Государственный театр наций: афиша событий

Режиссер и автор сценической интерпретации Алла Сигалова решила исследовать знаменитый роман Льва Толстого через призму бракоразводного дела, в котором три главных фигуранта: Анна Каренина, Алексей Каренин и Алексей Вронский. Это стремительное и чувственное действие о трех формах любви, о трех мировоззрениях, о трех жизненных позициях, о трех личностях, которые волею судьбы скрестились в одной точке. Исходом столкновения стала трагическая смерть. Это пересечение разных пониманий долга, обязанностей, а главное – любви. Это размышление о поисках идеальных отношений в семье, о невозможности найти истину, о явных и скрытых мотивах, которые движут людьми, о тайнах души, о чувственности и свойствах страсти.

Ключ к сегодняшней постановке «Дяди Вани» – экологическая тема, волнующая весь мир. Чеховский Астров оказался провидцем. Он остро переживает вырубку лесов, как бы указывая потомкам на глобальные проблемы с экологией в масштабах всей планеты. Режиссер признается, что у него нет готовых рецептов, как исправить ситуацию, но он готов будоражить умы, совесть, сознание всего человечества. «Дядя Ваня» – образ нашей беспомощности. Можно ли жить, когда идеалы утрачены? Можно ли переосмыслить свою жизнь? Ответы на эти вопросы зрители найдут в спектакле знаменитого француза на сцене Театра наций.

«Синяя синяя птица» – это история приключений девочки Матильды и ее брата Тиля. В своем путешествии по сказочным странам они встретят около 50 самых неожиданных персонажей: царицу ночи, оркестр заводных обезьянок, синего павлина – хранителя времени, чудовищ и монстров из шкафа. С одной стороны, от «Синей синей птицы» можно ждать яркого и зрелищного шоу со множеством трюков и спецэффектов, с другой – философского рассуждения о вечных ценностях как для детей, так и для взрослых. Режиссер Олег Глушков (известный широкой публике как хореограф фильма Валерия Тодоровского «Стиляги») обещает зрителям чудесную музыку, волшебные декорации и костюмы, умные и смешные тексты и, конечно, красивые танцы.

Цикл спектаклей «Наше все…» в Театре наций открыл Авангард Леонтьев. А продолжил молодой актер Дмитрий Сердюк – спектаклем «Наше все… Бродский». За два сезона постановка обрела множество поклонников и объездила немало фестивалей. Следующей работой Дмитрия станет моноспектакль, посвященный Анне Ахматовой, в котором актер выступит от лица Свидетеля. В разные периоды жизни Анне Андреевне помогали разные литературные секретари, так что образ Свидетеля – это, скорее, собирательный образ тех, кто наблюдал поэта за работой в течение жизни. В композицию войдут и практически никогда не звучавшие со сцены детские стихи Ахматовой, и давно ставшее классикой стихотворение «Сжала руки под темной вуалью…», и отрывки из поздних произведений: фрагменты «Реквиема» и автобиографической прозы. Музыку специально для спектакля написал композитор и гитарист Федор Журавлев.

Роман Нодара Думбадзе «Я, бабушка, Илико и Илларион», по которому поставил спектакль Георгий Иобадзе, рассказывает о довоенной жизни грузинского села, увиденной глазами мальчика Зурико. Он растет без родителей, провожает на фронт односельчан, испытывает все тяготы военных лет, отправляется на учебу в Тбилиси, но в итоге возвращается в родной дом. «Это очень точная зарисовка о людях, простых и глубоких, наивных и мудрых, живущих одной судьбой. Детство и юность, первая любовь Зурико – все пронизано грузинским весельем, неиссякаемым юмором и воспоминаниями о бесконечных застольях, которыми так славится Грузия», – говорит Георгий Иобадзе.

Программа из цикла «Наше все...». Народный артист России Авангард Леонтьев исполняет и комментирует повесть Льва Толстого «Хаджи-Мурат» и рассказ Николая Лескова «Чертогон». Он представляет страницы их произведений, пытаясь выявить грани русского характера, поговорить о вере и безверии, самодурстве и угодничестве, жестокости и милосердии – словом, о самых разнообразных и сложных чертах, которыми с состраданием и иронией наделяют своих персонажей Лесков и Толстой. Мало кто из современных артистов так тонко чувствует литературное слово и так глубоко знает русскую литературу, как народный артист России Авангард Леонтьев. Сам он определяет жанр своих спектаклей как «звучащее слово». Вечера с Авангардом Леонтьевым по форме, может быть, и похожи на традиционный чтецкий концерт, но по сути они нечто гораздо большее: это еще и разговор с внимательным и чутким собеседником, предлагающим увлекательное путешествие в русскую литературу, лучше других знающим, как сделать слово объемным, живым, сильным и волнующим, как разглядеть на знакомых (или незнакомых – Леонтьев выбирает не самые известные произведения) страницах неожиданные смыслы. Звучащая словесность Авангарда Леонтьева – почти осязаемая реальность, столь увлекательная, что зритель забывает обо всем, что осталось за дверями зрительного зала.

