Афиша у метро «Театральная»

Трагедия Уильяма Шекспира в постановке Марка Розовского – это классическое прочтение пьесы: со средневековыми костюмами, поединками на шпагах, танцами. Одним из главных действующих лиц станет музыка: спектакль украсят фрагменты из увертюры-фантазии Петра Чайковского. Главные герои: Ромео – сын Монтекки, Джульетта – дочь Капулетти, Тибальт – кузен Джульетты, Меркуцио – товарищ Ромео, Розалина – кузина Джульетты. Трагедия повествует о несчастной судьбе двух молодых любящих друг друга людей, которые стали жертвами вражды между знатными родами Монтекки и Капулетти, к которым принадлежат.

«Женщина-змея» – долгожданная премьера Театра на Малой Бронной! Это спектакль для семейного просмотра, полный неожиданных приключений, сказочных превращений, искрометного юмора и импровизации! Принц Фаррускад и его красавица-жена, таинственная принцесса Керестани, вот уже восемь лет как счастливы вместе и души не чают в малышах-близнецах, родившихся у них. Но череда ужасающих событий угрожает их благополучию. Через что нужно пройти, чтобы отстоять свою любовь и счастье близких? Злые волшебники, заколдованные феи, чудовищные превращения, огнедышащий бык – все это и многое другое зрители увидят в спектакле Олега Долина по пьесе Карло Гоцци «Женщина-змея».

Спектакль – обладатель национальной театральной премии «Золотая маска – 2017». Магадан… Он-то где расположен? Там, где эта самая магада разлита в воздухе, как всепроникающая сущность. И вот об этой нездешней сущности напоминают и связывают действо с нею три как бы буддийских существа. И эти трое, и все прочие персонажи являются на сцену с совершенно отрешенными лицами. В ходе всего действа, в любых его перипетиях лица этих персонажей совершенно нейтральны. Но – не пусты. Сквозь лица проступает то, чем наполнены персонажи, – нечто нездешнее зияет сквозь них. Они – не отсюда. Не из этого мира, в котором все наперекосяк и все ведет к потерям. Трое рассказывают одну из буддийских притч о неких пришельцах, которые являются и уходят, могут исполнить любые людские правила и обряды, но не исполняют. Зачем? Это же всего лишь человеческое. И ни к чему не ведет.

Спектакль, поставленный в театре «Около» по всеми любимой книжке Алана Милна о плюшевом медвежонке, – настоящий долгожитель, он не сходит со сцены больше 30 лет. Его герои оказались то ли в психушке, то ли на зоне. Удивительно, что постановка, много говорящая советским зрителям, стала настоящим гастрольным хитом и хорошо поездила по Европе. Первый выезд был в Варшаву. Когда польского зрителя спросили, не надо ли что-то пояснить, он ответил: нет, понятно поверх слов – так много общего. А сегодня этот спектакль, привязанный ко времени заката СССР, будто подернулся флером ностальгии и о прошлом, и о детстве. Хотя сам медвежонок, трогательный Пятачок, кухонная интеллигентка Сова и осел-пенсионер Иа-Иа все так же сидят на рельсах, ведущих в ленинский уголок, травят анекдоты про Чапаева и мечтают о несбыточном под песни «битлов», льющиеся откуда-то из-за пределов их убогого существования.

Одним из главных героев пьесы является музыка Вольфганга Амадея Моцарта, которая станет весомым аргументом в споре посредственности и гениальности. Спектакль посвящается памяти выдающегося актера современности народного артиста Союза Советских Социалистических Республик Олега Табакова, более 30 лет блестяще исполнявшего роль Сальери. Эта постановка – современный взгляд на вечный конфликт моцартианства и сальеризма, творца и ремесленника, любви и зависти. Пьеса начинается со вступительных слов старого Сальери. Он вспоминает, как всегда хотел обладать музыкальным талантом, о чем страстно просил Бога. Взамен он обещал вести праведную жизнь, быть верным жене и помогать неимущим. В годы его расцвета композитор познакомился в Вене с Моцартом, именно эту историю он хочет рассказать зрителям.

Новый «Вишневый сад» – не про помещицу, не успевшую приспособиться к новому времени, а про эмоции и ассоциации. Во времена Чехова вишневый сад Раневской был символом жизни прошлым, но Погребничко превращает его в символ вечного поиска «чего-то, что нельзя сказать». Сюжет оригинальной пьесы угадывается легко, но время, место и действие чеховской пьесы Погребничко переиначивает чуть больше, чем полностью. Время становится эфемерным и к началу второго действия, когда на сцену выходят Гамлет, Розенкранц и Гильденстерн, исчезает почти полностью. Лейтмотивом повторяются нехитрые куплеты в лучших традициях Владимира Высоцкого – что тоже, как вы понимаете, ясности не добавляет.

