Афиша театров Москвы на 11 декабря 2026

Две истории о том, как можно и необходимо постоять за себя и за своих друзей. Первая приключилась с девочкой Аленкой и её любопытным гусенком Дорофеем. Коварная Лиса стащила Гусёнка и спрятала в домике, чтобы откромить и съесть. А домик тоже - ворованный. Раньше его хозяином был Ёжик, а теперь выгнала его Лиса. Притулился он под дырявым мухомором... Всех обманула хитрюга Лиса! Но с помощью маленьких зрителей Аленка с Ёжиком находят способ обхитрить рыжую плутовку! Вторая история про Ёжика – о том, что самому супер-р-р-чемпиону все равно не стоит задаваться и высмеивать друзей! Даже если у самого быстрого в мире Зайца самые длинные лапы, а у Ёжика лапок вообще из-под колючей шубки не видно! «Хитрый Ёжик» – это спектакль-игра для самых маленьких – о том, как ум и смекалка Ёжика помогают спасти Гусёнка от коварной Лисы, а задиру Зайца научить вежливости. Яркие декорации – зеленая поляна, усыпанная цветами, среди летнего леса – приглашают маленьких зрителей вместе с главной героиней девочкой Аленкой познакомиться с нашими лесными обитателями. Добрые, обаятельные куклы, зажигательный и динамичный сюжет истории спасения Гусёнка и спортивного поединка коротконожки Ёжика и чемпиона по бегу – хвастуна и задаваки Зайца.

«Мойдодыр» – это именно такой спектакль, с которого можно начинать знакомство с оперой. Как говорила Наталия Сац, «чем раньше ребенок соприкоснется с миром большой музыки, тем его связь с ней будет прочнее». Как и другие оперы для самых маленьких («Теремок» и «Кошкин дом» на музыку Александра Кулыгина), спектакль идет в зрительском фойе в специально созданном игровом пространстве, где даже трехлетнему зрителю интересно и комфортно. Камерный оркестр, расположенный совсем близко от публики, артисты на расстоянии вытянутой руки, красочные декорации и костюмы, отсутствие затемнения (спектакли идут днем, при дневном свете) – все это сделано для того, чтобы маленький человек, впервые попавший в театр, мог узнать, что такое опера. Музыку к спектаклю написал знаменитый композитор Ефрем Подгайц. Автор опер, балетов, симфоний и множества произведений в других жанрах – он создал оперу для самых маленьких так, что ее мелодии станут доступны и запомнятся любому зрителю. А встреча с известной всем с самого раннего детства сказкой и ее знаменитыми персонажами порадует не только детей, но и взрослых. Ведь это так удивительно, когда даже мочалка, да что там мочалка, когда умывальник и даже… «даже брюки, даже брюки» начинают петь!

В новом спектакле Екатерины Образцовой по сказке Виталия Бианки «Как муравьишка домой спешил» привычный нам мир буквально перевернётся. Водяная гладь пруда преобразится в просторы голубого неба, уютную дачу сменит большой муравейник. Художником театрального воплощения известной сказки стала Александра Павлова, придумавшая кукольные образы любимых героев. Малышек-букашек будут играть огромные куклы необычных конструкций, крошечные существа вдруг вырастут, а зрители, наоборот, словно уменьшатся в размерах. На сцене появятся дети: две девочки — они страшно боятся насекомых — и мальчик, который знает тысячу интересных фактов о братьях наших меньших. Так визит в театр превратится в увлекательный поход за тайнами природы, которая оживёт на сцене звуками лесов и полей, шумом воды и ветра. Автором главной музыкальной темы спектакля выступит композитор Александр Зацепин, создавший музыку ко многим художественным и анимационным фильмам («Бриллиантовая рука», «31 июня», «Тайна Третьей планеты»), а также к спектаклю Театра Образцова «Приключения барона Мюнхаузена» (режиссёр Е. Образцова). Звуки природы во время спектакля будут создаваться при помощи самых необычных музыкальных инструментов: африканской калимбы, разнообразных шейкеров и даже... ствола борщевика! Режиссер спектакля Екатерина Образцова рассказывает: «Многие современные дети боятся насекомых, даже не хотят ехать за город, на дачу. Я тоже их боюсь, если честно. Но когда с кем-то знакомишься ближе, перестаешь бояться. Дети узнают, что это за существа, как они себя ведут, и будут к каждой букашке относиться бережно, с любовью и уважением. Но у наших героев появятся почти человеческие характеры и привычки, исходя из их поведения в природе. Гусеница-землемерка поет народные песни, крошечный, но гордый жучок-блошачок ставит рекорды по прыжкам в длину, а муравей путешествует автостопом на насекомых».

