Афиша у метро «Пушкинская»

Действие пьесы, как, впрочем, и всех пьес Мольера, происходит во времена Людовика XIV, века роскоши и мотовства. Здесь все как положено в образцовой классической комедии характеров. Есть главный герой – Гарпагон, все помыслы которого направлены на то, как увеличить капитал. Ради этой цели все средства хороши. Детей нужно удачно пристроить, женить сына на богатой вдове, дочь лишить приданого и отдать замуж за богатого старика. А деньги спрятать в подвале, чтобы никто не украл. Но деньги, естественно, пропадают… Конечно, жадность и алчность главного героя – главные двигатели запутанного сюжета. Шкатулка с деньгами найдется, в обмен на ее возвращение Гарпагон разрешит детям выбрать спутников жизни по их разумению. Все, как и положено, закончится свадьбой двух влюбленных пар. Добро восторжествует. А порок, как принято в комедии, накажет сам себя.

Режиссер Юрий Еремин умеет ставить классику современно, находя живые точки соприкосновения с настоящим, избегая смысловых и художественных натяжек. Библейская история, перенесенная Достоевским на российскую почву, как никогда остро звучит сегодня. В спектакле с напряженным сюжетным развитием органично переплетаются глубокое философско-нравственное содержание и водоворот разрушительных страстей, в центре которого оказывается главный герой, невольно ставший причиной любовного соперничества двух неординарных женщин. Подробнее – на сайте.

Спектакль по пьесе «Сирано де Бержерак» Эдмона Ростана в авторском переводе Евгения Славутина. Старая добрая история, рассказанная с виртуозной легкостью, иронией и бесконечной нежностью. В пьесе автор создает из реально существующего французского поэта Сирано де Бержерака, современника Мольера и Корнеля, легенду самоотверженной любви, вошедшую в мировую драматургию наравне с Дон Кихотом и Д’Артаньяном. Актеры же – ровесники героев пьесы – превращают героическую легенду о влюбленном поэте в животрепещущую и очень современную историю любви.

«Как важно быть серьезным» – одна из самых остроумных и изысканных пьес мирового репертуара, виртуозная комедия положений, отмеченная блистательными, легкими, живыми, непринужденными и динамичными диалогами. В пьесе есть точные нравственные ориентиры, позиционирующие важность взаимоотношений между людьми, которые должны строиться на взаимоуважении и внимании друг к другу. Юмор и серьезность, сочетающиеся в пьесе, – хороший и веселый «урок культуры» для современного зрителя. Впервые пьеса была поставлена 14 февраля 1895 г. в театре Св. Джеймса в Лондоне. Ее название представляет собой игру слов – английское earnest переводится как «серьезный» и в то же время созвучно имени Эрнест. Для первой постановки пьеса была сильно адаптирована, в нее были введены музыка, комические номера, танцы. Пьеса имела грандиозный успех и оказалась последней из написанных Оскаром Уайльдом.

Нежный и изысканный спектакль Рузанны Мовсесян по сказке Ганса Христиана Андерсена.

Вас ждет постановка Георгия Долмазяна по пьесе «104 страницы про любовь» Эдварда Радзинского. Режиссер признается, что в инсценировку о любви стюардессы Наташи и сотрудника Научно-исследовательского института с именем Электрон он добавил и физики, и лирики, и атмосферной аутентичной музыки шестидесятых, и современной динамики. Постановка, полная энергии молодости, нежной романтики и доброй иронии, представлена как «музыкальная мелодрама». За легкостью жанра скрывается философский подтекст. «Это спектакль об отчаянной попытке ухватиться за молодость через поиск настоящей большой любви», – говорит Георгий Долмазян. Открытые, честные и красивые герои 60-х вернутся – закружат, зазвучат, запоют! Время не пойдет, а побежит против часовой стрелки! И всем окончательно станет понятно: тема любви – вне времени, она вечна, как мир.

