Афиша театров Москвы на 11 декабря 2026

Две истории о том, как можно и необходимо постоять за себя и за своих друзей. Первая приключилась с девочкой Аленкой и её любопытным гусенком Дорофеем. Коварная Лиса стащила Гусёнка и спрятала в домике, чтобы откромить и съесть. А домик тоже - ворованный. Раньше его хозяином был Ёжик, а теперь выгнала его Лиса. Притулился он под дырявым мухомором... Всех обманула хитрюга Лиса! Но с помощью маленьких зрителей Аленка с Ёжиком находят способ обхитрить рыжую плутовку! Вторая история про Ёжика – о том, что самому супер-р-р-чемпиону все равно не стоит задаваться и высмеивать друзей! Даже если у самого быстрого в мире Зайца самые длинные лапы, а у Ёжика лапок вообще из-под колючей шубки не видно! «Хитрый Ёжик» – это спектакль-игра для самых маленьких – о том, как ум и смекалка Ёжика помогают спасти Гусёнка от коварной Лисы, а задиру Зайца научить вежливости. Яркие декорации – зеленая поляна, усыпанная цветами, среди летнего леса – приглашают маленьких зрителей вместе с главной героиней девочкой Аленкой познакомиться с нашими лесными обитателями. Добрые, обаятельные куклы, зажигательный и динамичный сюжет истории спасения Гусёнка и спортивного поединка коротконожки Ёжика и чемпиона по бегу – хвастуна и задаваки Зайца.

«Мойдодыр» – это именно такой спектакль, с которого можно начинать знакомство с оперой. Как говорила Наталия Сац, «чем раньше ребенок соприкоснется с миром большой музыки, тем его связь с ней будет прочнее». Как и другие оперы для самых маленьких («Теремок» и «Кошкин дом» на музыку Александра Кулыгина), спектакль идет в зрительском фойе в специально созданном игровом пространстве, где даже трехлетнему зрителю интересно и комфортно. Камерный оркестр, расположенный совсем близко от публики, артисты на расстоянии вытянутой руки, красочные декорации и костюмы, отсутствие затемнения (спектакли идут днем, при дневном свете) – все это сделано для того, чтобы маленький человек, впервые попавший в театр, мог узнать, что такое опера. Музыку к спектаклю написал знаменитый композитор Ефрем Подгайц. Автор опер, балетов, симфоний и множества произведений в других жанрах – он создал оперу для самых маленьких так, что ее мелодии станут доступны и запомнятся любому зрителю. А встреча с известной всем с самого раннего детства сказкой и ее знаменитыми персонажами порадует не только детей, но и взрослых. Ведь это так удивительно, когда даже мочалка, да что там мочалка, когда умывальник и даже… «даже брюки, даже брюки» начинают петь!

В новом спектакле Екатерины Образцовой по сказке Виталия Бианки «Как муравьишка домой спешил» привычный нам мир буквально перевернётся. Водяная гладь пруда преобразится в просторы голубого неба, уютную дачу сменит большой муравейник. Художником театрального воплощения известной сказки стала Александра Павлова, придумавшая кукольные образы любимых героев. Малышек-букашек будут играть огромные куклы необычных конструкций, крошечные существа вдруг вырастут, а зрители, наоборот, словно уменьшатся в размерах. На сцене появятся дети: две девочки — они страшно боятся насекомых — и мальчик, который знает тысячу интересных фактов о братьях наших меньших. Так визит в театр превратится в увлекательный поход за тайнами природы, которая оживёт на сцене звуками лесов и полей, шумом воды и ветра. Автором главной музыкальной темы спектакля выступит композитор Александр Зацепин, создавший музыку ко многим художественным и анимационным фильмам («Бриллиантовая рука», «31 июня», «Тайна Третьей планеты»), а также к спектаклю Театра Образцова «Приключения барона Мюнхаузена» (режиссёр Е. Образцова). Звуки природы во время спектакля будут создаваться при помощи самых необычных музыкальных инструментов: африканской калимбы, разнообразных шейкеров и даже... ствола борщевика! Режиссер спектакля Екатерина Образцова рассказывает: «Многие современные дети боятся насекомых, даже не хотят ехать за город, на дачу. Я тоже их боюсь, если честно. Но когда с кем-то знакомишься ближе, перестаешь бояться. Дети узнают, что это за существа, как они себя ведут, и будут к каждой букашке относиться бережно, с любовью и уважением. Но у наших героев появятся почти человеческие характеры и привычки, исходя из их поведения в природе. Гусеница-землемерка поет народные песни, крошечный, но гордый жучок-блошачок ставит рекорды по прыжкам в длину, а муравей путешествует автостопом на насекомых».

