Московский Художественный театр им. А. П. Чехова: афиша событий

Как бы вы повели себя в тривиальных, будничных или, наоборот, критических ситуациях, если бы точно знали будущее? Какие решения приняли бы прямо сейчас, как бы поступили? «Жил. Был. Дом» – это 11 историй, объединенных общим финалом. Финалом, меняющим абсолютно все. Финалом, известным с первых минут. Смешные и грустные, захватывающие и до боли понятные и близкие любому человеку. Потому что они про каждого человека, каждого, кто в этой жизни стоял перед выбором: верить или не верить в любовь, дружбу, судьбу, счастье, Бога.

15 мая 2019 года, в день рождения Михаила Булгакова, в Художественном театре впервые был сыгран «Бег». Никогда ранее эта пьеса о разгроме Белой армии и трагедии эмиграции не ставилась здесь, хотя была написана специально для МХАТа в 1928 году. Запрещенная цензурой, она увидела свет рампы только во времена оттепели и не на мхатовской сцене. Этот спектакль – второе обращение Сергея Женовача к драматургии Михаила Булгакова в Художественном театре. На протяжении десяти лет здесь шла его «Белая гвардия», где рушился мир, но за кремовыми шторами еще горел абажур, наряжали елку, а «Бег» был только предчувствием. В основу сюжета пьесы Михаила Булгакова легли воспоминания об эмиграции его второй жены Любови Белозерской, бежавшей от Гражданской войны в Константинополь, а также мемуары белого генерала Якова Слащева, руководившего в 1919–1920 годах обороной Крыма.

«Коля Красоткин» – инсценировка по мотивам романа Федора Достоевского «Братья Карамазовы», основанная на главах, которые посвящены мальчикам. В центре сюжета – школьники во главе с Колей Красоткиным. Они живут в одном городе, учатся в военной прогимназии, конфликтуют и философствуют – размышляют о вере, поисках себя. Один из главных героев романа, Алеша Карамазов, не сумевший уберечь от духовной гибели своих братьев, пытается спасти души этих мальчиков. Режиссер спектакля Максим Меламедов посвящает спектакль утраченному детству.

Премьера спектакля Аллы Сигаловой не зря состоялась 8 марта: все действующие лица этой истории – женщины. Собравшись в загородном доме в канун Рождества, они пытаются выяснить, кто из них виновен в смерти дорогого им всем мужчины. Французский драматург Робер Тома создал пьесу по лекалам классического детектива: место действия отрезано от внешнего мира, под подозрением все присутствующие, мотив для убийства есть у каждой. В спектакле занят цвет прекрасной половины мхатовской труппы. Одну из ролей исполнит сама Алла Сигалова – режиссер и хореограф постановки.

Пьесы Флориана Зеллера из трилогии «Папа», «Мама», «Сын» сегодня у всех на устах – и это понятно: его драмы посвящены проблемам современной семьи. Они попадают в болевую точку времени, говоря о том, что ментальное здоровье – как тонкий лед, который в любой момент может разлететься вдребезги под напором жизни. Флориан Зеллер называет своих героев «людьми с трещинами». Героиня пьесы «Мама» – женщина, смыслом жизни которой была семья. Но муж отдалился, а дети выросли и покинули дом. Режиссер спектакля Егор Трухин, для которого постановка в Московском Художественном театре – дебют на профессиональной сцене, считает, что эта пьеса не только про одиночество матери, но и вообще про одиноких людей, про отсутствие диалога. И его постановка – попытка понять и почувствовать, что может произойти с человеком, который остается в полном одиночестве. Спектакль создан в рамках «Лаборатории режиссерских дебютов» – совместного проекта театра и фестиваля «Уроки режиссуры» (Биеннале театрального искусства).

Весь мир – театр. А может быть, весь мир – сумасшедший дом, а люди в нем – пациенты? Действие пьесы Венедикта Ерофеева «Вальпургиева ночь, или Шаги командора» разворачивается в психиатрической больнице. Обитатели ее третьей палаты с виду обычные изгои и маргиналы, на деле же – обаятельные чудаки и мудрецы, подкупающие своей спонтанностью и непосредственностью. Чем вызван их уход из социума? Отвержением общества, которое не принимало инаковость, или это сознательный выбор – отказ от принятых норм в пользу юродства, дарующего внутреннюю свободу? Третья палата лечебницы напоминает древнегреческий полис, государство в государстве: здесь ведутся споры не на жизнь, а на смерть и решаются сложнейшие мировые вопросы. Вергилием в этом странном, немного пугающем, но очень живом мире выступает Лев Гуревич, странствующий поэт и философ, который измеряет время расстоянием от летнего солнцеворота, а расстояние – шириной Босфора. В этом герое, существующем на задворках мира, угадывается, конечно, и сам Венедикт Ерофеев. «Вальпургиева ночь, или Шаги командора» – спектакль одновременно смешной и горький, лихой, лиричный, удивительно созвучный времени и вселяющий надежду.