Спектакль актуален в каждом своем слове, выразителен в каждой своей мизансцене. Гамлет в Театре «У Никитских ворот» – прежде всего, Актер, лицедей, режиссирующий свою собственную жизнь и смерть… по системе К. С. Станиславского!.. Он, конечно, ничего не знает о ней, но почему так четко и ясно понимает законы ПРАВДИВОЙ ИГРЫ, откуда в нем эта демонстративная страсть к лицедейству, к разоблачению всякой лжи и фальши?!. Только в монологах наш Гамлет остается наедине с самим собой. Земля качается под его ногами. Он как бы балансирует над пропастью, предложенной ему роком и Эльсинором. Движимый жаждой справедливости, его герой – сильная личность, цельная, отнюдь не раздвоенная, без всякого пресловутого «гамлетизма», знающая цену жизни и смерти, и бесстрашно идущая к акту возмездия как абсолютно сознательному действию, наказывающему Зло. Главная тема Гамлета – право на насилие, право на месть, на личный суд в целях достижения Высшей справедливости.Вот почему не следует искусственно актуализировать «Гамлета». Он актуален и так. Но заново прочесть великую пьесу, трактующую тему греха и ответственности за грех, может быть, стоит сегодня, как никогда.

Сегодня философская притча Льва Толстого, в которой «толстовство» как цельное миросознание получило художественное воплощение, продолжает жить не только в литературном произведении, но и на театральной сцене, глубоко задевая зрительские души, заставляя размышлять о зле и добре, грехе и ответственности за грех, о животном и человеческом, о жизни и смерти. Созданная Марком Розовским и Юрием Ряшенцевым пьеса «История лошади» в жанре «русского мюзикла» на основе классической литературы живет на сцене с 1975 года.

Пьеса известного швейцарского писателя Макса Фриша «Биография» не частый гость на мировых сценических подмостках. Главный герой пьесы получает возможность прожить свою жизнь заново. Однако сложность заключается в том, что он никак не может решить, с какого момента начать. Свою первую большую постановку в театре «Человек» главный режиссер театра, заслуженный артист России Владимир Скворцов по жанру обозначил как мистическая трагикомедия. «Эту пьесу я впервые услышал в студенчестве от своего педагога Дмитрия Брусникина, который, кстати, тоже работал в этом театре, – говорит режиссер Владимир Скворцов. – Я сразу влюбился в «Биографию». Она написана очень простым языком, в то же время в ней есть мистическая составляющая – идеальное сочетание, которое всегда мне нравилось».

Это остроумный, смелый и глубоко человечный спектакль. Режиссер оригинально и с юмором вместе с Михаилом Булгаковым говорит о природе человека, ищет ту самую грань между нравственным и искусственно созданным. Опираясь на мощную литературную основу булгаковского произведения, творческая группа, используя современный театральный язык, через слово и движение создает спектакль, который дает возможность даже искушенному зрителю взглянуть иначе на всеми любимое произведение. Режиссер Сергей Газаров говорит: «В новой постановке мы бережно сохраняем уникальную булгаковскую интонацию – тонкую и ироничную. Но вместе с тем хотим показать повесть в свете вопросов, которые остаются актуальными и сегодня». Особое место в спектакле занимает движение. Режиссер по пластике Леонид Тимцуник построил визуальный рисунок спектакля так, чтобы движения актеров не были лишь украшением, а несли смысл и помогали реализовать задумку постановщика. Для точного воссоздания атмосферы врачебной практики 1920–1930-х годов в качестве консультантов были привлечены медицинские специалисты. Они помогали актерам и художникам как можно более точно передать детали профессорской быта и клинической логики той эпохи. «Собачье сердце» в интерпретации театра «Мастерская «12» Никиты Михалкова» – это не просто очередная постановка классики, а живое театральное исследование о человеческой идентичности и об ответственности творца.

Пьеса «Анна на шее» была написана Чеховым в 1895 году. Автор показал драму молодой женщины, вынужденной продавать себя. И хотя у Чехова нет прямого осуждения или обличительства, горькая ирония, ощущение неприглядности и драматизма всей этой истории, бесспорно, присутствуют. В своих записках сам Чехов подвел сюжет рассказа «Анна на шее», тогда еще не написанного: «Бедная девушка, гимназистка, имеющая пять братьев мальчиков, выходит за богатого чиновника, который попрекает ее каждым куском хлеба, требует послушания, благодарности (осчастливил), издевается над ее родней. «Каждый человек должен иметь свои обязанности». Она все терпит, боится противоречить, чтобы не впасть в прежнюю бедность. Приглашение на бал от начальника. На балу она производит фурор. Важный человек влюбляется в нее, делает любовницей (она обеспечена и теперь). Когда она увидела, что начальство у нее заискивает, что мужу она нужна, то уже говорит дома мужу с презрением: «Подите вы прочь, болван!» Народный артист РФ Марк Розовский подошел к постановке со свойственным ему юмором и иронией, которые выгодно отличают почерк этого мастера от других. Музыка, написанная заслуженным артистом РФ Максимом Дунаевским, и стихи Юрия Ряшенцева в спектакле прозвучат в живом исполнении.