Кукольный спектакль по сказке Самуила Маршака. Рекомендован зрителям от четырех лет. Утопая в роскоши и развлечениях, тетя кошка совсем забыла о своих голодающих племянниках. Как известно, чужое несчастье легко отпугивает. После пожара от кошки отвернулись все, с кем она так весело проводила время. Остались рядом только те, кого ей было так удобно не замечать… Эта сказка с ненавязчивой, но очевидной моралью: по-настоящему богаты не те, у кого дом выше или денег больше, а те, у кого есть настоящие друзья.

Кто такой этот Том Сойер? Неугомонный дух, любопытный, изобретательный, всеми любимый плут и мечтатель и, конечно же, изрядный лентяй! В общем – хороший знакомый, о котором когда-то почему-то написал американский классик. На сцене – хрупкий на первый взгляд, но на самом деле такой непобедимый в своей отчаянной беззащитности и непорочности мальчик. Мир детства, от которого сжимается сердце и перехватывает дыхание. И все это – не вчера, а сегодня – хотя и вчера, конечно, не зря все здесь ходят в джинсах…И все те же вечные вопросы – что есть добро и что есть зло? Что есть предательство, а что подлость? Что есть поступок? И еще один вопрос – главный: как выжить ребенку, впервые столкнувшись с таким сложным и противоречивым, а порой и ужасно жестоким и несправедливым миром взрослых? Музыка Владимира Семенова удивительно органично соединила американский джаз и русскую классику. Касса театра: +7 (495) 699-76-30.

Юрий Квятковский и самые юные брусникинцы больше года исследовали вселенную московских барахолок и изучали характеры ее завсегдатаев, пытаясь разгадать суть этого феномена. Спектакль о таком живописном фрагменте городского пейзажа выпущен при поддержке Яндекс 360. Разговоры с торговцами и постоянными клиентами рынков в Измайлове, Салтыковке и Новоподрезкове стали основой спектакля об уникальном месте. Об оживленном перекрестке, на котором встречаются жители разных миров: интеллигенты и маргиналы, страстные коллекционеры и «лишние» люди, мигранты, нищие, бандиты, художники и мажоры. Исповеди и беседы «барахольщиков», сцены рыночного быта – настоящая энциклопедия непарадной жизни, разворачивающейся «на обочине» общепризнанных границ успеха. Современные обитатели «блошек» отчасти напоминают героев Горького или Достоевского. А в их биографиях, текстах, представлениях о горе и счастье воспроизводится сложный, противоречивый образ сегодняшней действительности.

«Жизель» – вершина романтической хореографии, образец единства пантомимы и танца, который пережил свое время и остался навсегда в списке шедевров классического балета. Великая классика хореографического искусства, бессмертная легенда о любви, нетленный шедевр академического танца. Либретто балета основано на древней легенде, рожденной в глубине веков в Восточной Европе и записанной немецким поэтом Генрихом Гейне. В ней рассказывается о виллисах – девушках, которые погибали от предательства своих избранников и потом, будучи невесомыми и пугающими духами, жестоко расправлялись с путниками по ночам, затанцовывая их до смерти. Так они мстили за свои поломанные судьбы. Сюжет балета развивается в двух контрастных актах – первый представляет пасторальный, идиллический мир крестьянской жизни, а второй погружает зрителя в мистическую атмосферу потустороннего мира.

Балет «Лебединое озеро» – самый лиричный из балетов П. И. Чайковского. В основу сюжета положен один из многочисленных вариантов народного сказания о девушке, превращенной злой силой в птицу. Молодой принц, встретив зачарованную принцессу-лебедь, клянется ей в вечной любви. В этой клятве – залог ее избавления от волшебных чар. Но принц невольно изменяет своему слову, обманутый сходством Одетты с Одиллией – дочерью злого гения. Одетта обречена навсегда остаться лебедем. Впоследствии мрачный финал балета был изменен: принц и лебедь, бросившись в волны, разрушили злые чары. Действие заканчивается светлым апофеозом.

