Московский Музыкальный театр им. Станиславского и Немировича-Данченко: афиша событий

Литературной основой оперы, впервые позвучавшей в Петербурге в 1856 г., стала одноименная неоконченная драма А. Пушкина. Заключительные сцены были дописаны самим А. Даргомыжским, который выступил автором либретто. Он бережно отнесся к драме Пушкина и в значительной степени сохранил его стихи, перенес в оперу глубокий и тонкий психологизм, развил народные элементы. Даргомыжский писал свою оперу с 1843 по 1855 г., в то время национальный стиль в оперном искусстве только начинал формироваться. Композитор и музыкальный критик А. Серов полагал, что к тому моменту существовало лишь одно оперное произведение в русском стиле – «Жизнь за царя» М. Глинки. Поэтому Даргомыжского вполне можно считать одним из первопроходцев русской оперы со славянскими мотивами в музыке и сюжетом с чисто русскими персонажами, характерами и обстоятельствами. В партитуре органически сочетаются драматические и комедийные, жанрово-бытовые и лирические элементы. Отсюда богатство содержания музыки, ее впечатляющая сила. Но главное новшество, которое привнес композитор в оперу, – психологический реализм и новаторские музыкально-драматургические принципы сквозного развития сюжета. «Русалку» называют первой русской лирико-драматической бытовой оперой. Характеры ее персонажей как будто взяты из жизни, драма обычных людей выведена на передний план. Дочь Мельника Наташа брошена Князем, женившемся не по любви, а по сословному этикету. Оскорбленная девушка бросается в воды Днепра. Проходят годы, но Князь не может забыть свою первую любовь. А Наташа, превратившаяся в русалку, мечтает о мести. Глубокий психологизм произведения чрезвычайно важен для А. Тителя, предлагающего взглянуть на фантастический мир как на проекцию внутреннего мира человека: горькие сожаления и острое чувство вины делают призраков реальностью.

Опера Д. Пуччини «Мадам Баттерфляй» была написана в начале XX в. под влиянием мировой моды на ориентальное искусство. Использовав сюжет одноименной драмы Д. Беласко, композитор и его либреттисты Л. Иллика и Д. Джакоза создали оперу, полную экзотического колорита. Премьера, состоявшаяся в миланском театре «Ла Скала» 17 февраля 1904 г., потерпела провал. Однако всего через три с половиной месяца опера с триумфальным успехом была поставлена в Брешии, а вслед за этим в других театрах Италии. В 1905 г. состоялась премьера в Лондоне, в 1906 г. – в Париже, в 1907 г. – в Нью-Йорке, в 1908 г. – в Санкт-Петербурге. История любовной страсти, предательства и материнского самопожертвования завоевала всемирную популярность. Пуччини – знаток женской души. Его оперы в большинстве своем представляют женские портреты. Любимая тема Пуччини – тема любви, взаимоотношений мужчины и женщины. Женское начало – постоянство, преданность, жертвенность. Мужское начало – изменчивость, стремление к завоеванию. Столкновение этих начал, восточного и западного менталитета – в основе конфликта «Мадам Баттерфляй».

Опера Дж. Пуччини «Тоска» написана по мотивам одноименной драмы В. Сарду. Композитор увидел ее постановку в Милане, сразу увлекся сюжетом и попросил своего издателя Дж. Рикорди получить согласие автора на использование сочинения в качестве основы для либретто. Одновременно пьесу В. Сарду рассматривали как возможный оперный сюжет еще два именитых итальянских композитора – Дж. Верди и А. Франкетти. Благодаря усилиям Дж. Рикорди право на создание оперы досталось Дж. Пуччини. В 1900 г. состоялась премьера в Театре Констанци в Риме. Своеобразие оперы – в ее тесной привязке к историческим событиям. Любовная драма разворачивается на фоне освободительной борьбы сторонников Римской республики против оккупировавших город войск Неаполитанского королевства. Реальный эпизод, упоминаемый в опере, – битва при Маренго, в которой войска Наполеона разбили австрийцев и их союзников. В. Сарду писал роль Тоски в расчете на С. Бернар, и традиция исполнения заглавной партии незаурядными певицами перешла на оперную сцену. Постановка Л. Налетовой, идущая на сцене Московского академического Музыкального театра, сосредоточена вокруг трех главных героев оперы – певицы Ф. Тоски, художника М. Каварадосси и начальника тайной полиции Рима барона Скарпиа. Эти партии исполняют ведущие солисты оперной труппы театра.

