Государственный театр наций: афиша событий

Филипп Гуревич – режиссер с узнаваемым творческим почерком. Он любит сюжеты с мистическим, сказочным уклоном. Большинство его спектаклей – истории про «заплутавших в сумрачном лесу», пропущенные через ироничное отношение к жизни и человеколюбие. Вот и для своей первой постановки в Театре наций Гуревич выбрал роман «Сато» писателя и сценариста Рагима Джафарова – лауреата литературных премий «НОС» (2020), «Новые горизонты» (2021) и «Ясная Поляна» (2023). Сато – имя пленного контр-адмирала внеземной цивилизации, вынужденного временно находиться в теле обыкновенного мальчика. По крайней мере, так утверждает пятилетний Костя. Для своих лет он удивительно жесток, а его лексика и чувство юмора отнюдь не детские. Родители Кости решили обратиться за помощью к детскому психологу, но не все странности поведения ребенка получается списать на психические особенности.

Зрители увидят кукол, говорящих голосами Евгения Миронова, Константина Хабенского, Виктора Вержбицкого, Игоря Золотовицкого, Чулпан Хаматовой, Елизаветы Боярской и Инги Оболдиной. В эстетике старого черно-белого кино, отсылающей к советской картине «Насреддин в Бухаре» 1943 года, на сцене оживут улочки средневекового азиатского города, пестрый восточный базар и дворец Эмира Тимура (Тамерлана). Главный герой постановки – фольклорный персонаж мусульманского Востока Ходжа Насреддин – сказочный обманщик и плут, любимый с детства самим Бекмамбетовым: «Я очень много лет мечтал рассказать историю этого персонажа, талантливого и парадоксального, который все переворачивает с ног на голову. Но поскольку мир и так перевернут, то у Ходжи Насреддина в итоге все оказывается на своих местах. Мы создали образ легендарного трикстера восточной цивилизации, и у нас вышла пьеса о свободе, любви и правах человека, в общем, о проблемах и чаяниях всех времен вплоть до сегодняшнего дня». Рассказ о Ходже Насреддине ведется от имени ишака. Осел – главный романтик и мыслитель, который помогает своему хозяину вернуть невесту из гарема Тамерлана, влюбляется в кобылицу и ведет философские разговоры с надоедливой мухой. Сделать из ишака человека – последнее желание Насреддина и, похоже, самое реалистичное, ведь отыскать человеческое в людях у Ходжи так и не получилось.

Вот уже несколько десятилетий Роберт Уилсон остается бесспорным авторитетом мировой сцены. Он создал особый театральный стиль, который находится на стыке драматического театра и современного искусства, кинематографа и пантомимы, цирка и современного танца. Спектакли Уилсона отличаются изысканной пластической и световой партитурой, которая производит магическое впечатление на зрителей всего мира. В основе первого оригинального российского спектакля Уилсона лежит несколько сказок Пушкина: «Сказка о царе Салтане», «Сказка о рыбаке и рыбке», «Сказка о попе и работнике его Балде», «Сказка о Золотом петушке», «Медведиха», а также фрагменты поэмы «Руслан и Людмила». Для создания сценографической партитуры режиссер провел огромное исследование, в котором подробно изучил не только сами сказки, но и различные иллюстрации к ним, историю их появления, фольклорные составляющие и т. д. Из этого возник ряд сложных визуальных образов, являющихся важнейшими элементами постановки. Уилсон работал в Москве со своей командой художников, сценографов и ассистентов. Созданием музыки к спектаклю занимался знаменитый американский дуэт CocoRosie, являющийся адептом стиля фрик-фолк и уже давно покоривший мировую сцену.

Кукольный спектакль Тимура Бекмамбетова — первая постановка этого жанра на сцене Театра Наций. Лёгкий фольклорный сюжет постепенно приобретает философское звучание, позволяя взглянуть на привычные вещи с другой стороны.