Продолжается брендовая история, которая называется «Метаморфозы», – сценическое воплощение А. П. Чехова и И. А. Бунина. Самое трудное здесь – это передача атмосферы литературных произведений на сцене, ведь это требует осмысления, фантазии и точного понимания духа произведения Во всех «Метаморфозах» главный акцент именно на это. Поэтому вся сценография подчинена актерскому исполнению, а значит актеру практически не за что спрятаться кроме того, чему он научился, как он чувствует и понимает этих великих писателей и насколько может соответствовать тем задачам, которые перед ним стоят. Спектакль «Темные аллеи» из цикла «Метаморфозы» точно понравится зрителями!

Спектакль Константина Богомолова «Дядя Лева» по пьесе «Покровские ворота» Леонида Зорина. Москва 1950-х – столица уютных улочек и шумных проспектов, садов и зимних катков, в ней есть место и памяти, и надежде, и романтике. Об этом лучшем городе на Земле рассказывает Костик Ромин, историк, чьи воспоминания о молодости лежат в основе сюжета. В тихой квартире у Покровских ворот кроме Костика живут его тетушка-интеллигент Алиса Витальевна, артист эстрады Аркадий Велюров и скромный поэт-словесник Лев Хоботов, которому любовь подарила надежду на новую жизнь и счастье, а вместе с тем изменила жизнь соседей и разрушила «семейную идиллию» его бывшей жены Маргариты Павловны. Ностальгия с ноткой светлой грусти по юности, друзьям и первой влюбленности – в Театре на Бронной.

На Малой сцене зрители прикоснутся к тайне гения в одной из самых атмосферных постановок сезона. Спектакль обращается к малоизвестным и неоконченным произведениям Александра Сергеевича Пушкина – «Вадим», «Тазит» и «Русалка». Через эти тексты раскрываются темы, неподвластные времени: любовь, предательство, вина, долг и неизбежность возмездия. Особое место в постановке занимает музыкальная партитура. Живое звучание этно-фолк-группы «Метаморфозы» соединяет фольклорные традиции с современным поп-роком, превращая классическое слово в динамичное сценическое действие. Камерное пространство Малой сцены усиливает эффект присутствия: здесь стирается дистанция между актером и зрителем, и каждая эмоция ощущается предельно точно!

Спектакль – калейдоскоп историй о любви, который просто искрится самыми разными образами и отношениями. Очень интересно смотреть его еще и благодаря необычному оформлению сцены. Но изюминкой этой постановки является демонстрация между частями спектакля видеофрагментов о репетициях под руководством режиссера – Никиты Сергеевича Михалкова. Прекрасные театральные миниатюры позволят по-новому увидеть знакомые произведения. Будет над чем посмеяться и о чем задуматься. Это один из немногих спектаклей, куда смело можно брать подростков и молодежь и быть почти уверенными, что они не будут сонно зевать.

Ольга Ваксель была поэтом, актрисой, одной из самых красивых женщин Петербурга. До недавнего времени о ней помнили только как о музе Осипа Мандельштама, посвятившего ей несколько гениальных стихотворений. После публикации ее откровенных и искренних воспоминаний, загадка принятого ею опасного и рокового решения удерживает интерес к этой необычной жизни до самого конца. Из письма Надежды Мандельштам: «Дело в том, что героиня нескольких стихотворений О. М. надиктовала эротические мемуары. Ее звали Ольга, Лютик. Дочка Львовой – фрейлины императрицы. Хороша была как ангел. Я бы хотела знать подробно, что в этом дневнике (вместе с эротикой). Чертова молодость: сколько осложнений она оставляет в жизни». «Дура была Ольга – такие стихи получила…» (Анна Ахматова). Спектакль получил диплом Гран-при и звание лауреата II Всероссийского фестиваля камерных спектаклей и моноспектаклей «Один, два, три» (2016, Новосибирск).

Этот динамичный, яркий и веселый сатирический спектакль отсылает зрителей к французской комедии положений, в которой сцены буквально «нанизываются» одна на другую. В постановке используются различные приемы театра масок, художник Ирина Кондрашова создала оригинальные костюмы и декорации, передающие фарсовый дух мольеровского театра. Сцена превращается в шахматную доску, на которой персонажи-интриганы меняют «маски» и костюмы, затягивая Пурсоньяка в водоворот игры. Несмотря на заявленный жанр, спектакль дает пищу для серьезных размышлений. Прежде всего о том, как честному человеку доказать свою невиновность и может ли безобидное на первый взгляд лицедейство превратиться в жестокий эксперимент.

«Капитанская дочка» – настоящий русский мюзикл, созданный Марком Розовским и Максимом Дунаевским. Этот спектакль отлично подойдет для семейного просмотра. Основа спрятана в другом труде Пушкина-историка – в «Истории пугачевского бунта». Зверства Пугачева, поднявшего злобную и дикую чернь на бунт против державного официоза, описаны легким пушкинским пером с отвращением к насилию и с научной скрупулезностью. А в «Капитанской дочке» тот же гениальный автор как бы заново и по-другому осмысливает события – уже через художественную призму, через частную историю всепобеждающей любви двух сердец – юноши и девушки, которые попали в кровавую мясорубку века и сумели сохранить жизнь и достоинство. Тема любви сопряжена с темой предательства, и взятые Пушкиным в эпиграф слова «Береги честь смолоду» составляют призывный смысл, обращенный ко всем поколениям людей, живших и живущих на русской земле. Отсюда святой патриотический градус, пронизывающий этот музыкально-поэтический спектакль.