Кто такой этот Том Сойер? Неугомонный дух, любопытный, изобретательный, всеми любимый плут и мечтатель и, конечно же, изрядный лентяй! В общем – хороший знакомый, о котором когда-то почему-то написал американский классик. На сцене – хрупкий на первый взгляд, но на самом деле такой непобедимый в своей отчаянной беззащитности и непорочности мальчик. Мир детства, от которого сжимается сердце и перехватывает дыхание. И все это – не вчера, а сегодня – хотя и вчера, конечно, не зря все здесь ходят в джинсах…И все те же вечные вопросы – что есть добро и что есть зло? Что есть предательство, а что подлость? Что есть поступок? И еще один вопрос – главный: как выжить ребенку, впервые столкнувшись с таким сложным и противоречивым, а порой и ужасно жестоким и несправедливым миром взрослых? Музыка Владимира Семенова удивительно органично соединила американский джаз и русскую классику. Касса театра: +7 (495) 699-76-30.

«Жизель» – вершина романтической хореографии, образец единства пантомимы и танца, который пережил свое время и остался навсегда в списке шедевров классического балета. Великая классика хореографического искусства, бессмертная легенда о любви, нетленный шедевр академического танца. Либретто балета основано на древней легенде, рожденной в глубине веков в Восточной Европе и записанной немецким поэтом Генрихом Гейне. В ней рассказывается о виллисах – девушках, которые погибали от предательства своих избранников и потом, будучи невесомыми и пугающими духами, жестоко расправлялись с путниками по ночам, затанцовывая их до смерти. Так они мстили за свои поломанные судьбы. Сюжет балета развивается в двух контрастных актах – первый представляет пасторальный, идиллический мир крестьянской жизни, а второй погружает зрителя в мистическую атмосферу потустороннего мира.

Балет «Лебединое озеро» – самый лиричный из балетов П. И. Чайковского. В основу сюжета положен один из многочисленных вариантов народного сказания о девушке, превращенной злой силой в птицу. Молодой принц, встретив зачарованную принцессу-лебедь, клянется ей в вечной любви. В этой клятве – залог ее избавления от волшебных чар. Но принц невольно изменяет своему слову, обманутый сходством Одетты с Одиллией – дочерью злого гения. Одетта обречена навсегда остаться лебедем. Впоследствии мрачный финал балета был изменен: принц и лебедь, бросившись в волны, разрушили злые чары. Действие заканчивается светлым апофеозом.

Как актуальны события, описанные Островским в 1870 году! Прошло 150 лет, а богатые дамы по-прежнему влюбляются в юношей и разоряются. Служители искусства, тем более театрального, по-прежнему нуждаются, и девушкам, чтобы выйти замуж за богатого отпрыска, нужно иметь какое-то приданое от богатых родственников. Вечные ценности – семья, любовь, дружба, преданность – все имеет свою цену. В скитаниях по России встречаются трагик Несчастливцев и комик Счастливцев. Волею случая они оказываются недалеко от имения Гурмыжской, тетки Несчастливцева. А там все смешалось – тетка собирается замуж за юнца, сосед выгадывает, как подешевле скупить теткин лес, племянница-бесприданница, не надеясь на счастливое замужество, собирается топиться, а гимназист-недоучка готов жениться, чтобы обеспечить свое будущее. И в этом водовороте событий только нищие актеры умеют по-настоящему сопереживать ближнему.