Постановка создана по футуристической пьесе молодого драматурга Марии Зелинской «Хуманитас Инжиниринг», повествующей о конструировании идеального мужчины. В ее основе лежит идея о том, что зачастую счастливым человека может сделать совсем не тот образ, который обычно сидит у людей в голове, а кто-то, принципиально отличающийся от этого лица. В 2015 году пьеса «Хуманитас Инжиниринг» вышла в финал драматургической премии «Действующие лица» и была удостоена специального приза журнала «Современная драматургия».

В основе спектакля – роман Льва Толстого «Анна Каренина», а также «Жизнь и судьба» Василия Гроссмана и специально для этой постановки написанный Львом Рубинштейном текст «Вопросы». По признанию создателей спектакля, им хотелось сделать «Анну Каренину» как очередной бунинский «Солнечный удар» – быстро, нежно и страшно. Но «Сережа» – не «Анна Каренина». Это спектакль по мотивам великого романа. Там нет ни Левина, ни Кити, ни Стивы Облонского, нет сенокоса, кваса и потной рубахи и нет потрясающей сцены, когда Каренин пришел к адвокату и, может быть, впервые испытал унижение. Нет сцены скачек, падения Вронского и смерти Фру-Фру, да и паровозика, в общем-то, тоже нет. Разве что игрушечный, маленький. Одним словом, это все похоже на Льва Толстого, но меньше, короче. Как бы фрагмент. А Сережа – это сын Анны Карениной, мальчик восьми лет, который и стоит в центре этого «Солнечного удара», когда все смешалось – не только в доме Облонских, но и вообще.

«Гамлет» в постановке Андрея Гончарова – третье обращение Художественного театра к бессмертной пьесе Уильяма Шекспира. В начале ХХ века англичанин Эдвард Гордон Крэг ставил «Гамлета» в МХТ как мистерию, где блистающий золотом Эльсинор был не действительностью, а видением датского принца, призванного ценой жизни очистить королевский дворец от скверны. Век спустя, в 2005 году, Юрий Бутусов создал спектакль о тотальном одиночестве. Его Гамлет в продуваемой всеми ветрами пустоте был ведом роком и на вопрос: «Быть или не быть?» – находил ответ: «Будь что будет». Каким будет новый «Гамлет»? Соответствующим настоящему времени – спрессованным и наэлектризованным, у его героев нет времени на сомнения и пространные монологи. Андрей Гончаров создает собственную версию шекспировской трагедии, выступая не только как режиссер, но и как автор инсценировки. В этом ему помогает Надежда Толубеева, с которой они уже не раз работали в тандеме.

«Омон Ра» – первый роман Виктора Пелевина, «книга о внутреннем космосе советского человека», был написан в самом начале 1990-х, в момент крушения великих мифов прошлого. Герой романа – молодой человек Омон Кривомазов (имя дал отец-милиционер), с детства мечтавший о небе и выбравший себе позывной Ра в честь древнеегипетского бога с головой сокола. Включая воображение, он научился «летать» (ведь чувство полета – всего лишь набор ощущений). Однажды, увидев на мозаике ВДНХ фигуру парящего в невесомости космонавта, Омон понял, что надо стремиться не просто в небо, но выше – к абсолютной свободе космоса. И захотел воспарить над земной жизнью, в счастье и справедливость которой уже не верил. «Омон Ра» – абсурдная, местами сказочная трагикомедия о человеческих заблуждениях и иллюзиях. О том, как жизнь вокруг людей, их «космос», их «вселенная» формируются их мыслями.

