Афиша Москвы на 23 октября 2026

По мотивам сказки Ханса Кристиана Андерсена. С чего начинается полет птицы? Птица набирает воздух и становится гордой. Наш герой родился жарким летним днём в утином гнезде в чаще лопухов. Среди оравы новорожденных птенчиков, таких желтеньких и хорошеньких, только он получился серый, нелепый. «Гадкий!», - и всякий на птичьем дворе потешался над ним. Бедный утёнок просто не знал куда деваться от насмешек и щипков. И однажды сбежал со двора прямо под открытое небо. Столько несчастий выпало на его долю... Но не беда появиться на свет в утином гнезде, если ты вылупился из лебединого яйца! Спектакль вошел в лонг-лист Национальной театральной Премии "Золотая Маска"-2022.

Мюзикл в двух действиях по повести Г. Белых и Л. Пантелеева. История «Республики ШКИД», школы беспризорных детей имени Достоевского, произошла почти 100 лет назад. Десятки тысяч маленьких граждан тогда еще совсем молодой страны оказались выброшенными на улицу. Их судьбы, скорее всего, закончились бы трагически, если бы не усилия удивительных людей, которые отдали свою жизнь, свой талант, свое мужество на спасение этих детей. Таким человеком был руководитель школы имени Достоевского Виктор Николаевич Сорока-Росинский. Сегодня мало кто знает его имя, но все знают «Республику ШКИД» по известному фильму и по известной книге Белых и Пантелеева, которые сами были воспитанниками этой школы-интерната. Это прошлое должны знать и современные дети, так как эта история об их сверстниках, которые оказались волею судьбы в сложных жизненных обстоятельствах, нашли в себе силы преодолеть ужас и страх. Очень многие выпускники «Республики ШКИД» стали известными учеными и писателями.

Спектакль «Жена солдата» – победитель режиссёрской лаборатории «Россия. Время героев. От XX к XXI веку». Создатели обращаются к теме подвига женщин России. Их сложные судьбы сплетаются сквозь века в единую нить – эпохи сменяют друг друга, но жены по-прежнему ждут мужей с ратных подвигов, оберегая семейный очаг. Художественное полотно постановки охватывает огромный временной пласт – от средних веков до наших дней. Спектакль соткан из монологов женщин разных эпох и сословий, но объединенных одной трагической судьбой. Символом этой неразрывной связи поколений становится нить. «Жена солдата» – это не просто театральная постановка, это тихая исповедь, пространство, где можно остановить бесконечную гонку современного мира, задуматься о цене жизни и тихой силе любви. Это спектакль, где дышит время и где совершенно не стыдно плакать.

Режиссёр Николай Черкасов исследует человеческую натуру в спектакле по пьесе Грибоедова и доказывает: классика может и должна быть интересна современному зрителю.

Возобновление этой постановки – это уникальный шанс впервые увидеть нашумевшую историю в одном сезоне с легендарным «Монте-Кристо» и знаменитой «Анной Карениной». Действие происходит во второй половине XVIII века, во времена правления императрицы Екатерины II. Граф Алексей Орлов, когда-то способствовавший ее восхождению на трон, вышел из милости императрицы и отправлен в почетную ссылку во главе русского флота в Италии. Здесь граф познакомился с молодой красавицей, называющей себя Елизаветой, внучкой Петра I, и претендующей на русскую корону. Орлов затеял с ней любовную интрижку с целью разузнать ее планы и тем самым вернуть расположение Екатерины. Однако невинное увлечение перерастает в глубокое взаимное чувство.