Как актуальны события, описанные Островским в 1870 году! Прошло 150 лет, а богатые дамы по-прежнему влюбляются в юношей и разоряются. Служители искусства, тем более театрального, по-прежнему нуждаются, и девушкам, чтобы выйти замуж за богатого отпрыска, нужно иметь какое-то приданое от богатых родственников. Вечные ценности – семья, любовь, дружба, преданность – все имеет свою цену. В скитаниях по России встречаются трагик Несчастливцев и комик Счастливцев. Волею случая они оказываются недалеко от имения Гурмыжской, тетки Несчастливцева. А там все смешалось – тетка собирается замуж за юнца, сосед выгадывает, как подешевле скупить теткин лес, племянница-бесприданница, не надеясь на счастливое замужество, собирается топиться, а гимназист-недоучка готов жениться, чтобы обеспечить свое будущее. И в этом водовороте событий только нищие актеры умеют по-настоящему сопереживать ближнему.

Исполнители: Ольга Селиверстова, сопрано; Елизавета Пахомова, сопрано; Мария Оселкова, фортепиано. Монооперы Франсиса Пуленка и Микаэла Таривердиева – две истории о женщинах, чьи чувства раскрываются в разных обстоятельствах. На одной сцене встретятся два женских образа, созданных на литературной основе произведений Жана Кокто и Роберта Рождественского. Героиня Пуленка переживает расставание с любимым, который изменил ей, тогда как героиня Таривердиева находится в ожидании возлюбленного. При всех различиях ситуаций в центре обеих моноопер оказывается внутренний мир женщины – ее любовь, надежда, тревога и одиночество. Обе героини лишены имени. У Пуленка молодая француженка ведет последний телефонный разговор с любимым. Хрупкая, гордая и отчаянная, она постепенно проходит путь от надежды и нежности к боли и тревоге. В «Ожидании» Таривердиева звучит голос советской женщины, созданной Робертом Рождественским. За простым ожиданием разворачивается целый внутренний мир – волнение, воспоминания, мечты, нетерпение и сомнения. Ожидание становится самостоятельным драматическим переживанием, в котором угадывается судьба многих женщин – «суетою замотанных, но, как прежде, – божественных». Финалы обеих моноопер сохраняют недосказанность.

По одноименной пьесе Д. Фонвизина. «Не хочу учиться – хочу жениться», – подобные мысли наверняка приходят в голову современным митрофанушкам, не утруждающим себя подготовкой к сдаче ЕГЭ. Оперетта-водевиль «Недоросль» А. Журбина раскрывает новые грани нестареющего сюжета. Это сатира, беспощадно высмеивающая людские пороки. Это смелая попытка посмотреть в глаза действительности, противопоставить невежеству знания и мудрость, беззаконию – благородство и честь, тирании – искреннюю любовь. В спектакле острый юмор и гротеск сочетаются с глубокими размышлениями о вечных русских проблемах: иждивенчестве, неуважении к личности, деспотизме, слепой любви родителей к своему чаду… и о проблеме власти, не видящей и не слышащей тех, кем она управляет. Композитор – А. Журбин. Автор либретто и стихов – Л. Яковлев. Режиссер-постановщик – заслуженный деятель искусств России, заслуженный артист России Г. Чихачев. Дирижер-постановщик – заслуженный артист России В. Янковский. Премьера состоялась 28 июля 2015 года.

Шекспировскую Верону сменил Нью-Йорк, а вместо вражды семей – противостояние уличных банд Манхэттена. Но современные Ромео и Джульетта все так же выбирают друг друга вопреки страху, запретам и ожиданиям других. «Вестсайдская история» – это история первой любви, когда весь мир наполнен музыкой, танцами до утра, юношеским максимализмом и уверенностью, что чувства важнее всего. Новый взгляд на шекспировскую трагедию соединяет современную визуальную эстетику, музыку Леонарда Бернстайна в исполнении живого оркестра и хореографию Джерома Роббинса, адаптированную для сцены солистом театра «Кремлевский балет», балетмейстером-постановщиком Никитой Высоцким. В основе постановки – одноименный культовый фильм 1961 года, получивший 10 премий «Оскар».

Комедийный мюзикл, в котором курортный городок Причерноморск 1987 года встречается с атмосферой звездного Сан-Ремо и настроением лучших кинокомедий Гайдая, Рязанова и Данелии. Чтобы впечатлить девушку, безнадежно влюбленный Дима обещает привезти на День города главную итальянскую суперзвезду – и запускает череду невероятных событий, которые станут для героев судьбоносными. В спектакле звучат 20 мегахитов Адриано Челентано, Тото Кутуньо, Джо Дассена и Мирей Матье, а узнаваемые приметы эпохи создают живое ощущение времени, когда все было проще и понятнее.