Знаковая для Московского Художественного театра и роковая для Михаила Булгакова пьеса «Кабала святош» возвращается на сцену, где впервые была показана и вскоре запрещена в 1936 году. Времена меняются, обстоятельства прежние – жизнь комедианта и директора театра Жан-Батиста Мольера превращается в драматический материал, на который автор проецирует свои взаимоотношения с властью, обществом и судьбой. Актерское братство и придворные заговоры, взаимоотношения художника и власти, дуализм свободы и рабства, правды и лицемерия, любви и предательства сплетаются в театральную фантасмагорию, в которой трагедия уже неотличима от фарса, а реальность – от спектакля. «Внешний блеск и авантюрное содержание» пьесы раскрывают перед зрителем фрактал временных эпох: золотой век Людовика XIV, советские 30-е и сегодняшний день, обнажая вечные и неразрешимые парадоксы творческой жизни. В новую сценическую версию «Кабалы святош», которую вместе с режиссером Юрием Квятковским создает драматург Михаил Дегтярев, войдут фрагменты романа Михаила Булгакова «Жизнь господина де Мольера», «Размышления о первой философии» Рене Декарта, «Нравственные письма к Луцилию» Сенеки, «О рабстве и свободе человека» Николая Бердяева, проповедь Джироламо Савонаролы, «Исповедь» Святого Августина, «Видения ада» святой Терезы Авильской, «Не могу молчать» Льва Толстого, стенограмма замечаний к репетиции пьесы «Мольер» от 4 мая 1935 г., докладная записка Платона Керженцева Иосифу Сталину и Вячеславу Молотову по поводу «Кабалы cвятош». В роли Мольера – художественный руководитель Московского Художественного театра Константин Хабенский. На роль Людовика Великого приглашен Николай Цискаридзе, который дебютирует на драматической сцене под псевдонимом Максим Николаев.

В кратком пересказе сюжет «Старшего сына» может напомнить индийское кино: молодой человек вторгается в жизнь совершенно чужих людей, в шутку объявляя себя их сыном и братом, и нежданно обретает семью и любовь. Но пейзаж рядовой городской окраины далек от ярких красок Болливуда, а сентиментальность в пьесе Александра Вампилова уравновешена горечью сомнений в возможности счастья – как у автора, так и у его героев. Режиссер Андрей Калинин: «В начале пьесы Бусыгин – человек холодный, озлобленный, не желающий чувствовать, избегающий душевных трат и метаний. Волею судьбы он оказывается в семье, где все трещит по швам, все негладко, нескладно. И эта встреча становится спасением для всех, в первую очередь для него. «Старший сын» – теплая человеческая история, в основе которой библейская истина: все люди – братья. Сочинение Сарафанова («то ли кантата, то ли оратория»), которое он пишет всю жизнь, так и называется «Все люди – братья». И это основная тема нашего спектакля, ведь быть родными можно не только по крови, но и по мировоззрению, по духу». Студента Владимира Бусыгина, начавшего эту историю в уверенности, что «надо соврать как следует, только тогда тебе поверят и посочувствуют», в спектакле Андрея Калинина играет Кирилл Власов. В роли поверившего ему «отца», музыканта-неудачника Сарафанова, – Александр Семчев.

У пьесы Ярославы Пулинович «Жаркое ковидное лето» есть еще одно название – «Житие Алевтины Павловны и Федора Михайловича». Алевтина Павловна – специалист по Достоевскому, Федор Михайлович – названный в честь любимого писателя пес, самая родная душа. Остальная семья с Алевтиной Павловной в вечном конфликте: дочь, увлеченная психоанализом, винит мать во всех своих бедах, у внучки-подростка свойственный возрасту бунт. И все бы ничего, но Федор Михайлович уже очень стар и, как выясняется, болен. Эта камерная мелодраматическая история – долгожданное событие для театралов, ведь роль Алевтины Павловны играет легендарная Ольга Яковлева, с именем которой связаны одни из лучших страниц в истории русского театра ХХ века.

Герои рассказа «Осень» шведского писателя Августа Стриндберга – муж и жена, за плечами которых десять лет брака. Трепет первых чувств, жар страсти давно в прошлом, изношены бытом, но еще памятны обоим супругам. И однажды осенью они попытаются все вернуть, назначив друг другу свидание в том городе, где их любовь переживала весну. Режиссер Андрей Гончаров вслед за автором препарирует семейные отношения в поисках ответа на вопросы, куда уходит любовь и в чем ее тайна. «Осень» – его третья постановка в Художественном театре. Здесь уже идут его спектакли «Чрево» и «Далекая Радуга».

На сцену вернулась «Чайка» – пьеса, с которой в 1898 году по-настоящему началась история Московского Художественного театра. Она неоднократно ставилась на мхатовской сцене, и каждый режиссер находил в ней свое. Константин Хабенский, для которого «Чайка» – режиссерский дебют, считает, что главная тема этой чеховской истории – женщины, их любовь, самоотверженность, внимание по отношению к мужчинам. Константин Хабенский: «Это внимание может либо поднять мужчин до звезд, либо вогнать в землю и превратить в погасшие угольки от старого костра. Так было и в жизни великих художников, писателей, композиторов… Каждый человек хочет, чтобы к нему внимательно относились, чтобы его любили, чтобы его слушали. Причем не завтра или послезавтра, а сейчас. Такой обычный эгоизм. А у молодых персонажей к этому добавляется юношеский максимализм». Жанр спектакля режиссер определил так: комедия о юношеском максимализме и других «прекрасных» человеческих качествах.