Обращение к неизвестному для современного зрителя произведению Адольфа Адана – логичное продолжение одной из репертуарных линий театра. Эта опера сейчас почти не звучит в России. Однако она появлялась на московской сцене: в Большом театре ее ставили в 1839 году, через три года после премьеры в парижской «Опера-Комик». В основе сюжета – нелепая история о почтальоне Шаплу, который обладает прекрасным голосом. Соблазненный перспективой успеха на оперной сцене, в канун брачной ночи он бросает молодую жену Мадлен и уезжает в Париж, где принимает имя Сен-Фара. «Почтальон из Лонжюмо» – бенефис тенора, главный герой почти все время находится на сцене. Его «коронный номер» – рондо почтальона с высочайшим ре второй октавы, именно поэтому партию называют экзаменом для тенора. По сюжету и форме (чередование музыки с разговорными диалогами) опера наследует традиции opéra-comique, но по музыкальному наполнению и виртуозности партий композитор развивает жанр.

«Бег» – 8 снов Булгакова о гражданской войне, пересказанных режиссером Юрием Бутусовым под «Пинк Флойд». Пьеса «Бег» Михаила Булгакова почти не имеет сценической истории. Меньше 10 более или менее известных постановок за почти 100 лет! Причина кроется в авторе, создавшем столь оригинальное произведение для театра, к которому далеко не каждый режиссер способен подобрать ключик. Многократный лауреат «Золотой маски» Юрий Бутусов рискнул и представил зрителю свое видение «Бега» – истории о людях в период Гражданской войны, поделенной не на акты или действия, как это обычно бывает в пьесах, а сны. Мрачная захватывающая красота с легким привкусом ночного кошмара, драма и абсурд, романтика и сарказм, психологическая глубина и ювелирно выстроенная композиция – так можно описать тот мир, который создал режиссер на сцене.

В иссушенном деньгами мире, где на все есть своя цена, отчаянная безоглядная любовь юной девушки не вписывается ни в одну из накладных. Для нее нет ни воздуха, ни свободы, ни будущего. «Вам надо жить, а мне… умереть». «Бесприданница» Петра Фоменко – не легкая, кружевная акварель, но строгий офорт, прочерченный сильными, резкими, точными штрихами. Приглушенные краски и предельная функциональность декораций. Острые изломы стиля модерн. Никакого мелодраматизма, разухабистого купеческого быта, томных песен и «мохнатых шмелей». Впрочем, романсы звучат и здесь. Горькие, страшные, отчаянные. И цыгане, написанные Островским, тоже есть. Но кажется, что не песни поют, а словно стая макбетовских ведьм вещует, беду наколдовывает. Подробно о спектакле – на сайте театра.

Одна из самых магических ночей в году, торжество и разгул всех темных сил, Вальпургиева ночь (с 30 апреля на 1 мая) вдохновила писателя Венедикта Ерофеева на создание одноименной и единственной законченной им пьесы. Время действия – закат эпохи СССР. Место действия – «психушка», куда попадает главный герой спектакля – алкоголик Гуревич. Сюжет «Вальпургиевой ночи» навеян воспоминаниями Венедикта Ерофеева о пребывании в «Кащенко». По иронии судьбы, тогда накануне Первомая в клинике был устроен танцевальный вечер, участниками которого стали пациенты женского и мужского отделений. Пир во время чумы, безудержное веселье накануне гибели всех и вся… Громкий хохот гротеска и высокое страдание античной трагедии – сюжет пьесы удивительным образом выходит за временные рамки и оказывается ультраактуальным.