Спектакль о дачной жизни в эпоху потрясений по сценарию Анны Козловой «Куоккала». История показывает, как привычный уклад постепенно уступает место тревоге и ощущению перемен.

Одиночество. Депрессия. Транквилизаторы. Пустая квартира. До смерти три дня. Такой мировую оперную диву Марию Каллас видели только четыре человека. Две домработницы, водитель и личный психиатр. Именно с ними, людьми, далекими от музыки, теряющая рассудок певица проводит кастинг на новую постановку «Леди Макбет». В ее голове они – талантливые певцы и соратники. Любящая Марию прислуга подыгрывает этой странности. Перед ними – несчастная женщина, утратившая все: мировую славу, голос, любимого Ари – миллиардера Аристотеля Онассиса, который называл ее «канарейкой». «Это размышления на тему того, как артист теряет свой дар, – говорит режиссер Дмитрий Сердюк. – Будучи крайне одаренной, Мария Каллас отказалась от своей карьеры из-за любви. И в этом есть ее беда, ее отношения со Всевышним. Она сказала Онассису: «Если ты не хочешь, я не буду петь». И в этот момент у нее срывается голос, начинается цепочка профессиональных неудач. И тут же уходит мужчина, ради которого она предала в себе Бога».

Филипп Гуревич – режиссер с узнаваемым творческим почерком. Он любит сюжеты с мистическим, сказочным уклоном. Большинство его спектаклей – истории про «заплутавших в сумрачном лесу», пропущенные через ироничное отношение к жизни и человеколюбие. Вот и для своей первой постановки в Театре наций Гуревич выбрал роман «Сато» писателя и сценариста Рагима Джафарова – лауреата литературных премий «НОС» (2020), «Новые горизонты» (2021) и «Ясная Поляна» (2023). Сато – имя пленного контр-адмирала внеземной цивилизации, вынужденного временно находиться в теле обыкновенного мальчика. По крайней мере, так утверждает пятилетний Костя. Для своих лет он удивительно жесток, а его лексика и чувство юмора отнюдь не детские. Родители Кости решили обратиться за помощью к детскому психологу, но не все странности поведения ребенка получается списать на психические особенности.

Зрители увидят кукол, говорящих голосами Евгения Миронова, Константина Хабенского, Виктора Вержбицкого, Игоря Золотовицкого, Чулпан Хаматовой, Елизаветы Боярской и Инги Оболдиной. В эстетике старого черно-белого кино, отсылающей к советской картине «Насреддин в Бухаре» 1943 года, на сцене оживут улочки средневекового азиатского города, пестрый восточный базар и дворец Эмира Тимура (Тамерлана). Главный герой постановки – фольклорный персонаж мусульманского Востока Ходжа Насреддин – сказочный обманщик и плут, любимый с детства самим Бекмамбетовым: «Я очень много лет мечтал рассказать историю этого персонажа, талантливого и парадоксального, который все переворачивает с ног на голову. Но поскольку мир и так перевернут, то у Ходжи Насреддина в итоге все оказывается на своих местах. Мы создали образ легендарного трикстера восточной цивилизации, и у нас вышла пьеса о свободе, любви и правах человека, в общем, о проблемах и чаяниях всех времен вплоть до сегодняшнего дня». Рассказ о Ходже Насреддине ведется от имени ишака. Осел – главный романтик и мыслитель, который помогает своему хозяину вернуть невесту из гарема Тамерлана, влюбляется в кобылицу и ведет философские разговоры с надоедливой мухой. Сделать из ишака человека – последнее желание Насреддина и, похоже, самое реалистичное, ведь отыскать человеческое в людях у Ходжи так и не получилось.