Опера стала первым спектаклем студии под руководством великого реформатора театрального искусства К. С. Станиславского. Осуществленная им постановка «Евгения Онегина» знаменовала собой рождение нового оперного театра. «Евгений Онегин» стал символом театра, а колонны «онегинского портика» стали его эмблемой (их до сих пор можно увидеть на логотипе театра). Новая постановка появилась в репертуаре Музыкального театра им. К. С. Станиславского и В. И. Немировича-Данченко в первый же сезон после окончания реконструкции. Ее создатели отнеслись к легендарному спектаклю Станиславского с максимальным уважением, но отнюдь не стали копировать его. Предельно подробной осталась психологическая разработка характеров. Другим стал только воздух, которым дышат главные герои. Это уже «Онегин» XXI века, современный и созвучный сегодняшнему зрителю.

Опера Ж. Бизе «Кармен» занимает особое место в истории Музыкального театра. В 1924 г. спектакль под названием «Карменсита и солдат» поставил в своей Музыкальной студии В. Немирович-Данченко. Постановка была с успехом показана на гастролях театра в Европе и США и вошла в историю как один из первых примеров нестандартного режиссерского прочтения классического сюжета. В 1935 г. к опере обратился К. Станиславский. «Мне почувствовался только общий тон постановки, который отличит нашу «Кармен» от сотни других. Она должна быть, так сказать, простонароднее. В первом акте нужны подлинные табачные работницы фабрики, подлинные солдаты, подлинные крестьяне, вроде Хозе и Микаэлы. Во втором и третьем актах – подлинные контрабандисты с их трущобой, убийствами, постоянной авантюрой…» – писал он в ходе работы над оперой. Спектакль, созданный в 1969 г. В. Фельзенштейном, стал одним из первых случаев приглашения на постановку зарубежного режиссера и вернул на отечественную сцену первоначальную редакцию оперы с разговорными диалогами. Нынешняя постановка оперы «Кармен» осуществлена режиссером А. Тителем и художником В. Арефьевым в 1999 г. и вот уже более четверти века пользуется неизменной любовью публики. За это время в спектакле сменилось несколько поколений певцов, но каждый раз зрительный зал с напряженным вниманием следит за драматической историей любви и непримиримым столкновением ярких характеров.

Опера Д. Верди «Отелло», созданная по одноименной трагедии У. Шекспира, рассказывает о том, как любовь может быть разрушена ложью и ревностью. Главный герой – полководец Отелло, который искренне любит свою жену Дездемону. Но коварный Яго, движимый завистью, начинает обманывать Отелло и внушает ему, что Дездемона якобы изменяет ему. Постепенно Отелло теряет доверие к любимой, поддается ревности и совершает непоправимое. Когда правда раскрывается, становится уже слишком поздно. Это история о том, как чужая злоба, подозрения и неумение услышать друг друга приводят к трагедии. Постановка А. Кончаловского выделяется вниманием к музыкальной и психологической природе оперы: развитие сюжета раскрывается не только в сценическом действии, но и в звучании оркестра, вокальных партиях и взаимодействии исполнителей. Спектакль позволяет по-новому услышать шекспировскую трагедию и увидеть, как музыка передает тончайшие движения чувств. А красивая сценография переносит зрителей на залитое солнцем итальянское побережье.