Литературно-сценический коллаж, созданный по рассказам Ивана Алексеевича Бунина («Мадрид», «Легкое дыхание», «Чистый понедельник», «Холодная осень») и Антона Павловича Чехова («Беззащитное существо», «Нервы», «Знакомый мужчина»). Спектакль был создан в рамках творческой лаборатории «Метаморфозы», в которой Никита Михалков с артистами театра ищет новые, иногда экспериментальные формы воспроизведения русской прозы, а также новые смыслы во всем известных произведениях. Спектакль объединяет в себе несколько жанров, так что все эпизоды складываются в многоголосую панораму жизни. В этой пестрой панораме – чеховские персонажи, заключенные в «стеклянную скорлупу одиночества», и бунинские герои, тоскующие по родине, сменяя друг друга, создают сложную и вместе с тем прекрасную картину русской жизни. Художником спектакля стал всемирно известный художник Юрий Купер, который с помощью 3D–проекции передал особенную атмосферу каждого рассказа.

Сентиментальная история угасающей актерской династии. Мать и сын живут бесконечными разговорами о сцене, домашними репетициями, изучением пьес, сравнением переводов и, конечно, обсуждают закулисные интриги. За стенами квартиры течет жизнь, зима сменяет осень, привычно шумит детская площадка, настойчиво скрипят дворники. Реальность незаметно сплетается с творчеством, быт растворяется в искусстве, а герои становятся заложниками собственных иллюзий. Общее дело, забота друг о друге парадоксальным образом отдаляет их, возводит стену ложных надежд. Но отношения матери и сына всегда явление уникальное. В них скрыта особая связь, неповторимая любовь, разрушающая любые преграды. Новый спектакль ломает стены, открывает грани актерских возможностей, заглядывает в таинственную актерскую кухню, поднимает вечные вопросы отцов и детей и, конечно, говорит о любви, преодолевающей любые обстоятельства.

Севриновский играет любовь как хроническую боль – с глазами бездомной собаки, которая ждет хозяина, но знает наперед, чем все закончится. Играет тихо, застенчиво, устав от своего несчастья. Болезненно тонкий актер при глобальной мужской харизме. У Сирано складывается чувственный дуэт с Марией Погребничко, которая играет Роксану. Спектакль идет под мелодию Гии Канчели из фильма «Когда цветет миндаль», и это нежная, очень целостная постановка про любовь. Режиссер и художник спектакля Александра Толстошева – ученица Юрия Погребничко – поставила более десяти спектаклей в театрах Москвы. Номинант премии «Золотая маска».

Американская писательница Елена Келлер из-за перенесенной в раннем детстве болезни навсегда потеряла зрение и слух. Обучившись ручной азбуке – языку глухих, передаваемому ей через осязание, она окончила Кембридж, затем университет Рэдклифф (часть Гарварда). В эти годы она написала свою первую книгу. Елена Келлер стала настолько популярна, что многие известные люди, приезжавшие в США со всех концов света, спешили встретиться с ней: Максим Горький, Рабиндранат Тагор, Морис Метерлинк. Будучи слепоглухой, она прожила невероятно интересную жизнь, стала автором семи книг, ездила по всей Америке, выступала с лекциями. Что это, если не чудо? Спектакль рассказывает о самом начале этого удивительного пути, когда пересеклись судьбы двух замечательных женщин – Елены Келлер и ее учительницы Анны Салливан.

Художественный руководитель театра Марк Розовский вновь обращается к отечественной классике. На сцене театра – трагикомедия «Горе без ума», сценическая редакция бессмертного шедевра российской словесности. Комедия в стихах «Горе от ума» А. Грибоедова чрезвычайно злободневна: в центре – конфликт общества и личности, противостояние чести и подхалимства, любви и пошлости, верности и предательства. Критический взгляд на состояние современного мира усиливают используемые Розовским в постановке фрагменты переписки А. Пушкина с П. Чаадаевым.

«Мастерская «12» Никиты Михалкова» представляет сценическую версию Александра Адабашьяна и Никиты Михалкова «Без свидетелей» по мотивам пьесы Софьи Прокофьевой «Беседа без свидетеля». Это история одной новогодней ночи, когда встреча бывших супругов превращается в беспощадный разговор о прошлом. Режиссер-постановщик – Никита Михалков, предлагает тонкое, психологически выверенное прочтение пьесы – без внешних эффектов, с вниманием к паузам, интонациям и внутренней тишине. Спектакль становится не только диалогом двух людей, но и разговором со зрителем о цене амбиций, страхе разоблачения и личной ответственности. Художественное решение создано Юрием Купером: замкнутое пространство сцены усиливает ощущение ловушки, в которой герои оказываются наедине со своими признаниями. Свет и звук работают на предельное напряжение, превращая бытовую ситуацию в драму почти исповедального масштаба.