Исполнители: Ольга Селиверстова, сопрано; Елизавета Пахомова, сопрано; Мария Оселкова, фортепиано. Монооперы Франсиса Пуленка и Микаэла Таривердиева – две истории о женщинах, чьи чувства раскрываются в разных обстоятельствах. На одной сцене встретятся два женских образа, созданных на литературной основе произведений Жана Кокто и Роберта Рождественского. Героиня Пуленка переживает расставание с любимым, который изменил ей, тогда как героиня Таривердиева находится в ожидании возлюбленного. При всех различиях ситуаций в центре обеих моноопер оказывается внутренний мир женщины – ее любовь, надежда, тревога и одиночество. Обе героини лишены имени. У Пуленка молодая француженка ведет последний телефонный разговор с любимым. Хрупкая, гордая и отчаянная, она постепенно проходит путь от надежды и нежности к боли и тревоге. В «Ожидании» Таривердиева звучит голос советской женщины, созданной Робертом Рождественским. За простым ожиданием разворачивается целый внутренний мир – волнение, воспоминания, мечты, нетерпение и сомнения. Ожидание становится самостоятельным драматическим переживанием, в котором угадывается судьба многих женщин – «суетою замотанных, но, как прежде, – божественных». Финалы обеих моноопер сохраняют недосказанность.

Шекспировскую Верону сменил Нью-Йорк, а вместо вражды семей – противостояние уличных банд Манхэттена. Но современные Ромео и Джульетта все так же выбирают друг друга вопреки страху, запретам и ожиданиям других. «Вестсайдская история» – это история первой любви, когда весь мир наполнен музыкой, танцами до утра, юношеским максимализмом и уверенностью, что чувства важнее всего. Новый взгляд на шекспировскую трагедию соединяет современную визуальную эстетику, музыку Леонарда Бернстайна в исполнении живого оркестра и хореографию Джерома Роббинса, адаптированную для сцены солистом театра «Кремлевский балет», балетмейстером-постановщиком Никитой Высоцким. В основе постановки – одноименный культовый фильм 1961 года, получивший 10 премий «Оскар».

Первая полностью оригинальная российская постановка, созданная на основе мирового классического произведения. В центре сюжета – молодой чистосердечный моряк, ставший невинной жертвой ревностных хитросплетений. Его оклеветали и предали забвению, но спустя многие годы он возвращается, чтобы закрутить карнавальное колесо разоблачений. Вместе с героями зрители переносятся во времени и пространстве, оказываясь на ярком карнавале, в таинственном замке Иф и даже в открытом море на корабле контрабандистов. Трогательные и судьбоносные события увлекают и захватывают!

Россия проходила через испытания не раз. Однако всегда появлялись герои, которые, не боясь потерять жизнь, вступали в неравный бой со смертью, спасая родину. Именно они остаются жить в веках. Зрители увидят фантазию по мотивам знаменитой поэмы Александра Твардовского. В пехотной роте – новый парень Василий Теркин. Он воюет уже второй раз на своем веку (первая война – Советско-финляндская). Василий за словом в карман не лезет, едок хороший. В общем, парень хоть куда. Теркин вспоминает, как он в отряде из десяти человек при отступлении пробирался с западной, немецкой стороны к востоку (фронту). По пути была родная деревня командира, и отряд зашел к нему домой. Жена накормила бойцов, уложила спать. Наутро солдаты ушли, оставив деревню в немецком плену. Теркин хотел бы на обратном пути зайти в эту избу, чтобы поклониться «доброй женщине простой».

Это пьеса о мужчинах, объединенных общим страхом и общим волнением. На протяжении ночи они ждут рождения своих детей, каждый из них гадает, каким будет их завтрашний день и мир. Переживая за детей, которые вот-вот должны родиться, герои невольно дают оценку окружающей действительности. По словам Евгения Гришковца, сценической судьбой этой постановки он решил заняться сам, потому что не решился доверить героев этой нежной пьесы чужим рукам: ситуация и пространство требуют от этих людей быть хорошими. В этой пьесе все люди хорошие. Человек, ждущий своего ребенка в роддоме, не может быть плохим.

События наполеоновских войн, размышления о состоянии общества — это фон для истории, рассказанной в спектакле. На первый план выходят семьи: Ростовы, Болконские, Курагины, Друбецкие… Жизнь человека в момент перелома эпох. Мир эстетичный, хрупкий, театральный — всё это поглощается кометой 1812 года. В этой постановке нет павильона, нет нагромождения бытовых деталей, артисты не прячутся за декорациями. Когда события четырёх томов романа укладываются в без малого 5 часов сценического действия — не может быть никаких лишних деталей. Спектакль требует элегантности и простоты. Мы творим, оформляем, вкладываем судьбы, парадоксы, безумие, любовь, радость, отчаяние. Нужна другая игра. Как только зритель предугадывает ваше следующее действие, актёр становится не нужным. Очень важны психологические кульбиты – в поступках, в мыслях. Это наша обязанность: цирк сознания, переворотов, изменения души, настроения, порывов. Обязанность нашей профессии – раскрыть слово, мысль.