Первая полностью оригинальная российская постановка, созданная на основе мирового классического произведения. В центре сюжета – молодой чистосердечный моряк, ставший невинной жертвой ревностных хитросплетений. Его оклеветали и предали забвению, но спустя многие годы он возвращается, чтобы закрутить карнавальное колесо разоблачений. Вместе с героями зрители переносятся во времени и пространстве, оказываясь на ярком карнавале, в таинственном замке Иф и даже в открытом море на корабле контрабандистов. Трогательные и судьбоносные события увлекают и захватывают!

Постановка создана по роману Юлиана Семенова. В центре сюжета – советский разведчик Максим Исаев, который действует под именем Макса Отто фон Штирлица. В основу спектакля легли события, не вошедшие в одноименный телефильм. Действие происходит весной 1945 года, в последние месяцы Великой Отечественной войны. Герой ведет разведывательную работу, выполняет задания в условиях строгой секретности, живет под чужим именем и должен оставаться незаметным для окружающих. По словам режиссера, разведчикам приходилось растворяться в толпе, принимать чужой образ и каждый день выполнять сложную работу в опасных условиях. Спектакль рассказывает о подвиге людей, которые служили родине и внесли вклад в Победу.

Россия проходила через испытания не раз. Однако всегда появлялись герои, которые, не боясь потерять жизнь, вступали в неравный бой со смертью, спасая родину. Именно они остаются жить в веках. Зрители увидят фантазию по мотивам знаменитой поэмы Александра Твардовского. В пехотной роте – новый парень Василий Теркин. Он воюет уже второй раз на своем веку (первая война – Советско-финляндская). Василий за словом в карман не лезет, едок хороший. В общем, парень хоть куда. Теркин вспоминает, как он в отряде из десяти человек при отступлении пробирался с западной, немецкой стороны к востоку (фронту). По пути была родная деревня командира, и отряд зашел к нему домой. Жена накормила бойцов, уложила спать. Наутро солдаты ушли, оставив деревню в немецком плену. Теркин хотел бы на обратном пути зайти в эту избу, чтобы поклониться «доброй женщине простой».

Это пьеса о мужчинах, объединенных общим страхом и общим волнением. На протяжении ночи они ждут рождения своих детей, каждый из них гадает, каким будет их завтрашний день и мир. Переживая за детей, которые вот-вот должны родиться, герои невольно дают оценку окружающей действительности. По словам Евгения Гришковца, сценической судьбой этой постановки он решил заняться сам, потому что не решился доверить героев этой нежной пьесы чужим рукам: ситуация и пространство требуют от этих людей быть хорошими. В этой пьесе все люди хорошие. Человек, ждущий своего ребенка в роддоме, не может быть плохим.

События наполеоновских войн, размышления о состоянии общества — это фон для истории, рассказанной в спектакле. На первый план выходят семьи: Ростовы, Болконские, Курагины, Друбецкие… Жизнь человека в момент перелома эпох. Мир эстетичный, хрупкий, театральный — всё это поглощается кометой 1812 года. В этой постановке нет павильона, нет нагромождения бытовых деталей, артисты не прячутся за декорациями. Когда события четырёх томов романа укладываются в без малого 5 часов сценического действия — не может быть никаких лишних деталей. Спектакль требует элегантности и простоты. Мы творим, оформляем, вкладываем судьбы, парадоксы, безумие, любовь, радость, отчаяние. Нужна другая игра. Как только зритель предугадывает ваше следующее действие, актёр становится не нужным. Очень важны психологические кульбиты – в поступках, в мыслях. Это наша обязанность: цирк сознания, переворотов, изменения души, настроения, порывов. Обязанность нашей профессии – раскрыть слово, мысль.

Александр Николаевич Островский и Малый театр рассказывают старую как мир историю о том, что одним людям суждено быть простодушными и кроткими, как овечки, а другим – хищными и опасными, как волки. Порою, однако, и матерый хищник попадает впросак... Пьеса «Волки и овцы» во все времена была своеобразной визитной карточкой Малого театра и выдержала немалое количество постановок, в которых блистали лучшие артисты труппы. Вот и сейчас в спектакле заняты Людмила Полякова, Борис Невзоров, Виктор Низовой, Валерий Бабятинский, Владимир Дубровский и другие. За 20 лет, прошедших со дня премьеры, спектакль не потерял своей свежести, актуальности и всегда идет при полном зале.