В основу спектакля «Игроки» легла пьеса Николая Васильевича Гоголя, которая считается незаконченной работой драматурга и одним из немногих произведений в мировой литературе, где вместе с главным героем обманывается и сам читатель. Это история маленького провинциального человека, который всеми правдами и неправдами стремится ввысь, но светская среда оказывается для него недосягаемой. Мир фантасмагории, обмана и иллюзий, созданный драматургией Гоголя и режиссурой Альберта Хасиева, погружает зрителя в историю искусного карточного шулера Ихарева, который становится жертвой собственного мошенничества. Отдельным действующем лицом постановки станет пластика, с помощью которой не только в переносном, но и в прямом смысле будут раскрыты карты сюжета и ходы игроков. Режиссер и постановочная команда постарались передать таинственную атмосферу интриги и детектива. Герои существуют на сцене сразу в нескольких плоскостях: одна их грань, яркая и острая, видна зрителю с первого появления, но каждый из них по ходу действия раскрывает другую сторону характера, некий скрытый подтекст. Альберт Хасиев, режиссер: «Все, что будет происходить – это игра, своеобразное казино. Мы используем много интересных пластических решений, с помощью которых, например, будут представлены карточные игры. Мы с командой постарались докопаться до той самой гоголевской фантасмагории. Это увлекательный, но не прямолинейный сюжет, который, мы надеемся, понравится зрителю».

Татьяна живет в провинциальном городке и работает учителем английского в той же школе, которую когда-то окончила сама. В ее жизни нет ничего стоящего, унылые серые дни тянутся один за другим: школа-дом-школа-дом. Но внезапно она узнает, что в городок собирается приехать знаменитый летчик-космонавт, он же ее бывший одноклассник и первая любовь… В жизни Татьяны появляется надежда на чудо, и сердце героини начинает биться быстрее. Однако, увы, это всего лишь фантазия, созданная в унынии современной реальности.

Талантливый камнерез Данила-мастер мечтает создать шедевр, достойный самой Хозяйки Медной горы. Но вместо этого не покладая рук трудится на шахте. Каждый раз, заслышав рассказы рабочих про таинственную Хозяйку, бездушный самоуправец приходит в ярость. А его завистливая женушка, напротив, загорается желанием заполучить малахитовую шкатулку, главную драгоценность хранительницы природных недр. Хозяйка Медной горы хладнокровно наблюдает за страстями людей. Многое повидала она на своем веку. Спектакль по мотивам сказов Павла Бажова – это возможность прикоснуться к красоте и мудрости уральского фольклора, оказаться в атмосфере старинных мифов, населенных колоритными персонажами и таинственными силами. Увлекательный сюжет, живописные костюмы, чарующие напевы и красочные декорации, словно самоцветные драгоценности той самой Хозяйки, перенесут зрителей в сказочный мир, полный чудес и магии.

Поэма Н. Гоголя – классика русской и мировой литературы. Режиссер М. Белякович представит свою версию известного произведения в жанре мистического триллера. Роли в этом спектакле исполняют ведущие актеры театра: А. Багиров, А. Матошин, М. Белякович, А. Белов, А. Кудзин и другие. Главный герой Чичиков приезжает в уездный город и встречается с местными помещиками. Его предложение всех шокирует: он скупает у них мертвые души, не вычеркнутые из списков живых. Зачем они Чичикову? Никто не знает. Как никто и не догадывается о его прошлом. Новое драматургическое прочтение знаменитой поэмы Н. Гоголя сегодня чрезвычайно актуально. Обличение социальных пороков, которые и сегодня никуда не делись, – важная миссия искусства. В спектакле раскрываются не только сатирические, но и духовные смыслы сочинения.

Вершина итальянского оперного веризма, одна из лучших опер Руджеро Леонкавалло создавалась на основе реальных событий. Композитор стремился правдиво изобразить реальную жизнь людей, поэтому в основу сюжета положил громкое преступление, совершенное в калабрийской деревне Монтальто. Один актер из бродячей труппы по окончании представления зарезал жену и ее любовника, служившего к тому же в доме Леонкавалло. Дело разбирал отец композитора, который работал окружным судьей. Правдивая жизненная история вдохновила композитора на создание оперы о театре, об актерах, которые, как и другие люди, не лишены человеческих чувств и страстей: герои Леонкавалло любят, страдают, ревнуют, ненавидят не только на сцене, но и в реальной жизни, а накал их любовных взаимоотношений приводит к неизбежной трагедии. Реальная жизнь очень похожа на ту, что предстает на сцене, а то, что зритель видит на сцене, является отражением самой жизни – в спектакле Дмитрия Белянушкина эта мысль становится центральной. Развивая композиционную идею спектакля в спектакле, реализованную в опере Леонкавалло, режиссер переносит действие из итальянской деревни в некий театр, где на днях должна состояться премьера оперы «Паяцы». Исполнитель роли Канио – старожил труппы, создавший в театре свой собственный мир взаимоотношений. С приходом амбициозного баритона на роль Сильвио этот мир начинает стремительно рушиться, герои запутываются в паутине закулисных интриг.