В гоголевском «Вие» можно находить разное. Советский кинематограф искал в нем редкий жанр ужастика, встречу с потусторонней силой, пусть и сказочной. В перестройку гоголевский Хома Брут говорил о безверии и нищете духа. Каким может явиться современный «Вий» в Художественном театре? Наверное, ироничным, веселым. Страшным, мистическим, жутким в той мере, какую может себе позволить театральная сцена. Человек, испытавший страх, становится стрессоустойчивым. Страхом проверяется крепость веры. Писатель Николай Гоголь мучился всю свою жизнь проблемами добра и зла, их перетеканием друг в друга. Весел, светел ли Хома Брут или дурачок бессмысленный, попавший в сети своей глупости и жадности? Жертва он или агрессор? Панночка является ему с какого света, во зло или во благо? Что дает всем эта неизбежная встреча с потусторонним?

На основной сцене театра состоится литературно-музыкальный вечер. Артисты в сопровождении оркестра прочтут рассказы авторов, знаковых для Московского Художественного театра: Антона Чехова, Максима Горького, Ивана Бунина, Александра Куприна, Михаила Булгакова, Александра Вампилова. Каждое произведение – история любви. Первой, безответной, счастливой, святой… В вечере принимает участие камерный ансамбль «Солисты Москвы» под управлением Юрия Башмета. Премьера мероприятия была приурочена к 70-летию маэстро и открывала программу празднования 125-летия МХТ.

Пьеса молодого уральского драматурга Ивана Андреева, победившая в конкурсе «Евразия» и вошедшая в десятку лучших пьес 2016 года по итогам конкурса «Кульминация», на сцене театра впервые прозвучала на одном из вечеров цикла «Круг чтения», посвященном современной драматургии. Пьеса имела очевидный успех и была принята к постановке. Иван Андреев – молодой талантливый автор из Екатеринбурга. Это очень важно – слышать молодые голоса в искусстве, знать, что новое поколение думает о сегодняшней жизни. Главный герой пьесы «Боюсь стать Колей» тоже очень молод. Он едет из Башкирии в Екатеринбург в плацкартном вагоне, наблюдает жизнь и описывает происходящее в письмах к своей невесте. В этой истории, написанной с невероятным чувством юмора, отражается современная реальность, там все узнаваемо: и разговоры, и ситуации, и типажи.

Всем известно, что от любви до ненависти – один шаг. Но случается и обратное: искра страсти высекается при столкновении, в противоборстве характеров. Нашла коса на камень – и запылал пожар… В основе новой постановки Константина Хабенского – две пьесы-шутки Антона Чехова: «Медведь» и «Предложение». Юмор, сюжетные повороты, стремительность действия сделали эти водевили желанными гостями на театральных подмостках – публикой они любимы не меньше великих чеховских драм. Обе истории имеют схожую фабулу: спор и нарастающий конфликт мужчины и женщины проявляют в героях главную потребность человеческой души – жажду любви, необходимость друг в друге.

Спектакль «Чрево» вышел из лаборатории, посвященной авторам первой половины XX века. Это ранняя проза Евгения Замятина – удивительного стилиста, прозаика, выросшего в среде Серебряного века, а писавшего в основном в эпоху становления большевистского государства. Рассказ 1915 года – первая попытка подобраться к большой повести «Наводнение», которая в последние годы активно ставится в российском театре. Страсть, любовь, вожделение, страх смерти, земля рожающая, урожайная и земля, в которой умирают, преступление и наказание, женщина и мужчина, душа и тело – вот темы, интересующие Евгения Замятина, пишущего в кризисную, сокрушающую основы эпоху. Рассказ создан на русском материале, события протекают в глухом провинциальном углу России. Евгений Замятин изобразил «типичную семью из народа». Героиня рассказа – крестьянка Афимья – замужем за нелюбимым мужчиной Петром, который намного старше ее. Типичный замятинский сказ превращается в метафорическое действие и почти оперу. Слова пропеваются, создавая красивые формы, описывающие не всегда приглядную, не всегда красивую крестьянскую жизнь.

«Соня-9» – спектакль-концерт молодого режиссера Александра Золотовицкого по одноименному рэп-комиксу поэта Алексея Олейникова. Его героиня – обычная девочка Соня, ученица 9-го класса, невзрачный подросток с ярким внутренним миром и проблемами, которые волнуют всех в 15 лет: ОГЭ, первая любовь, школьные будни и праздники, тотальное одиночество в таком огромном, враждебном и непонятном мире. В спектакле заняты молодые артисты, которые во время работы над постановкой брали интервью у младших братьев и сестер и их друзей. Эти тексты контрапунктом звучат в истории.