Главное слово тут – «живой». Да, труп – живой, реальный, он растет, набирает вес, матереет, источает жуткий запах и от него невозможно избавиться. Потому что труп в новом спектакле режиссера Данила Чащина – это метафора умирающих семейных отношений. Конечно, в первую очередь речь идет об отношениях Федора и Лизы Протасовых – героев недописанной пьесы Льва Толстого. Но также дополнительной линией в постановке выведены отношения между самим автором и его женой Софьей Андреевной. «Нам хотелось проследить, как развивалась их совместная жизнь и почему Толстой, как и его герой, решился на побег из семьи, – говорит Данил Чащин. – Мне интересно исследовать, как истончаются отношения. Из-за чего счастливый брак заканчивается разводом. Почему мы не можем вовремя обнаружить и закопать «труп», который прикидывается живым».

Спектакль Мурата Абулкатинова «Десять посещений моей возлюбленной» поставлен по одноименному роману Василия Аксенова, одного из видных представителей деревенской прозы. В центре сюжета – старшеклассник Олег, которого настигла первая страстная любовь к Тане, девочке из соседней деревни. Его встречи с возлюбленной чередуются с картинами подростковой жизни: самоубийство товарища, смутные чувства к другой девушке, предательство. Режиссер определяет жанр постановки как «сцены из вчерашней юности». «В романе рассказывается очень простая и чувственная история первой любви. А главный герой постоянно произносит фразу «Это было вчера», – говорит Мурат Абулкатинов. – Я постарался сохранить в спектакле присущее прозе Василия Аксенова ощущение ностальгии по юности, оголенному восприятию мира, абсолютной искренности. Мне, как и Аксенову, интересно рассматривать чувства в их крайней степени. Поэтому для меня роман «Десять посещений моей возлюбленной» – это история об утраченном рае, ошибках юности, ослеплении любовью».

Спектакль о дачной жизни в эпоху потрясений по сценарию Анны Козловой «Куоккала». История показывает, как привычный уклад постепенно уступает место тревоге и ощущению перемен.

Режиссер и автор сценической интерпретации Алла Сигалова решила исследовать знаменитый роман Льва Толстого через призму бракоразводного дела, в котором три главных фигуранта: Анна Каренина, Алексей Каренин и Алексей Вронский. Это стремительное и чувственное действие о трех формах любви, о трех мировоззрениях, о трех жизненных позициях, о трех личностях, которые волею судьбы скрестились в одной точке. Исходом столкновения стала трагическая смерть. Это пересечение разных пониманий долга, обязанностей, а главное – любви. Это размышление о поисках идеальных отношений в семье, о невозможности найти истину, о явных и скрытых мотивах, которые движут людьми, о тайнах души, о чувственности и свойствах страсти.

«Ваш А. Солженицын» – так подписывался Александр Исаевич под своими письмами, в которых он предстает именно человеком, а не знаковой фигурой советской литературы. Эти слова и стали эпиграфом к постановке режиссера Марины Брусникиной, вошедшей в цикл Театра наций «Наше все…». Спектакль в исполнении народного артиста России Авангарда Леонтьева и молодых актеров мастерской Дмитрия Брусникина посвящен русскому писателю ХХ столетия, которого в России называют совестью народа, борцом с тоталитаризмом и личностью планетарного масштаба. Изучив архив Солженицына, создатели спектакля решили сделать акцент на пути, пройденном с момента издания рассказа «Один день Ивана Денисовича», где Солженицын описывает жизнь советского зека на основе своего пребывания в «Степлаге» на севере Казахстана, до получения Нобелевской премии в 1970 году «За нравственную силу, с которой он следовал непреложным традициям русской литературы». В постановке будут использованы личные письма, фрагменты прозы и нобелевская речь Солженицына.

Актёр Авангард Леонтьев и молодые артисты Мастерской Брусникина заново открывают зрителям Александра Солженицына — русского прозаика и удивительного человека, научившегося жить по пословице «счастью не верь, беды не пугайся».