«Портрет Дориана Грея» – фантасмагорическая версия романа Оскара Уайльда, мистическая история с захватывающим сюжетом. Ученик Анатолия Васильева, режиссер Константин Мишин в своей постановке объединяет текст и пластику, используя выразительные средства современной европейской хореографии: движение служит продолжением монологов героев, кульминационным выражением смысла. Зритель становится свидетелем трансформации человеческой души, наблюдая за тем, как злодеяния, совершенные Дорианом Греем, оставляют след на его портрете, но не на внешности молодого человека. Главный герой словно проводит странный эксперимент: он изучает, насколько его портрет, созданный гениальным художником, способен отразить последствия принятых им решений. Роль Дориана играют четыре артиста, отображая многоликость персонажа и характер происходящих с ним перемен. Живая музыка в исполнении Сергея Летова и Владимира Нелинова, переплетаясь с текстом и движением, довершает погружение зрителя в подсознание главного героя.

Подлинная деревенская жизнь с ее уникальным юмором, простотой, самобытностью, узнаваемыми шукшинскими образами рождается в сферическом пространстве театра и становится ярким, искрометным, колоритным и очень душевным спектаклем. Все рассказы Василия Шукшина объединяет тема любви – она здесь разная, но всегда нравственно чистая и требовательная. То покажется тихим счастьем полного взаимопонимания и завидного терпения, как в рассказе «Светлые души», то мучительным самоистязанием в истории о том, как «Жена мужа в Париж провожала», то приторным самолюбованием в «Чередниченко и цирк», то долголетней и трогательной привычкой в браке, как в рассказе «Одни» или необъяснимой страстью с первого взгляда в «Степкиной любви».

Комедия Н. Гоголя, по которой создан спектакль, – произведение не стареющее. В каком бы веке и в каком бы театре ее ни ставили, она непременно к месту и ко времени, ведь эпоха «Ревизора» – всегда! Для режиссера О. Ильина предмет исследования в «Ревизоре» – не социальная сатира, изобличающая пороки общества, а психологический портрет героев и отношения между персонажами. Его Хлестаков простодушен, доверчив и эмпатичен, легко и с азартом включается в игру городничего и его приближенных. Однако, поверив в свой новый статус, впоследствии оказывается больше обманут, нежели все остальные. С появлением Хлестакова все в уездном городе N переворачивается с ног на голову – и в прямом, и в переносном смысле, что подчеркнуто сценографией. Улицы с игрушечными домишками, несоразмерными бытовым предметам и персонажам, подчеркивают гротескность ситуаций. А выходящее за авансцену действие подключает к происходящему и зрителей.

«Ревизор» – еще одна визитная карточка Малого театра, как и «Горе от ума», никогда надолго не покидающая знаменитые московские подмостки. Творческий коллектив спектакля во главе с режиссером-постановщиком Юрием Соломиным неизменно следует замыслу автора, его духу и букве. Тем не менее постановка не стала лишь живой иллюстрацией хрестоматийного текста. На спектакль с удовольствием ходят взрослые и дети, каждый раз заново открывая для себя все перипетии вечно современной комедии Гоголя, в которой, как в нестареющем зеркале, отражаются приметы и события любой эпохи. «Ревизор» в Малом театре – это яркие характеры, искрометный юмор и беспощадная сатира. Спектакль идет с двумя антрактами.

