Спектакли по пьесам — Антон Чехов

При жизни Антона Павловича Чехова его повесть «Черный монах» была переведена на многие языки, а также стала первой публикацией автора на китайском. Подобный интерес объяснялся многими факторами, прежде всего – философским смыслом, который вкладывал в свою повесть Чехов. Создатели спектакля понимают тонкое лукавство Антона Павловича, обозначившего основную тему как «манию величия». Ведь если бы все было так просто, не было бы мирового интереса к повести, многочисленных трактовок и вариаций восприятия истории Коврина, главного героя произведения. Вместе с публикой артисты хотят разгадать главную загадку повести и понять, кем же на самом деле являлся Черный монах: утешающим ангелом, соблазняющим бесом или же галлюцинацией больного человека? Спектакль создан в рамках Молодежной программы Школы драматического искусства, художественный руководитель – Глеб Черепанов.

Два полюса – мужчина и женщина – стремятся к гармонии, желают и жаждут счастья, верят в прекрасную перспективу своей жизни и… оба оказываются в недоумении. Не получается! Все рушится! Любовь, едва возникнув, разбивается в прах, а близкие люди, еще вчера так нежно и страстно любящие и любимые, смотрят друг на друга врагами. Что разрушает отношения? Пресловутый быт? Сложные обстоятельства? Вмешательство сторонних? Если бы кто-то мог дать ясный ответ! И знает ли его гениальный Антон Павлович Чехов? «Невидимые миру слезы», «О том, как я в законный брак вступил», «Теща-адвокат», «В пансионе», «В номерах», «Переполох», «Выигрышный билет», «Любовь и сильные ощущения» – такие разные произведения объединены в новой постановке по рассказам Антона Павловича Чехова. Этот спектакль удивит, обрадует и, возможно, заставит задуматься о сложных и уязвимых отношениях между мужчиной и женщиной.

Тонкие кружева взаимоотношений, виртуозное владение диалогом недоговоренности, персонажи, говорящие не слова, а «то, что за словами», тоска по совершенству и музыкально настроенный актерский ансамбль – все, благодаря чему Антон Чехов был назван реформатором театра и драматургии, необычайно близко создателям спектакля. Постановка «Чайки» – это попытка пойти за автором, попытаться расслышать его негромкий и неравнодушный голос, понять, как может звучать сегодня новатор, написавший удивительно гармоничную пьесу, не вписывающуюся ни в какие драматургические правила. Как в настоящей жизни, здесь нет героев и злодеев. По большому счету здесь даже нет драматического конфликта. Каждый стремится разобраться в себе, у каждого своя судьба, своя боль, которую герои пытаются проговорить, выговорить. И в итоге «...люди обедают, пьют чай, а в это время рушатся их судьбы». Подробно о спектакле – на сайте театра.

Профессор медицины Николай Степанович добился вершин в науке, пользуется почетом среди студентов и уважением коллег. Однако семейная жизнь уже не приносит той радости, что раньше. Жена Варвара Андреевна, которую он когда-то страстно любил, раздражает, кажется мелочной и пустой, а дочь Лиза разочаровывает, собираясь замуж за неподходящего человека. Радуют Николая Степановича только встречи с приемной дочерью Катей, которая оказалась под опекой семьи профессора много лет назад после смерти родителей. Но и ее жизнь тоже не складывается: она мечтала стать актрисой, но разочаровалась в сцене, пережила несчастную любовь, похоронила ребенка. Как врач Николай Степанович понимает, что умирает, и пытается найти внутреннее равновесие и примириться с родными. В спектакле сюжет повести Антона Чехова разворачивается в пространстве полумистическом, где перемешиваются бессонница и кошмарные сны, реальность и вымысел.

Чеховские герои смотрят на свою жизнь, на свое прошлое – «с Парижем покончено!..», «многоуважаемый шкаф, приветствую твое существование!..» – с заплаканными глазами, но и с улыбкой. С нежностью и грустью. С детской надеждой и верой глядят они в будущее, грезят, строят эфемерные планы, прожекты… Большие дети, оставленные наедине с этой жизнью. Смешные и трогательные. Они мечтают, ссорятся, мирятся… А в это время проходит жизнь, и «Титаник» тихо идет ко дну вместе с танцорами и «знаменитым еврейским оркестром – четыре скрипки, флейта и контрабас». Маленький, уютный мир, полный трогательных воспоминаний, превращается в крохотную песчинку на краю вселенной, сжимается до игрушечного паровозика, найденного в углу бывшей детской.