В основу постановки легли небольшие прозаические и драматические произведения авторов популярного дореволюционного юмористического журнала «Сатирикон», объединенные вечной темой любви, ревности и непростых, часто курьезных отношений между мужчиной и женщиной. За 100 лет, прошедших со времен революции, многое изменилось и ушло безвозвратно, но страсти человеческие остаются такими же пылкими, а также часто смешными и нелепыми. Истории двух милых женщин и двух обаятельных мужчин перетекают одна в другую, меняются предлагаемые обстоятельства, но маски персонажей остаются почти теми же: муж, ветреная жена, любовник, брошенная и тоскующая о любви дама. Без точной временной привязки герои – пленники своих чувств – не только комичны и гротескны, но где-то заслуживают сочувствия и жалости, потому что близки и узнаваемы. Существуя в этой, на первый взгляд, легкомысленной игре, герои спектакля приходят к совершенно неожиданному и переворачивающему всю затею с ног на голову финалу, где смешное становится трогательным, а комическое – печальным и светлым детским воспоминанием.

Увидеть «Кротких» в Москве – большая удача. И, возможно, единственный шанс! Показы в Москве не были запланированы. Спектакль был задуман как фестивальный. Но после огромного успеха премьеры, которая состоялась в марте 2018 года на VI Международном театральном фестивале «CHELоВЕК театра» в Челябинске, стало понятно – показ в Москве необходим. Слишком велик интерес к постановке критиков, коллег и зрителей. Публику ждет встреча с неожиданным героем – мучающимся и мучающим, ранимым и страшным. Метод режиссерского прочтения прост и вместе с тем совершенно необычен. Владимир Скворцов уходит от, казалось бы, столь закономерного в этом случае формата моноспектакля. Не меняя ни единого авторского слова, режиссер как будто бы ставит между главным героем и зрителем линзу в виде двух дополнительных, не означенных у Федора Достоевского персонажей, вводящих действие в совершенно новый контекст – не современный, скорее вневременной. И сквозь эту волшебную линзу становится особенно хорошо видно – это про нас!

Классическая повесть Карамзина «Бедная Лиза», известная каждому школьнику, обрела новую жизнь и современное звучание в постановке Марка Розовского. Сентиментальная история любви бедной крестьянки к аристократу рассказана в музыкальном спектакле с некоторой долей мягкой иронии и юмора, что позволяет создать эффект отстранения – дистанции, столь необходимый для того, чтобы воспринимать историю крестьянской девушки и ее возлюбленного не как исторический анекдот, затерявшийся в толще веков, но как историю общечеловеческую и актуальную сегодня, как и всегда. Современные понятия о добре и зле имеют пробелы, отчего жизнь оказывается лишена вкуса, покоя и грации. Путаница ведет к хаосу, скошенные представления могут привести даже к преступлению. Жизнь спектакля доказала, что с помощью музыкально-поэтических добавлений великое русское слово действует и сегодня на души людей, заставляет посмеяться и всплакнуть.

Пьеса Виктора Гусева, написанная в 1934 году, – это лирическая комедия, героическая мелодрама о любви, молодости, мечтах и бесконечной жажде славы, которая сопровождает всякого человека, входящего во взрослую жизнь. В советское время пьеса была безусловным хитом и пользовалась бешеной популярностью, что неудивительно. Это увлекательная, чувственная и нежная история, которая не может оставить зрителя равнодушным. Роли братьев Мотылькова исполняют Ари Шапиро, Григорий Быстрицкий, Константин Кудинский.

Знаменитый роман Владимира Набокова – классический образец проникновения в полузапретную зону исследования греха, граничащего с преступлением. Ответственность за него, связанного с животными инстинктами и сексуальными отклонениями, остается исключительно актуальной и в наше время. Драма главного героя вырастает из безумия страстей и вседозволенности порока. Нам важно разобраться в тонких и болезненных переживаниях запутавшегося в своих искренних чувствах героя и его жертвы. Вашему вниманию представлена сценическая редакция театра «У Никитских ворот» по роману великого русского писателя-американца Владимира Набокова, который (как бы специально для театра) назвал ее «трагедией в веселом тоне».

Спектакль по пьесе Виктора Розова «Вечно живые». Борис на фронте пропадает без вести, – героиня, потеряв родителей и кров, с отчаяния выходит замуж за двоюродного брата Бориса – Марка, но этот брак не становится для нее утешением. Это спектакль о молодых людях, почти детях. Они только начинают жить. И уже на старте этой жизни сталкиваются с большими и сложными вызовами. Режиссер погружает зрителей в жизнь людей великой и героической эпохи. Это жизнь на войне и в тылу. Жизнь через призму частной истории, в которой есть место трагической любви и подвигу, предательству и раскаянию, потере и обретению новой жизни.