Повесть Михаила Булгакова «Собачье сердце» впервые, еще до появления в печати, была поставлена Генриеттой Яновской в Театре МТЮЗ в 1987 году. Теперь, спустя более чем 30 лет, режиссер Антон Федоров предлагает свое прочтение этого великого сюжета на сцене нашего театра. Для Федорова хрестоматийная повесть Булгакова оказывается совершенно новым и, в некотором смысле, неизведанным материалом. И это становится режиссерским принципом: чем более знакомым нам кажется литературный текст, тем больше поводов для разговора он предлагает. Так, частью этого разговора становится и история его интерпретаций. Спектакль – лауреат Первой премии театральных блогеров в номинациях «Лучший спектакль большой формы» и «Лучший режиссер» (Антон Федоров). Спектакль – лауреат премии «Звезда Театрала» в номинации «Лучший спектакль. Большая форма».

Режиссер Георгий Долмазян представляет инсценировку пьесы советского драматурга Вадима Коростылева о последних днях грузинского живописца-примитивиста Нико Пиросмани – бедного и несчастного при жизни, великого и знаменитого после смерти... В спектакле неожиданно оживают герои его картин и появляется новый персонаж – тот, кто происходящее, сотканное из видений и снов, превращает в увлекательный нонфикшн. На сцене творятся настоящие чудеса: лицедейство, перевоплощение и реинкарнация, а еще – преобразование наивного искусства художника в удивительные зрелищные формы, выполненные сценографом спектакля – нейросетью Яндекса! Сценическое фэнтези с участием приложения Шедеврум может стать не просто ярким эмоциональным опытом для зрителя, а настоящим душевным потрясением – столько жизни, впечатлений и счастья будет у того, кто, несмотря на горести, способен подарить миру самые сочные краски, а любимой – «миллион, миллион, миллион алых роз».

Это гротескная и одновременно пронзительная история любви двух сильных личностей: любовь-битва, любовь-страсть, любовь-буффонада. Новая постановка «Пигмалиона» открывает хорошо знакомый сюжет совершенно с иной стороны. Само название пьесы отсылает к древнегреческому мифу о Пигмалионе, который презирал женщин, но влюбился в созданную им же статую Галатеи: страсть художника-ваятеля оказалась столь сильной, что вдохнула жизнь в каменное изваяние. Герои-антагонисты стремятся друг к другу, любят друг друга, ненавидят друг друга и мучаются от своей всепоглощающей страсти: на этом противоречии, трагичности, неразрешимости и растет их взаимное чувство. История настолько актуальна, что режиссер и сценограф Виктор Крамер решил создать спектакль вне времени. Он поместил действие в настоящую лабораторию, где профессор Хиггинс, изучая фонетические особенности речи разных людей, интонации, тембр, манеры, произношение, фактически коллекционирует их души. И только Элиза не стала экспонатом коллекции. Фонографы становятся альфой и омегой масштабной постановки: они заполняют собой всю сцену, искажают реальность и порождают реальность новую. Столкновение мира реального и выдуманного, чувственная история, невероятная по эстетизму сценография и блестящий актерский состав – Алена Яковлева, Ангелина Стречина, Сергей Чонишвили: новое прочтение классической пьесы Бернарда Шоу «Пигмалион».

Эпоха Серебряного века – это не просто исторические имена из книг. За каждой строкой скрываются реальные судьбы и уникальные личности. В новом спектакле Георгия Долмазяна герои, вошедшие в золотой фонд культуры, пройдут испытание сломом эпох и общественными потрясениями. Никогда ранее ни Александр Вертинский, ни Владимир Маяковский, ни Марина Цветаева, ни Анна Ахматова не были представлены в сценическом пространстве театра такими, какими они появятся в спектакле «Серебряный век». Документальные материалы, положенные в основу постановки, позволят глубже понять причины необыкновенного культурного взрыва этой эпохи. Как на фоне общественных катастроф создавались шедевры? Какую роль сыграла в этой истории таинственная «Бродячая собака»? Ответы – на расстоянии вытянутой руки. Нужно лишь прикоснуться.

Пьеса Михаила Булгакова «Дни Турбиных» входит в золотой фонд русской литературы, проходящий вне дискуссий об актуальности. Режиссер-постановщик Георгий Долмазян в одноименном спектакле выводит на первый план тему семьи, попавшую в круговорот исторических сдвигов. Ведь именно близкие всегда остаются рядом, как бы далеко не находились. Дом Турбиных становится местом, где стук в дверь может убыстрить или замедлить стук сердца. Как сохранить себя и помочь семье, когда родина – превыше всего? Приглашаются все ценители творчества Булгакова.