В основу спектакля положены произведения Антона Чехова: пьесы-шутки «Предложение» и «Медведь», а также сцена-монолог «О вреде табака». Зрители увидят очень разные истории взаимоотношений мужчины и женщины – от начала чувств двух людей, казалось бы, несовместимых (как в пьесе «Медведь») до построения матримониальных планов давно предназначенной друг другу пары (история «Предложения») и размышления верного и покорного мужа (монолог «О вреде табака»). Вместе с героями знаменитых чеховских произведений зрителю предлагается немного поразмышлять о том, какими могут быть чувства между мужчиной и женщиной. Спектакль создан молодым режиссером Евгенией Тодоровой, ученицей заслуженного артиста РФ Игоря Яцко. В своих постановках она развивает теории игрового театра. В спектакле заняты лучшие характерные артисты.

Режиссер Евгений Закиров отказывается от расхожей эстетики сумасшествия и главным мотивом делает экзистенциальный кризис слабого интеллигентного героя, заблудившегося в щемящей абсурдности русского мироустройства. В спектакле кроется много философии, неспешной лирики, абсурдного юмора и трагедия, обычная у Чехова: когда могло случиться чудо, а случилась нелепость – и погубила человека. Евгений Закиров: «Этот текст вообще не про психушку! Стоит ли бороться с чем-либо вообще? Вот главная тема. Еще для меня важна здесь форма любви. Два человека – врач и пациент – нашли друг друга. Это очень важная встреча, когда один в другом открывает целый мир и влияет на него. Но волею судьбы эти двое оказались по разные стороны баррикад, как жертва и палач».

Невероятно тонким юмором и иронией Антоши Чехонте – еще до периода большого Чехова-драматурга – пронизан легкий и смешной спектакль «Вот вы спрашиваете, как мы поживаем...». Как скорый поезд, проносятся колоритные портреты из чеховских рассказов. Кисейные шляпки, ажурные перчатки, платья с кринолинами и белые фраки светских франтов – в таком антураже короткие, но яркие истории сменяют друг друга. Смех прерывается смехом, и сложно поверить, что это и есть тот самый Чехов, который навевает такую скуку в школьной программе. Робкий жених, гувернантка-размазня, «розовый чулок» и «загадочная натура» – перед зрителем оживает целая галерея шаржей обывателей, в жизни которых вкусно поесть и сладко поспать – главные проблемы. Как писал Чехов, «люди едят, пьют чай, носят свои пиджаки, а в это время рушатся их судьбы». Но крушение судеб в «Вот вы спрашиваете...» остается за кадром. Создатели спектакля дают зрителю от души посмеяться над нелепыми героями и незаметно для него самого ловко завлекают во все творчество Чехова. И еще долго после спектакля носит зритель в памяти эти образы, узнавая в них себя. А значит, жалея их и любя...

Любовь Андреевна Раневская возвращается в поместье, покинутое ею после гибели семилетнего сына. Поместье выставлено на продажу за долги. Возможное расставание с поместьем пробуждает воспоминания обитателей о детстве и юности, людях, с ним связанных. «Вишневый сад» в постановке Андрея Кончаловского стал заключительной частью чеховского триптиха режиссера на сцене Театра имени Моссовета, начатого спектаклями «Дядя Ваня» (2009 г.) и «Три сестры» (2012 г.). Трилогия – авторский проект режиссера, выступающего в этих спектаклях и в качестве художника, объединившего все три постановки единым решением сценического пространства разного в частностях, но унитарного в целом. По словам Андрея Кончаловского: «Пьесой «Вишневый сад» закончилось великое творчество Антона Павловича Чехова. Он писал ее, будучи тяжело больным, и невесело шутил, что, по его докторским расчетам, он задержался на этом свете, по крайней мере, года на три. Зная приближающуюся развязку, он решил попрощаться с жизнью весело, именно поэтому он писал «Вишневый сад» как комедию». Спектакль удостоен театральной премии газеты «Московский комсомолец» в нескольких номинациях: «Лучший спектакль на большой сцене», «Лучшая женская роль» (Юлия Высоцкая – Раневская) и «Лучшая мужская роль» (Александр Домогаров – Гаев). Постановщик спектакля Андрей Кончаловский отмечен премией «Звезда театрала» в номинации «Лучший режиссер». Подробнее – на сайте.

