Театр «Новая Опера» им. Е. В. Колобова: афиша событий

Театр представляет новую версию балета «Свадебка» И. Ф. Стравинского, посвященную столетию со дня первой постановки (Париж, 1923). Знаковая для балетного искусства партитура здесь дополнится максимальным количеством подробностей и гиперссылок (визуальных ключей, узнавание которых позволит зрителю расширить мысленное пространство спектакля). «Свадебка» Павла Глухова решительно уходит от концепции минимализма, соединяя хор и танцовщиков в одном пространстве. Автор действует как хореограф-драматург и смотрит на партитуру Стравинского сквозь призму «Грозы» А. Н. Островского: насыщает сюжет подробностями, персонажей – характеристиками, хореографию – психологизмом, воплощает абстрактную идею ритуала через узнаваемую коллизию взаимоотношений между женихом и невестой, мужем и женой, старшим поколением и младшим, личными отношениями и связями с родом. Динамическая сценография Ларисы Ломакиной опирается на фактуру природных материалов, при этом подразделяя его на уровни конкретного действия и философского обобщения.

Главная оперная премьера сезона – «Портрет» М. Вайнберга, жанр которой постановочная команда определила как «мистическая драма». «Новая Опера» представит первую российскую полномасштабную театральную постановку «Портрета», и это будет второе обращение театра к операм М. Вайнберга (в 2017 году на сцене театра состоялась премьера «Пассажирки»). Десять лет спустя «Портрет» ставит та же творческая команда: режиссер-постановщик С. Широков – член Академии российского телевидения, режиссер-постановщик главных развлекательных телевизионных проектов телеканала «Россия-1», четырехкратный обладатель премии «ТЭФИ»; сценограф Л. Ломакина – художник, постоянный соавтор спектаклей К. Богомолова, автор сценографии в спектаклях «Новой Оперы» («Пассажирка», «Свадебка», «Кармен в моей голове», «Щелкунчик. Несказка»), художник-постановщик спектакля «Летучий голландец»; художник по костюмам И. Чапурин – знаменитый российский модельер, основатель модного бренда, заслуженный художник РФ. Спектакль станет первой постановкой в «Новой Опере» музыкального руководителя и главного дирижера театра Ф. Безносикова.

Трагическая любовная история разыгрывается на фоне борьбы египетского фараона против эфиопов. Доблестный египетский полководец Радамес полюбил Аиду – дочь эфиопского царя, томящуюся в рабстве у фараона. Но Радамес должен стать мужем дочери фараона, Амнерис. Из чувства неразделенной любви Амнерис мстит Радамесу, отдавая его на суд жрецов. Радамес приговорен к жестокой казни – к погребению заживо в подземелье. Вместе с ним добровольно хоронит себя и Аида. «Аида», созданная в 1871 году, – одно из совершеннейших творений Верди. Экзотический сюжет, основанный на старинной египетской легенде, красивейшие мелодии, развитые ансамбли, развернутые массовые сцены, торжественные шествия и балетные номера – все это приближает ее к жанру так называемой «большой оперы». Спектакль сопровождает песочная анимация в исполнении драматического театра песочного искусства «Пески времени».

Балет «Москва» представляет третий вечер современного танца в рамках проекта «Балет «Москва». Ракурсы», в котором танцовщики и педагоги труппы пробуют свои силы в качестве постановщиков. Вдохновленные новым опытом в громких премьерах театра, оснащенные самыми современными танцевальными техниками и стилями, артисты и репетиторы труппы открывают все новые и новые грани многомерного искусства современного танца. В новом сезоне продолжают свой путь в качестве постановщиков Максим Исаков, Дарья Комлякова, Андрей Лега и Арсений Гордеев. К ним присоединятся известные российские и зарубежные авторы. Среди них – Ади Бутрус и Став Струз, израильские хореографы. Бутрус – постановщик парижского Театра де ля Виль, лауреат премии министра культуры и спорта Израиля в области танцевального творчества за вклад в эту сферу. Из российских хореографов свои миниатюры представят Марианна Рыжкина и Павел Рябов. Марианна Рыжкина – прима-балерина Большого театра, заслуженная артистка России, выпускница и доцент балетмейстерского факультета ГИТИСа, лауреат премии «Душа танца». Начинающих коллег традиционно поддерживают более опытные хореографы. В итоге в выигрыше оказываются все – и прежде всего зрители, которые могут наблюдать появление и расцвет будущей звезды, становясь таким образом участниками творческого процесса.