Как актуальны события, описанные Островским в 1870 году! Прошло 150 лет, а богатые дамы по-прежнему влюбляются в юношей и разоряются. Служители искусства, тем более театрального, по-прежнему нуждаются, и девушкам, чтобы выйти замуж за богатого отпрыска, нужно иметь какое-то приданое от богатых родственников. Вечные ценности – семья, любовь, дружба, преданность – все имеет свою цену. В скитаниях по России встречаются трагик Несчастливцев и комик Счастливцев. Волею случая они оказываются недалеко от имения Гурмыжской, тетки Несчастливцева. А там все смешалось – тетка собирается замуж за юнца, сосед выгадывает, как подешевле скупить теткин лес, племянница-бесприданница, не надеясь на счастливое замужество, собирается топиться, а гимназист-недоучка готов жениться, чтобы обеспечить свое будущее. И в этом водовороте событий только нищие актеры умеют по-настоящему сопереживать ближнему.

Новая сатира начинается с неожиданного спектакля. В его основе – знаменитый «Маскарад» М. Ю. Лермонтова – история сильных чувств. Только рассказана она будет не словами, а с помощью пластики, выразительности актерского тела. Тело никогда не врет, в отличие от слов, которые часто маскируют ложь. «Арбенин. Маскарад без слов» – это манящая радость тайны, в пространстве которой все перепутано – ложь и правда. Здесь те, кто мнит себя кукловодами, становятся марионетками интриги и наоборот. В этом «королевстве кривых зеркал», в ловушке собственных заблуждений оказывается и главный герой спектакля в исполнении Максима Аверина. Сложить историю из пластических образов, сочиненных Сергеем Землянским, сможет каждый: и тот, кто знает пьесу Лермонтова наизусть, и тот, кто встречается с ней впервые.

Сказки Салтыкова-Щедрина – это маленькие литературные шедевры, которые в форме аллегории рассказывают о главных нравственных проблемах человека. Они предназначены не для детей, а для взрослых: каждый был ребенком, в каждом этот ребенок живет. Спектакль смешной и трогательный, он рассказывает о детстве и по сути становится воспоминанием о нем. Погрузиться в действие зрителю поможет фантастический реализм постановки. Он и в пластике персонажей, и в их фантастическом обличии – то ли люди, то ли животные с человеческими лицами, он в юморе и иронии повествования, он в оттенках декораций и сценическом свете, он в клоунаде и гротеске, он в масках, за которыми прячутся артисты и которые, разделяя мир реальный от мира придуманного, обнажают душу каждого персонажа.

Постановка по знаменитым текстам Даниила Хармса знакомит зрителей с великим наследием русского авангарда. Это спектакль о жизни в ее самых нелепых проявлениях, скроенный из абсурдных ситуаций, неразрешимых конфликтов, из веселых анекдотов и всякой шелухи. И в то же время он обращается к глубинным вопросам восприятия мира и человека в нем, вопросам о смысле (или бессмысленности) жизни, вопросам вневременным, вечным. В процессе создания спектакля вдруг обнаружилось, что нет ничего правдоподобнее, чем абсурд Хармса, ничего фантасмагоричнее, чем проза жизни Хармса, ничего нежнее иронии Хармса, безнадежней, чем мечта у Хармса, ближе, чем рай по Хармсу. А на выходе получился нелепый, до жути знакомый, хулиганский и невероятно смешной хармсовский мир. Мир из чуши и нелепиц.

В год 200-летия со дня рождения Федора Михайловича в театре отдают дань памяти не только гению великого прозаика, но и его жены. Мила Денева, автор инсценировки и эксперт: «В основе драматургического каркаса – книга воспоминаний самой Анны Григорьевны, которая так и называется «Достоевская. Воспоминания». Спектакль документален в своей сюжетности, но при этом герои – это художественно обработанные образы. В спектакле фигурирует пять разных ипостасей главной героини, пять граней, каждая из которых – как отдельный микрокосмос со своими законами. Это попытка подношения памяти этой великой женщины». Роли Анны Григорьевны Достоевской в новом спектакле Георгия Долмазяна исполняют пять актрис – в зависимости от временного периода повествования. Мистический, инфернальный образ романов Достоевского, детали жизненных обстоятельств воссоздаются особой сценографией.