«Пьесу следует играть очень воодушевленно» – вот первая ремарка этой оптимистичной комедии, редко ставящейся в театрах. Речь в ней идет об абсолютно прекрасном человеке Васе Листикове, который не теряет радости жизни, несмотря на то, что окружающие бессовестно пользуются его добротой: жена уходит к лучшему другу и выгоняет Васю из его же собственной квартиры, отец не хочет, чтобы Вася возвращался в родительский дом, а тот самый лучший друг собирается обнародовать их с Васей совместные разработки под своим именем… Режиссер Филипп Гуревич усиливает абсурдистскую интонацию пьесы и почти лишает ее советского антуража: комедия «Мое загляденье» написана в 1969 году, после оттепели (поэтому ее жизнерадостная бравурность граничит с издевкой), но в интерпретации режиссера эта история стала вневременной. Филипп Гуревич: «Кажется, такой истории не может произойти в реальной жизни. И главный герой Алексея Арбузова – это какой-то мечтатель и неудачник. Будто его поведение – маска. Если встретишь такого в реальности, он будет неимоверно раздражать, его захочется разоблачить и упрекнуть в неискренности. Но его терпимость и безграничная доброта разоружают, и ты уже не способен обижать, эгоистично чего-то требовать. Интересно соотнести себя нынешнего с таким забытым текстом из советском прошлого. Настроить диалог со зрителем через бескомпромиссную наивность и доброту. Хочется утопически верить, что доброта спасет мир».

Cпектакль «Три сестры» – это искренняя попытка сделать текст чеховской пьесы предельно живым, предельно современным, предельно естественным. По признанию режиссера, полгода он вместе с актерами разбирал произведение, очень внимательно изучая его. При подобном погружении весь символизм «Трех сестер» уходит, обнаруживается подробнейшая, тончайшая, абсолютно обоснованная психологическая структура. В пьесе интересна реальность людей военного провинциального городка, которая связана с очень живыми, конкретными, ситуативными человеческими проявлениями: любовью, эмоциями, отношениями. В спектакле нет символизма, нет абстракции, нет философствования. Это предельно конкретная, предельно бытовая, в первую очередь в эмоциональном плане, вещь об обычных живых людях.

Режиссерским дебютом актера Сергея Волкова был спектакль «Преступление и наказание», поставленный в 2013 году в Санкт-Петербургском театре имени Ленсовета. И вот – новый диалог с Федором Достоевским, теперь уже на мхатовской сцене. Спектакль «Идиоты» – не пересказ романа «Идиот», а, скорее, рефлексия его персонажей, их попытка «хоть с одним человеком обо всем говорить, как с собой». Из всех персонажей густонаселенного романа на сцене только четверо: Мышкин, Настасья Филипповна, Аглая и Рогожин. Сергей Волков сосредоточился на знакомом всем любовном квадрате, вокруг которого вьется движение и в котором есть воздух и пространство, чтобы выйти в вертикаль. Федор Достоевский, по мнению автора спектакля, всегда трамплин в вертикаль. Режиссер называет темами этого спектакля несоответствие человека той роли, которую ему приписывают, и разрыв между тем, кем его хотят видеть и кем он оказываемся наедине с собой. А центром постановки стало неуклюжее милосердие, которое, спотыкаясь и промахиваясь, все-таки дает надежду превратить одиночество рядом друг с другом в близость.

26 октября 2023 года Московский Художественный театр отметил свое 125-летие. К этой дате была приурочена премьера спектакля Дениса Азарова «9-й ряд. 10-е, 11-е место» по пьесе Юлии Поспеловой, написанной специально к юбилею. Действие происходит в Художественном театре в разные годы – от его первых лет до сегодняшнего дня. Среди персонажей – его основатели, артисты, служители. Но это не экскурс в историю, а история любви, мелодрама, главные герои которой – зрители, которые из года в год приходят на «Три сестры» и встречаются в девятом ряду партера. Режиссер Денис Азаров говорит: «Все действие происходит в зрительном зале. Люди встречаются в театре в разные годы – случайно или, наоборот, по традиции. В начале века, в 1930-е, 1940-е и далее до наших дней. Мы слышим их диалоги без начала и без конца, обрывки разговоров соседей по ряду – драматургически это напоминает и чеховские «Три сестры», и фильмы 1960-х годов. Эпизоды со зрителями перемежаются с фантазиями, где действуют Станиславский, Немирович-Данченко, Кнебель… Не обойдется без закулисья театра, его служб и цехов. Это спектакль про театр, в котором всегда была и есть любовь. Любовь за кулисами, любовь в зале, глобальная любовь к очень странному и необъяснимому искусству. Оно, правда, странное и необъяснимое, на мой взгляд».

