Театры Москвы: афиша спектаклей

Музыка «Мефистофеля» стоит на перекрестке итальянской и немецкой традиции. В опере есть и арии-портреты, и дуэты, и квартеты, и балетные сцены, и монументальные хоровые эпизоды. Бойто стремился вместить в действие своей оперы обе части гетевского «Фауста». До него композиторы – от Людвига Шпора до Шарля Гуно – обращались преимущественно к первой части трагедии, к истории Фауста и Маргариты. Бойто же сохранил и символическое путешествие героя в Древнюю Грецию, и встречу с Еленой. Но главное – он выстроил оперу вокруг Мефистофеля, но не Фауста: на авансцене оказался не искатель истины, а дух отрицания. Для Большого театра это четвертое обращение к опере Арриго Бойто после постановок 1887, 1894 и 1902 годов. Последняя из них вошла в историю благодаря участию Федора Шаляпина – один из величайших исполнителей роли Мефистофеля лично переводил на русский язык фрагменты партии своего героя.

«Осада» – современная интерпретация гомеровской «Одиисселиады», созданная по пьесе Евгения Гришковца («Одисселиада» – это не устоявшийся термин для современной интерпретации Гомера). История о любви, судьбе человека, выборе и времени, рассказанная молодыми артистами через живую энергию коллективной импровизации. В спектакле соединяются фирменная интонация автора – тонкий баланс смешного и грустного, светлая ирония и разговор о вечных вопросах, которые остаются актуальными для каждого поколения. Благодаря особому методу работы над постановкой у зрителей возникает ощущение, что действие рождается прямо здесь и сейчас, превращая их в соучастников происходящего. Режиссер – директор Музея МХАТ заслуженный артист РФ Павел Ващилин. Роли исполнили студенты 4 курса Московского театрального колледжа имени Л. А. Филатова (мастерская Янины Колесниченко и Георгия Ковалева) – Марка Чохели, Владимир Русин, Илья Ходаков, Тимур Мусин, Кузьма Степанов, Артем Говорун и мастер курса Георгий Ковалев.

Спектакль состоит из глав романа-эпопеи Льва Толстого «Война и мир», посвященных сюжетной линии Пьера Безухова. Вместе с юным 20-летним персонажем молодые студенты четвертого курса актерского факультета (мастерская Бориса Морозова) отправляются на поиски смысла жизни, своего истинного призвания, обретения собственного места в сложившемся мире. Зрителю предстоит проследить путь героя от незаконнорожденного юноши без денег и будущего через неожиданное получение богатства и титула, первую влюбленность, брак, измену, дуэль, угрозу убийства к открытию Бога и спасению своей будущей жены Наташи Ростовой.

Действие происходит в губернском городе, где живут переехавшие туда из Москвы сестры Ольга, Маша и Ирина, а также их брат Андрей. Их отец, генерал, умер, и с этого момента их жизнь потеряла былую осмысленность. Сестры постоянно говорят о Москве, куда они стремятся уехать, связывая с этим городом надежды на счастливую, осмысленную и красивую жизнь. Офицер Вершинин, философствующий о прекрасном будущем через двести триста лет, вовлекает Машу в роман, который становится для нее единственным лучом света. Барон Тузенбах говорит Ирине о любви и о возможности начать новую, трудовую жизнь. Штабс капитан Соленый, мрачный и язвительный, также тайно влюблен в Ирину. Жизнь, однако, течет своим чередом, постепенно разрушая иллюзии. Сестры остаются в захолустном городе одни, с разрушенными мечтами. Ольга, обнимая сестер, говорит о необходимости просто продолжать жить, терпеливо неся свой крест, в надежде, что когда-нибудь страдания обретут смысл и будущие поколения будут счастливы.

Театр Моссовета совместно с ансамблем «Music Брасс» представляет новый проект для детей и взрослых. Маленькие зрители смогут открыть для себя с новой стороны любимую сказку А. Пушкина, представленную в увлекательной, интерактивной форме. А также познакомиться с чудесным миром медных духовых инструментов, где каждый имеет неповторимое звучание и свой удивительный характер. Артисты Театра Моссовета не только расскажут зрителям о чудесах и волшебных превращениях в «Сказке о рыбаке и рыбке», но и вместе с музыкантами откроют великую музыку, таящуюся в языке А. Пушкина, ведь он самый настоящий музыкант: и композитор, и дирижер, безупречный классик и виртуозный джазовый импровизатор. В спектакле прозвучат отрывки из произведений В. Эвальда, Р. Шумана, Ж. Бизе, М. Мусоргского и других композиторов, а также русские и английские народные песни и джазовые стандарты.