Александр Николаевич Островский и Малый театр рассказывают старую как мир историю о том, что одним людям суждено быть простодушными и кроткими, как овечки, а другим – хищными и опасными, как волки. Порою, однако, и матерый хищник попадает впросак... Пьеса «Волки и овцы» во все времена была своеобразной визитной карточкой Малого театра и выдержала немалое количество постановок, в которых блистали лучшие артисты труппы. Вот и сейчас в спектакле заняты Людмила Полякова, Борис Невзоров, Виктор Низовой, Валерий Бабятинский, Владимир Дубровский и другие. За 20 лет, прошедших со дня премьеры, спектакль не потерял своей свежести, актуальности и всегда идет при полном зале.

Танцевальный спектакль представляет яркий хореограф современной сцены Ольга Лабовкина. Для артистов «Балета «Москва» она создает эксклюзивную постановку впервые. В своем творчестве автор хореографии объединяет мощный витальный заряд и внимание к танцевальной технике. Спектакль балансирует на грани сна и реальности. Иногда эти два состояния сознания сливаются, иногда расходятся, и некая условная граница между ними ломается, не выдержав напряжения. Постановка пронизана ощущением двойственности – в хореографии живое движение переплетается с гротескными жестами марионетки. Сценография Гали Солодовниковой усиливает его, создавая пространство не-дома – места, пригодного для жизни и одновременно чужого. Композитор и саунд-дизайнер Илья Дягель и виолончелистка Уна Пересецкая-Молокович поддерживают идею, переплетая электронное и инструментальное звучания.

«Чехов неисчерпаем, сколько бы к нему ни обращались. Всякий раз видишь в нем что-то ранее незамеченное, непочувствованное, неоткрытое», – так говорит известный режиссер Андрей Кончаловский, фильм которого «Дядя Ваня» (1970 г.) стал одной из лучших экранизаций великого драматурга. В театральной постановке режиссер вновь обратился к пьесе и ее героям, чтобы еще раз осмыслить вечную тему поиска человеком самореализации и счастья. Мир Антона Чехова, созданный на сцене, буквально сталкивается с сегодняшней суетной повседневностью. Этим сценическим приемом режиссер объединяет формы традиционного и современного театра. Спектакль, по замыслу режиссера, поставлен в классической эстетике, но в неклассической интерпретации. Глубокая и точная режиссерская трактовка, мощный актерский ансамбль, стильное оформление делают постановку яркой, психологически тонкой и зрелищной.

Кай, Никита и Терентий, золотая молодежь эпохи застоя, в своем дружеском кругу стремятся сбежать от взрослого мира. Они и сами давно стоят на пороге взросления, но никак не могут сделать шаг из детства в самостоятельную жизнь с ее трудностями и ответственностью. Внезапная встреча с девушкой Нелей меняет привычный уклад их беззаботной жизни, заставляя каждого из героев по-новому взглянуть на главные жизненные ценности. Одна из самых знаменитых пьес Алексея Арбузова «Жестокие игры» была написана в далеком 1978 году. С тех пор многое невозвратно изменилось, однако художественный мир писателя, отчасти продолжающий чеховскую традицию, делает его драматургию классикой. Вопросы, которые решают герои этой истории, остаются актуальными для каждого молодого поколения. Музыкальное решение спектакля построено на мотивах 1970-х. Авторы ставят своей задачей исследовать, как эта музыка откликается в современном мире, насколько она актуальна сегодня. Постановка объединит опытных артистов Центра драматургии и режиссуры и молодых выпускников кафедры саунд-драмы ГИТИСа. Режиссером спектакля выступила актриса и режиссер Фаина Колоскова, чья постановка «Мерехлюндия-эскиз» по переписке Антона Чехова и Ольги Книппер с успехом идет на сцене центра. Режиссер Фаина Колоскова рассказывает: «В этом спектакле я бы хотела поговорить о таком важном понятии, как семья, но не в общепринятом понимании, а в более широком плане. Что такое «семья» в коллективе? Что такое «дом»? Как его найти в своем сердце? Как построить, а не разрушать? Через препятствия, уроки герои будут учиться любви, принятию и терпению».