Постановка «Князя Игоря» в «Новой Опере» основана на версии Глазунова – Римского-Корсакова в редакции постановщика лауреата «Золотой маски» Юрия Александрова. Актуализируя мысли и идеи, заложенные в «Слове о полку Игореве» и в некоторой степени скрытые за прекрасной музыкой Бородина, режиссер расставляет новые акценты. Интерпретация событий почти 1000-летней давности, наполненная современными аллюзиями, контрастным противопоставлением красно-кирпичной Руси и бархатно-золотого Востока, лихим разгулом народных сцен, – спектакль «Князь Игорь» со дня премьеры до сих пор жарко обсуждается в прессе и среди любителей музыки. В спектакле изменена традиционная последовательность некоторых сцен, в частности увертюра звучит после пролога, а хор поселян – в финале оперы. Половецкие пляски исполняют артисты хора «Новой Оперы». Неоднозначно трактуется образ Игоря – не то радетеля народа, не то безрассудного полководца. Неожиданный символический финал звучит словно реквием. Одна из изюминок постановки – сцена половецких плясок, в которой хор театра не только поет, но и танцует.

«Трубадур» – одна из ярчайших опер Джузеппе Верди, мрачная романтическая драма, полная роковых тайн и любовных страстей. Два брата, трубадур Манрико и Граф ди Луна, не подозревающие о своем родстве, становятся непримиримыми соперниками в борьбе за власть и любовь герцогини Леоноры. Одержимый ревностью и местью, ди Луна убивает своего брата, которого разыскивал всю жизнь по завету покойного отца. Вдохновленный пьесой испанского драматурга А. Г. Гутьерреса, Верди сумел создать необычайно яркие музыкальные образы героев. Это цыганка Азучена – хранительница тайны происхождения Манрико, мечущаяся между материнской любовью и жаждой мести; коварный Граф ди Луна; благородный Манрико и его возлюбленная Леонора. Их дополняют колоритные фигуры цыган, солдат и приближенных графа, очерченные в великолепных хорах.

Именно Евгений Колобов – основатель театра – стал главным невидимым режиссером спектакля, определив его основные акценты и общую драматургическую направленность. Опера, поставленная им, по сути своей – трагедия. Этот спектакль – как бы дуэль с большой буквы: Онегина и Ленского, Ленского и Ольги, Онегина и Татьяны, Татьяны и Гремина... Неслучайно у самого Петра Чайковского в первом варианте оперы последние слова главного героя звучали так: «О смерть, о смерть, иду искать тебя!» Ими и заканчивается постановка. Постановка – лауреат национальной театральной премии «Золотая маска» в номинации «Лучший музыкальный спектакль».

Спектакль «Риголетто» – пример классического вердиевского театра со страстями, слезами, нежностью и коварством, с историческими костюмами и романтическим антуражем. Естественный рисунок, отчетливый драматический рельеф постановки, яркие мизансцены – все выразительные средства подчеркивают блистательную музыку Верди. В разное время в спектакле участвовали не только штатные артисты театра, но и многие приглашенные звезды. Прекрасные арии, ансамбли с участием главных героев (Риголетто, Герцога, Джильды), яркие запоминающиеся мелодии стали мировыми оперными шлягерами.