Все на этом свете вперемешку: горести и радости, безнадежное одиночество и семейные праздники, жизнь и смерть. Тонкий, щемящий спектакль, поставленный по рассказам Виктора Астафьева «Пролетный гусь» и «Бабушкин праздник», посвящен памяти писателя. В 2004 году создатели пьесы были удостоены государственной премии Российской Федерации. Главные герои рассказа «Пролетный гусь» – совсем молодые люди, почти дети, юноша и девушка, прошедшие войну, с которой им некуда и не к кому возвращаться. Они находят спасение и смысл жизни друг в друге, но мирная жизнь оказывается куда сложнее и суровее, чем фронт. «Бабушкин праздник» – светлый, полный юмора рассказ о деревенском торжестве – дне рождения бабушки огромной семьи, о празднике, на котором всем рады.

Спектакль стал результатом проекта «Читки современной драматургии», в рамках которого зрители Художественного театра первыми познакомились с новой пьесой уральского драматурга Ивана Андреева «Пыль да небыль». Публика приняла читку так тепло, что было принято решение взять эту сказочную историю для взрослых в репертуар Новой сцены Московского художественного театра. Вскоре пьеса стала лауреатом международного конкурса современной драматургии «Исходное событие – XXI век». История про безработного Федьку и его возлюбленную Настю, продавщицу в ларьке канцтоваров, написана в жанре русской народной сказки – с узнаваемыми персонажами и каноническими сюжетными поворотами. Только время действия – 1990-е годы. Герой отправляется на поиски справедливости, и на этом пути его ждет множество испытаний и встреч. По словам режиссера спектакля Павла Ващилина, «Пыль да небыль» – это что-то вроде мифа, который сложился у авторов спектакля на основе ностальгических детских воспоминаний о девяностых. В этой сказке о былом все по-доброму, никаких очерняющих память событий в эту историю создатели пускать не стали. Ее герои – простые люди, знакомые всем и каждому. Они и современники, и персонажи старых сказок одновременно. Живут себе и живут, счастья хотят, да и только. Сказка о поиске счастья, своей «были» и, конечно, о спасении из темниц, которых в сказке хватает: это и магазинчик, и завод, и трамвайчик, и квартирка с протекающей крышей, и собственная голова. Все герои пытаются спастись, каждый своим путем. А может, и не сказка это вовсе, а быль. А может, и небыль…

Весной 1937 года Михаил Булгаков, чьи пьесы одна за другой подпадали под цензурный запрет, в очередной раз зарекся писать для сцены: «Мои последние попытки сочинять для драматических театров были чистейшим донкихотством с моей стороны. И больше я его не повторю». Однако уже под конец года он согласился на предложение Вахтанговского театра сделать инсценировку романа Мигеля Сервантеса о Дон Кихоте. Вахтанговцы приняли пьесу восторженно; обсуждая потенциальных режиссеров, задумывались о Всеволоде Мейерхольде. И даже Главрепертком дал добро! Но повестка дня вносила коррективы в планы театра – история о рыцаре печального образа и его верном оруженосце Санчо Панса уступала место в афише спектаклям о вождях революции. Свет рампы пьеса увидела уже после смерти драматурга в 1940 году. Премьера спектакля Николая Рощина приурочена к юбилею Михаила Булгакова – в 2026 году исполняется 135 лет со дня его рождения. Действие перенесено режиссером в конец 1930-х, в условный театр, где идут репетиции «Дон Кихота».

Главный герой романа Саши Соколова – ученик спецшколы, которую в просторечии называют «школой для дураков». У него раздвоение личности и сложные отношения со временем. «Быть» для него равняется «был» и «буду», поэтому ход событий в его сознании нелинеен и даже смерть обратима. Он живет у реки под названием Лета, ведет диалог с самим собой, не видит границ между реальностью и фантазией. Пересказать сюжет книги Саши Соколова невозможно, поэтому спектакль Дениса Азарова в некотором роде бессюжетен и вариативен. Возможно, главный герой – взрослый человек, который вспоминает события детства. Или мальчик, у которого произошло обострение после продажи дачи. Или мальчик, у которого произошло обострение после смерти учителя. А может, он мальчик, который придумал все это, скучая в больнице. А может, у каждого зрителя сложится свой сюжет…