Чем больше попыток исключить политику из собственной жизни, тем с большим сожалением можно наблюдать за ее насильственным вторжением в глубоко интимную сферу бытия и духа. Сюжет, связанный с жизнью английского короля Генриха VIII, всегда интересовал и продолжает интересовать многих прошлых и нынешних сочинителей. В театральном представлении воспроизведен режиссерский вариант этой вечной зависимости человеческой судьбы от зловещего молоха государственных механизмов. В этом заслуга постоянного автора – драматурга Г. Горина.

Талантливый камнерез Данила-мастер мечтает создать шедевр, достойный самой Хозяйки Медной горы. Но вместо этого не покладая рук трудится на шахте. Каждый раз, заслышав рассказы рабочих про таинственную Хозяйку, бездушный самоуправец приходит в ярость. А его завистливая женушка, напротив, загорается желанием заполучить малахитовую шкатулку, главную драгоценность хранительницы природных недр. Хозяйка Медной горы хладнокровно наблюдает за страстями людей. Многое повидала она на своем веку. Спектакль по мотивам сказов Павла Бажова – это возможность прикоснуться к красоте и мудрости уральского фольклора, оказаться в атмосфере старинных мифов, населенных колоритными персонажами и таинственными силами. Увлекательный сюжет, живописные костюмы, чарующие напевы и красочные декорации, словно самоцветные драгоценности той самой Хозяйки, перенесут зрителей в сказочный мир, полный чудес и магии.

Пьесы Флориана Зеллера из трилогии «Папа», «Мама», «Сын» сегодня у всех на устах – и это понятно: его драмы посвящены проблемам современной семьи. Они попадают в болевую точку времени, говоря о том, что ментальное здоровье – как тонкий лед, который в любой момент может разлететься вдребезги под напором жизни. Флориан Зеллер называет своих героев «людьми с трещинами». Героиня пьесы «Мама» – женщина, смыслом жизни которой была семья. Но муж отдалился, а дети выросли и покинули дом. Режиссер спектакля Егор Трухин, для которого постановка в Московском Художественном театре – дебют на профессиональной сцене, считает, что эта пьеса не только про одиночество матери, но и вообще про одиноких людей, про отсутствие диалога. И его постановка – попытка понять и почувствовать, что может произойти с человеком, который остается в полном одиночестве. Спектакль создан в рамках «Лаборатории режиссерских дебютов» – совместного проекта театра и фестиваля «Уроки режиссуры» (Биеннале театрального искусства).

В повести А. П. Чехова отразились его взгляды на философию Л. Н. Толстого, его согласие с ней и критика отдельных моментов. Зрители увидят историю Мисаила – сына архитектора и потомственного дворянина. В самом начале спектакля он отказывается от общественного положения, которое может дать умственный, достойный, по мнению окружающих, труд в пользу труда физического. Не видя в этом ничего дурного он становится настоящим пролетарием. Куда заведут эти поиски? Как в историю собственного становления впишется любовь, а потом и женитьба на дочери бывшего работодателя? Обретет ли Мисаил настоящую свободу или окажется слаб для того, чтобы противостоять общественному мнению? Создатели спектакля стремятся с помощью современных средств поговорить на вечные темы и заново открыть малоизвестную повесть Чехова. Режиссером спектакля выступил Данил Акутин, для которого спектакль стала первой премьерой в драматическом театре.

Действие происходит в одном провинциальном оркестре. Все знают эти маленькие замкнутые творческие коллективы, в которых жизни людей переплетаются особенно плотно. Интриги, любовь, страсть, одиночество, ревность и более сложносочиненные чувства и эмоции обуревают героев спектакля. И все это сопровождается разного рода музыкой – то танго, то джазом, то французскими песнями, то быстрой накаленной мелодией, то медленной, будто опустевшей. Музыка – это душа. Спектакль поставлен по пьесе знаменитого французского драматурга Жана Ануя. Его пьесы невероятно тонкие, они сотканы из самых потаенных чувств и мыслей человека, основаны на психологии людей, на их часто иррациональном поведении, нелогичности, хрупкости. Произведения Жана Ануя – это не просто красиво, это настоящая глубина с множеством пластов и переживаний.