Melodramma giocoso, «веселая мелодрама» – так определил жанр оперы «Любовный напиток» ее автор Гаэтано Доницетти. В ней тесно соседствуют лирические эпизоды и буффонада. Именно в «Любовном напитке» звучит одна из самых популярных в мире арий – романс Неморино Una furtiva lagrima. Вы легко вспомните его, если видели фильм Никиты Михалкова «Неоконченная пьеса для механического пианино». Справедливости ради можно сказать, что написан этот романс был задолго до сочинения оперы. В один прекрасный день Гаэтано Доницетти понял, что эту музыку нужно отдать главному герою «Любовного напитка», и не прогадал. Прекрасная мелодия стала завершающим штрихом в процессе создания шедевра бельканто. Опера начинается с классической любовной коллизии: Неморино влюблен в деревенскую красавицу Адину, а она не отвечает на его чувства взаимностью. Появление бравого сержанта Белькоре и лекаря-шарлатана Дулькамары закручивает пружину интриги. Череда веселых недоразумений приводит героев оперы к счастливому финалу. Постановка Людмилы Налетовой, впервые сыгранная четверть века назад, – долгожитель московской оперной сцены. За прошедшие с момента премьеры годы сменилось несколько составов исполнителей, но неизменной остается любовь зрителей к этой жизнерадостной солнечной опере.

«Лебединое озеро» в постановке выдающегося хореографа Владимира Бурмейстера давно уже стало легендой московской сцены. Премьера спектакля состоялась в 1953, однако время не властно над этим шедевром. Владимир Бурмейстер сохранил в своей постановке замечательный второй акт, поставленный Львом Ивановым еще в XIX веке. Знаменитая картина появления белых лебедей, включая популярный «Танец маленьких лебедей», вошла в спектакль в первозданном виде. В остальном версия Владимира Бурмейстера оригинальна и до сих пор остается непревзойденной. Балет в его постановке обрел четко выстроенную драматургию и глубокое философское звучание. В 1956 году «Лебединое озеро» было показано на гастролях театра в Париже. Успех был настолько велик, что Владимир Бурмейстер получил приглашение перенести свою постановку в Парижскую оперу. Спектакль Владимира Бурмейстера шел на ее сцене с 1960 до конца 1980-х.

Московский академический музыкальный театр представляет главную балетную премьеру 107 сезона – спектакль «Анна Каренина» на музыку И. Демуцкого в постановке М. Севагина. В центре спектакля – не только трагическая история Анны, но и линия Левина, проходящего путь от внутреннего кризиса к обретению душевного покоя. Именно сопоставление этих двух судеб – разрушительной страсти Анны и созидательного поиска Левина – становится смысловым центром новой сценической версии. Хореографическое решение спектакля основано на классической балетной лексике, практически все женские партии исполняются на пуантах. При этом каждый персонаж получает собственную пластическую интонацию, соответствующую его характеру и внутреннему движению партии. В спектакле также примут участие студенты Московской государственной академии хореографии, исполняющие партии детей Долли и сына Анны – Сережи. Над сценарием и либретто М. Севагин работает вместе с драматургом А. Золотаревым. Их задача – сохранить масштаб и глубину толстовского романа, одновременно найдя для него ясную и выразительную театральную форму. Партитура, написанная И. Демуцким, была переработана композитором совместно с хореографом. Важной частью музыкальной ткани стали вокальные арии в исполнении солистки оперной труппы театра, придающие действию особую эмоциональную выразительность. За музыкальное руководство премьерой отвечает дирижер Т. Зангиев.

Московский академический Музыкальный театр представляет премьеру оперы Г. Доницетти «Анна Болейн» в постановке режиссера С. Новикова и главного дирижера театра Ф. Коробова. Премьера «Анны Болейн» состоялась почти 200 лет назад – в 1830 г. в Милане. Это было уже 33-е сочинение итальянского композитора, снискавшего к тому времени славу мастера преимущественно комических опер. Однако именно эта опера, написанная в прежде несвойственном Г. Доницетти жанре лирической трагедии, стала рубежным произведением в творческой биографии композитора и вывела его на новый уровень международной известности. Для российской оперной сцены «Анна Болейн» – редкое название, во многом благодаря тому, что требования к владению стилем бельканто и к выразительности драматической игры исполнителей чрезвычайно высоки. С. Новиков в своей работе остается верным оригинальным либретто и драматургии. Действие оперы разворачивается, как и было задумано авторами, в Англии XVI в. в эпоху правления Тюдоров. На фоне блеска и роскоши королевского замка, бесчеловечности придворных заговоров и интриг в спектакле разворачивается трагедия Анны Болейн – второй жены короля Генриха VIII. Сценическое оформление, созданное художником И. Складчиковым, также служит исторической достоверности и воссоздает эпоху: от интерьеров английского замка и гобеленовой живописи до костюмов по моде XVI в.

