливье Мессиан. «Пребывайте в любви» из цикла «Проблески потустороннего» (переложение для ансамбля Серова).

М. Мишин выступает с сольными и камерными концертами в залах Москвы, сотрудничает с симфоническими оркестрами под управлением З. Хакназарова, Б. Вороны, принимает участие в концертах, организованных обществом М. Юдиной, проводит тематические лекции-концерты. В концертный репертуар артиста входят произведения различных стилей и жанров как зарубежных, так и отечественных авторов. В своей программе пианист представит жанр фортепианной миниатюры в творчестве Ф. Шопена и А. Лядова, который восхищался музыкой польского гения, считая ее эталонной: Ф. Шопен. Семь мазурок. Три прелюдии, соч. 28. Фантазия фа минор, соч. 49. Largo ми-бемоль мажор. Полонез ля мажор, соч. 40 № 1. Два вальса; А. Лядов. Две прелюдии. Три мазурки. «Музыкальная табакерка», вальс-шутка, соч. 32.

Джазовый вечер с дегустацией под руководством опытного сомелье — событие, наполненное эстетикой и вкусом.

Юбилейная программа соберёт песни разных лет. Это возможность услышать знакомые композиции и вспомнить основные этапы музыкального пути группы.

Старинные иероглифы, суровые и справедливые боги, роскошные саркофаги и загадочные мумии — экскурсанты прикоснутся к культуре Древнего Египта и попробуют разгадать его тайны.

Всероссийский музей декоративного искусства приглашает на сборные экскурсии по постоянным экспозициям и временным выставкам музея для индивидуальных посетителей. Постоянные экспозиции музея: «Путешествие домой. Традиционное искусство России»; «Декоративно-прикладное искусство России XVII – начала XX века». Временные выставки: «Вера Мухина. Диалоги, грани»; «Врубель. Рождение нового искусства». Запись на экскурсии производится по телефонам: +7 (499) 973-32-14, +7 (495) 609-01-46, или на сайте музея.

Экскурсия знакомит с историей иконы «Богоматерь Боголюбская» XII века – памятника, созданного по заказу князя Андрея Боголюбского. Участники увидят подлинные произведения из собрания музея-заповедника «Коломенское», работы художника-реставратора Александра Горматюка и предметы из частных коллекций. Гости познакомятся с тремя разделами: первый посвящен реставрации иконы, которая длилась целое столетие и завершилась раскрытием авторской живописи XII века;второй рассказывает о Владимиро-Суздальской Руси времен Андрея Боголюбского – о строительстве храмов, укреплении княжества и почитании Богоматери как небесной заступницы;третий раздел обращен к византийским истокам образа Боголюбской и традициям иконопочитания.Посетители узнают, как менялась судьба святыни на протяжении веков, кому она угрожала и как ее спасали реставраторы. История иконы – это не только прошлое, но и пример того, как созидание и бережное отношение к наследию соединяют разные эпохи.

Обзорная экскурсия с экскурсоводом по основной экспозиции музея знакомит посетителей с жизнью и творчеством С. А. Есенина. Экскурсия охватывает весь творческий путь поэта, делая акцент на московском периоде творчества (1912–1915), петербургском этапе жизни (1915–1918). Гид расскажет о годах сотрудничества С. А. Есенина с имажинистами (1918–1921), а также о «болдинской осени» великого лирика – кавказском периоде творчества. В процессе экскурсии посетители смогут увидеть подлинные вещи поэта, фотографии, а также редкую кинохронику начала XX века, прослушать аудиозапись – чтение стихов самим Сергеем Есениным. В конце экскурсии можно задать интересующие вопросы, а также узнать о различных мероприятиях музея. Входной билет в музей оплачивается дополнительно.

Музей театральных кукол Театра Образцова занимает особое место на музейной карте России и мира. Начавшись некогда с выставки на балконе в первом здании театра на площади Маяковского, теперь он является одним из крупнейших – в его коллекции хранится более 5 тысяч экспонатов. Опытные экскурсоводы раскроют для вас историю мирового театра кукол и вехи его развития в России. Вы увидите кукол из разных стран и континентов. Узнаете, какие бывают театральные куклы, и какие секреты они скрывают. Вы познакомитесь с куклами спектаклей нашего Театра и его основателем Сергеем Владимировичем Образцовым.

На основе редких, ранее не экспонировавшихся сценических костюмов М. М. Плисецкой из собрания Бахрушинского театрального музея экскурсовод расскажет об основных этапах творческого пути М. М. Плисецкой, покажет развитие балетного искусства через ее репертуар и сценические образы, а также представит посетителям сотрудничество балерины с выдающимися отечественными и зарубежными хореографами классической и современной школы балетного искусства. На выставке, созданной в пространстве музея-квартиры, впервые представлены редкие сценические костюмы М. М. Плисецкой: пачка к балету «Раймонда» (1945, художник – Сергей Кобуладзе), элемент костюма к балету «Каменный цветок» (1959, художник – Симон Вирсаладзе) и блуза к номеру «Ave Майя» (2000, художник – Пьер Карден). Дополнят экспозицию фотографии М. М. Плисецкой в партиях этих балетов.

Вас ждет творческий вечер Виктора Сухорукова. Его имя – синоним творческой неуспокоенности, работоспособности, человеческой и актерской открытости. О нем хочется говорить только в превосходной степени: талантливейший, популярнейший, многоликий, неутомимый. Одним словом – человек-оркестр. Что может вдохновить такого известного актера на создание творческого вечера? Для Виктора Сухорукова таким поводом послужило посещение дома-музея Юлиана Семенова в Севастополе, стены которого увешаны фотографиями с автографами известных людей. Так родился этот вечер одного актера. Как монолог о людях. О встречах и невстречах, о дружбе и предательстве, о горе и радости. И, конечно, о любви и преданности. Виктор Сухоруков признается, что осуществил свои детские мечты. И пусть путь был нелегок и тернист, но главное, что он шел по нему сам. Плутал, ошибался, преодолевал крутые повороты, но он жил и продолжает жить собственной жизнью, не завидуя и не унывая. Вечер с Виктором Сухоруковым на ермоловской сцене – это история жизни человека театра в воспоминаниях, фотографиях и автографах. Это подарок не только поклонникам актера, но и всем любителям театра.

Встречи в Котельнической высотке — это камерные лекции об искусстве. Гости узнают интересные факты об архитектуре, дизайне и истории, их ждут великолепные виды на Москву, уютная атмосфера и вкусное угощение.