Режиссер Евгений Закиров отказывается от расхожей эстетики сумасшествия и главным мотивом делает экзистенциальный кризис слабого интеллигентного героя, заблудившегося в щемящей абсурдности русского мироустройства. В спектакле кроется много философии, неспешной лирики, абсурдного юмора и трагедия, обычная у Чехова: когда могло случиться чудо, а случилась нелепость – и погубила человека. Евгений Закиров: «Этот текст вообще не про психушку! Стоит ли бороться с чем-либо вообще? Вот главная тема. Еще для меня важна здесь форма любви. Два человека – врач и пациент – нашли друг друга. Это очень важная встреча, когда один в другом открывает целый мир и влияет на него. Но волею судьбы эти двое оказались по разные стороны баррикад, как жертва и палач».

Детективный сюжет погрузит зрителей в пучину сложнейших и до сих пор не разрешенных проблем, раскрывая одну из главных идей романа – душевные переживания Раскольникова, метаморфозы его внутреннего мира, приводящие от сострадания к преступлению. Сюжет держит зрителя в напряжении до последнего акта – акта раскаяния, вселяющего надежду на искупление. И хотелось бы, чтобы, выходя после спектакля, зрители на вопросы «Как быть?» и «Кто виноват?» могли ясно ответить, «что делать». Смотрите спектакль, и вам легче будет разговаривать с вашими детьми. О том, что такое «кровь по совести», что такое «тварь я или право имею» и почему за преступлением всегда следует наказание.

Спектакль по произведениям А. С. Пушкина в необычном современном театральном формате – сторителлинг. Прямо во время спектакля зрители смогут поговорить с актерами о том, что же это такое – искусство рассказывания историй, чем оно отличалось в пушкинские времена и в наше время, а также о том, что мы воспринимаем как современное, а что как устаревшее. Спектакль поможет увидеть в героях спектакля своих сверстников – очень молодых людей, поговорить с ними и с Пушкиным о том, что всех волнует сегодня.

«Счастье – жить для другого… Зачем для другого, когда и для себя не хочется?..» Вопросы, мучающие героиню спектакля, не так просты, как может показаться на первый взгляд. Что нужно для счастья? Как жить, когда уходит полнота чувств? «Мне скучно, скучно, а притворяться я ни за что не стану». И вот Маша, вышедшая в 17 лет замуж за своего опекуна, 36-летнего Сергея Михайловича, бросается, словно в омут, в светскую суету – не в поисках развлечений, а от нерастраченности душевных сил и надежд. «Ты сама должна была узнать и узнала», – говорит ей в финале муж. В ранней повести Льва Толстого (1859 год) история любви Маши и Сергея Михайловича, бесконечная череда перепадов «семейного счастья», выговорена в пространных монологах героини. В спектакле сцены домашнего чаепития, музицирования за роялем, «тихого счастья» между фортепиано и окном – словно музыкальные вариации, наполненные светом, грустью, надеждой и безнадежностью. Подробно о спектакле – на сайте театра.

Давно ли вы видели на сцене Ивана Крылова? Скорее всего – никогда! Вы возразите: «Не басни же ставить?!» А меж тем один из первых комедиографов русского театра писал не только про мартышку и очки. Театр русской драмы достает из запасников литературы настоящий бриллиант чистого юмора и колоритного русского языка – незаслуженно забытую пьесу «Урок дочкам». Комедию положений о девицах Лукерье и Фекле, что «без французского языка, как без хлеба, сохнут», и находчивом, но безденежном молодце Семене – эдаком Фигаро русской сцены, худрук Михаил Щепенко превращает в искрящийся юмором и музыкой водевиль. Театр русской драмы вновь открывает публике «дефицитные» произведения русской классики в форме яркой театральности и азартной актерской игры. Текст Крылова усиливается остроумными песенными куплетами, сочиненными Михаилом Щепенко, распахивает современному зрителю настоящую кладовую уже забытого, хоть и родного, языка. «Вить я индо охрипнула кричавши», «отбоярили», «неруси» – эти и другие «перлы» русской речи невзначай говорят: а не слишком ли люди увлеклись модным да заграничным, что нуждаются в переводе с русского на русский?