«Соборная площадь» – это погружение в историю России, рассказанное современным театральным языком. Зрителей ждет не просто историческая постановка, а завораживающее путешествие в переломную эпоху Смутного времени, ожившие исторические картины, увиденные собственными глазами. Вместе с главной героиней, юной Матреной, зрители перенесутся в Россию XVII века, где переплелись судьбы народа, власти и духовности, и станут свидетелями знаковых событий: обретения чудотворной иконы в Казани, смуты в Москве, патриотического призыва Минина в Нижнем Новгороде и, конечно, грандиозной битвы, определившей будущее страны. Спектакль «Соборная площадь» – это уникальное сочетание: динамичного сюжета, основанного на исторических фактах; впечатляющих декораций; стилизованных костюмов; эффектного видеомэппинга; музыкального драйва группы «25/17»; талантливой игры артистов. Мультимедийное шоу для всей семьи – это возможность: пройти сквозь время и ощутить дух эпохи; встретиться с героями, чьи имена вписаны в историю; задуматься о вечных ценностях: единстве, вере и патриотизме; ощутить связь прошлого и настоящего.

Художник звуковых образов Петр Айду вместе с артистами «Маяковки» приглашают зрителей в аудиопутешествие по знаковым для русской культуры текстам. Александр Пушкин, Василий Шукшин, Михаил Булгаков, Андрей Платонов заманивают зрителя в многослойный мираж и открываются не словом, а перекличкой голосов, шорохами, ощущениями летнего дня и таинственных туманных ночей. Звуковые образы в перформансе создаются уникальными старинными инструментами и раритетными шумовыми приборами. Такой метод воспроизведения звуков отсылает к озвучанию кинофильмов в 1930-е, когда еще не было монтажа: артисты и оркестр собирались у микрофона и создавали параллельный картинке мир звуков и голосов. Только в спектакле Маяковки мир звуков возникает не из одной плоскости, а со всех сторон, в 3D-формате. Шумы и звуки буквально летают над зрительным залом и окутывают публику волной: то повисают куполом в одной точке куполом, то рассредоточиваются по залу, усиливая резонанс. Звуковые аттракционы переносят зрителей в поворотные сцены русской литературы: булгаковская Маргарита летит над Москвой, Владимир Дубровский поджигает родное поместье, инфернальный герой Андрея Платонова передает на Землю послание из космоса, а персонажи Василия Шукшина мыслят чеховскими цитатами. Здесь сцены жестокого бунта сменяются трогательными надеждами, герои верят в тайный замысел жизни, и этот парад видений сплетается в бесконечный сон в русскую ночь. Петр Айду – композитор, саунд-артист, музыкант. Лидер «Персимфанса» (оркестра без дирижера), преподаватель Московской консерватории, основатель «Приюта роялей». Обладатель Гран-при премии Сергея Курехина в области современного искусства и премии «Золотая маска». В спектакле звучат отрывки из произведений Василия Шукшина («Там вдали»), Александра Пушкина («Дубровский»), Андрея Платонова («Глиняный дом в уездном саду», «Лунные изыскания») и Михаила Булгакова («Мастер и Маргарита»).

История жизни трех поколений женщин одной интеллигентной семьи. Бабушка и мама – журналисты по образованию, и их дочь решает пойти по их стопам. Но даже кровное родство не стирает различий в их запросах, мечтах и желаниях. Их отношения – это сложный клубок чувств: от нежной любви до горьких обвинений, от стремления к независимости до неразрывной связи. Они ссорятся, мирятся, но так и не могут «перерезать пуповину». Эта история, полная юмора и грусти, удивительно узнаваема и отзывается в сердце каждого.