Оперу «Аида» в Московском академическом Музыкальном театре поставил П. Штайн. Всемирно известный немецкий режиссер, работающий в традиции, восходящей к системе К. Станиславского, предложил необычное прочтение одной из самых репертуарных опер мирового театра. «Аида» Дж. Верди – монументальная музыкальная драма, в которой на фоне торжественного величия Древнего Египта разворачивается трагический конфликт любви, долга и власти. В центре сюжета – эфиопская царевна Аида, оказавшаяся в плену, египетский полководец Радамес и царская дочь Амнерис. Их чувства неразрывно переплетены с войной, политическим соперничеством и мучительным выбором между любовью и родиной. Личная драма героев обретает почти античный масштаб, где каждое решение требует жертвы, а победа оборачивается поражением и трагедией. Вокальные партии Аиды, Радамеса и Амнерис проходят путь от широких, торжественных, исполненных героического пафоса интонаций, связанных с ожиданием войны и победы – как на поле битвы, так и в любовном соперничестве, – к тихому, трагическому звучанию финала. Здесь музыкальная ткань сосредоточена на интимной сфере переживания, где любовь предстает уже не как сила спасения, а как источник неизбывной боли, безысходности и скорбного примирения с неизбежным. Музыка Дж. Верди соединяет яркое, торжественное, «царственное» звучание с глубокой человеческой драмой: в ней слышны марши, хоры, необычные тембровые краски и особый колорит, создающий образ Древнего Египта. Однако за внешней пышностью скрывается тонкая и очень личная история. Музыка с исключительной точностью передает чувства героев – любовь, ревность, внутреннюю борьбу и трагическую обреченность.

Опера «Сказки Гофмана» занимает особое место в обширном наследии Жака Оффенбаха. Это единственное трагическое произведение великого мастера оперетты и комической оперы. В основу сюжета оперы легли несколько новелл немецкого писателя-романтика Эрнста Теодора Амадея Гофмана: «Песочный человек», «Приключение в новогоднюю ночь» и «Советник Креспель». Их объединяет сквозной сюжет, героями которого становятся сам Гофман, его возлюбленная Стелла и демонический злодей – советник Линдорф. В историях, которые заглавный герой рассказывает случайным собеседникам, реальность причудливо перемешивается с вымыслом. В Музыкальном театре музыка «Сказок Гофмана» звучала неоднократно. В 1946 году дирижер Евгений Акулов и режиссер Павел Марков поставили спектакль, получивший название «Любовь поэта». В 1959 дружественный берлинский театр «Комише Опер» привозил на гастроли свою версию «Сказок Гофмана», а в 1987 балетная труппа «Комише Опер» показала хореографическую транскрипцию оперы Жака Оффенбаха.

На сцене «Жизель» представлена в редакции художественного руководителя балета Лорана Илера. Он не подвергал постановку балета радикальной переработке, напротив, в его намерения входило сохранение классического видения спектакля. Лоран Илер подчеркивал: «Чтобы классика жила, требуется внимание к ней. Время от времени спектакль нужно наполнять новым дыханием, заново выстраивать логические связи». «Жизель» по-прежнему является удивительным спектаклем о трепетной любви и предательстве, жестких реалиях жизни и мистике.