Спектакль Вацлава Дембовского – не просто история о судьбе деревни, а живой, дышащий организм, встретившись с которым, зритель сам станет обитателем той самой «абсолютно счастливой деревни», места, которое живет только в памяти и в сердце. Деревня – не несколько домов, а целое состояние мира. Река, лес, поле – не декорации, а воплощенные стихии. Актер этой постановки может стать чем и кем угодно: деревом, хором ветра или течением реки. Мир проступает из ничего и растворяется в пространстве, подчиняясь логике памяти и мифа. Повесть «Одна абсолютно счастливая деревня» рассказывает о почти идиллической жизни простой русской деревни, которая впоследствии была разрушена войной. Главные герои – Михеев и его возлюбленная Полина – являют собой пример стойкости и глубинной мудрости простого человека, в них проявляет себя дух народа, несломленный даже войной. Автор Борис Вахтин назвал свое произведение песней: хоть оно и написано в прозе, но пронизано особенной поэтической интонацией и насыщено фольклорными мотивами.

Спектакль «Жена солдата» – победитель режиссёрской лаборатории «Россия. Время героев. От XX к XXI веку». Создатели обращаются к теме подвига женщин России. Их сложные судьбы сплетаются сквозь века в единую нить – эпохи сменяют друг друга, но жены по-прежнему ждут мужей с ратных подвигов, оберегая семейный очаг. Художественное полотно постановки охватывает огромный временной пласт – от средних веков до наших дней. Спектакль соткан из монологов женщин разных эпох и сословий, но объединенных одной трагической судьбой. Символом этой неразрывной связи поколений становится нить. «Жена солдата» – это не просто театральная постановка, это тихая исповедь, пространство, где можно остановить бесконечную гонку современного мира, задуматься о цене жизни и тихой силе любви. Это спектакль, где дышит время и где совершенно не стыдно плакать.

Балет «Чиполлино» Московского государственного ансамбля танца «Русские сезоны» создан по мотивам знаменитой сказки Джанни Родари на музыку Карена Хачатуряна. История о смелом мальчике-луковке уже много десятилетий остается одной из самых любимых у детей и взрослых. Музыка, написанная композитором для одноименного мультфильма, вдохновила множество театральных постановок, а версия ансамбля «Русские сезоны», поставленная заслуженным деятелем искусств России Николаем Андросовым, получила личное одобрение Карена Хачатуряна. На сцене оживают знакомые персонажи: Чиполлино, Редисочка, Вишенка, Принц Лимон, Синьор Помидор и Кум Тыква. Зрителей ждет красочный балетный спектакль о дружбе, справедливости и победе добра.

Петербург XIX века, магия и полет на воздушном шаре. Любовь и коварство. Лед колдовства и пламень настоящей любви. Сказочная сценография и невероятные костюмы. Музыка, которую вы будете еще долго напевать поле спектакля. И это все, как говорится, цветочки. Вернее, «Аленький цветочек». Атмосфера располагает к доброй ностальгии и наполняет гордостью за страну и ее великую культуру. Над постановкой работают: автор либретто – Сергей Плотов; композитор – Артем Пысь; режиссер-постановщик – Марина Швыдкая; художник-постановщик – Максим Обрезков; художник по костюмам – Виктория Севрюкова; хореограф-балетмейстер – Аким Стрельцов.Главные роли исполнят Алексей Колган, Галина Безрук Александр Казаков, Алина Винокурова и другие артисты театра.

Волшебник, превративший когда-то Медведя в человека, решает разрушить свое колдовство. Медведь может вновь стать собой, если поцелует Принцессу, которая, не без вмешательства Волшебника, оказывается неподалеку… Беда в том, что Медведь по-настоящему влюбляется в Принцессу – как и она в него. Так влюбленные оказываются перед немыслимым выбором, а Волшебник теряет контроль над своей сказкой. Удивительная история о мощной силе любви должна оказаться близкой всем, кто верит в чудеса. Спектакль по пьесе Евгения Шварца подходит для семейного просмотра.