Режиссер Павел Пархоменко представляет спектакль по роману Льва Толстого. История о князе Нехлюдове, который, будучи присяжным на суде, встречает девушку, которую он когда-то соблазнил и бросил. С этого момента начинается трудный путь к духовному очищению и возрождению главных героев. Режиссер поставил спектакль, полный мучительных открытий, которые помогут зрителям понять и прочувствовать сложные переживания персонажей. Одна из самых противоречивых работ Толстого воплощается на сцене благодаря таланту Пархоменко и профессионализму актеров.

Танцевальный спектакль представляет яркий хореограф современной сцены Ольга Лабовкина. Для артистов «Балета «Москва» она создает эксклюзивную постановку впервые. В своем творчестве автор хореографии объединяет мощный витальный заряд и внимание к танцевальной технике. Спектакль балансирует на грани сна и реальности. Иногда эти два состояния сознания сливаются, иногда расходятся, и некая условная граница между ними ломается, не выдержав напряжения. Постановка пронизана ощущением двойственности – в хореографии живое движение переплетается с гротескными жестами марионетки. Сценография Гали Солодовниковой усиливает его, создавая пространство не-дома – места, пригодного для жизни и одновременно чужого. Композитор и саунд-дизайнер Илья Дягель и виолончелистка Уна Пересецкая-Молокович поддерживают идею, переплетая электронное и инструментальное звучания.

Спектакль актуален в каждом своем слове, выразителен в каждой своей мизансцене. Гамлет в Театре «У Никитских ворот» – прежде всего, Актер, лицедей, режиссирующий свою собственную жизнь и смерть… по системе К. С. Станиславского!.. Он, конечно, ничего не знает о ней, но почему так четко и ясно понимает законы ПРАВДИВОЙ ИГРЫ, откуда в нем эта демонстративная страсть к лицедейству, к разоблачению всякой лжи и фальши?!. Только в монологах наш Гамлет остается наедине с самим собой. Земля качается под его ногами. Он как бы балансирует над пропастью, предложенной ему роком и Эльсинором. Движимый жаждой справедливости, его герой – сильная личность, цельная, отнюдь не раздвоенная, без всякого пресловутого «гамлетизма», знающая цену жизни и смерти, и бесстрашно идущая к акту возмездия как абсолютно сознательному действию, наказывающему Зло. Главная тема Гамлета – право на насилие, право на месть, на личный суд в целях достижения Высшей справедливости.Вот почему не следует искусственно актуализировать «Гамлета». Он актуален и так. Но заново прочесть великую пьесу, трактующую тему греха и ответственности за грех, может быть, стоит сегодня, как никогда.

Пьеса Людмилы Разумовской – абсолютный театральный хит 80-х годов. Она прошла сотни раз на сценах многих театров России, а Эльдар Рязанов снял по этой пьесе замечательный фильм. Казалось бы, история этого произведения на этом закончилась. Зачем сегодня заново представлять эту пьесу современному зрителю? Для чего еще раз ворошить тему молодого потерянного поколения? На эти вопросы можно ответить лишь в том случае, если вы зададитесь другим вопросом: а что изменилось в психологии и сознании юного поколения? Думается, что жестокость не только осталась прежней, но даже возросла. В реальную жизнь буквально ворвалось насилие, и кровопролитие уже не удивляет. В данной версии пьесы «Дорогая Елена Сергеевна» автор хотел заострить проблемы психологии пустого существования, ибо на насилие способны только те, чьи понятия о добре и зле выкинуты из реальной жизни. Эта история и сегодня потрясает правдой характеров и болью за потерянные, оказавшиеся опустошенными молодые души.

«Чехов неисчерпаем, сколько бы к нему ни обращались. Всякий раз видишь в нем что-то ранее незамеченное, непочувствованное, неоткрытое», – так говорит известный режиссер Андрей Кончаловский, фильм которого «Дядя Ваня» (1970 г.) стал одной из лучших экранизаций великого драматурга. В театральной постановке режиссер вновь обратился к пьесе и ее героям, чтобы еще раз осмыслить вечную тему поиска человеком самореализации и счастья. Мир Антона Чехова, созданный на сцене, буквально сталкивается с сегодняшней суетной повседневностью. Этим сценическим приемом режиссер объединяет формы традиционного и современного театра. Спектакль, по замыслу режиссера, поставлен в классической эстетике, но в неклассической интерпретации. Глубокая и точная режиссерская трактовка, мощный актерский ансамбль, стильное оформление делают постановку яркой, психологически тонкой и зрелищной.