Спектакль «Наташина мечта» «Мастерской Брусникина» основан на пьесе екатеринбургского драматурга Ярославы Пулинович. Это спектакль о взрослении, о первой любви, о сложности становления и понимания себя и мира, о выстраивании взаимоотношений с окружающими. Три героини по имени Наташа, подростки из разных социальных слоев, рассказывают о проблемах взросления. Как вырасти человеком? Как вырастить человека? Отвечая на эти вопросы, спектакль обращается одновременно и к тинейджерам, и к их родителям. Режиссер Марина Брусникина стирает границы между актрисами и публикой – в зале с хаотично расставленными стульями герои свободно ходят среди зрителей и напрямую адресуют им свои исповедальные монологи. Эта форма позволяет избежать фальши и сохранить прямоту девичьих признаний.

На первый взгляд детективно закрученная пьеса оказывается, конечно, о любви. Классический любовный треугольник, две вершины которого хранят верность своей любви, ревностно оберегая ее тайные границы от вторжения соперника. Два выдающихся драматических артиста (Валерий Баринов, Игорь Гордин) в спектакле режиссера Камы Гинкаса дарят всем любителям настоящего театра два часа неподдельного театрального наслаждения. Лихо закрученный сюжет, не предугадываемые события, неожиданная развязка. Стоит купить билет и увидеть, и почувствовать, и проверить – так ли все это.

Россия проходила через испытания не раз. Однако всегда появлялись герои, которые, не боясь потерять жизнь, вступали в неравный бой со смертью, спасая родину. Именно они остаются жить в веках. Зрители увидят фантазию по мотивам знаменитой поэмы Александра Твардовского. В пехотной роте – новый парень Василий Теркин. Он воюет уже второй раз на своем веку (первая война – Советско-финляндская). Василий за словом в карман не лезет, едок хороший. В общем, парень хоть куда. Теркин вспоминает, как он в отряде из десяти человек при отступлении пробирался с западной, немецкой стороны к востоку (фронту). По пути была родная деревня командира, и отряд зашел к нему домой. Жена накормила бойцов, уложила спать. Наутро солдаты ушли, оставив деревню в немецком плену. Теркин хотел бы на обратном пути зайти в эту избу, чтобы поклониться «доброй женщине простой».

Театр сатиры и «Физтех-Союз» представляют премьеру по бессмертной пьесе Фридриха Дюрренматта. Проект получил поддержку Президентского фонда культурных инициатив. Знаменитая пьеса была переосмыслена через призму последних научных прорывов. История рассказывает о трех ученых, чьи гениальность и стремление к открытиям балансируют на грани озарения и безумия. В эпоху стремительного научно-технического прогресса роль ученого в формировании будущего общества становится все более значимой. Часто этот образ искажается устаревшими стереотипами. Проект позволит переосмыслить и представить фигуру ученого под новым, актуальным углом зрения, показав его глубокую связь с судьбой общества. Спектакль затронет важнейшие темы гуманизма, служения своему делу и приверженности высоким нравственным идеалам.

Семилетний Федя растет с бабушкой, ходит в школу и пишет письмо Деду Морозу, а еще пытается разобраться в устройстве мира, рассуждает о Боге и смысле жизни, хочет завести собаку. Но его главная мечта – доехать до мамы с папой, которые в вечной командировке строят Град Небесный. Юрий Печенежский обратился к парадоксальному роману Александры Николаенко о детстве и взрослении. Рассудительный и любопытным мальчуган с пытливым умом вглядывается в окружающий его мир и пытается понять, что остается от человека после смерти и можно ли вернуть ушедших родных. Спектакль складывается из коротких ироничных сценок-диалогов между бабушкой и внуком. В процессе постижения мира Федя не устает задавать вопросы, ненароком бьет чашки, путает созвучные слова и забавно рассуждает, какую девочку позвать в кино. Вместе с юмором истории пронизывает забота двух одиноких людей друг о друге: мальчик и бабушка вместе переживают потери и страхи, стараясь сделать жизнь светлей и продолжая любить этот мир во всех его противоречиях. Заявка проекта была отобрана на питчинг «Мастерской Брусникина» в 2025 г. Эскиз будущего спектакля был показан в «Практике» в 20-й день рождения. Выпуская его полную версию, театр продолжает искать сценические воплощения для современной литературы.