Классический спектакль «Новой оперы», поставленный в 1998 году, – редко исполняемая первая редакция оперы М. П. Мусоргского. Она была отвергнута цензурой по нескольким причинам: одна из них – отсутствие выигрышной женской роли. Отправной точкой для режиссера Валерия Беляковича стали слова А. С. Пушкина о его трагедии («судьба человеческая – судьба народная»). Строгий, стилистически выдержанный спектакль концентрируется на главной идее – трагедии людей, попавших в водоворот истории. Тесное сценическое пространство развернуто авторами спектакля в мощное историческое полотно.

Танцевальный спектакль представляет яркий хореограф современной сцены Ольга Лабовкина. Для артистов «Балета «Москва» она создает эксклюзивную постановку впервые. В своем творчестве автор хореографии объединяет мощный витальный заряд и внимание к танцевальной технике. Спектакль балансирует на грани сна и реальности. Иногда эти два состояния сознания сливаются, иногда расходятся, и некая условная граница между ними ломается, не выдержав напряжения. Постановка пронизана ощущением двойственности – в хореографии живое движение переплетается с гротескными жестами марионетки. Сценография Гали Солодовниковой усиливает его, создавая пространство не-дома – места, пригодного для жизни и одновременно чужого. Композитор и саунд-дизайнер Илья Дягель и виолончелистка Уна Пересецкая-Молокович поддерживают идею, переплетая электронное и инструментальное звучания.

«Волшебная флейта» Вольфганга Амадея Моцарта (1756–1791) – классическое произведение во всевозможных значениях этого термина: и принадлежащее классицизму, и представляющее совершенный образец жанра. Феномен сочинения сформулировали два великих композитора: Людвиг ван Бетховен и Рихард Вагнер. Для «Новой Оперы» semi-stage версия станет третьим обращением к «Волшебной флейте». Музыкальный руководитель и дирижер – Филипп Чижевский. Сочинения Моцарта для маэстро – неотъемлемая и важная часть репертуара, а «Волшебная флейта» – своеобразная вершина музыкального искусства, подготовкой к которой стал цикл симфонических программ «Путь к Моцарту». Режиссером станет Егор Перегудов – художественный руководитель Московского академического театра имени Вл. Маяковского, лауреат театральных премий, в том числе премии «Хрустальная Турандот» в номинации «Лучшая работа режиссера». Для semi-stage версии «Волшебной флейты» он сделал собственный перевод либретто на русский язык.

Эта опера Вагнера – идеал красоты и экспрессивности в музыке. Ее московская премьера стала музыкальным событием 2013 года. В своем произведении Вагнер использует удивительно современный музыкальный язык. В опере нет увертюры, но есть прелюдия, сразу переносящая зрителя в другое измерение. Накал музыкальных страстей нарастает к ключевым моментам в развитии отношений героев. Это касается в основном дуэтов. Отношения героев оперы – история интеллектуальной любви с большим количеством разговоров и рефлексии. Музыкальный руководитель постановки Ян Латам-Кениг – лауреат премии «Золотая маска» в номинации «Опера. Работа дирижера» 2013 года.

«Болеро+» – вечер-дивертисмент, на котором пять российских хореографов представят новые танцевальные миниатюры. Танго и контемпорари, стрит-денс, физический театр и вакинг – абсолютное разнообразие жанров и стилей под руководством дирижера Антона Торбеева. Винтажный триптих хореографа Максима Севагина – своеобразная антология «любовного танца», составленная в эстетике 1950-х годов. Хореограф Елизавета Некрасова размышляет о противоречивости человека на примере треугольника Серпинского или математической модели фрактала (объект, состоящий из копий самого себя). Хореограф Анна Дельцова, взяв за основу своего произведения равелевскую «Ундину» – первую часть фортепианной сюиты «Ночной Гаспар» и дополнив ее сочинением для фортепиано «Игра воды», успокаивает тему огненной страсти водной стихией. В своей трактовке партитуры Мориса Равеля хореограф Кирилл Радев идет вслед за композитором, предельно лаконичным, его завораживающее повторение ритмической фигуры.