Музыкальный спектакль «Эдвард Григ. Две встречи» по рассказам Константина Паустовского и Марины Дробковой посвящен великому композитору. Одно из самых известных музыкальных произведений Эдварда Грига «Пер Гюнт» пронизано духом Норвегии. «Пер Гюнт» не раз ставился на сцене Московского художественного театра и полюбился зрителям. Спектакль «Эдвард Григ. Две встречи» в художественной форме расскажет о жизни и творчестве выдающегося композитора, а отрывки из его произведений и материалы, относящиеся к постановке пьесы Генриха Ибсена на сцене МХТ, помогут полностью погрузиться в атмосферу сказки. Мероприятие предназначено для семейного просмотра и будет интересно и детям, и взрослым.

История о масштабном наводнении в Санкт-Петербурге 1824 года, где сталкиваются интересы правителя, основавшего город на Неве, и бедного служащего Евгения, мечтающего о тихом счастье с девушкой Парашей. Знакомый со школьной скамьи текст, давший название памятнику Петру, до сих пор хранит немало загадок. Почему всадник медный, хотя он отлит из бронзы? Чем бедный Евгений может пробудить самого Петра? И что это за город, где сама природа предрекла ему стать защитой от шведов, но играючи расправляется с ним неуправляемой Невой? Яркий, живой и захватывающий в своей трагичности спектакль открывает зрителю заново горячего и бунтующего Пушкина. Режиссер-постановщик – Антон Митнев. Хореограф-постановщик – Елена Минина.

Как ошибки родителей отражаются на детях? Насколько сильно желание свободы у тех, кто вырос среди компромиссов и лжи? Сумеет ли новое поколение разорвать «цепь зла», или оно обречено жить в рамках, навязанных историей и выбором их отцов? За закрытыми дверями дома отношения трещат по швам: глава семьи, отец пятерых взрослых детей, внезапно лишается властной должности, места полицмейстера. Теперь ему приходится просить деньги у брата, а детям – ютиться в доме дяди. Не все из них разделяют взгляды отца, но как жить иначе, если все детство прошло под его суровой властью? Ссоры превращаются в допросы, признания – в приговоры, любовь – в улику, а правда – в риск. Режиссер Олег Липовецкий впервые обращается к тексту Горького, вслушиваясь в эпоху, когда за потрясениями революции следовал расцвет внутренней свободы: стремление к новому, разрушение привычных границ, поиск иных форм искусства. Пространство спектакля – вращающийся круг; зрители находятся совсем близко, почти внутри его орбиты. И этот круг не останавливается – он постоянно движется, втягивая всех вокруг в свое движение…

Спектакль по самой знаменитой пьесе в мире поставлен в честь восьмидесятилетия художественного руководителя «Эрмитажа» Михаила Левитина. Однако для него это не просто трагедия о принце датском, его коварно убитом отце, предательстве дяди, измене матери и мести. Прежде всего, это очень личная история, позволяющая вернуть собственного отца, встретиться с ним, сохранить память о нем. Это насквозь пропитанное театром путешествие во времени: вот молодой человек, рядом его любящая мать, отец все еще жив… Как стремительно может разрушиться этот мир! Как же пройти через все испытания, сохранив подлинное достоинство? А Гамлет – живой человек, не персонаж, не история – сохраняет это достоинство уже более четырехсот лет.

Главный герой, наш современник, переносится в сердце классического романа Лермонтова, где все воспринимают его как Печорина. Под руководством таинственного иллюзиониста Апфельбаума поэт проживает ключевые сцены книги как собственные и проходит весь путь «героя нашего времени», чтобы сделать окончательный выбор. Прошлое и настоящее сталкиваются в жестоком «театре представления» загадочного мага, стирая границы между реальностями. Здесь сценой оказывается XIX век, а персонажами – призраки героев лермонтовского романа. Здесь классика становится живой декорацией, где поэт вместе со зрителем будто проваливается в страницы великого произведения.

Спектакль четвертого актерского курса Школы-студии МХАТ (мастерская Марины Брусникиной и Сергея Щедрина) вырос из лаборатории по творчеству Антона Павловича Чехова. Студенты работали сразу над тремя пьесами Антона Павловича: «Чайка», «Три сестры» и «Вишневый сад», погружаясь в мир автора, отгадывая загадки и анализируя его текст через разные актерские приспособления. В работе над «Чайкой» было предложено искать персонажей в современной реальности, в знакомой студентам музыкальной или поэтической культуре, в среде, которая их окружает. Эти поиски ассоциаций в результате вылились в форму концерта-высказывания каждого персонажа пьесы. Это не драматический спектакль (хотя тут есть и текст Чехова, и сцены, и этюды), а поиск тем героев через современную реальность.