Осень 1944 года, Венгрия. Четыре друга сидят в маленьком кабачке, на улице разрываются снаряды. Они живы, они ведут дружеские беседы, выпивают, тревожатся. Они не стали ни палачами, ни жертвами. Четыре маленьких человека, мимо которых несется к финалу страшная война. Но глупая ли случайность или железная логика истории, они окажутся лицом к лицу с самым трудным выбором, что может встать перед человеком. Они должны выбрать себя, себя самое. Познать себя, узнать, встретиться с самими собой. Знаем ли мы, кто мы?

Сначала любовь, а потом начинается «проза». Квартирный вопрос стал камнем преткновения в отношениях Алены и Алеши, которым после свадьбы оказалось негде жить. В доме родителей и друзей свои порядки. Каждый норовит дать совет и научить, как лучше и как правильнее. Легкость и романтика первых встреч сменились у молодоженов бытовыми проблемами, и уже кажется, герои больше не любят друг друга. А может, они просто были не готовы к этой любви? Это рассказ о становлении молодой семьи, разногласиях и жизненных трудностях первых совместных лет. Спектакль похож на мозаику, собранную из картин прошлого. Это бытовая комедия со знакомыми каждому ситуациями. Оттого и смешная. Оттого и такая жизненная. В главных ролях – Максим Демченко и Марина Маняхина.

Спектаклем «Три сестры» Антона Чехова Андрей Кончаловский продолжает театральное осмысление чеховского мира в контексте сегодняшнего дня. Историю сестер Прозоровых режиссер воспринимает как тонко выстроенную драматическую симфонию, которой он с увлечением дирижирует. В стильном и изящном спектакле задействован блестящий «оркестр» актеров-исполнителей. Создавая сложное сценическое многоголосье, интерпретируя характеры персонажей с неожиданной, парадоксальной, иногда остро-иронической интонацией, они заставляют зрителей по-новому взглянуть на давно знакомых героев Антона Чехова, по-новому пережить вместе с ними их трагедии и почувствовать контраст между их миром и сегодняшней реальностью. Подробности – по ссылке.

В основу спектакля «Игроки» легла пьеса Николая Васильевича Гоголя, которая считается незаконченной работой драматурга и одним из немногих произведений в мировой литературе, где вместе с главным героем обманывается и сам читатель. Это история маленького провинциального человека, который всеми правдами и неправдами стремится ввысь, но светская среда оказывается для него недосягаемой. Мир фантасмагории, обмана и иллюзий, созданный драматургией Гоголя и режиссурой Альберта Хасиева, погружает зрителя в историю искусного карточного шулера Ихарева, который становится жертвой собственного мошенничества. Отдельным действующем лицом постановки станет пластика, с помощью которой не только в переносном, но и в прямом смысле будут раскрыты карты сюжета и ходы игроков. Режиссер и постановочная команда постарались передать таинственную атмосферу интриги и детектива. Герои существуют на сцене сразу в нескольких плоскостях: одна их грань, яркая и острая, видна зрителю с первого появления, но каждый из них по ходу действия раскрывает другую сторону характера, некий скрытый подтекст. Альберт Хасиев, режиссер: «Все, что будет происходить – это игра, своеобразное казино. Мы используем много интересных пластических решений, с помощью которых, например, будут представлены карточные игры. Мы с командой постарались докопаться до той самой гоголевской фантасмагории. Это увлекательный, но не прямолинейный сюжет, который, мы надеемся, понравится зрителю».