«Ты для меня – надежда на будущее. Ты для меня – находка, желанная и дорогая, при которой я не утрачу собственного «я». 100-летию со дня рождения великого русского артиста Иннокентия Смоктуновского (28.03.1925 – 03.08.1994) Московский Художественный театр посвящает спектакль «Люблю. Целую. Кеша». В его основе – переписка 30-летнего Смоктуновского и его жены Суламифи, письма, отражающие время, когда все только начиналось – отношения, семейная жизнь, путь к успеху, в который Суламифь верила больше, чем Иннокентий. Признание гением, слава, роли, вписанные в историю искусства, подмостки великих театров, всенародно любимые фильмы – все впереди, а пока: «…не беда, коли звезды поначалу достают палкой, ведь надо учиться чем-то тянуться к ним». Письма, хранящиеся в фондах Театрального музея имени А. А. Бахрушина, ранее не публиковались и публично звучат впервые. В 2024 году театроведом Александрой Машуковой по ним была создана документальная пьеса «Дорогая моя находка», которая стала фундаментом спектакля. В режиссерской версии пьесы использованы фрагменты мемуаров Иннокентия Смоктуновского «Быть!».

Антон Чехов – главный автор Художественного театра, а «Дядя Ваня» – одна из знаковых для него пьес. Впервые она была поставлена в Московском Художественном театре при жизни Антона Чехова в 1899 году, когда самому театру был всего год, затем неоднократно возвращалась на родные подмостки. В год своего 125-летия театр вновь обращается к «Дяде Ване». По словам режиссера Дениса Азарова, «Дядя Ваня» – история про одиночество. Глубокое, глобальное, ментальное одиночество. Во всех пьесах Антона Чехова, а в «Дяде Ване» особенно, люди говорят не то, что они хотят сказать, любят не тех, кого они хотели бы любить, живут не там, где мечтают, занимаются не тем делом, которым бы они хотели заниматься. Казалось бы, можно все изменить, например просто взять билет и уехать в другой город, но страх перемен обездвиживает. Безысходность по всем показателям. Тем не менее к страданиям персонажей создатели спектакля стараются относиться не только с сочувствием, но и с иронией.

Молодой режиссер Саша Золотовицкий дебютировал в Московском художественном театре имени Антона Чехова спектаклем «Соня-9», который вызвал ажиотаж у самой взыскательной и непростой публики – подростков. Его новый проект обращен сразу к нескольким поколениям зрителей – от первоклашек до их дедушек и бабушек. Главному герою повестей Артура Гиваргизова, которые легли в основу постановки, по паспорту 60 лет, а в душе всего 7. Он маленький, несерьезный и мудрый. Его зовут Миша, он живет в поселке Песочном у самого Северного Ледовитого океана и способен откопать и разморозить целого мамонта, спасти в шторм моржа, пригреть белого медведя и привить любовь к поэзии хулигану Снегиреву. А еще ему очень интересно, как живут люди у другого – южного – океана в далекой загадочной Индии.

Петербургская повесть Николая Гоголя – трогательная история о любви к вещи. Нищий одинокий мелкий чиновник шьет себе новую шинель вместо прохудившейся старой, и это, казалось бы, дежурное мероприятие превращается для него в событие, которое изменяет навсегда его жизнь и в итоге убивает героя. Режиссер Антон Коваленко сделал из «Шинели» рассказ религиозного звучания о мытарствах человеческой души в плену мучительной здешней жизни, души, мечтающей о неземном бытии. Главную роль (Акакия Акакиевича Башмачкина) сыграл один из лучших исполнителей гоголевского репертуара – народный артист России Авангард Леонтьев.

Спектакль приурочен к 90-летию народного артиста России Станислава Любшина. Жизнь писателя Александра Куприна своею насыщенностью и пестротой напоминает приключенческий роман. Кем он только ни был, оставив в молодости воинскую службу и скитаясь по стране в поисках своего места и дела. Есть в его биографии и страницы, связанные с театром: служил суфлером, актером на выходах и даже по совету Антона Чехова собирался поступать в труппу художественного театра. Это нашло отражение в творчестве: театру и судьбам жрецов посвящено не одно произведение Александра Куприна. В основе инсценировки Кирилла Вытоптова, созданной при участии Александра Баргмана, – сюжет повести «На покое» об актерах, переживших свою славу. Коротая дни в доме призрения, они живут прошлыми успехами и давними обидами и привычно превращают быт в то, без чего не могут дышать, – в театр. Этот, казалось бы, печальный сюжет с азартом, смелостью и самоиронией играют артисты старшего поколения мхатовской труппы.

На берегу реки живут отец с дочкой. Отец трудится на мельнице, а дочь уже девятый день ждет возлюбленного жениха, который куда-то пропал. Да не просто жениха, а самого настоящего князя. Мельник убежден, что избранника уже не воротить. Он винит дочь в том, что она упустила богатого князя, который мог бы поправить их бедственное положение. Наконец, князь возвращается в дом мельника, чтобы сообщить возлюбленной печальное известие. Эскиз спектакля был создан в апреле 2024 года в рамках седьмой лаборатории «Артхаб», посвященной 225-летию А. С. Пушкина, и стал ее победителем.