Кай, Никита и Терентий, золотая молодежь эпохи застоя, в своем дружеском кругу стремятся сбежать от взрослого мира. Они и сами давно стоят на пороге взросления, но никак не могут сделать шаг из детства в самостоятельную жизнь с ее трудностями и ответственностью. Внезапная встреча с девушкой Нелей меняет привычный уклад их беззаботной жизни, заставляя каждого из героев по-новому взглянуть на главные жизненные ценности. Одна из самых знаменитых пьес Алексея Арбузова «Жестокие игры» была написана в далеком 1978 году. С тех пор многое невозвратно изменилось, однако художественный мир писателя, отчасти продолжающий чеховскую традицию, делает его драматургию классикой. Вопросы, которые решают герои этой истории, остаются актуальными для каждого молодого поколения. Музыкальное решение спектакля построено на мотивах 1970-х. Авторы ставят своей задачей исследовать, как эта музыка откликается в современном мире, насколько она актуальна сегодня. Постановка объединит опытных артистов Центра драматургии и режиссуры и молодых выпускников кафедры саунд-драмы ГИТИСа. Режиссером спектакля выступила актриса и режиссер Фаина Колоскова, чья постановка «Мерехлюндия-эскиз» по переписке Антона Чехова и Ольги Книппер с успехом идет на сцене центра. Режиссер Фаина Колоскова рассказывает: «В этом спектакле я бы хотела поговорить о таком важном понятии, как семья, но не в общепринятом понимании, а в более широком плане. Что такое «семья» в коллективе? Что такое «дом»? Как его найти в своем сердце? Как построить, а не разрушать? Через препятствия, уроки герои будут учиться любви, принятию и терпению».

Елена Шкурпело – вдохновленная и вдохновляющая – многогранная актриса, сочетающая в себе какое-то воздушное очарование и непоколебимую твердость. Вы, конечно, видели ее в спектаклях «С неба упали три яблока», «Правда – хорошо, а счастье лучше», «Посадник» и других. Она подготовила совершенно особый подарок для зрителей – моноспектакль «Здесь был человек». Женщина приходит на кастинг в агентство будущего и проходит собеседование. Прозвучат стихи Жака Превера и Франсуа Вийона, новелла Ивана Бунина, рассказ Антона Чехова и даже глава «Божественной комедии» Данте. И в ходе испытаний героиня столкнется со своим прошлым.

Спектакль в постановке народного артиста России Игоря Угольникова – новый подход к решению военной драмы. Знамя Победы, водруженное советскими солдатами на крышу Рейхстага, не просто поставило точку в Великой Отечественной войне – оно закрепило в сознании народов решающую роль Советского Союза в победе над фашизмом. Знаменитый снимок реющего над разрушенным Берлином советского знамени мгновенно разошелся по всей мировой прессе, поставив точку в спорах о роли союзников в Великой Победе. 11 лучших дивизий, участвовавших в берлинской операции, боролись за право водрузить свое знамя на Рейхстаг. Солдаты устанавливали знамя под пулями, рискуя жизнью. Миг, когда знамя с серпом и молотом взвилось над зданием, олицетворявшим мощь Третьего рейха, стал незабываемым мгновением в жизни каждого участника операции: это был миг настоящего торжества, к которому наша страна шла долгих четыре года. Разделить его мечтал каждый советский солдат – водрузить Знамя Победы и тем самым закончить войну. Театр Российской Армии спустя 80 лет дарит своим зрителям возможность пережить этот удивительный момент вместе – не только с актерами, но и с реальными действующими лицами тех событий, смотрящими на нас с фотографий и кинохроники.

Чем больше попыток исключить политику из собственной жизни, тем с большим сожалением можно наблюдать за ее насильственным вторжением в глубоко интимную сферу бытия и духа. Сюжет, связанный с жизнью английского короля Генриха VIII, всегда интересовал и продолжает интересовать многих прошлых и нынешних сочинителей. В театральном представлении воспроизведен режиссерский вариант этой вечной зависимости человеческой судьбы от зловещего молоха государственных механизмов. В этом заслуга постоянного автора – драматурга Г. Горина.

Талантливый камнерез Данила-мастер мечтает создать шедевр, достойный самой Хозяйки Медной горы. Но вместо этого не покладая рук трудится на шахте. Каждый раз, заслышав рассказы рабочих про таинственную Хозяйку, бездушный самоуправец приходит в ярость. А его завистливая женушка, напротив, загорается желанием заполучить малахитовую шкатулку, главную драгоценность хранительницы природных недр. Хозяйка Медной горы хладнокровно наблюдает за страстями людей. Многое повидала она на своем веку. Спектакль по мотивам сказов Павла Бажова – это возможность прикоснуться к красоте и мудрости уральского фольклора, оказаться в атмосфере старинных мифов, населенных колоритными персонажами и таинственными силами. Увлекательный сюжет, живописные костюмы, чарующие напевы и красочные декорации, словно самоцветные драгоценности той самой Хозяйки, перенесут зрителей в сказочный мир, полный чудес и магии.