«Чайка» А. П. Чехова – самая загадочная пьеса мирового репертуара. Соприкосновение с этой пьесой, по мысли режиссера А. Бурдонского, мобилизует душевные силы и нравственно очищает. Своей постановке Бурдонский предпосылает два эпиграфа, определяя тем самым режиссерское решение, круг тех вопросов, которые сейчас волнуют его и других создателей спектакля. Почему Чехов называет свою пьесу комедией? Будет ли Нина великой актрисой? Или главное, что родится личность? И в чем суть «Чайки»? В чем предназначение художника? Осознать, что его дарование – это поручение свыше, которое надо понять и выполнить? Режиссер и актеры, вглядываясь в лица своих героев, в их души, делают еще одну попытку приоткрыть завесу над тайной человеческого бытия, любви, творчества. Помещая зрителей на сцену, режиссер делает их не только соучастниками происходящего, а и сотворцами, бьющимися над разгадкой великого чеховского произведения.

Одноклассники. Мальчики и девочки, полные жизни, радости и надежд, рассказывают о себе, о родителях, о своих мечтах. Так начинается их общая биография — накануне Второй мировой войны. Одноклассники будут спасать и предавать друг друга, любить, ревновать, ненавидеть. И только одного они никогда не смогут – разорвать ту невидимую нить, которою связаны их жизни. Ибо – «одноклассник всё равно, что родственник». В 2008 году польский драматург Тадеуш Слободзянек написал пьесу, название которой призывало осознать трудные уроки истории — «Наш класс. История в 14 уроках». Действие начинается в маленьком городке в конце 20-х годов, а судьбы персонажей — польских и еврейских мальчиков и девочек из одного класса — прослеживаются до наших дней. У десяти героев пьесы есть реальные прототипы, и события, описанные в пьесе, действительно происходили в польском городке Едвабне. Режиссёр спектакля Наталья Ковалева: «Для поляков это история их страны. Но ведь и в истории нашей страны есть трудные страницы. И это не только история: и сегодня нам часто приходится делать трудный выбор. За свой поступок отвечаем мы сами. Как поступить так, чтобы не захлебнуться поздним раскаянием? Работая над спектаклем, я часто задавала вопрос себе: «А что бы я сделала?». И оправдание, которое звучит у героев пьесы: «А что я мог сделать?», — не есть ответ. Так что для меня эта история — общечеловеческая».

Этот моноспектакль – бенефис народной артистки РСФСР Алины Покровской. История сильной духом женщины, прошедшей сложные испытания, измены, потерю близких и родных, умеющей прощать и не потерявшей способность любить. История, в которой затейливо переплетаются трагическое и смешное. Надежда Кузякина – из новой пьесы Дмитрия Минченка «Баба голубиная» – расскажет о судьбе своей героини: о любви и прощении, о вере и надежде, позволяющей с достоинством переносить удары судьбы. Это история о том, что нужно несмотря ни на что жить, а не выживать. Жить щедро, наотмашь, отдавая себя своим близким и родным, согревая своей любовью тех, кто рядом.

Режиссёр спектакля Анна Горушкина: «В современном мире общественное мнение и статус человека становятся важнее чем чувства, родственные связи. Ради статуса – можно предать даже близкого, родного человека. В “Нахлебнике” есть эта тема, и она для меня очень важна. Людей, подобных главному герою спектакля, я называю чудаками. Чудаки – те, кто сохранил в себе душу, достоинство; просто внешне они не занимают много места в обществе. Они стараются не мешать другим жить: они способны принимать людей такими, какие они есть, способны жертвовать. Главный герой – человек достойный, он многое мог бы сделать, многое изменить в жизни. Но он не выпячивает свои душевные достоинства; для него важнее всего то, что он прожил жизнь любя, а значит прожил её не зря.»

