Афиша театров Москвы на 1 декабря 2026

Виндзорские насмешницы» — замечательная комедия, автором которой является именитый поэт и драматург Уильям Шекспир. Превосходный авторский стиль и комический сюжет пленяют читателей вот уже несколько веков. Богатые замужние дамы из местечка Виндзор, миссис Форд и миссис Пейдж, узнав о хитром плане рыцаря Фальстафа, решили проучить его. Эта постановка – ода радости, где нет ни одного отрицательного героя. Все персонажи добродушные, игривые, где-то нелепые. Если герои и пакостят, они делают это с удовольствием, по-доброму. Режиссёр-постановщик Александр Вельмакин: «Виндзорские женушки» – это ода радости, где нет ни одного отрицательного героя. Все персонажи добродушные, игривые, где-то нелепые. Если герои и пакостят, они делают это с удовольствием, по-доброму. Сэр Фальстаф ведет себя, как ребенок, но не вкладывает в свои действия ничего негативного, он хочет поиграть, пошалить. Он будто возвращается в детство, когда не было ответственности и все было проще».

Создатели спектакля предлагают свой взгляд на неоднозначную тайну Франца Кафки. В мире парадоксального и абсурдного исследуется самый прочный вид связи – семейные отношения – и их трансформации. Может ли человек противостоять обстоятельствам? И может ли он сохранить себя под воздействием внешнего? Художественное пространство, соотносящееся с ощущением героя, начинает меняться вместе с его внутренними и внешними изменениями, принимая разные формы и объемы. Камерный мюзикл «Превращение» отличает лаконичность постановки, формирующая акцент на актерской игре и живом исполнении вокальных партий. В пространстве семейных отношений, где царит недосказанность и невозможность быть собой, музыка становится мостом, позволяющим услышать то, что невозможно выразить словами. Ироничный тон создает современное звучание, помогающее глубже понять судьбу героев. Спектакль идет в сопровождении камерного оркестра под музыку композиторов Алексея Кириллова и Александры Микаелян. Андрей Гончаров, режиссер: «В пространстве театра мне интересен взгляд Франца Кафки на окружающую реальность и его способ взаимодействия с этой реальностью – когда, например, чудовищное и невозможное становится обыденным, понятным и считается окружающими людьми само собой разумеющимся». В спектакле звучит отрывок финального монолога из рассказа Коли Русского «Отец говорил со мной / Снег любви».

«Сердце Франкенштейна» – это не готическая страшилка. Это остросюжетный триллер об ответственности ученого и история любви. Любви, которая способна создать новую жизнь. Любви, отсутствие которой способно жизнь уничтожить. «Жизни за гранью смерти нет» – этот постулат стремится оспорить молодой ученый Виктор Франкенштейн. После гибели матери юный доктор одержим единственной целью: найти путь к вечной жизни, воскрешая людей. Он жаждет стать величайшим врачом и обессмертить свое имя, создав «лекарство от смерти». Но гений не предугадал одного: каждое действие влечет последствия. Поглощенный опасной мечтой, он едва не разрушает свою жизнь и жизнь любимой женщины. «Если ставишь высшую цель, будь готов заплатить высшую цену» – лейтмотив мюзикла. Берегись своих желаний и умей вовремя остановиться в бесконечной гонке за право быть Богом. Жребий уже брошен.

Именно Евгений Колобов – основатель театра – стал главным невидимым режиссером спектакля, определив его основные акценты и общую драматургическую направленность. Опера, поставленная им, по сути своей – трагедия. Этот спектакль – как бы дуэль с большой буквы: Онегина и Ленского, Ленского и Ольги, Онегина и Татьяны, Татьяны и Гремина... Неслучайно у самого Петра Чайковского в первом варианте оперы последние слова главного героя звучали так: «О смерть, о смерть, иду искать тебя!» Ими и заканчивается постановка. Постановка – лауреат национальной театральной премии «Золотая маска» в номинации «Лучший музыкальный спектакль».