Более сорока шлягеров 30–60-х годов прошлого века, исполняемые актерами театра. Это не старые песни о главном, это главные песни о старом. Ваши родители принесли эти песни за столы праздников и поминок с фронта, из лагерей, с тяжелых пластмассовых пластинок, из скверов городской окраины, чтоб исполнить перед любимыми и ненавидимыми соседями. Все как всегда в России – до слез, до выворачивания души наизнанку... Это ваши песни. Песни вашего поколения, песни вашей молодости. И совсем не важно, какой она была, потому что она была замечательной.

Публику ждет глубокий, ироничный и проникновенный монолог об отношениях, которые из яркого страстного чувства превращаются в мучительную привязанность. Зритель услышит исповедь женщины, незаметно и неожиданно для себя оказавшейся в жестокой зависимости. Для нее происходящее – спасение, источник сил, дающий желание жить и работать. Для ее избранника – эксперимент, материал для исследования. Впрочем, может быть, он тоже любил. Легко смотреть со стороны, составлять психологический портрет, оценивать поступки, давать советы, даже осуждать – и как сложно разорвать порочный круг собственных мучительных отношений. Дарья Михайлова деликатно ведет героиню через все стадии принятия неизбежного – отрицание, гнев, торг, депрессия, принятие. В рассказе, наполненном юмором и болью, зритель увидит драматическое противостояние профессионального психолога, эксперта в самых неразрешимых вопросах, и влюбленной ранимой женщины. Конфронтацию разума и чувств разрешает обычная пепельница.

Афиша удивит: «Владимир Набоков «Анна Каренина». Разве не Толстой? Поэтому и следовало приписать – лекция, а если точнее – lecture. Но и Толстой будет присутствовать, ведь он – основной автор. Он автор первоисточника – романа, который восхитил Набокова и весь читающий мир. В какие-то моменты лекции кажется, что Набоков чуть ли не завидует Толстому, там, где мастерство приводит его в восторг. Надо помнить, что Набоков мало кем восхищался из своих коллег по литературе, громил всех направо и налево, а тут… Тут преклонение, иного слова не подобрать. Этакий стокгольмский синдром в мире словесности. Это на самом деле очень опасно и всегда случается, когда писатель пишет о писателе. А в этом случае опасно стократ, ибо об одном гении пишет другой гений. И это будет не очередная инсценировка (или экранизация), которым несть числа, а совершенно новая попытка освоить миры и смыслы великого романа. Важно открыть сотрудничество мастеров, переходящее в сотворчество. Толстой-художник и Толстой-проповедник – кто важнее и ближе сегодня? А может, они все-таки неразделимы и Набоков был неправ?

Лирическая комедия режиссера Кирилла Вытоптова по мотивам пьес Александра Островского: «Богатые невесты» и «Невольницы». Пьеса в пьесе, пародия на сериал внутри театрального действа. Герои перемещаются между временем Александра Островского и современностью. Два сюжета переплетаются и приводят к неожиданной развязке. Это история о любви и деньгах, современных «содержанках» и поиске счастья. Официальная премьера – 29 мая 2023. Режиссер и автор инсценировки – Кирилл Вытоптов. Сценография и костюмы – Нана Абдрашитова. Художник по свету – Нарек Туманян.

Концерт познакомит слушателей с музыкальным наследием Оливье Мессиана и его последователей, таких как Пьер Булез, Карлхайнц Штокхаузен, Тристан Мюрай, Янис Ксенакис, и позволит оценить своеобразие влияния этого выдающегося композитора и педагога XX века на формирование стилей его учеников. Оливье Мессиан анализировал со своими студентами музыку прошлого – от произведений Джованни Палестрины до оперы Клода Дебюсси «Пеллеас и Мелизанда», и через постижение корневых закономерностей музыкальной композиции прокладывал ученику путь к собственным открытиям. Поэтому ученики Оливье Мессиана разных лет обладали совершенно различными, часто противоречащими один другому стилями композиции. Фактически, концерт из произведений учеников Оливье Мессиана – это энциклопедия стилей второй половины ХХ века, страницы которой приоткроют для слушателей солисты ансамбля «Студия новой музыки».

Концерт посвящен пианистке, композитору, одной из первых женщин-дирижеров Наде Буланже (1887–1979). Надя Буланже была выдающимся французским педагогом, воспитавшим целую плеяду талантливых музыкантов: от Игоря Маркевича, Сулимы Стравинского, Аарона Копленда, Астора Пьяццоллы до Жана Франсе, Леонарда Бернстайна, Даниеля Баренбойма и Джона Элиота Гардинера. В концерте примут участие Анастасия Бакулина (сопрано, альт), Михаил Фейман (скрипка), Петр Кондрашин (виолончель) и Павел Домбровский (фортепиано). Они исполнят вокальные и камерные сочинения как американских учеников Нади Буланже – Аарона Копленда и Астора Пьяццолы, так и французских – Жана Франсе и Мишеля Леграна, а также самой Нади Буланже.