Зритель отправится сразу в два путешествия. Первое – путешествие во времени: эпоха Гомера, высокая античность с колоннами и хитонами; времена Шлимана – энергичный XIX век с авантюрами, предпринимателями и мальчишками газетчиками; наконец, наше время. Второе – путешествие в мир воображения, грез, фантазий, которые заставили героя истории свершить свое предназначение – доказать, что Троя не легенда, не миф, что это историческая реальность. «Почему спектакль может быть реализован именно в театре кукол? Мечта – сущность эфемерная, она существует в условных образах, и кукла – лучшее средство, чтобы это выразить, воплотить. Шлиман и его история раскрывается в живом плане, а все, что происходит в Трое, – это куклы, это то, что он представляет», – рассказала режиссер спектакля Екатерина Образцова. Генрих Шлиман предстанет перед зрителем и нищим мальчишкой, и зрелым мужем. Этот спектакль – еще и биография выдающегося авантюриста и деятеля эпохи промышленной революции. «Как говорил Сергей Владимирович Образцов, театр кукол обладает двумя полюсами – это полюс смешного и полюс романтического. Вот в данном случае мы выбрали полюс романтики, полюс мечты. Это спектакль о том, что в любые времена человек должен продолжать мечтать. Вот об этом хочется поговорить со зрителем через судьбу знаменитого археолога Генриха Шлимана и его мечту о том, чтобы открыть, заново открыть Трою». Екатерина Образцова, режиссер спектакля. Художником театрального воплощения выступила София Егорова, она придумала визуальное решение для прошлого и будущего, как показать в театре кукол мир вымышленный и мир реальный.

Одна из величайших рок-опер в мировом репертуаре с успехом идет в театре Стаса Намина уже более десяти лет. На сегодняшний день эта постановка – самая близкая по своему звучанию к авторской версии Jesus Christ Superstar, вышедшей на пластинке в 1970 году. Режиссерская интерпретация спектакля создана в соответствии с христианскими традициями канонического сюжета. «Иисус Христос Суперзвезда» в постановке театра – это первая из мировых постановок легендарной рок-оперы, которая была допущена властями Иерусалима к показу на сценических площадках города.

В основу спектакля легла пьеса Жоэля Помра «Красная Шапочка» – современная европейская трактовка всем известного сюжета. В этом спектакле всего две героини – Мать и Дочь, самые близкие друг другу люди. Об их многолетних, иногда смешных, иногда трогательных, иногда драматичных отношениях и пойдет рассказ. Виктория Печерникова (режиссер): «Сказки Жоэля Помра сложные и зачастую мрачные, не для детей по первому ощущению. В «Красной Шапочке» он переосмыслил всем известный сюжет, наполнил его психологизмом, и остро зазвучала тема одиночества и брошенности Красной Шапочки. Мне показалось, что в этой пьесе еще есть тема страха потери. Матери боятся терять взрослеющих детей, а дети с раннего детства боятся потерять родителей. С помощью этой сказки появляется возможность встретиться с этими страхами лицом к лицу».

«Маяковский. Прогулка» – это не просто чтение стихов или исполнение их под гитару. Это попытка подключиться к Владимиру Маяковскому, как к маяку, и за час с небольшим пройтись с ним рука об руку, как со старым приятелем, по бурным рекам его биографии. Александр Пацевич в своем дебютном режиссерском спектакле попытается выстроить такое действо, в котором Владимир Маяковский проявится сам, предоставит зрителям шанс понять, кем он был на самом деле, сделать выводы здесь и сейчас, отойдя от привычных стереотипов хрестоматийного представления о поэте.

Заслуженный артист России Александр Павлов — актёр театра и кино, знаменитый чтец и исполнитель романсов, представляет в Арт-кафе новую программу: «Незнакомый Крылов». В её основе — поэтические тексты русского писателя, знаменитого баснописца Ивана Андреевича Крылова. Музыка М.И. Глинки и Д.С. Бортнянского На счету Александра Павлова более 60 фильмов, среди которых «Экипаж», «Преступление и наказание», «Мужики», «Слезы капали», «Человек с бульвара Капуцинов», «Процесс», «Жажда», вошедших в золотой фонд российского кино, и подаривших артисту заслуженное признание и любовь многочисленных российских зрителей. Исключительные вокальные данные позволили актёру создать несколько сольных концертных программ, в основе которых романсы и поэзия Александра Пушкина и Сергея Есенина.