Джоаккино Россини – не только композитор, но и кулинар – создал фирменный рецепт популярной оперы: взять семь ярких персонажей, окунуть в пьянящую любовную интригу, приправленную остроумными диалогами, всю смесь залить мгновенно узнаваемыми мелодиями и посыпать виртуозными ансамблями. В начале XIX века сюжет о ловком цирюльнике Фигаро по мотивам комедии Пьера Бомарше пробрался в оперный жанр еще до Россини. Чтобы избежать путаницы, композитору пришлось сначала назвать свою оперу «Альмавива, или Тщетная предосторожность» (мировая премьера прошла в 1816). Сегодня «Севильский цирюльник» ассоциируется только с Россини, а фраза «Фигаро здесь, Фигаро там» давно стала крылатой. В Новой Опере спектакль поставили приглашенные из Англии мастера – режиссер Элайджа Мошински. Он перенес действие в 20-е годы XX века, а героев превратили в персонажей немого кино, создав упоительный мир игры в театр, так легко переплетающийся с жизнью: синтез чаплинского гротеска и итальянской оперы-буффа.

В новой интерпретации легендарной музыки Петра Чайковского хореограф-постановщик и команда авторов уходят от привычного понимания известного балетного сюжета как детского-семейного и тотально сказочного. Здесь не будет персонажей Гофмана: это история почти о современниках, обычных людях с присущими им волнениями и тревогами, с наивностью молодости, разочарованиями взросления и вновь обретенной надеждой. Как и в прорывной «Свадебке», Павел Глухов наполняет условно-танцевальный сюжет содержанием психологической драмы, рассказанной языком современного танца. Меняется место и время действия, трансформируется система персонажей: Щелкунчик и Дроссельмейер становятся юной и повзрослевшей версией одного и того же главного героя.

Обращение к неизвестному для современного зрителя произведению Адольфа Адана – логичное продолжение одной из репертуарных линий театра. Эта опера сейчас почти не звучит в России. Однако она появлялась на московской сцене: в Большом театре ее ставили в 1839 году, через три года после премьеры в парижской «Опера-Комик». В основе сюжета – нелепая история о почтальоне Шаплу, который обладает прекрасным голосом. Соблазненный перспективой успеха на оперной сцене, в канун брачной ночи он бросает молодую жену Мадлен и уезжает в Париж, где принимает имя Сен-Фара. «Почтальон из Лонжюмо» – бенефис тенора, главный герой почти все время находится на сцене. Его «коронный номер» – рондо почтальона с высочайшим ре второй октавы, именно поэтому партию называют экзаменом для тенора. По сюжету и форме (чередование музыки с разговорными диалогами) опера наследует традиции opéra-comique, но по музыкальному наполнению и виртуозности партий композитор развивает жанр.

Концерт «Автопортреты» в театре «Новая Опера» – это музыкальное приношение трем композиторам, чьи судьбы и творчество неразрывно связаны с XX веком. В программе прозвучат сочинения Дмитрия Шостаковича, Альфреда Шнитке и Мечислава Вайнберга. Центральное место занимает Симфония № 21 «Каддиш» Мечислава Вайнберга – автобиографичная музыка, в которой, по замыслу композитора, «сгорают его детство и юность». Это пронзительное сочинение-реквием, наполненное личными воспоминаниями и трагическими страницами истории. На сцену выйдут Квартет имени Валентина Берлинского и Оркестр театра «Новая Опера». За дирижерский пульт встанет Федор Леднев. Вместе они создадут особую атмосферу – исповедальную, глубокую и созвучную названию вечера. «Автопортреты» – это возможность услышать не просто музыку, а голоса самих авторов, их сокровенные признания, облеченные в звук.