Пьесы Флориана Зеллера из трилогии «Папа», «Мама», «Сын» сегодня у всех на устах – и это понятно: его драмы посвящены проблемам современной семьи. Они попадают в болевую точку времени, говоря о том, что ментальное здоровье – как тонкий лед, который в любой момент может разлететься вдребезги под напором жизни. Флориан Зеллер называет своих героев «людьми с трещинами». Героиня пьесы «Мама» – женщина, смыслом жизни которой была семья. Но муж отдалился, а дети выросли и покинули дом. Режиссер спектакля Егор Трухин, для которого постановка в Московском Художественном театре – дебют на профессиональной сцене, считает, что эта пьеса не только про одиночество матери, но и вообще про одиноких людей, про отсутствие диалога. И его постановка – попытка понять и почувствовать, что может произойти с человеком, который остается в полном одиночестве. Спектакль создан в рамках «Лаборатории режиссерских дебютов» – совместного проекта театра и фестиваля «Уроки режиссуры» (Биеннале театрального искусства).

В повести А. П. Чехова отразились его взгляды на философию Л. Н. Толстого, его согласие с ней и критика отдельных моментов. Зрители увидят историю Мисаила – сына архитектора и потомственного дворянина. В самом начале спектакля он отказывается от общественного положения, которое может дать умственный, достойный, по мнению окружающих, труд в пользу труда физического. Не видя в этом ничего дурного он становится настоящим пролетарием. Куда заведут эти поиски? Как в историю собственного становления впишется любовь, а потом и женитьба на дочери бывшего работодателя? Обретет ли Мисаил настоящую свободу или окажется слаб для того, чтобы противостоять общественному мнению? Создатели спектакля стремятся с помощью современных средств поговорить на вечные темы и заново открыть малоизвестную повесть Чехова. Режиссером спектакля выступил Данил Акутин, для которого спектакль стала первой премьерой в драматическом театре.

История молодого, образованного, амбициозного дворянина из бедной семьи Егора Дмитриевича Глумова, стремящегося любой ценой пробиться «в люди», мечтающего о богатстве и высоком положении в обществе, плетя интриги и искусно манипулируя окружающими, заставляет задуматься о цене успеха и нравственных компромиссах. Спектакль «На всякого мудреца довольно простоты» в постановке режиссера Артема Бибилюрова – это возможность по-новому взглянуть на вечные вопросы классиков через яркие образы героев и тонкий юмор Александра Островского.

Действие происходит в одном провинциальном оркестре. Все знают эти маленькие замкнутые творческие коллективы, в которых жизни людей переплетаются особенно плотно. Интриги, любовь, страсть, одиночество, ревность и более сложносочиненные чувства и эмоции обуревают героев спектакля. И все это сопровождается разного рода музыкой – то танго, то джазом, то французскими песнями, то быстрой накаленной мелодией, то медленной, будто опустевшей. Музыка – это душа. Спектакль поставлен по пьесе знаменитого французского драматурга Жана Ануя. Его пьесы невероятно тонкие, они сотканы из самых потаенных чувств и мыслей человека, основаны на психологии людей, на их часто иррациональном поведении, нелогичности, хрупкости. Произведения Жана Ануя – это не просто красиво, это настоящая глубина с множеством пластов и переживаний.

Режиссер Евгений Закиров отказывается от расхожей эстетики сумасшествия и главным мотивом делает экзистенциальный кризис слабого интеллигентного героя, заблудившегося в щемящей абсурдности русского мироустройства. В спектакле кроется много философии, неспешной лирики, абсурдного юмора и трагедия, обычная у Чехова: когда могло случиться чудо, а случилась нелепость – и погубила человека. Евгений Закиров: «Этот текст вообще не про психушку! Стоит ли бороться с чем-либо вообще? Вот главная тема. Еще для меня важна здесь форма любви. Два человека – врач и пациент – нашли друг друга. Это очень важная встреча, когда один в другом открывает целый мир и влияет на него. Но волею судьбы эти двое оказались по разные стороны баррикад, как жертва и палач».