«Чехов неисчерпаем, сколько бы к нему ни обращались. Всякий раз видишь в нем что-то ранее незамеченное, непочувствованное, неоткрытое», – так говорит известный режиссер Андрей Кончаловский, фильм которого «Дядя Ваня» (1970 г.) стал одной из лучших экранизаций великого драматурга. В театральной постановке режиссер вновь обратился к пьесе и ее героям, чтобы еще раз осмыслить вечную тему поиска человеком самореализации и счастья. Мир Антона Чехова, созданный на сцене, буквально сталкивается с сегодняшней суетной повседневностью. Этим сценическим приемом режиссер объединяет формы традиционного и современного театра. Спектакль, по замыслу режиссера, поставлен в классической эстетике, но в неклассической интерпретации. Глубокая и точная режиссерская трактовка, мощный актерский ансамбль, стильное оформление делают постановку яркой, психологически тонкой и зрелищной.

Спектаклем «Три сестры» Антона Чехова Андрей Кончаловский продолжает театральное осмысление чеховского мира в контексте сегодняшнего дня. Историю сестер Прозоровых режиссер воспринимает как тонко выстроенную драматическую симфонию, которой он с увлечением дирижирует. В стильном и изящном спектакле задействован блестящий «оркестр» актеров-исполнителей. Создавая сложное сценическое многоголосье, интерпретируя характеры персонажей с неожиданной, парадоксальной, иногда остро-иронической интонацией, они заставляют зрителей по-новому взглянуть на давно знакомых героев Антона Чехова, по-новому пережить вместе с ними их трагедии и почувствовать контраст между их миром и сегодняшней реальностью. Подробности – по ссылке.

В усадьбе Прозоровых по случаю именин младшей из сестер намечается веселый праздник в кругу эксцентричных гостей. Уже мерещится новая, счастливая жизнь, в которой у каждой из сестер свои мечты. Ирина ищет смысл в работе, Ольга мечтает найти счастье в личной жизни, а Маша пытается убежать от скуки. Но с каждым годом желание что-то менять становится призрачней, и они все больше вязнут в мистическом мороке, окутывающем их дом. «Три сестры» Саши Золотовицкого балансируют между повседневной реальностью и воспаленным сном – с ритуальными обрядами и метафорами болезненных иллюзий. Гротескные, похожие на сомнамбул образы героев усиливают беспощадную правду чеховской жизни. Оторваться от налипшего слоя интерпретаций канонического текста режиссеру удается через современный культурный код и иронию. Абсурд, прорастающий как «сорная трава», отсылки и цитаты других произведений искусства, которыми насыщен спектакль, не отменяют чеховский дух. Здесь все так же через иронию поднимаются экзистенциальные вопросы, а аккомпанементом к боли звучит смех.

На ялтинской набережной во время отдыха встречают они свою любовь. Курортный роман, яркий, страстный, обреченный на расставание. Он возвращается к жене и детям, она – к мужу. И только расставшись, понимают они, что их сезонная любовь – настоящая, та, без которой уже невозможно быть прежним. Новые тайные встречи, неизбежные разлуки и счастье, кажущееся им украденным у тех, кого приходится, обманывая, предавать. Небольшой рассказ Чехова о большой любви разыгран театром на специальной площадке, парящей над партером сцены, с пронзительной искренностью и драматизмом. Спектакль – лауреат премии «Золотая маска» (2003): «Лучший спектакль малой формы» и «Лучшая режиссура».

Уходит поколение Раневской и Гаева, старых русских дворян, сентиментальных и непрактичных. Они должны уступить дорогу деловому напору Лопахиных. Этот спектакль, поставленный Игорем Ильинским в 1982 году, стал важным этапом в жизни Малого театра, который лишь во второй половине XX века вплотную приблизился к драматургии Антона Павловича Чехова. Сменилось не одно поколение артистов, участвовавших в этой постановке, но она и по сей день хранит свежесть и ясность режиссёрского замысла. Спектакль возобновлен народным артистом СССР Юрием Соломиным.