Искусство инструментальной транскрипции так же старо и почтенно, как и сама инструментальная музыка, но подлинного расцвета оно достигло в эпоху романтизма. Задав определенного рода моду на жанр транскрипции, Ференц Лист вдохновил на их создание массу других композиторов-пианистов – Ферруччо Бузони, Александра Зилоти, Сергея Рахманинова… Именно транскрипции Сергея Рахманинова наиболее известны и пользуются популярностью. В них отразился не только стиль великого композитора с его изощренной, усложненной гармонией, но и неподражаемый стиль его игры с утонченной агогикой и нюансами. Панораму транскрипций двух великих композиторов и пианистов – Ференца Листа и Сергея Рахманинова – представит Алексей Кудряшов.

Концерт соединяет два важных центра европейского музыкального барокко – итальянскую клавирную традицию и австрийскую скрипичную школу. И в этом диалоге слышно главное открытие XVII века: виртуозность перестает быть демонстрацией мастерства ради мастерства. Она становится языком, способным говорить о страсти, драме и человеческом переживании. Посетителям предстоит погрузиться в «фантастический стиль» XVII столетия – территорию музыкальной импровизации, где форма еще не застыла в строгих рамках, а композитор может позволить себе риск. В программе – Г. И. Ф. фон Бибер, И. Г. Шмельцер, Дж. Фрескобальди, И. Я. Фробергер. Исполнители – С. Фильченко (барочная скрипка), О. Мартынова (клавесин).

Три шедевра зрелого, «героического» периода творчества Людвига ван Бетховена прозвучат в исполнении известных московских музыкантов: Михаила Феймана (скрипка), Арсения Безносикова (виолончель) и Якова Кацнельсона (фортепиано). В программе: Соната для скрипки и фортепиано № 7 до минор, op. 30/2, – одно из самых патетических и мятежных сочинений Людвига ван Бетховена. Трагическая тональность до минор роднит скрипичную сонату с Пятой симфонией и «Патетической» сонатой. Соната для виолончели и фортепиано № 3 ля мажор, op. 69, – абсолютный эталон жанра, полный благородного лиризма и обладающий мощным волевым импульсом. В этой сонате виолончель освобождается от роли дублирующего баса и становится полноправной участницей диалога с фортепиано. Фортепианное трио № 7 си-бемоль мажор, op. 97 («Эрцгерцог»), – венец камерного творчества Людвига ван Бетховена. Сочинение поражает величественным масштабом и плотностью звуковой фактуры, пафос крайних частей уравновешивается глубочайшей, почти религиозной тишиной медленной вариационной части.

Заслуженные артисты России Алексей Лундин (скрипка) и Александр Гиндин (фортепиано) исполнят редкие, хранящие очарование ушедшей эпохи, скрипичные произведения композиторов-романтиков, оказавшихся в тени своих знаменитых современников. Йозеф Иоахим Рафф (1822–1882) – немецко-швейцарский симфонист, чьей музыкой восхищался Ференц Лист. Его сочинения сочетают классическую строгость и яркую романтическую образность. Карл Рейнеке (1824–1910) писал поэтичную, изящную камерную музыку, был выдающимся педагогом, воспитавшим Эдварда Грига и Макса Бруха. Генрих Рейнгардт (1865–1922) – австрийский композитор, известный своими тонкими мелодическими линиями и изысканной танцевальной стилистикой венской школы. Роберт Фукс (1847–1927) – признанный венский мастер, чье искусство превозносил сам Иоганнес Брамс, а среди его учеников были Густав Малер и Ян Сибелиус. Теофил Рихтер (1872–1941) – ученик Роберта Фукса, одаренный пианист, органист и композитор, отец Святослава Рихтера и его первый учитель.

Экспозиция обращается к теме семьи, показывая, насколько важной частью дворянского быта были родственные связи и традиции. Через портреты, жанровые сцены и документы раскрывается эмоциональная атмосфера домашнего уклада прошлых эпох.

В ходе экскурсии посетители познакомятся с историей создания большинства известных чеховских пьес, в том числе и одноактных, – от «Пьесы без названия», «Иванова» и «Медведя» до ставших классикой театральных сезонов «Трех сестер» и «Вишневого сада», смогут увидеть их первые журнальные публикации, дореволюционные афиши и узнают подробности первых постановок в Москве и Петербурге. Ведущий – заместитель заведующего отделом Государственного музея истории русской литературы имени В. Даля «Дом-музей А. Чехова» кандидат культурологии Виктор Зайцев.

«Вся московская живописующая и рафаэльствующая юность мне приятельски знакома», – сообщал А. П. Чехов поэту Л. Н. Трефолеву в одном из писем. Помимо членов семьи Чеховых, не обделенных художественным талантом, в их окружении было немало замечательных живописцев и графиков, таких как И. Е. Репин, Ф. О. Шехтель, К. А. Коровин, И. И. Левитан, Я. П. Турлыгин, В. В. Переплетчиков, П. А. Нилус, В. А. Серов, Н. П. Ульянов. Об их взаимоотношениях с Чеховыми и работах речь пойдет на экскурсии по чеховскому дому и выставке «Образы писателя: А. П. Чехов и его эпоха глазами художников-современников». Ведущий – Э. Д. Орлов, кандидат филологических наук, заведующий отделом ГМИРЛИ имени В. И. Даля «Дом-музей А. П. Чехова».