«Три поросенка. Ой» – совместный проект Театра на Таганке и «М_Фабрики детского контента». Организатор – Российский фонд культуры. Знакомая с детства история о трех поросятах, написанная Сергеем Михалковым, получила новое прочтение благодаря его внучкам – Ане и Наде Михалковым, выступившим создательницами и идейными вдохновительницами постановки. Их трепетное отношение к семейному наследию и любовь к детской литературе помогли превратить известную сказку в увлекательное и многослойное театральное приключение. Автор и художник спектакля Мария Трегубова, лауреат премий «Золотая маска», «Хрустальная Турандот» и других престижных театральных наград, создала уникальную визуальную вселенную. Зрителей ждут огромные куклы, фантастические образы героев и яркие декорации – все, чтобы погрузиться в мир, где возможны чудеса и смех, страх и храбрость, игра и глубокий смысл. Режиссер – Кирилл Вытоптов. Это не просто спектакль, а настоящее театральное событие: здесь маленькие зрители смогут почувствовать себя художниками, соавторами и даже волшебниками. А главным рассказчиком (и режиссером!) истории неожиданно станет тот, кого все привыкли бояться, – Волк. Может быть, именно его взгляд поможет заново услышать добрые уроки сказки: о лени и труде, о страхе и смелости, о справедливости и прощении. «Три поросенка. Ой» – это спектакль, в котором классика встречается с современностью, а театр становится пространством игры, размышлений и открытий – как для детей, так и для взрослых.

«Коричневое утро» – история об обычном городке, в котором живет Герой и его друг Чарли. И однажды их размеренное существование переворачивается с ног на голову: постепенно, по чуть-чуть государство начинает объяснять, как жить людям, что любить и о чем думать. Главное – не забывать, что коричневый цвет во главе всего. Он теперь у нас любимый, коричневое все, про коричневый наш новый гимн. Да здравствует коричневая жизнь! Но только даже принятие новых правил игры не гарантирует того, что однажды за тобой не придут…

Что же писали и говорили о Саре Бернар ее современники? Чехов, например, утверждал, что у нее нет таланта, а есть только блестяще отточенное мастерство. Тургенев был убежден, что единственное ее достоинство – это голос. Марк Твен считал, что актрисы бывают разные – плохие, сносные, хорошие и великие, но есть Сара Бернар. О ней слагали легенды, распускали слухи, сочиняли ее биографию. Она умела эпатировать, влюблять в себя, но очень боялась сцены, без которой не могла жить. Американский и канадский актер, режиссер и драматург Джон Марелл назвал пьесу о Саре Бернар «Воспоминания». В Париже она шла как «Сара и крик лангусты», в русском переводе же на отечественной сцене лангуста (строго по тексту) смеется. Это – пьеса для двоих, спектакль-диалог Сары Бернар и ее последнего секретаря Жоржа Питу. Она пытается разобраться в себе и своей жизни, ведь легенда, как говорила Сара Бернар, всегда берет верх над историей… Она не просто вспоминает, а заново режиссирует свою биографию. Напоследок она хочет перед единственным зрителем вспомнить лучшие роли. А заодно без прикрас и вымыслов поведать историю своей бурной, великолепной и непокорной жизни.

Есть места, которые притягивают, как магнит. Случайные встречи порой разворачивают жизнь к большим переменам. Далекие мечты неожиданно становятся реальностью. Артист Театра на Таганке, музыкант и поэт Василий Уриевский расскажет о своей любви к театру, стирая границы между сценой и залом, поделится историями о творческих поисках, о значимом и личном, что обычно остается за кулисами театра. И, конечно же, частью вечера станет его музыка. «Это как будто интервью, которого никогда не было и не будет. Интервью, в котором меня спросили: «Что для тебя значит Таганка?», – рассказывает Василий Уриевский. По его словам, моноспектакль, в котором, конечно, будут звучать и песни под гитару (куда без них, когда речь идет о Таганке!), – развернутый ответ на этот вопрос. В основе – текст, написанный самим Василем Уриевским. «Это не пьеса, а скорее, рассказ. О мечте, о везении, о том, как я попал в Театр на Таганке, а также о волшебных переплетениях людей и предметов», – отмечает Василий Уриевский.