Юбилею Победы в Великой Отечественной войне Художественный театр посвящает премьеру спектакля по киносценарию Константина Симонова, писателя, а в годы войны – военного корреспондента. Главный герой – военкор Лопатин – в канун Нового, 1943 года отправляется в трехнедельный отпуск в глубокий тыл, в Ташкент, в котором снимается фильм по его сталинградским очеркам. Режиссер Марина Брусникина выбрала для постановки сценарий Константина Симонова, по которому Алексеем Германом в 1976 году был снят фильм, поражающий художественной правдой. Будучи военным корреспондентом, зная войну без прикрас, Константин Симонов пишет о ней как о разрушении человеческой жизни. Причем он выводит на первый план людей, находящихся вдалеке от линии фронта, в эвакуации. Они неожиданно вырваны из привычной среды, перемешаны друг с другом, абсолютно потеряны, эмоционально раздерганы. Их жизнь изменилась в один момент, и с этим ничего нельзя поделать, кроме как пытаться каким-то образом жить дальше. Более того, надо находить в себе мужество не просто существовать, но и бороться за победу. И в этом разрушенном мире, в невероятном холоде вдруг прорастает любовь. А значит, появляется надежда на счастье, опора, смысл жизни.

Авлабар – один из старейших районов Тбилиси и место действия знаменитого водевиля Авксентия Цагарели «Ханума», написанного в 1882 году. Это история о соперничестве двух свах – Ханумы и Кабато, каждая из которых предлагает свою невесту старому князю Васо Пантыашвилли. История смешная, эмоциональная и в чем-то наивная, как эмоциональны грузинские тосты, как бесхитростна живопись Пиросмани. «Ханума» стала особенно желанной гостьей на театральных подмостках в версии комедиографов Бориса Рацера и Владимира Константинова, полвека назад переписавших оригинальную пьесу для Георгия Товстоногова и Большого драматического театра. Но в театре зрителей ждет совершенно новая «Ханума» – в новом переводе, с новыми песнями и диалогами, созданными специально для Московского художественного театра. Автор перевода – Нина Шадури, инсценировка – Андрея Галанова и Шабана Муслимова, музыка – Сергея Чекрыжова и Дмитрия Чувелева, авторы стихов – Мария Безносова и Владимир Руднев.

Случайные люди, объединенные только временем и пространством. Все они сейчас вне дома. Они на Кавказе. Никто из них не знает друг о друге правды. Почти все в состоянии конфликта. Кто-то пытается просто жить. Кто-то ищет смысл в своем существовании. Постоянная дуэль с самим собой или друг с другом… Может ли их что-нибудь объединить или каждый должен найти свой путь в одиночку? Премьера спектакля состоялась весной 2010 года на Малой сцене Художественного театра, а осенью того же года постановка была удостоена двух наград VIII Международного театрального форума «Золотой витязь»: золотым дипломом «За лучшую режиссерскую работу и инсценировку прозы А. П. Чехова» был награжден Антон Яковлев, а обладателем серебряного диплома стал исполнитель одной из главных ролей – заслуженный артист РФ Валерий Трошин.

Это пьеса о мужчинах, объединенных общим страхом и общим волнением. На протяжении ночи они ждут рождения своих детей, каждый из них гадает, каким будет их завтрашний день и мир. Переживая за детей, которые вот-вот должны родиться, герои невольно дают оценку окружающей действительности. По словам Евгения Гришковца, сценической судьбой этой постановки он решил заняться сам, потому что не решился доверить героев этой нежной пьесы чужим рукам: ситуация и пространство требуют от этих людей быть хорошими. В этой пьесе все люди хорошие. Человек, ждущий своего ребенка в роддоме, не может быть плохим.

Жанр своего спектакля именитый режиссер и балетмейстер Алла Сигалова определила как отражение памяти в двух частях с прологом, музыкой и танцевальными этюдами. Этюды на знаковые темы XX века складываются в хронологию столетия: от чеховского «Вишневого сада» до празднования Миллениума через революции, войны, оттепель, полет Юрия Гагарина, Олимпиаду-80, рынок и малиновые пиджаки 90-х. Меняются поколения и мода, но вновь и вновь люди встречаются и расстаются – Лара и Юрий Живаго, Айседора Дункан и Сергей Есенин, Владимир Маяковский и Вероника Полонская, герои Антона Чехова, Александра Вертинского, Геннадия Шпаликова, Александра Вампилова, Андрея Тарковского. Этот спектакль по либретто Аллы Сигаловой и Константина Эрнста – жест любви и уважения тем людям, той музыке, тому времени.