Режиссер-постановщик спектакля Владимир Бейлис: «В Островского я влюблен, он гений. Сколько в его произведениях ассоциаций с сегодняшним днем – через настоящее драматург видел будущее. Комедия «Без вины виноватые», поднимая столь важные сегодня вопросы взаимоотношений в семье, имеет воспитательное значение. Инициатором постановки был Юрий Мефодьевич Соломин, заразивший меня мечтой воплотить эту пьесу на сцене. На протяжении нескольких лет работы над текстом менялись подходы, но тема материнской любви, волновавшая тогда, осталась. У нас была идея повторить сюжет Островского – пригласить известную актрису из другого театра на главную роль, чтобы возникла сама атмосфера произведения. В спектакле образ Кручининой создает ведущая артистка Театра им. Евг. Вахтангова, заслуженная артистка России Лидия Вележева. В пьесе Кручинина стала артисткой, Незнамов – артистом, и все происходит в театре. Театр – это магнит, который всех притягивает, и место, где разворачиваются события. В современном театральном мире по-прежнему есть место историям о любви, ревности и соперничестве. Вместе с режиссером Станиславом Сошниковым, художником-постановщиком Виктором Герасименко, композитором Кузьмой Бодровым, режиссером по пластике Еленой Каралашвилии всей постановочной группой мы решили воспеть артистов, которых так любил Островский».

Александр Островский в своей сатирической пьесе, написанной в 1870 году, показывает «упразднение человечности». Бешеные, то есть случайные, деньги имеют свойство не задерживаться долго в кармане. Их постоянно не хватает, что ярко показано на примере героини Лидочки, которая не знает цены деньгам – ни копейке, ни даже рублю. Если изначально сочинение Островского было принято в штыки, то с конца ХХ века стало очевидно, что затронутые в нем проблемы переплетаются с сегодняшним днем и касаются современного общества. Деньги, заработанные честным трудом, сталкиваются с «бешеными» постоянно, и постановка на сцене театра в красках показывает последствия такой стычки. Поcтановкой спектакля занимался режиссер Андрей Миронов, благодаря которому пьеса впервые вышла на сцену этого театра в 1981 году. После недолгого перерыва возобновился показ этой истории, высмеивающей частые пороки общества, стремление к наживе и попирание общечеловеческих моральных ценностей, в частности понятий любви и дружбы.

Россия между двух революций: 1905-1917. Два мира. Одна мастерская. Одна семья. Динамику эпохи передают знаменитые произведения искусства, её обрамляющие. В 1906 году создано самое большое из яиц Фаберже Императорской серии – «Московский Кремль»; в 1915 – «Чёрный квадрат» Казимира Малевича. Павел Кутейников, гений русского ювелирного искусства, верит: его хрупкие творения из сверкающего металла и драгоценностей переживут века, потому что красота вечно лежит в основании мира. Сыновья Кутейникова с детства впитали веру отца. Но они – дети революционного времени, каждый из них по-своему переживает драму расколовшегося «Серебряного века». Линия раскола прошла прямо по семье, раздор поселился в доме Кутейниковых. Отец и сыновья спорят не о деньгах, не о политике, а о красоте, в которой продолжают искать опору в лихие времена. В чём она, истинная красота: в блеске золота или пламени мирового пожара? Анатолий Шульев, автор идеи и режиссёр: «Наш спектакль не о том, «как это было». Скорее, мы ведём диалог с историей, вместе всматриваемся в эпоху, где в горниле революций и войн проверялось на прочность всё: семейные узы, личные идеалы, любовь, вера, преданность и мастерство. Начало XX столетия – эпоха тотального самоутверждения человека, бескомпромиссного фанатизма и жизнетворчества; эпоха, когда перерождалась страна, неузнаваемо менялся мир, а человечество искало рай, сидя верхом на пороховой бочке. В том обжигающем времени гораздо больше рифм с нашей современностью, чем может показаться на первый взгляд: кризис веры, морали, традиционных ценностей, обретение технологий, к которым человечество совсем не готово, разобщённость и нарастание угроз, связанных с оружием массового поражения. Предреволюционная Россия 1917 года очень напоминает сегодняшний мир в целом, со всеми его противоречиями, ускоряющимся временем, за которым простой, живой человек порой не поспевает. Как же сохранить в этом мире себя самого, свою семью, веру в человека, в любовь и в красоту?»