«С оперы «Набукко» действительно началась моя творческая карьера», – говорил Верди. Первая опера 28-летнего композитора, имевшая огромный успех на сцене, – именно она стала сочинением, после которого Верди, переживший провал двух своих опер и личную трагедию, воспрял духом и вновь вернулся к творчеству. Обратить внимание на либретто Солеры «Навуходоносор» Джузеппе Верди уговорил импресарио театра Ла Скала Мерелли. Библейский сюжет о раскаявшемся в своих грехах и пришедшем через страдания к истинной вере вавилонском царе, о страданиях несчастных евреев, о коварстве дочери Навуходоносора Абигайль, стремящейся любой ценой добиться власти, по-настоящему взволновал Верди. Премьера, состоявшаяся 9 марта 1842 года в Ла Скала, произвела фурор. Верди в один день стал знаменитым.

Постановка по драме Асгата Мирзагитова посвящена памяти солдат... Действие разворачивается в канун 9 Мая, спустя 30 лет после объявления о безоговорочной капитуляции. Но сколько бы времени ни прошло, эхо войны все еще отчетливо звучит в душах героев, прошлое воскресает в настоящем, и матери все еще ждут сыновей. Их единственная опора – любовь, надежда и память… В главных ролях – представители старшего поколения труппы, некоторые из них всего лишь на 5 лет младше нынешнего юбилея Победы. Рассказы старших о ветеранах-фронтовиках из их детства и юности, погружение в реалии военных и послевоенных лет связали всех участников крепкой нитью личной человеческой и исторической памяти. Спектакль станет своеобразным воплощением всеобщей народной памяти, которая сама по себе и есть нерукотворный монумент той эпохе и ее людям.

Режиссер постановки Максим Лахно объединил две истории, о которых обязательно должен узнать каждый ребенок – «Колобок» и «Добрый Заяц». Главные герои этих сказок научат доброте и щедрости, отваге и уверенности, умению не отступать и помогать другим. Спектакль познакомит малышей с такими традиционными русскими музыкальными инструментами, как баян, гармонь, балалайка, бубен и трещотка, подарит радость, хорошее настроение и веру в чудо, которая так необходима и взрослым, и детям. Проводниками в этом увлекательном путешествии станут веселые рассказчики-скоморохи – Шут и Плут. В спектакле принимают участие солисты ансамбля «Россияне». Их энергия и задор, талант и артистизм никого не оставят равнодушным. А маленькие зрители вместе со своими родителями смогут принять участие в сказочном интерактиве, став полноправными героями действа.

В предстоящем «Романе», спектакле-событии главного режиссера Центрального академического театра Российской армии – народного артиста России Александра Лазарева – по мотивам прекрасного и вечного произведения Михаила Булгакова «Мастер и Маргарита», зритель не встретит привычные театр «Варьете», «нехорошую квартиру», так называемый Дом Грибоедова и Патриаршие пруды, но встретит намного большее… Эту сторону романа затрагивают обычно мельком, поверхностно или не освещают вовсе, эта линия не такая привлекательная и зрелищная, но заставляет думать, сопереживать и, самое главное, сострадать. Даже если обзавестись тряпками и заткнуть ими все щели, сострадание живет глубоко внутри человека. Именно эту неразгаданную историю выбрал главный режиссер Александр Лазарев – историю Понтия Пилата, принявшего решение тогда, давно, четырнадцатого числа весеннего месяца нисана. Главные роли исполнят настоящие мастера сцены: Понтий Пилат – Александр Балуев и заслуженный артист России Максим Аверин, Воланд – народный артист России Александр Домогаров. Впервые за много десятилетий откроется танковый подъезд, откуда появятся вороные кони. Во всем, начиная от костюмов и заканчивая деталями реквизита, – изысканность и лаконичность, под стать великому произведению. Балетмейстер Михаил Колегов создает пластические сцены, в которых задействованы 60 танцовщиков, выбранных для спектакля.

Театр «МОСТ» предлагает совершить ностальгическое путешествие в недалекое прошлое, когда деревья были большими, бабушки – молодыми, мамы и папы – маленькими, а современное поколение еще родилось. На машине времени театра вы перенесетесь на полвека назад, чтобы вновь испытать щемящее чувство влюбленности вместе с героями пьесы Владимира Войновича «Фиктивный брак». Ламповая ностальгическая история двух людей, жаждущих и ожидающих простого человеческого счастья, зазвучит еще пронзительнее в камерном пространстве Новой сцены.

Спектакль поставлен по комедии Оскара Уайльда «Веер леди Уиндермир». Поддавшись сплетням, леди Маргарет Уиндермир начинает подозревать мужа в измене. Однако тот не только отказывается развеять подозрения, но и приглашает на светский прием по случаю дня рождения жены загадочную миссис Эрлин, о которой говорят все. Классик английской литературы высмеивает нравы светского общества, в котором под маской добродетели скрывается тщеславие, высоко ценится искусство сплетни, а чувства оказываются разменной монетой.