«Вайнберг. Близкий круг» – это камерный вечер, где музыка звучит как доверительный разговор, а не как парадный монолог. В первом отделении прозвучат Два романса Д. Д. Шостаковича на стихи М. Ю. Лермонтова для меццо-сопрано и фортепиано и два стихотворения М. Ю. Лермонтова в музыке Б. А. Чайковского для сопрано и фортепиано. Голос и фортепиано бережно ведут слушателя в мир лермонтовского слова. Затем – вокальная поэма М. С. Вайнберга «Три пальмы» для сопрано и струнного квартета: здесь голос соединяется со струнами, и музыка обретает иную, более прозрачную и напряженную краску. Во втором отделении – Фортепианный квинтет фа минор М. С. Вайнберга. Это вечер вслушивания, где важны не громкие эффекты, а глубина, соразмерность голоса и инструмента, поэзия и камерность. Концерт пройдет в «перевернутом» формате на сцене «Новой Оперы», где разместятся не только артисты, но и зрители, что позволит абсолютно по-новому ощутить музыку.

Концерт «Щедрин. Шнитке» – это вечер, где музыка вступает в диалог с русской литературой, и это не просто соседство имен, а глубокое родство двух композиторов, каждый из которых искал свой путь к слову. В программе – два сочинения, вдохновленных русской прозой, два взгляда на духовное и гротескное. Первое произведение – хоровой спектакль «Запечатленный ангел» Родиона Щедрина, созданный на основе литургии по повести Николая Лескова. Второе сочинение – оркестровая сюита Альфреда Шнитке из музыки к кинофильму «Мертвые души» по Николаю Гоголю. Альфред Шнитке не иллюстрирует сюжет, а вслушивается в его изнанку, где за внешним гротеском проступает метафизическая глубина. Оба сочинения объединяет не только литературная основа, но и сама природа музыкального высказывания: Родион Щедрин и Альфред Шнитке говорят о русском слове без иллюстративности, через звук, который идет дальше сюжета. Это концерт для тех, кто готов услышать, как литература становится музыкой, а музыка – способом всмотреться в знакомые тексты заново.

«Перевернутые концерты» – уникальный камерный концертный формат «Новой Оперы». Здесь зрители оказываются на сцене вместе с артистами, а зал становится большим резонатором. Так на расстоянии вытянутой руки можно увидеть, как дирижер буквально «вынимает» звук из музыкальных инструментов, как звучит каждая партия в камерных инструментальных составах, сколько эмоций дарят публике солисты. Для артистов это тоже творческий вызов, ведь все программы создаются и готовятся специально. Камерная музыка занимает в творчестве Чайковского особое, во многом интимное место. В отличие от монументальных симфоний и опер, рассчитанных на публичное высказывание, камерные ансамбли позволяют композитору говорить «тише», обращаясь к слушателю на расстоянии вытянутой руки – что в полной мере соответствует формату «Перевернутых концертов». В инструментальных ансамблях Чайковского можно найти не только блестящее владение формой, но и редкую искренность высказывания: от светлой лирики Первого квартета до глубоко личной, траурной интонации Фортепианного трио. Создав всего три струнных квартета, одно фортепианное трио и один струнный секстет, композитор в этих немногочисленных опусах достиг подлинных вершин, органично соединив русскую народно-песенную основу с симфоническим размахом развития. Каждое из этих сочинений теснейшим образом перекликается с его оркестровыми и сценическими замыслами, отражая эволюцию стиля мастера на разных этапах его пути.

Реквием – выдающееся произведение Джузеппе Верди, написанное не для оперного театра, но при этом глубоко с ним связанное. Сочинение впервые было исполнено в 1874 году в годовщину смерти писателя Алессандро Мадзони, которого Джузеппе Верди боготворил и почитал. Для композитора это была не единственная потеря в те годы: один за другим ушли его отец Карло Верди, покровитель и тесть Антонио Барецци, композитор Джоаккино Россини, близкий друг и либреттист Франческо Мария Пьяве. В Реквиеме Джузеппе Верди нарушается канон заупокойной службы: семь частей (вместо двенадцати) наполнены чисто оперными музыкальными образами, яркими сольными эпизодами, развернутыми ансамблями и грандиозными хорами. Для «Новой Оперы» Реквием Джузеппе Верди – особенное сочинение: основатель театра Евгений Колобов не раз исполнял его.