«Вишневый сад» – последняя пьеса А. П. Чехова, написанная в 1903 году и впервые поставленная годом позже в Московском художественном театре. С самого начала Чехов настаивал на том, что «Вишневый сад» – это комедия. «Я написал комедию, не плаксивую драму. Почему в сообщениях афиш и газет мою пьесу настойчиво повторяют как драма?», – расстраиваясь, писал он. Многие режиссеры были не согласны с мнением автора – так, Станиславский сразу воспринял пьесу как трагедию и спорил с драматургом: «Это не комедия, не фарс, как Вы писали, – это трагедия, какой бы исход к лучшей жизни вы ни открывали в последнем акте». Юрий Муравицкий о пьесе: «Для меня «Вишневый сад» – это пьеса прежде всего о театре. В ней персонажи играют сами себя. Они выступают перед кем-то, что-то демонстрируют. Это бесконечный перформанс, шоу. Персонажи Чехова раскрываются, играя на публику. Думаю, что «Вишневый сад» – это своего рода чеховский «театральный роман», его рефлексия по поводу взаимоотношений в МХТ». Спектакль создавался при участии студентов актерской и режиссерско-актерской лабораторий «Московской Школы Нового Кино».

Знаменитые водевили Антона Павловича Чехова «Медведь» и «Предложение» – в основе спектакля, жанр которого Малый театр обозначил как «сцены-шутки». Сюжеты сценок вертятся вокруг темы брака. Сначала история о том, как грядущее счастье чуть не сорвалось из-за меркантильного конфликта жениха и невесты («Предложение»). Потом денежный иск неожиданно превратится в предложение руки и сердца («Медведь»). А в целом – прекрасная возможность улыбнуться той серьезности, с которой герои решают свои брачные проблемы. В спектакле звучат романс на стихи Г. Гейне в переводе А. Блока и романс Н. В. Зубова.

Режиссер Сергей Безруков предлагает зрителю уникальное исследование драмы человеческой души, лишенной взаимной любви. Свой взгляд создатели спектакля обращают не на драму провинциальной жизни – главной темой спектакля становится поиск спасения, возможного только в любви. И в вере, дарующей эту любовь. Утекающая жизнь, посвященная самоедству и поклонению миражам и кумирам, только ширит пустоту, пожирая все нежное, благородное. Неспособность любить, боязнь любви погружают героев в болото пошлости. Время упущено, возникшие в имении Войницких страсти разрушают все вокруг и окончательно перемалывают жизнь умных, добрых, талантливых когда-то людей. «Когда нет настоящей жизни, то живут миражами», – говорит дядя Ваня. И все герои истово поклоняются своим миражам и иллюзиям. Главное свойство души – любовь – здесь оборачивается или пошлым фарсом, или демонстративной жертвой, а то и просто сияет призрачным светом из прошлого. Разжечь и сохранить огонь в душе, пробудить свое сердце к взаимной любви – на мгновение это огромное, главное счастье кажется возможным для героев, но, как во многих пьесах Чехова, – не суждено. И увы, слишком поздно. Отказ от витальности, таланта, потеря веры в Бога, в себя как в источник божественной любви оборачивается нарушением законов жизни и человеческой души.

Ключ к сегодняшней постановке «Дяди Вани» – экологическая тема, волнующая весь мир. Чеховский Астров оказался провидцем. Он остро переживает вырубку лесов, как бы указывая потомкам на глобальные проблемы с экологией в масштабах всей планеты. Режиссер признается, что у него нет готовых рецептов, как исправить ситуацию, но он готов будоражить умы, совесть, сознание всего человечества. «Дядя Ваня» – образ нашей беспомощности. Можно ли жить, когда идеалы утрачены? Можно ли переосмыслить свою жизнь? Ответы на эти вопросы зрители найдут в спектакле знаменитого француза на сцене Театра наций.