Публику ждет новый спектакль в репертуаре Театра балета классической хореографии. Премьера приурочена к 35-летию основания коллектива, которое театр отпразднует 15 мая 2025 года. Этот легкий спектакль, не лишенный юмора и праздничной атмосферы, призван подарить зрителям отличное настроение и наслаждение балетной классикой. «Коппелия» – комический балет на музыку французского композитора Лео Делиба в постановке Артюра Сен-Леона. В основу сюжета положена новелла знаменитого писателя-романтика и музыканта Эрнста Теодора Амадея Гофмана (1776–1822) «Песочный человек» (1817), в которой рассказывается о юноше, полюбившем механическую куклу, сделанную искусным мастером Коппелиусом. В отличие от новеллы Гофмана, мистическая сторона в балете практически отброшена. У либреттистов получилась занимательная комедия, основанная на мимолетной ссоре и примирении влюбленных – Сванильды и Франца.

Литературная эпоха, именуемая Серебряным веком, была невероятно щедра на таланты, но помнят сегодня преимущественно мужские имена. Поэтессы, за исключением Анны Ахматовой и Марины Цветаевой, оказались незаслуженно забыты. А между тем в их блистательной лирике, словно в зеркале, отражается вся эпоха: мечты о независимости, ростки феминизма. Женская лирика Серебряного века завораживает чувственностью, внутренней мелодикой, ритмом, даже паузами. Страстные, пылкие стихи обращены к мужчинам, женщинам, иногда – к вымышленным героям. Почти у всех поэтесс не было счастливой женской судьбы. Создатели спектакля пытаются восстановить их судьбы поэтические. Поэтическое кабаре – новый формат для Московского Губернского театра, предполагающий общение актеров и зрителей не через рампу сцены, а в уютной камерной обстановке. Размещение зрителей за небольшими столиками в фойе второго этажа позволяет присутствующим стать непосредственными участниками красивого, зрелищного перформанса. В спектакле прозвучат стихи Анны Ахматовой, Марины Цветаевой, Нины Берберовой, Аделаиды Герцык, Зинаиды Гиппиус, Надежды Тэффи, Веры Инбер и других поэтесс, романсы Александра Вертинского и песни начала ХХ века.

Молодой режиссер Саша Золотовицкий дебютировал в Московском художественном театре имени Антона Чехова спектаклем «Соня-9», который вызвал ажиотаж у самой взыскательной и непростой публики – подростков. Его новый проект обращен сразу к нескольким поколениям зрителей – от первоклашек до их дедушек и бабушек. Главному герою повестей Артура Гиваргизова, которые легли в основу постановки, по паспорту 60 лет, а в душе всего 7. Он маленький, несерьезный и мудрый. Его зовут Миша, он живет в поселке Песочном у самого Северного Ледовитого океана и способен откопать и разморозить целого мамонта, спасти в шторм моржа, пригреть белого медведя и привить любовь к поэзии хулигану Снегиреву. А еще ему очень интересно, как живут люди у другого – южного – океана в далекой загадочной Индии.

Спектакль по одноименной повести Николая Гоголя. Эта постановка возникла из эскиза, ставшего одним из победителей режиссерской лаборатории «Гоголь. 215», которую театр Гоголя проводил в феврале 2024 года совместно с Российским институтом театрального искусства и Колледжем имени Гнесиных. Спектакль осуществлен при поддержке МТС Live. В постановке молодого режиссера Арины Бессергеневой сюжет гоголевской повести переносится в сюрреалистическое пространство современного офиса, где каждый лишен индивидуальности. Трагикомическая история о маленьком человеке, который боится выйти за рамки своего ограниченного мира, превращается в фантазию о несбыточной мечте. Покупка новой шинели становится для Башмачкина желанным способом вырваться из повседневной рутины, стать героем своей новой реальности.

Самый известный чеховский сюжет о рыжей собаке с лисьей мордой пересказывать не нужно. А вот поведать заново в старой доброй традиции театра как рассказывания истории – вполне. Коврик, зритель и артист. Здесь нет спецэффектов и сценических аттракционов. Только хор актерских голосов, фантазия зала. Опилки легко становятся снегопадом, домотканый коврик – цирковым манежем, а растерянное перед жизнью существо Каштанка решает почти гамлетовский вопрос: быть или не быть в простецкой столярке или у незнакомца в «ученом сообществе»? Вот в чем очень взрослые вопросы детского спектакля для всей семьи.