Специальный абонемент для подростков (и их родителей) на большой сцене! Его придумали ведущий концертов, музыковед, лектор Ярослав Тимофеев и музыкальный руководитель «Новой оперы» Федор Безносиков. Как слушать оперу? Есть ли в опере какие-то правила? Может ли опера их нарушать? Как литературные произведения трансформируются в оперные либретто? Вы услышите увлекательные рассказы Ярослава Тимофеева и фрагменты четырех оперных шедевров в исполнении солистов и оркестра «Новой оперы» под управлением Федора Безносикова и влюбитесь в оперное искусство. Третья музыкальная встреча посвящена опере «Князь Игорь» Александра Бородина. Встреча расширяет представление о возможностях оперного искусства – от психологической драмы и сказки к историко-патриотической эпопее с восточным колоритом.

Цикл симфонических программ и одноименный абонемент в сезоне 2026/2027 получил название «Главные дирижеры». В него вошли экстраординарные программы от новых главных дирижеров ведущих оперных и симфонических коллективов России. Они молоды, амбициозны, смелы и открыты к новой музыке. Они готовы сыграть то, что вы никогда не слышали, и найти новое в уже знакомом. Правил и условностей нет, есть только безграничная любовь к музыке. Четыре программы – четыре маэстро. Третью программу представляет Арсентий Ткаченко, главный дирижер Государственного академического Большого симфонического оркестра имени П. И. Чайковского. Программа последовательно проводит слушателя от позднеромантического симфонизма и экспрессионистского вокального цикла к неоклассической транскрипции, выстраивая триаду «оригинал – интерпретация – переосмысление».

Специальный абонемент для подростков (и их родителей) на большой сцене! Его придумали ведущий концертов, музыковед, лектор Ярослав Тимофеев и музыкальный руководитель «Новой оперы» Федор Безносиков. Как слушать оперу? Есть ли в опере какие-то правила? Может ли опера их нарушать? Как литературные произведения трансформируются в оперные либретто? Вы услышите увлекательные рассказы Ярослава Тимофеева и фрагменты четырех оперных шедевров в исполнении солистов и оркестра «Новой оперы» под управлением Федора Безносикова и влюбитесь в оперное искусство. Четвертая музыкальная встреча посвящена опере «Пиковая дама» Петра Чайковского. Оркестр, вокал и сценическое действие равноправно участвуют в создании трагического нарратива, а литературный первоисточник подвергается радикальной трансформации в соответствии с законами музыкальной драматургии.

«Перевернутые концерты» – уникальный камерный концертный формат «Новой оперы». Здесь зрители оказываются на сцене вместе с артистами, а зал становится большим резонатором. Так на расстоянии вытянутой руки можно увидеть, как дирижер буквально «вынимает» звук из музыкальных инструментов, как звучит каждая партия в камерных инструментальных составах, сколько эмоций дарят публике солисты. Для артистов это тоже творческий вызов, ведь все программы создаются и готовятся специально. Есть и сквозные темы. Например, каждая оркестровая группа представляет свой вечер. Программы уже исполняли арфы, флейты, ударные инструменты, пианисты, теперь на сцену выйдут кларнеты.