Любовь Андреевна Раневская возвращается в поместье, покинутое ею после гибели семилетнего сына. Поместье выставлено на продажу за долги. Возможное расставание с поместьем пробуждает воспоминания обитателей о детстве и юности, людях, с ним связанных. «Вишневый сад» в постановке Андрея Кончаловского стал заключительной частью чеховского триптиха режиссера на сцене Театра имени Моссовета, начатого спектаклями «Дядя Ваня» (2009 г.) и «Три сестры» (2012 г.). Трилогия – авторский проект режиссера, выступающего в этих спектаклях и в качестве художника, объединившего все три постановки единым решением сценического пространства разного в частностях, но унитарного в целом. По словам Андрея Кончаловского: «Пьесой «Вишневый сад» закончилось великое творчество Антона Павловича Чехова. Он писал ее, будучи тяжело больным, и невесело шутил, что, по его докторским расчетам, он задержался на этом свете, по крайней мере, года на три. Зная приближающуюся развязку, он решил попрощаться с жизнью весело, именно поэтому он писал «Вишневый сад» как комедию». Спектакль удостоен театральной премии газеты «Московский комсомолец» в нескольких номинациях: «Лучший спектакль на большой сцене», «Лучшая женская роль» (Юлия Высоцкая – Раневская) и «Лучшая мужская роль» (Александр Домогаров – Гаев). Постановщик спектакля Андрей Кончаловский отмечен премией «Звезда театрала» в номинации «Лучший режиссер». Подробнее – на сайте.

Бетховен прошел огромный путь от безвестности до всемирной славы, от отчаяния до надежды. Путь, который лежал через борьбу с самой страшной для музыканта болезнью – глухотой. Однако жизнь гения не ограничивается годами, указанными в биографии. Бетховен живет и сегодня – в своей музыке. «Бетховен» – спектакль о композиторе, который хотел «обнять все человечество». «Я спрашивал, и очень стереотипные, какие-то плоские ассоциации вызывает у людей слово «Бетховен». Что-то картонное, старое, музейное и снобское. А ведь феномен Бетховена действительно уникален! Нам хотелось рассказать, что это был за человек: вроде как герой, но со страшными пороками, отклонениями – над этим интересно поразмышлять и с этим интересно работать. Здесь все: тема семьи, любви, смерти, Бога, работы, родины, долга, страха – есть куча вопросов. И мы попробуем на них ответить», – Юрий Межевич.

В бескрайней Стране фантазии поселилась печаль. Ее королева больна неизвестной болезнью, и силы покидают ее день за днем. Ее леса и просторы, ее волшебных жителей то здесь, то там проглатывает Ничто, и они исчезают без следа. Мир гаснет, а спасение укрыто в мечтах неизвестного и далекого существа. Непредсказуемая, невероятно красивая и немного печальная история о том, как труден путь через неизвестность, мимо леденящего душу Ничто, мимо страхов и сомнений. В бесчисленных приключениях герою нужны друзья, и трогательные смешные отважные существа пускаются с ним в опасный долгий путь к границам мира. А миру нужны смельчаки, готовые идти вперед без надежды, движимые только любовью, только стремлением спасти жизнь.

Сюжет комедии рассказывает историю амбициозного идеалиста, чиновника Жадова, для которого честность – главный жизненный ориентир. Но именно принципиальность становится поводом для конфликта молодого человека с другими героями пьесы. Произведение, которое актуально во все времена. Принципы или карьера? Следовать совести или вписаться в общество? Ответы для себя здесь найдет каждый. «История честного чиновника Жадова любима и читателями, и зрителями. Здесь переплетаются тонкая ирония и глубокие темы нравственного выбора, объемные гротескные персонажи и легкость повествования», – художественный руководитель Театра сатиры, народный артист России Евгений Герасимов.

«Маленький принц» Антуана де Сент-Экзюпери – это великолепное произведение, которое не поддается времени и пространству. Философская притча о юном мальчике, путешествующем по Вселенной и встречающемся с жителями разных планет. История стала символом поиска истины о самом себе и окружающем мире. Очаровательное и искреннее повествование, которое задевает самые глубокие струны сердца и души каждого зрителя. В этом спектакле простыми, но глубокими словами говорится о любви, дружбе, верности, преданности и предательстве, заставляя задуматься над вечными ценностями жизни.