Почему из многочисленных учеников Ференца Листа героем лекции был выбран именно Ферруччо Бузони – выдающийся итальянский пианист, композитор, педагог? Дело в том, что он продолжил листовские традиции в своем пианизме: эпичный, виртуозный стиль, страсть к подчинению всей музыки мира путем фортепианной транскрипции. Ференц Лист был величайшим реформатором – не только в области фортепианного искусства, но и музыкального языка. Ферруччо Бузони в этой области пошел за ним, став одним из авторов реформы, выведшей на авансцену неоклассицизм, атональность и другие открытия ХХ века. Более того, Ферруччо Бузони, как и Ференц Лист, сам стал одним из наиболее влиятельных педагогов Европы. Его концепция неоклассицизма определила музыкальную картину Европы – от Испании до стран Скандинавии – в межвоенное двадцатилетие. Диалог через рубеж столетий двух выдающихся личностей, определивших судьбы европейской музыки, станет предметом лекции ведущего научного сотрудника отдела музыкальной культуры Федора Софронова.

Сад Черномора существует на границе нескольких миров: литературы и музыки, мифа и театра, сна и яви. В нем отражается важнейшая тема русского романтизма – стремление выйти за пределы обыденного и найти новые формы прекрасного. Почему сказочный Восток оказывается связанным именно с садом? Как в этом образе соединяются традиция восточного сада-парадиза, европейская романтическая фантазия и русское представление о чудесном? На эти и другие вопросы посетители узнают ответы с помощью профессора Ольги Филипповой, ведущего научного сотрудника отдела музыкальной культуры Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. На лекции можно будет услышать в знакомом пушкинском сюжете не только сказку о богатыре и колдуне, но и сложную культурную метафору Востока – пространства, которое европейское воображение на протяжении веков наделяло тайной, роскошью и обещанием неизведанного.

Мероприятие посвящено классической музыкальной культуре Ирана. Классическая иранская музыка – мусики-е дастгах, сложившаяся при дворе падишахов, неотделима от пространства духовной культуры ислама вообще и иранской цивилизации в частности. Изощренная интеллектуальная дворцовая среда породила не менее изощренный свод правил организации звукового пространства и принципов исполнения. Собственно, дастгах – это многочастные циклические композиции, которые исполняются вокально-инструментальным ансамблем либо инструментальным соло. В исполнении иранского мультиинструменталиста Хамида Реза Даду (сантур, тонбак, ней, вокал), Любови Завьяловой (фортепиано), Анастасии Кутюхиной (скрипка), Александра Суетина (танбура, аль уд) и Анны Тончевой (канун, тар, кавал) прозвучат как классические дастгахи, так и сочинения современных иранских композиторов, работающих в жанрах классической иранской музыки с привлечением достижений европейской музыкальной школы.

Снегурочка, Волхова, Царевна Лебедь, Царевна Ненаглядная Краса, Шамаханская царица – галерея женских образов сопровождала композитора почти всю жизнь. В своей лекции Ольга Филиппова – профессор, ведущий научный сотрудник отдела музыкальной культуры Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина – проследит, как менялся образ волшебной девы вместе с эпохой, переходя от воплощения романтической веры в красоту к символистской игре с соблазном, маской. В центре разговора – Шамаханская царица, героиня, в которой соединились восточная фантазия, эстетика Серебряного века и образ роковой красавицы, одновременно притягательный и пародийный. Через музыку, литературные источники, историю постановок и культурный контекст начала XX века посетители смогут взглянуть на «Золотого петушка» не только как на сатиру на власть, но и как на финальный разговор Римского-Корсакова о судьбе самого идеала красоты в эпоху, когда прекрасное уже знает, что оно всего лишь мираж.

Немецкий композитор Хельмут Лахенман – современник, отпраздновавший 90-летний юбилей. Его музыка до сих пор вызывает скандалы; между тем, она достойна того, чтобы в нее вдумчиво вслушивались. Необычные приемы игры на инструментах симфонического оркестра, контраст между тишайшими и пронзительными звуками заставляют слушателя испытать удивление перед звучащим материалом. В этом чувстве изумления перед конкретным, отдельным звуком ощущается глубокая родственная связь между Хельмутом Лахенманом и его учителем, Луиджи Ноно. Луиджи Ноно был на 12 лет старше Хельмута Лахенмана, принадлежал к группе первооткрывателей послевоенного европейского авангарда. Только во время занятий с ним Хельмут Лахенман начал приходить к своей концепции инструментальной музыки, пафос которой заключался в изменении условий договора между композитором и слушателем. Проникнуть в сердце музыкального авангарда 1960–1970-х, узнать о необычных приемах игры и о роли тишины в новой музыке можно будет на лекции музыковеда Федора Софронова.