Режиссер спектакля – ведущий актер Театра имени Моссовета заслуженный артист России Александр Яцко – убежден, что «Горе от ума» – лучшая пьеса из когда-либо написанных на русском языке. Его постановка дает свежий взгляд на всем знакомое со школьной скамьи произведение, оставаясь при этом верным духу великой комедии. Александр Яцко сделал хрестоматийных персонажей живыми современными людьми, чьи мысли и поступки близки и понятны сидящим в зале. Режиссер предлагает зрителям заново всмотреться в лица грибоедовских героев, понять логику и мотивы их поведения, а стильная лапидарная сценография, автором которой выступил сам постановщик спектакля, придает действию комедии изысканную красоту. Александр Яцко не сделал ни одной купюры в тексте пьесы, обогатив действие спектакля двумя вальсами Грибоедова, звучащими в живом исполнении, и записями виртуозных импровизаций пианиста Евгения Борца.

Известный кинорежиссер Дмитрий Астрахан дебютирует на ленкомовской сцене с комедией А. Островского «Доходное место». Не переиначивая драматурга, режиссер рассказывает современную историю о том, есть ли у молодого человека шансы добиться всего исключительно честным путем. Что это – идеалистические принципы или глупость? Порядочность и вера в любовь плохо уживаются рядом с корыстью, подкупом и подлостью. На сцене – живые и всем знакомые характеры со страстями и переживаниями, а не далекие персонажи из позапрошлого столетия.

Живет в одном городе очаровательная, милая, улыбчивая женщина – Оленька Племянникова. И вся жизнь ее подчинена одному чувству – любви. Но проблема и трагедия Оленьки в том, что, кроме того, что она бесконечно обаятельна и вообще «душечка», у нее нет ничего… Даже для собственного мнения и взгляда на окружающие предметы ей нужен кто-то рядом. Кто-то, подающий пример, способный дать мысли, идеи, направление жизни… Замысел рассказа Антон Павлович Чехов вынашивал 10 лет, об этом свидетельствуют его записные книжки. В итоге в небольшой рассказ он сумел уложить историю длиной в годы, наглядно изобразив драму человека приятного, но пустого, подверженного чужому влиянию. Обретет ли «душечка» настоящий смысл жизни или же будет бесконечно продолжать поиски? Будет ли у героини шанс обрести самодостаточность, которая спасет ее от мучительного одиночества? Проблема отсутствия собственного «я» и в отношениях, и в жизни гораздо актуальнее, чем кажется на первый взгляд.

Ребята из 9-го «Б» – простые советские школьники. Стоя на пороге взрослой жизни, они переживают конфликт отцов и детей, с надеждой смотрят в будущее, влюбляются и учатся прощать. Каждый старается быть честным комсомольцем и мечтает принести пользу родине. Но на календаре тревожный 1941-й год, и многих из них ждет трагическая гибель… А пока старшеклассники, столкнувшись с несправедливостью, подвергают сомнению идеалы, привитые учителями и родителями, и совершают первый серьезный нравственный выбор согласно своим представлениям о добре и зле. В спектакле заняты студенты третьего курса Школы-студии МХАТ, мастерская Евгения Писарева.

Ретроспектива короткой, но яркой жизни поэта Бориса Рыжего. Путешествие по воспоминаниям начинается с финала – последнего дня жизни поэта. Художественный нарратив строится на ключевых событиях, определивших его судьбу: школа, боксерский ринг, первая любовь к однокласснице и будущей жене, студенческий литературный клуб, публикации в журналах, первая слава, рождение ребенка, общественный успех и… трагичный исход как рок судьбы великих поэтов. Как жизнь, так и поэзия Рыжего представляет собой синтез возвышенного и низменного, прекрасного и безобразного. Его лирика во многом автобиографична, что отражается в образах лирического героя, города и времени, в котором он жил. Зрители погружаются в атмосферу Свердловска – города, где, по словам поэта, он не встречал тех, кому было бы легко от поэзии. Спектакль показывает, как в сложной и неоднозначной среде, из сочетания обстоятельств и таланта рождается самобытная и неповторимая поэзия, которая оставила заметный след в русской литературе. Эдгар Закарян, режиссер: «Мне кажется, Борис Рыжий писал очень понятные и важные вещи, которые люди ощущают, но не могут сформулировать. И они до сих пор актуальны: противоречивость человеческой жизни, сочетание в одном человеке грубости и тонкой душевности, как, например, в образе «хулигана» в кожаной куртке со шрамом на лице скрывается поэт с чувством сострадательной любви ко всем проявлениям жизни. И здесь мы стремимся к подлинному существованию артиста в обстоятельствах поэта».