Знаменитая горинская ремарка «Все смеются и плачут» буквально пронизана духом классической прозы Шолом-Алейхема с уникальной тканью еврейского юмора и человеческой мудрости, как и знаменитая на весь мир история Тевье-молочника, написанная драматургом Григорием Гориным в 1989 году. Драма о семье и вере на фоне исторических перемен рисует картину жизни за чертой оседлости в дореволюционной России, в период начала гонений на евреев. Обаятельные жители местечка Анатовка – русские, евреи и украинцы – становятся свидетелями и участниками народных волнений, докатившихся до них с «большой земли». В патриархальный уклад их и без того небогатой и трудной жизни врываются новые трагедии. «Да, Богом избранный народ, но иногда выбирай кого-нибудь другого», – эти слова молочника Тевье как нельзя лучше говорят о непосильных переживаниях. Но выстоять помогают любовь, вера и природное чувство юмора. Когда уже нет слез – пора смеяться, а что остается еще делать?

Детективный сюжет погрузит зрителей в пучину сложнейших и до сих пор не разрешенных проблем, раскрывая одну из главных идей романа – душевные переживания Раскольникова, метаморфозы его внутреннего мира, приводящие от сострадания к преступлению. Сюжет держит зрителя в напряжении до последнего акта – акта раскаяния, вселяющего надежду на искупление. И хотелось бы, чтобы, выходя после спектакля, зрители на вопросы «Как быть?» и «Кто виноват?» могли ясно ответить, «что делать». Смотрите спектакль, и вам легче будет разговаривать с вашими детьми. О том, что такое «кровь по совести», что такое «тварь я или право имею» и почему за преступлением всегда следует наказание.

Последние дни войны. В уцелевшей церквушке на окраине сожженной деревни раненый солдат ждет «своих». Неожиданно появляется девушка, и зрители становятся свидетелями внезапно вспыхнувшего чувства, полного светлых надежд. Серьезная, сдержанная девушка и наивный солдат, мечтающий после войны сделать все, что не успел... Два юных человека, два характера постепенно раскрываются через откровенные доверительные разговоры друг с другом. Это – история любви, случившейся в последние дни войны. История светлая, искренняя, рассказанная театром вдохновенно и целомудренно. Продолжительность спектакля – 1 ч. 30 мин. (без антракта). Премьера новой версии спектакля состоялась в 2015 г.

Пьеса Льва Толстого «Живой труп» впервые была представлена на сцене именно в Художественном театре. 115 лет назад, осенью 1911 года, здесь вышел спектакль Владимира Немировича-Данченко с Иваном Москвиным в главной роли. История о человеке, который рушит свою жизнь в попытке выйти из лабиринта личных отношений («Живут три человека: я, он, она… борьба добра со злом, такая духовная борьба, о которой вы понятия не имеете…»), была проникнута глубокой жалостью к людям. Гуманизм Толстого оказался сродни идее МХТ – пробуждению сопереживания. Век спустя слово «эмпатия» прочно вошло в обиход, но отношения между людьми так и не стали проще. В новой версии «Живого трупа» действие перенесено в сегодняшний день. Главную роль – Федора Протасова – исполнит Филипп Янковский.

Спектакль по произведениям А. С. Пушкина в необычном современном театральном формате – сторителлинг. Прямо во время спектакля зрители смогут поговорить с актерами о том, что же это такое – искусство рассказывания историй, чем оно отличалось в пушкинские времена и в наше время, а также о том, что мы воспринимаем как современное, а что как устаревшее. Спектакль поможет увидеть в героях спектакля своих сверстников – очень молодых людей, поговорить с ними и с Пушкиным о том, что всех волнует сегодня.

«Счастье – жить для другого… Зачем для другого, когда и для себя не хочется?..» Вопросы, мучающие героиню спектакля, не так просты, как может показаться на первый взгляд. Что нужно для счастья? Как жить, когда уходит полнота чувств? «Мне скучно, скучно, а притворяться я ни за что не стану». И вот Маша, вышедшая в 17 лет замуж за своего опекуна, 36-летнего Сергея Михайловича, бросается, словно в омут, в светскую суету – не в поисках развлечений, а от нерастраченности душевных сил и надежд. «Ты сама должна была узнать и узнала», – говорит ей в финале муж. В ранней повести Льва Толстого (1859 год) история любви Маши и Сергея Михайловича, бесконечная череда перепадов «семейного счастья», выговорена в пространных монологах героини. В спектакле сцены домашнего чаепития, музицирования за роялем, «тихого счастья» между фортепиано и окном – словно музыкальные вариации, наполненные светом, грустью, надеждой и безнадежностью. Подробно о спектакле – на сайте театра.