Филипп Гуревич – режиссер с узнаваемым творческим почерком. Он любит сюжеты с мистическим, сказочным уклоном. Большинство его спектаклей – истории про «заплутавших в сумрачном лесу», пропущенные через ироничное отношение к жизни и человеколюбие. Вот и для своей первой постановки в Театре наций Гуревич выбрал роман «Сато» писателя и сценариста Рагима Джафарова – лауреата литературных премий «НОС» (2020), «Новые горизонты» (2021) и «Ясная Поляна» (2023). Сато – имя пленного контр-адмирала внеземной цивилизации, вынужденного временно находиться в теле обыкновенного мальчика. По крайней мере, так утверждает пятилетний Костя. Для своих лет он удивительно жесток, а его лексика и чувство юмора отнюдь не детские. Родители Кости решили обратиться за помощью к детскому психологу, но не все странности поведения ребенка получается списать на психические особенности.

Гости винтажного танцевального шоу перенесутся в роскошную «золотую эпоху джаза».

«Все симфонии Бетховена» в исполнении Госоркестра России им. Светланова под управлением Филиппа Чижевского – важнейшее событие концертного сезона. Бессмертные шедевры немецкого гения стоят в одном ряду с такими величайшими достижениями мировой культуры, как «Страсти» Иоганна Себастьяна Баха и трагедии Уильяма Шекспира, поэзия Иоганна Вольфганга фон Гете и Александра Пушкина. В этот вечер прозвучат первые три симфонии Людивга ван Бетховена – Симфония № 1 (1800), Вторая симфония (1803) и Симфония № 3 «Героическая» (1805). Госоркестр России им. Е. Ф. Светланова – один из старейших симфонических коллективов страны: в 2026 году он отмечает свое 90-летие.

Царь Алексей Михайлович настолько любил древнее село Коломенское, что, находясь на вершине своих успехов во внешней и внутренней политике, распорядился обустроить здесь загородную парадную резиденцию. Ее сердцем стал построенный по заказу государя сказочный деревянный дворец, названный иеромонахом Симеоном Полоцким восьмым чудом света. Анфилада роскошных, сияющих золотом парадных палат сменяется куда более скромными личными покоями царя, рабочий день которого начинался в четыре часа утра и был насыщен трудами и заботами, молитвой и потехами. Посетители представят обстановку и атмосферу царской резиденции, узнают, какими невиданными диковинами русский царь поражал иностранных послов во время приемов, чем потчевали гостей на царском пиру, какие кубки поднимали за здоровье государя, как проводил свободное время, где работал и отдыхал царь Алексей Михайлович, а также какое место отводилось банным процедурам в царском быту.

Соколиная охота была любимой потехой царя Алексея Михайловича Романова. В эпоху его правления она достигла вершины своего развития в России и сегодня является объектом пристального изучения. В Коломенском, где царь порой охотился дважды в день, и где был построен Соколиный двор, экскурсантам продемонстрируют живых ловчих птиц, соколов-балобанов, ворона Консула, а также любимицу посетителей Сколоиного двора – филина Варвару. Дополнительно гости посетят экспозицию, развернутую здесь же. Им расскажут о древних способах охоты, жизни царских сокольничих и методах дрессировки соколов.

Натюрморт как жанр появился в начале XVII века. Картина, посвященная миру вещей, рассказывала об основных свойствах, присущих предметам, окружающим человека, раскрывала отношение художника и современника к тому, что изображено. На музейном занятии, которое пройдет в мастерской художника в усадьбе Измайлово, юные участники не только узнают об особенностях жанра, но и под руководством профессионального наставника создадут рисунок на память. Необходимые художественные материалы для работы предоставляются.