Спектакль «Кастинг 81/18» с участием актрис, стоявших у истоков Театра на Таганке, поставлен к юбилейному, 60-му сезону по оригинальному сценарию режиссерского дуэта Виктории Латышевой и Георгия Смирнова. У актрис нет возраста, эти женщины способны остановить время. Неукротимая энергия и страстное желание выходить на сцену, говорить со зрителем – этого не отнять даже у тех, кому сильно за 80. Итак, 5 героинь элегантного возраста приглашены на кастинг. Одна из них когда-то была звездой, другая занималась лишь озвучиванием, третья играла в любительском театре... Они все такие разные, но Нина Заречная все еще живет в душе каждой. И нет, у них не будет второго шанса произвести первое впечатление.

«Бременские музыканты» Евгения Марчелли, давно мечтавшего поставить спектакль для детей, – настоящий гимн романтической любви, верности, дружбе, таланту, красоте и всепобеждающей театральности. Приключения Трубадура и его преданных друзей погружают зрителей в атмосферу радости и праздника, озорства и музыки, сказочных превращений и веселой игры. В этом спектакле каждый найдет что-то свое. Малышей увлекут забавные похождения Осла, Пса, Кота и Петуха, молодежь не оставит равнодушной история любви отважного Трубадура и прекрасной Принцессы, а люди постарше наверняка испытают ностальгию по тем временам, когда еще детьми впервые увидели культовый мультфильм. Спектакль для всех, кто верит в любовь, ценит дружбу и готов прийти на помощь товарищу.

Однажды вечером четверо друзей – Хулиган, Умница, Балбес и Трусиха – собрались на старом чердаке, чтобы рассказать друг другу страшные истории. Но что-то пошло не так, и истории превратились в добрые и веселые сказки, наполненные занимательной философией. Где-то на чердаке родился сказочный мир, в котором живут Ужасно Скрипучая Дверь, Слишком Громоздкий Шкаф, Кожаное Кресло, Тяжелая Штора и многие другие герои совершенно не фантастических, а реальных историй. Спектакль Аркадия Черкашина по мотивам произведений Евгения Клюева – это прекрасно написанные и виртуозно исполненные артистами истории в ретростиле для детей и взрослых.

Новая постановка Сергея Женовача по пьесе Николая Эрдмана – острая комедия, разыгрываемая в декорациях хранилища искусств. История лишних маленьких людей на фоне картин, пейзажей, портретов царской семьи и вождей. Написав в 20-х годах знаменитые пьесы, Николай Эрдман навсегда вошел в историю мировой драматургии и театра. «Студия театрального искусства» – единственный театр, в репертуаре которого отныне есть оба эрдмановских шедевра. Работая над спектаклем, Сергей Женовач обратился не к мейерхольдовскому варианту пьесы, а к записям и черновикам Николая Эрдмана. В спектакле звучит музыка Георга Фридриха Генделя, Феликса Мендельсона, Михаила Глинки, Павла Зубакова, Алексея Львова, а также песни неизвестных авторов.

Оставшись за старшую на время отсутствия родителей, девочка так увлекается полученной вдруг свободой, что совсем забывает про младшего брата. И коварные гуси-лебеди по приказу Бабы-яги похищают мальчика. Чтобы спасти братца, маленьким зрителям вместе с девочкой предстоит отправиться в непростое путешествие, преодолеть испытания, стать добрее, внимательнее и, конечно, обхитрить Бабу-ягу! Спектакль с перчаточными куклами вобрал в себя всю таинственность и мистику русской народной волшебной сказки.