Вот уже несколько десятилетий Роберт Уилсон остается бесспорным авторитетом мировой сцены. Он создал особый театральный стиль, который находится на стыке драматического театра и современного искусства, кинематографа и пантомимы, цирка и современного танца. Спектакли Уилсона отличаются изысканной пластической и световой партитурой, которая производит магическое впечатление на зрителей всего мира. В основе первого оригинального российского спектакля Уилсона лежит несколько сказок Пушкина: «Сказка о царе Салтане», «Сказка о рыбаке и рыбке», «Сказка о попе и работнике его Балде», «Сказка о Золотом петушке», «Медведиха», а также фрагменты поэмы «Руслан и Людмила». Для создания сценографической партитуры режиссер провел огромное исследование, в котором подробно изучил не только сами сказки, но и различные иллюстрации к ним, историю их появления, фольклорные составляющие и т. д. Из этого возник ряд сложных визуальных образов, являющихся важнейшими элементами постановки. Уилсон работал в Москве со своей командой художников, сценографов и ассистентов. Созданием музыки к спектаклю занимался знаменитый американский дуэт CocoRosie, являющийся адептом стиля фрик-фолк и уже давно покоривший мировую сцену.

Главное слово тут – «живой». Да, труп – живой, реальный, он растет, набирает вес, матереет, источает жуткий запах и от него невозможно избавиться. Потому что труп в новом спектакле режиссера Данила Чащина – это метафора умирающих семейных отношений. Конечно, в первую очередь речь идет об отношениях Федора и Лизы Протасовых – героев недописанной пьесы Льва Толстого. Но также дополнительной линией в постановке выведены отношения между самим автором и его женой Софьей Андреевной. «Нам хотелось проследить, как развивалась их совместная жизнь и почему Толстой, как и его герой, решился на побег из семьи, – говорит Данил Чащин. – Мне интересно исследовать, как истончаются отношения. Из-за чего счастливый брак заканчивается разводом. Почему мы не можем вовремя обнаружить и закопать «труп», который прикидывается живым».

Спектакль Мурата Абулкатинова «Десять посещений моей возлюбленной» поставлен по одноименному роману Василия Аксенова, одного из видных представителей деревенской прозы. В центре сюжета – старшеклассник Олег, которого настигла первая страстная любовь к Тане, девочке из соседней деревни. Его встречи с возлюбленной чередуются с картинами подростковой жизни: самоубийство товарища, смутные чувства к другой девушке, предательство. Режиссер определяет жанр постановки как «сцены из вчерашней юности». «В романе рассказывается очень простая и чувственная история первой любви. А главный герой постоянно произносит фразу «Это было вчера», – говорит Мурат Абулкатинов. – Я постарался сохранить в спектакле присущее прозе Василия Аксенова ощущение ностальгии по юности, оголенному восприятию мира, абсолютной искренности. Мне, как и Аксенову, интересно рассматривать чувства в их крайней степени. Поэтому для меня роман «Десять посещений моей возлюбленной» – это история об утраченном рае, ошибках юности, ослеплении любовью».

«Ваш А. Солженицын» – так подписывался Александр Исаевич под своими письмами, в которых он предстает именно человеком, а не знаковой фигурой советской литературы. Эти слова и стали эпиграфом к постановке режиссера Марины Брусникиной, вошедшей в цикл Театра наций «Наше все…». Спектакль в исполнении народного артиста России Авангарда Леонтьева и молодых актеров мастерской Дмитрия Брусникина посвящен русскому писателю ХХ столетия, которого в России называют совестью народа, борцом с тоталитаризмом и личностью планетарного масштаба. Изучив архив Солженицына, создатели спектакля решили сделать акцент на пути, пройденном с момента издания рассказа «Один день Ивана Денисовича», где Солженицын описывает жизнь советского зека на основе своего пребывания в «Степлаге» на севере Казахстана, до получения Нобелевской премии в 1970 году «За нравственную силу, с которой он следовал непреложным традициям русской литературы». В постановке будут использованы личные письма, фрагменты прозы и нобелевская речь Солженицына.

«Пастух и пастушка» – под таким названием с подзаголовком «современная пастораль» в 1971 году в журнале «Наш современник» была издана военная повесть Виктора Астафьева, которую он сам назвал одной из самых «трудных и больнее доставшихся» ему вещей. Автор писал повесть несколько лет и уже после публикации неоднократно возвращался к тексту вплоть до 1989 года, вносил правки и восстанавливал удаленные цензурой части. Это тяжелая история о светлом чувстве, возникшем в разгар Великой Отечественной войны между молодым лейтенантом Борисом и мирной жительницей прифронтовой деревни Люсей – людьми, которые не выбирали свою судьбу, но оказались участниками страшных событий.