Премьера нового резидента «Практики» – команды уличного и экспериментального танца Jack’s Garret, в творчестве которой соединены техники street dance и современного танца. Хореографы Анна Дельцова и Александр Тронов обратились к поэзии Иосифа Бродского. Его стихотворения предлагают множество вариаций прочтения и дают простор для воображения, что привносит в спектакль множество метафор и идейных линий. Зритель может выбрать любую, и она будет верной. Спектакль переносит зрителя в сознание главного героя, который испытывает муки творчества и выбора. Это диалог с самим собой: борьба или принятие? Вырваться «в свет» или уйти «в темноту»? C одноактной версией постановки «Наедине с собой» хореографы стали лауреатами первой платформы современного танца dansePlatForma#21 Montpellier, учрежденной Натали Бран и Митей Федотенко. В «Практике» будет представлена премьера расширенной и обновленной версии спектакля.

По повести Вадима Шефнера. Действие спектакля разворачивается в довоенном Ленинграде. Жизнь обычного мальчишки – стечение обстоятельств, которые, на первый взгляд, делают его неудачником, но в итоге приводят к судьбоносным встречам, поворотным моментам, отчаянным поступкам и первым взрослым решениям... Это ретроспектакль о счастливом детстве и мире, наполненном поистине волшебной силой первой любви и искренней дружбы... Бесшабашность юности, танцы и песни создают атмосферу настоящего праздника. И лишь неожиданный финал, как вспышка молнии, представляет всю историю в совершенно другом свете и напоминает о боли, которую принесла война.

Семь супружеских пар, собранных авторами спектакля в живую очередь, ждут решения судьи – освободят их от уз брака или дадут еще один шанс. Поставленный Генриеттой Яновской спектакль «С любимыми не расставайтесь» буквально пронизан любовью. Разные истории, разные судьбы, разные герои. И все, как один, ищут, ждут, требуют любви. Ведь, встретив ее однажды, не всегда понимаешь – сохранить самое ценное бывает так непросто. Сценическая версия тонкого, нежного и глубокого текста пьесы Александра Володина никого не оставляет равнодушным, если только не считать тех, кто спектакля видел.

Спектакль о дачной жизни в эпоху потрясений по сценарию Анны Козловой «Куоккала». История показывает, как привычный уклад постепенно уступает место тревоге и ощущению перемен.

Спектакль театра «Практика» и Мастерской Брусникина в копродукции с III детским фестивалем современного искусства «Территория.Kids». Михаил Плутахин переносит на сцену повесть современного норвежского писателя Руне Белсвика «Простодурсен и великое похищение реки». Спектакль рассказывает о маленькой приречной стране и ее обитателях – мудром пекаре Ковригсене, певице Октаве, хитреце Пронырсене, неуклюжем Сдобсене и добряке Простодурсене. Они готовят пудинги и пекут коврижки, копают канавы и бросают в реку «бульки», встречаются за общим столом, делясь ежедневными радостями и заботами. Однажды в приречную страну забегает Утка и теряет яйцо, а еще куда-то пропадает река. О том, как Простодурсен и его необычные друзья спасли свой тесный мирок от злостного Пронырсена и вернули реку, артисты рассказывают с помощью музыки, проекций и клоунады. Красивый и нежный спектакль Михаила Плутахина ориентирован на детей, которых пригласят присоединиться к игре, но благодаря точной житейской философии будет интересен и взрослым.

Однажды муж, отец и успешный бизнесмен Виктор Волков остановил свой BMW 5-й серии возле трамвайной остановки, вышел из машины и сел на скамейку. Это событие привлекло внимание всего города и разрушило две счастливые семьи. В мокьюментари-драме реконструкция событий перемежается фрагментами видеоинтервью, записанных с актерами и обычными прохожими. Авторы спектакля задаются вопросами: готовы ли вы к остановке, подразумевающей встречу с правдой? И какова будет цена этой правды? Проект объединил звезд российского кино и театра, друзей в жизни – Дарью Калмыкову, Романа Маякина, Антона Феоктистова, Игоря Теплова, Анну Бегунову и Софью Каштанову. Почти все они выпускники разных курсов Дмитрия Брусникина и Романа Козака. Сюжет опирается на пьесу Германа Грекова, прочитанную во внеконкурсной программе фестиваля «Любимовка» в 2020 году.