Написанная в 1903 году на сломе эпох чеховская пьеса сегодня актуальна как никогда. Ведь и сейчас зрители живут в период слома времен, смены формаций. В постановке театра на первый план выходит личная драма Лопахина, но и чеховская тема неизбежной утраты ценностей прошлого звучит не менее ясно и пронзительно. История о потере вишневого сада в постановке Сергея Безрукова становится историей многолетней и безнадежной любви – любви Лопахина к Раневской. Любви, которую Лопахину надо выкорчевать из своего сердца, чтобы жить дальше. Знаменитый вишневый сад в спектакле обретет вполне зримый образ – зрители увидят, как по ходу действия он цветет, увядает, а в финале буквально исчезает с лица земли. Сергей Безруков признается, что замысел спектакля во многом складывался исходя из актерской природы Антона Хабарова, выбранного им на роль Лопахина. Известно, что Чехов мечтал о том, чтобы первым исполнителем этой роли стал сам Константин Сергеевич Станиславский – этот персонаж виделся ему тонким, ранимым, несмотря на низкое происхождение. Именно таким представляется Лопахин Сергею Безрукову.

От создателя спектакля «Какой уж тут Миколка!..» «Ах, какой я начал рассказ! Пишу на тему о любви», – говорил А. П. Чехов в 1888 году. «Дуэль» была опубликована в 1891 году и стала самым крупным его прозаическим произведением. Писатель сочинил историю о том, как хорошие в принципе люди абсолютно не способны услышать друг друга. Один слишком тонок и чувствителен – и потому катится под откос, другой слишком рационален и жесток. И только дуэль смогла решить противоречия, навсегда изменив жизнь одного из них…

Постановка Александра Вилькина дает возможность насладиться чеховской пьесой. Без спешки и суеты. Она с Раневской, которая не может умиляться при виде детской, с Лопахиным, который не только помнит, что у него тонкие пальцы артиста, с непривычным обращением Гаева к «многоуважаемому шкафу», с «парным конферансом» Гаева и Фирса, так трогательно прописанным самим Антоном Павловичем Чеховым. С совершенно неожиданным финалом. С ответом на вопрос, почему Антон Павлович назвал свой «Вишневый сад» комедией.

Продолжаем брендовую историю, которая называется «Метаморфозы» – это сценическое воплощение А.П. Чехова и И.А. Бунина. Самое трудное – это передача атмосферы литературных произведений на сцене, это требует осмысления, фантазии и точного понимания духа произведения Во всех «Метаморфозах» главный акцент именно на это. Поэтому вся сценография подчинена актерскому исполнению, а это значит актеру практически не за что спрятаться кроме того, чему он научился, как он чувствует и понимает этих великих писателей и насколько может соответствовать тем задачам, которые перед ним стоят. Мы очень надеемся, что наш спектакль «Темные аллеи» из цикла «Метаморфозы» будет также востребован зрителями, как и все предыдущие.

Спектакль – калейдоскоп историй о любви, который просто искрится самыми разными образами и отношениями. Очень интересно смотреть спектакль еще и благодаря необычному оформлению сцены. Но изюминкой этой постановки является демонстрация между частями спектакля видеофрагментов о репетициях под руководством режиссера – Никиты Сергеевича Михалкова. Прекрасные театральные миниатюры, заставляющие по-новому увидеть знакомые произведения. Есть над чем посмеяться, и о чем задуматься. Один из немногих спектаклей, куда смело можно брать подростков и молодежь и быть почти уверенными, что они не будут сонно зевать.

Литературно-сценический коллаж, созданный по рассказам Ивана Алексеевича Бунина («Мадрид», «Легкое дыхание», «Чистый понедельник», «Холодная осень») и Антона Павловича Чехова («Беззащитное существо», «Нервы», «Знакомый мужчина»). Спектакль был создан в рамках творческой лаборатории «Метаморфозы», в которой Никита Михалков с артистами театра ищет новые, иногда экспериментальные формы воспроизведения русской прозы, а также новые смыслы во всем известных произведениях. Спектакль объединяет в себе несколько жанров, так что все эпизоды складываются в многоголосую панораму жизни. В этой пестрой панораме – чеховские персонажи, заключенные в «стеклянную скорлупу одиночества», и бунинские герои, тоскующие по родине, сменяя друг друга, создают сложную, и вместе с тем прекрасную картину русской жизни. Художником спектакля стал всемирно известный художник Юрий Купер, который с помощью 3D–проекции, передал особенную атмосферу каждого рассказа.