Цикл симфонических программ и одноименный абонемент в сезоне 2026/2027 получил название «Главные дирижеры». В него вошли экстраординарные программы от новых главных дирижеров ведущих оперных и симфонических коллективов России. Они молоды, амбициозны, смелы и открыты к новой музыке. Они готовы сыграть то, что вы никогда не слышали, и найти новое в уже знакомом. Правил и условностей нет, есть только безграничная любовь к музыке. Четыре программы – четыре маэстро. Заключительную программу представляет Иван Никифорчин, художественный руководитель и главный дирижер Московского государственного академического симфонического оркестра. Программа не просто знакомит с малоизвестными сочинениями, но и воссоздает сложную ткань культурной жизни России первой половины XX века, демонстрируя, как личные трагедии и социальные катаклизмы преломлялись в звуках, создавая шедевры мирового симфонического искусства.

Осенний гала-концерт предлагает слушателям вечер оперной музыки, в котором собраны фрагменты произведений различных композиторских школ и исторических периодов. Программа составлена так, чтобы продемонстрировать жанровое и стилевое разнообразие оперы – от масштабных увертюр до камерных ансамблевых сцен, позволяя оценить как драматическую, так и лирическую стороны этого вида искусства. В центре внимания окажутся любимые публикой фрагменты из бессмертных творений русских классиков. Прозвучат отрывки из эпической оперы «Руслан и Людмила» М. И. Глинки, наполненные сказочной атмосферой и богатырским духом. Слушатели перенесутся в мир древних преданий вместе с музыкой из оперы «Князь Игорь» А. П. Бородина, где с поразительной силой переданы и героика, и восточная нега, и глубина человеческих страстей. Завершит концерт третья картина из оперы «Ночь перед Рождеством» Н. А. Римского-Корсакова – произведение, полное волшебства, искрометного юмора и фантастических красок. Этот концерт – возможность познакомиться ближе с шедеврами, которые остаются актуальными для публики разных поколений, и услышать их в живом исполнении в рамках одного вечера.

Специальный абонемент для подростков (и их родителей) на большой сцене! Его придумали ведущий концертов, музыковед, лектор Ярослав Тимофеев и музыкальный руководитель «Новой оперы» Федор Безносиков. Как слушать оперу? Есть ли в опере какие-то правила? Может ли опера их нарушать? Как литературные произведения трансформируются в оперные либретто? Вы услышите увлекательные рассказы Ярослава Тимофеева и фрагменты четырех оперных шедевров в исполнении солистов и оркестра «Новой оперы» под управлением Федора Безносикова и влюбитесь в оперное искусство. Вторая музыкальная встреча посвящена опере «Сказка о царе Салтане» Николая Римского-Корсакова. Слушателю объясняет, что «Сказка о царе Салтане» принадлежит к жанру оперы-сказки (наряду с «Снегурочкой», «Садко», «Золотым петушком»), который предполагает особую систему выразительных средств: преобладание песенно-куплетных форм, использование натуральных ладов, тембровую изобразительность, отсутствие психологической разработки характеров.

Кабаре родилось на рубеже XIX–XX веков в парижском «Черном коте» – и почти сразу стало не просто развлечением, а территорией музыкальной свободы. В этих маленьких залах, где публика сидела за столиками, а сцена была на расстоянии вытянутой руки, встречались высокое и низкое, серьезное и смешное. Соблазн кабаре оказался непреодолим для многих академических композиторов: здесь можно было экспериментировать, смешивать жанры, говорить с публикой без посредников. В Париже играл Эрик Сати, в Берлине – Арнольд Шенберг, в России Серебряного века открывались «Летучая мышь» и «Бродячая собака», а традиция оказалась настолько живучей, что спустя десятилетия к ней обращались композиторы по обе стороны океана. Кабаре – это не жанр, это способ дышать: иронично, остро, иногда цинично, но всегда честно. В программе «Кабаре в «Новой опере» – песни Курта Вайля, Арнольда Шенберга, Бенджамина Бриттена, Эрика Сати, Уильяма Болкома, а также Климентия Корчмарева, Николая Чемберджи, Дмитрия и Даниила Покрассов, Евгения Жарковского, Вадима Кочетова, Михаила Петренко. Концертную программу представит известный пианист заслуженный артист РФ Александр Гиндин.