Мир давно вывихнул сустав, и связь времен распалась в прах. «Ромео и Джульетта» – первая и самая светлая трагедия Шекспира – здесь, кажется, случилась после «Гамлета». Столетия спустя. На исходе лихих девяностых дети все так же влюбляются, и земля вращается, и солнце восходит, только надежд нет, идеальная любовь не спасет мир, давно устроенный неладно. Мелочный, циничный, корыстолюбивый, помертвевший и пустой мир. Мир мелкого бизнеса и больших взяток, усталости и нелюбви. Мир без нежности, пластмассовый мир. Но, возможно, он и не стоит жертв. Может ли свет любви взорвать этот безнадежный мир и его печальные сюжеты, стать светом новой ослепительной звезды? И если ради любви Ромео и Джульетта готовы свернуть вселенную, может, на этот раз им удастся свернуть с пути? Спасти свою любовь. И ветер в волосах, и рука в руке, и в пол педаль газа. Может, стоит рискнуть! Почему Тарантино можно, а им нельзя?

Все смешалось в доме мистера Хардкасла. Столичный юноша, неловкий в светских салонах, но смелый и решительный среди простолюдинов, принимает его дом за гостиницу, хозяина – за назойливого трактирщика, а будущую невесту – за служанку. Ошибки начинаются с самого утра, множатся с каждым часом и лишь к ночи разрешаются. Старинный английский фарс быстро набирает обороты. Смешно и непринужденно герои вводят друг друга в заблуждение, запутывают ситуации и запутываются в них сами. Каламбуры, розыгрыши и, конечно, трогательные переговоры со зрителем – то, без чего не обходится пьеса XVIII столетия.

Мария Стюарт – знаменитая пьеса Шиллера о противостоянии двух великих женщин, схватке двух королев. О престоле и темнице. Природе власти и природе страха. О милосердии, чести и гордости. Любви и верности. О глубинной сложности и неоднозначности человеческого. Сквозь два века, строгую выверенную и прекрасную форму эта пьеса говорит со зрителем о цене и ценности свободы, о безусловной ценности жизни. В 1568 году шотландскую королеву Марию Стюарт из-за подозрения в причастности к убийству своего супруга изгоняют из страны, и она бежит в Англию. Она надеется найти себе защиту у английской королевы Елизаветы. Та однако должна беспокоиться о собственной короне, поскольку Мария Стюарт сама претендует на нее. Поэтому королева Елизавета велит арестовать ее и заключить под стражу в замке. Действие пьесы происходит спустя 19 лет, за три дня до казни Марии Стюарт.

В новогоднем эфире идет «Голубой огонек», гости поют советские песни, вспоминают достижения года – успехи в сельском хозяйстве и на производстве, разглядывают карикатуры и слушают фельетоны. А всего месяц назад, 1 декабря 1962 года, Никита Хрущев на выставке, посвященной 30-летию Московского союза художников, обругал участников студии «Новая реальность». Этот визит стал одним из самых резонансных событий советской эпохи, привел к разгрому художников-авангардистов и приблизил закат «оттепели». Спектакль по пьесе Алексея Житковского основан на документальных источниках – вырезках из газеты «Правда» и журнала «Огонек», стенограмме посещения Хрущевым выставки в Манеже, воспоминаниях художников-авангардистов и фрагментах сценария «Голубого огонька». Выпуская «Кровоизлияние в МОСХ», «Практика» открывает для себя и для Москвы нового автора: режиссер Юрий Печенежский, неоднократно отмеченный «Золотой маской» и широко известный в провинции, почти не ставит в столице.

В неоготической церкви откроется портал в мир Гарри Поттера. Зрители перенесутся в мир волшебства и услышат мелодии из любимых фильмов в свете свечей.

В романе «Мастер и Маргарита» встречается множество реальных московских адресов — от переулка, в котором герои впервые увидели друг друга, до «нехорошей квартиры».