«Пастух и пастушка» – под таким названием с подзаголовком «современная пастораль» в 1971 году в журнале «Наш современник» была издана военная повесть Виктора Астафьева, которую он сам назвал одной из самых «трудных и больнее доставшихся» ему вещей. Автор писал повесть несколько лет и уже после публикации неоднократно возвращался к тексту вплоть до 1989 года, вносил правки и восстанавливал удаленные цензурой части. Это тяжелая история о светлом чувстве, возникшем в разгар Великой Отечественной войны между молодым лейтенантом Борисом и мирной жительницей прифронтовой деревни Люсей – людьми, которые не выбирали свою судьбу, но оказались участниками страшных событий.

Одиночество. Депрессия. Транквилизаторы. Пустая квартира. До смерти три дня. Такой мировую оперную диву Марию Каллас видели только четыре человека. Две домработницы, водитель и личный психиатр. Именно с ними, людьми, далекими от музыки, теряющая рассудок певица проводит кастинг на новую постановку «Леди Макбет». В ее голове они – талантливые певцы и соратники. Любящая Марию прислуга подыгрывает этой странности. Перед ними – несчастная женщина, утратившая все: мировую славу, голос, любимого Ари – миллиардера Аристотеля Онассиса, который называл ее «канарейкой». «Это размышления на тему того, как артист теряет свой дар, – говорит режиссер Дмитрий Сердюк. – Будучи крайне одаренной, Мария Каллас отказалась от своей карьеры из-за любви. И в этом есть ее беда, ее отношения со Всевышним. Она сказала Онассису: «Если ты не хочешь, я не буду петь». И в этот момент у нее срывается голос, начинается цепочка профессиональных неудач. И тут же уходит мужчина, ради которого она предала в себе Бога».

Канадец Робер Лепаж – актер, режиссер, драматург, постановщик шоу с мировым именем, чьи работы бросают вызов стандартам сценического искусства, – вновь решил удивить московскую публику. На сцене театра от готовит спектакль «Мастер и Маргарита» по Михаилу Булгакову – постановку грандиозного технического замысла со множеством визуальных спецэффектов и сложнейшими костюмами. «В произведении Михаила Булгакова три романа, – говорит Робер Лепаж. – Есть история Пилата и Христа, есть Маргарита и Мастер с их реалистичной жизнью, и есть магический, невероятный мир Воланда и его свиты. Три уровня, три типа персонажей. Мастер приносит с собой историю Пилата и Христа, а Маргарита существует в контакте с Воландом, в некотором роде с запретным миром, миром магии. И когда они встречаются, они соединяют эти миры, эти романы, они сплетают их воедино». Для спектакля были созданы костюмы-трансформеры для более чем ста персонажей, которых воплощают всего 13 актеров на сцене. А главным сценографическим приемом стал «Призрак Пеппера» – технология зеркал и прозрачных поверхностей, помогающая появляться на сцене «привидениям» и «нечисти». Поэтому, полагают создатели, зрительный зал не раз в изумлении забудет, как дышать: когда на сцене соединяются два художника – Булгаков и Лепаж – возникает настоящая магия.

Роман Нодара Думбадзе «Я, бабушка, Илико и Илларион», по которому поставил спектакль Георгий Иобадзе, рассказывает о довоенной жизни грузинского села, увиденной глазами мальчика Зурико. Он растет без родителей, провожает на фронт односельчан, испытывает все тяготы военных лет, отправляется на учебу в Тбилиси, но в итоге возвращается в родной дом. «Это очень точная зарисовка о людях, простых и глубоких, наивных и мудрых, живущих одной судьбой. Детство и юность, первая любовь Зурико – все пронизано грузинским весельем, неиссякаемым юмором и воспоминаниями о бесконечных застольях, которыми так славится Грузия», – говорит Георгий Иобадзе.