Самый известный чеховский сюжет о рыжей собаке с лисьей мордой пересказывать не нужно. А вот поведать заново в старой доброй традиции театра как рассказывания истории – вполне. Коврик, зритель и артист. Здесь нет спецэффектов и сценических аттракционов. Только хор актерских голосов, фантазия зала. Опилки легко становятся снегопадом, домотканый коврик – цирковым манежем, а растерянное перед жизнью существо Каштанка решает почти гамлетовский вопрос: быть или не быть в простецкой столярке или у незнакомца в «ученом сообществе»? Вот в чем очень взрослые вопросы детского спектакля для всей семьи.

Помимо основного заработка, Якову приносила доход игра на скрипке, обыкновенно на свадьбах и концертах местечкового оркестра, большинство музыкантов в котором были евреи. Играл он хорошо, но из-за грубого отношения к флейтисту оркестра – Ротшильду, который вызывал у Якова презрение и ненависть за свою жалобную игру, приглашали его не часто и «только в случае крайней необходимости». Яков – это алчный, жестокосердный человек, никогда не пребывающий в хорошем расположении духа и постоянно терпящий убытки от сидения сложа руки в праздники, коих набиралось около 200 дней в году. Со страшными мыслями герой обыкновенно справлялся с помощью скрипки, струны которой он предпочитал перебирать в темноте, и ему становилось легче.

Спектакль-комедия, который заставит зрителя смеяться и плакать! Зрителей ждет 7 рассказов Антона Чехова, связанных между собой акапельным исполнением русских народных песен. Все истории – о народе, о радостях и горестях жизни, о русском человеке. Спектакль посвящен студенческой работе Валерия Беляковича, которая была его дипломной работой при выпуске из ГИТИСа. Сегодня это часть юбилейной программы, посвященной 45-летию Московского театра на Юго-Западе. Над восстановлением работал художественный руководитель Олег Леушин.

Постановка Алексея Владимировича Бородина, состоящая из пяти одноактных пьес великого драматурга: «Свадьба», «Предложение», «Медведь», «Юбилей» и «О вреде табака». Спектакль представляет собой фантасмагорический коктейль, в котором перемешались герои всех вышеуказанных произведений. В результате такой задумки на сцене получилась квинтэссенция сатирического Чехова, смешная до слез и фактически отображающая современную жизнь. Сюжеты пяти водевилей развиваются как и в оригинальных произведениях, но режиссер постановки использует приемы кинематографического монтажа, в котором одна пьеса накладывается на другую. Продолжительность спектакля – два часа (без антракта). Приобрети билеты можно здесь: ООО «Компания Афиша» – по ссылке;ООО «МТС Лайс» – по ссылке;ООО «Яндекс Музыка» – по ссылке.

«Чайка» А. П. Чехова – самая загадочная пьеса мирового репертуара. Соприкосновение с этой пьесой, по мысли режиссера А. Бурдонского, мобилизует душевные силы и нравственно очищает. Своей постановке Бурдонский предпосылает два эпиграфа, определяя тем самым режиссерское решение, круг тех вопросов, которые сейчас волнуют его и других создателей спектакля. Почему Чехов называет свою пьесу комедией? Будет ли Нина великой актрисой? Или главное, что родится личность? И в чем суть «Чайки»? В чем предназначение художника? Осознать, что его дарование – это поручение свыше, которое надо понять и выполнить? Режиссер и актеры, вглядываясь в лица своих героев, в их души, делают еще одну попытку приоткрыть завесу над тайной человеческого бытия, любви, творчества. Помещая зрителей на сцену, режиссер делает их не только соучастниками происходящего, а и сотворцами, бьющимися над разгадкой великого чеховского произведения.

Как много любви… Что может быть больнее и язвительнее, чем насмешка самой судьбы, чем ирония жизни, когда каждый влюблен не в того? Магическое озеро притягивает всех, манит и не дает покоя. На его берегу разыгрываются драмы более страшные, чем на сцене. Каждый из живущих в усадьбе мечтает о счастье, но оно недостижимо для него. Лирические мелодии романсов, в которые врываются жесткие звуки ударных. Любовь, разбитая разочарованием, боль, которую невозможно забыть и успокоить. Постановка поможет вам увидеть знакомую со школы историю другими глазами и узнать все о том, какая бывает любовь.