Наталья Ковалёва: «Две актрисы простыми словами, песнями, языком пластики расскажут непростую историю о силе духа женщин, рядом с которыми мы живем. Представление создано по мотивам одноименной повести. Повесть эта — гимн Женщине, гимн Матери». В спектакле исполняются народные песни. «Чингиз Айтматов – писатель, хорошо известный не только в России, но и за рубежом. Повести его переведены на многие языки, экранизированы, показывались на фестивалях в Берлине и Венеции, спектакли по его произведениям ставились в театрах. Когда-то я начала читать Айтматова и влюбилась в его героев, его язык. Мечтала побывать на его земле. Будучи актрисой, создала программу по его произведениям и была приглашена с нею в Бишкек — праздновалось 85-летие писателя. Здесь я встретилась с родными Айтматова, своими глазами увидела его любимые горы, степи, пила воду Иссык-Куля. И поняла, что эту любовь сохраню и постараюсь передать другим. Так и родилась идея создания этого представления. Арт-кафе театра – то самое пространство, в котором нет четвертой стены и можно вести близкий, исповедальный разговор со зрителем. Очень простая история. Просто женщины, просто любовь, просто жизнь, просто война. Но здесь как в капле воды отразилась история тысяч людей Айтматов рассказывает о киргизской женщине. На самом деле у этой истории нет национальности, потому что в сердце у всех матерей единое чувство – любовь к жизни. Есть ли бесконечное счастье? Да – ответит каждая мать. Это сама жизнь. Жизнь бесконечна. Недаром символом спектакля является зерно: посаженное в землю оно всегда продолжит жизнь. Это и есть бесконечное счастье. Только бы земля не горела в огне войны. У героинь данные автором киргизские имена, но они говорят о любви, надежде, добре, беде, счастье знакомыми русскими словами. Повесть написана в 1963 году, но героини спектакля живут сегодня, потому что у настоящих чувств нет времени, они пребудут всегда. В спектакле много музыки — задушевные народные песни звучат в исполнении героинь», — Наталья Ковалёва, автор инсценировки и режиссёр.

Самая знаменитая хроника Уильяма Шекспира. Ричард III в борьбе за власть презрел понятие морали, совести, сострадания. Его агрессия сметает все человеческое на своем пути. Он хитер, изворотлив, безжалостен. Уничтожая всех возможных соперников, не останавливается ни перед чем, чтобы добиться цели. Угрызения совести неведомы ему. Достигнув высшей власти, Ричард подружился с одиночеством. Его ненавидят все – и лорды, и народ. Первые поднимают восстание. Ричард в панике, его терзают кошмары.. Он не может найти союзника. Постулат: «Кулак нам – совесть, и закон нам – меч», – не действует. Он ранен, одинок, беспомощен, но готов к бою. «Коня, коня! Корону за коня отдам!»…

«Укрощение строптивой» – первая часть задуманной режиссером Андреем Кончаловским «шекспировской трилогии». Идея этого проекта в том, чтобы погрузить зрителя в мир великого драматурга: Шекспир – комедия, Шекспир – трагедия; Шекспир – фантазия. В полижанровый сценический триптих, начатый «Укрощением строптивой», в дальнейшем должны войти трагедия «Макбет» и фантазия «Буря». Что может быть увлекательней, чем наблюдать за перипетиями взаимоотношений двух влюбленных пар, тем более в интерпретации великого Шекспира? У богатого дворянина Баптисты две дочери: младшая – скромница Бьянка и старшая – обладательница бешеного характера Катарина, о чем известно всей Падуе и где нет ни одного мужчины, готового взять ее в жены. Но первой, по решению отца, должна выйти замуж Катарина. Воздыхатели Бьянки находят претендента на руку строптивицы. Это дворянин из Вероны Петручио, решивший выгодной женитьбой поправить свое материальное положение и укротить дикую кошку Кэт, что ему и удается в конце концов сделать, подвергнув свою супругу разного рода испытаниям. В моссоветовской постановке, где роль строптивой исполняет звезда театра и кино Юлия Высоцкая, смешиваются формы и ритмы фарса, водевиля и эксцентрики. Режиссер, поставивший спектакль в стилистике итальянской комедии дель-арте, не искажает классику, но подчеркивает и раскрывает идеи автора. Спектакль получился ярким театральным зрелищем, в котором много интересным актерских работ, комических положений, неожиданных гротескных поворотов сюжета и просто бесшабашного веселья.

Марионеточный цирк Виктора Антонова – это фейерверк неповторимых кукольных номеров! Забавный клоун исполняет романсы со своей подружкой-птичкой, обезьяны-акробаты строят пирамиду, факир глотает шпагу, гимнасты на одном велосипедном колесе непринужденно жонглируют огромными гирями. Необыкновенный трюк придуман режиссером для каждой куклы, и даже не один. Верблюд здесь не только летает, но и извергает языки пламени, как настоящий дракон. Ведь в «кукольном цирке» возможно все! Виктору Антонову и его трюковым марионеткам рукоплескали зрители разных стран и континентов. Теперь этот легендарный спектакль можно увидеть и на сцене Театра кукол имени Образцова. Автор, исполнитель и создатель кукол к спектаклю Виктор Антонов – театральный художник-постановщик, сценограф, неоднократный лауреат Российской Национальной театральной Премии «Золотая Маска», главный художник ГАЦТК им. С. В. Образцова.