В центре сюжета – темпераментная актерская пара, Джордж и Шарлотта Хэй. Когда-то они были знамениты – снимались в кино, раздавали автографы, а сейчас держат частный репертуарный театр, играя две пьесы труппой из пяти человек. Но Джордж и Шарлотта не теряют надежды вернуться на большую сцену и в кино, и судьба преподносит им этот шанс – в Буффало приезжает знаменитый режиссер Фрэнк Капра, который ищет героев для съемок в своем новом фильме. Джордж и Шарлотта готовы на все, чтобы роли достались им! Как и принято в комедии положений, действие развивается стремительно и не всегда предсказуемо.

«Дневник Анны Франк» – исторический документ. Это подлинная история одной еврейской семьи, скрывавшейся от нацистов в оккупированном Амстердаме в годы Второй мировой войны. Вход в тайное убежище был спрятан за книжным шкафом в конторе, которая до войны принадлежала Отто Франку, отцу Анны. Анна Мари Франк родилась 12 июня 1929 года во Франкфурте в еврейской семье. В 1933 году в Германии начались массовые гонения и притеснения евреев, и семья Анны была вынуждена переехать в Амстердам. 15 мая 1940 года была подписана капитуляция вооружённых сил Нидерландов. К 1942 году обстановка в Амстердаме накалилась настолько, что Анна Франк с сестрой, их родители и несколько друзей семьи были вынуждены спрятаться в мансарде дома. Снаружи казалось, что верхние этажи необитаемы. Дневник Анна получила в подарок ко дню рождения 12 июня 1942 года. Семья скрывалась в течение двух лет. В начале 1944 года Анна сама начала литературно обрабатывать записи, надеясь опубликовать их после окончания войны. Последняя запись в дневнике сделана 1 августа 1944 года. Вскоре всех обитателей убежища нашли и арестовали. В 1947 году Отто Франк опубликовал дневник дочери в сокращённой версии. С тех пор книга была много раз переиздана и дополнена, «Дневник Анны Франк» переведён более чем на 60 языков мира.

Моноспектакль «Записки сумасшедшего» (руководитель постановки — Римас Туминас) с неизменным успехом идёт на сцене Студии Вахтанговского театра уже больше 10 лет. Юрий Красков: « У творчества Николая Гоголя не было предшественников, не было образчика ни в русской, ни в зарубежной литературе. Игнорируя и все сложившиеся традиции, и новые веяния, Гоголь открывает нам свой собственный мир, не похожий ни на что. Мир искусства, в котором жизнью управляет противоречие здравому смыслу. Один из самых неразгаданных писателей. Казалось бы, о Гоголе собраны все мельчайшие подробности его жизни, записки, заметки друзей и недругов. И всё же: «Я почитаюсь загадкой для всех, никто не разгадает меня совершенно…», — сказал сам Николай Васильевич. »

Роман в четырёх книгах «Иосиф и его братья» Томаса Манна (одного из крупнейших и признанных в мире писателей XX века, лауреата Нобелевской премии по литературе, 1929) – самое большое по объёму и масштабу событий произведение автора. В центре внимания писателя – библейская легенда из Книги Бытия: история об обмане и предательстве братьев, об их раскаянии и прощении, о примирении друг с другом и со своим отцом, которого они жестоко обманули. «Иосиф и его братья» – произведение, «внушённое той заинтересованностью в человеке, которая не замыкается в рамках индивидуального, а распространяется на общечеловеческое, – окрашенную юмором, смягчённую в своем звучании иронией, я сказал бы даже: стесняющуюся заговорить во весь голос поэму о человечестве» (Томас Манн). Роман, написанный с «шутливой серьёзностью», по сути своей, отражает дух Вахтанговских традиций, в которых фантастический гротеск сочетается с глубиной проживания.

Одна из величайших рок-опер в мировом репертуаре с успехом идет в театре Стаса Намина уже более десяти лет. На сегодняшний день эта постановка – самая близкая по своему звучанию к авторской версии Jesus Christ Superstar, вышедшей на пластинке в 1970 году. Режиссерская интерпретация спектакля создана в соответствии с христианскими традициями канонического сюжета. «Иисус Христос Суперзвезда» в постановке театра – это первая из мировых постановок легендарной рок-оперы, которая была допущена властями Иерусалима к показу на сценических площадках города.