Опера принадлежит к числу шедевров французского оперного искусства рубежа XVIII–XIX вв. Ее автор – Л. Керубини, один из основателей Парижской консерватории, композитор, которого Бетховен называл лучшим среди своих современников, свидетель и летописец Великой французской революции. Он создал произведение, сравнимое по масштабу со взятым за основу древнегреческим мифом. Опера Керубини, входящая в число величайших оперных трагедий, требует от исполнителей вокального мастерства и яркого актерского таланта. В середине XX в. постановка Керубини пережила второе рождение благодаря М. Каллас. Медея в исполнении Каллас стала легендой оперной сцены, и с тех пор к исполнительницам заглавной партии предъявляются особые требования. Одной из причин обращения театра к опере Керубини стало присутствие в труппе двух певиц, обладающих сильным и выразительным голосом и яркой сценической индивидуальностью, – Х. Герзмава и Н. Мурадымовой. В театре опера прозвучит в итальянском переводе К. Дзангарини.

В репертуар театра возвращается семейный спектакль, на котором выросло уже несколько поколений юных москвичей. Опера Н. А. Римского-Корсакова была поставлена на сцене театра в 1997 году. Зрелищную, полную фантазии постановку создали режиссер Александр Титель и художники Юрий Устинов и Ирина Акимова. Премьерой дирижировал Ара Карапетян. С тех пор опера – бестселлер для родителей с детьми. Взрослые идут на нее, чтобы услышать замечательных солистов (в постановке даже в небольших партиях всегда заняты лучшие силы театра), а дети ждут незабываемое рукотворное представление: всех персонажей в царстве Тмутаракани и на острове Буяне – от ангелов, рыб и коров до деревьев и самого города – играют артисты хора и миманса в изобретательно придуманных костюмах. «Этот мир, добрый и теплый, рождается на пустой сцене из фантазии авторов и – обязательно – зрителей. Эта игра, предложенная залу и охотно им принятая, сразу сделала оперу живой и легкой, яркой и смешной», – писал вскоре после премьеры обозреватель «Российской газеты» Валерий Кичин.

На российских просторах роман В. Гюго переносили на балетную сцену Ж. Перро, М. Петипа, А. Горский, В. Бурмейстер. Сегодня без потерь текста существует только версия В. Бурмейстера. Она была создана в самую подходящую для такого сюжета эпоху – эпоху драмбалета и, наверное, в самом подходящем для этого театре – Московском академическом Музыкальном театре. В. Бурмейстер вместе с В. Тихомировым написали новый вариант либретто. К музыке Ц. Пуни, оркестрованной и облагороженной Р. Глиэром в 1920-е годы, была добавлена музыка С. Василенко, специально написанная для балета В. Бурмейстера. Сценографию создал А. Лушин, тогдашний главный художник театра. Эсмеральду на премьере танцевала выдающаяся балерина В. Бовт. Балетоведы называют «Эсмеральду» В. Бурмейстера в числе лучших драмбалетов. Про такие спектакли говорят: «украшает афишу». Он – такой же знак балета Музыкального театра, как пьесы А. Чехова для Московского Художественного театра. Он передавался от одного поколения к другому, «из ног в ноги» от первых исполнителей к теперешним солистам.

Петербург по праву называют одним из главных героев оперы П. Чайковского «Пиковая дама». Торжественная и трагическая красота парадных видов Северной столицы определяет эмоциональный строй постановки А. Тителя. Ключевым образом сценографии С. Бархина становится величественная колоннада, несоизмеримо огромная по сравнению с человеческими фигурами. В этом выдуманном Петром городе живут люди, терзаемые сильными страстями. Здесь происходят фантастические события, которые возможны только во сне или в бредовой галлюцинации. А в музыке П. Чайковского, написанной в 1890 году, звучит пророчество грядущих катаклизмов XX в. «О чем «Пиковая дама»? Является ли эта опера историей про любовь? Отчасти. Собственно, как любая опера. Двое мужчин любили одну девушку. Один – красивый, успешный, из хорошей семьи, для которого открыты все пути. И другой – бедный, неизвестный, злой неудачник. Но девушка любит второго, что бывает весьма часто» (А. Титель).