Елена влюблена в Деметрия, Деметрий влюблен в Гермию, а Гермия – в Лиcандра. Впрочем, это взаимно. Есть еще отец Гермии, который смешивает все карты, пытаясь выдать дочь за нелюбимого Деметрия. И герцог Тезей ему в этом как будто даже потакает. Ночью молодые люди сбегают подальше от афинского закона и родительских советов в герцогский лес, где они будут окончательно запутаны (и распутаны!) чарами царя эльфов Оберона и его рассеянного помощника Робина. Здесь все игра – театральная, любовная, иногда немного наивная, иногда сложная и запутанная. В хаосе игры, в ночном мороке стирается черта между сном и явью. Влюбленные путают друг друга, сплетаются в живой клубок, дышащий ревностью, молодостью, страхом и – любовью. Ею, как музыкой, как волшебным соком, здесь пропитан сам воздух, ею и только ею движется «и море, и Гомер»… Подробно о спектакле – на сайте театра.

«Старики не подарок» – новая история от автора «Старушка в подарок». История про тех, кто, несмотря на возраст, знает толк в авантюрах и мечтает о будущем. Герои новой пьесы Владимира Герасимова стали легендами при жизни. Они собирали полные залы, мелькали по телевизору, без их номеров не проходил ни один значимый концерт. А потом легенда осталась, а их самих забыли. Даже к самим знаменитым актерам, как и к обычным людям, иногда подкрадываются болезни и старость. Когда‑то близкие друзья, они перестали общаться, устав друг от друга. В любом деле, как известно, наступает выгорание. Но каждый день дома они ждут, что зазвонит телефон и их снова пригласят… И вот однажды это случилось.

Это вечная история о праведном и греховном. Режиссер дает свою версию истории саморазрушения юного совратителя, вводя в сюжет спектакля новых персонажей Белое и Черное. Этот дуэт сопровождает Дориана по жизни, заключив пари. Но пока добро надеется на верный выбор героя, зло действует. В финале именно Черное становится на сторону людей и предлагает дать им шанс, но лишь для того, чтобы вновь заключить пари: «Давай начнем все сначала, а я тебе помогу. Ну что, пари?» Накал страстей и музыки, скользящая пластика, изобразительно точная передача прозы в танце увлекают за собой в непростой мир Оскара Уайльда.

«Дневник Анны Франк» – исторический документ. Это подлинная история одной еврейской семьи, скрывавшейся от нацистов в оккупированном Амстердаме в годы Второй мировой войны. Вход в тайное убежище был спрятан за книжным шкафом в конторе, которая до войны принадлежала Отто Франку, отцу Анны. Анна Мари Франк родилась 12 июня 1929 года во Франкфурте в еврейской семье. В 1933 году в Германии начались массовые гонения и притеснения евреев, и семья Анны была вынуждена переехать в Амстердам. 15 мая 1940 года была подписана капитуляция вооружённых сил Нидерландов. К 1942 году обстановка в Амстердаме накалилась настолько, что Анна Франк с сестрой, их родители и несколько друзей семьи были вынуждены спрятаться в мансарде дома. Снаружи казалось, что верхние этажи необитаемы. Дневник Анна получила в подарок ко дню рождения 12 июня 1942 года. Семья скрывалась в течение двух лет. В начале 1944 года Анна сама начала литературно обрабатывать записи, надеясь опубликовать их после окончания войны. Последняя запись в дневнике сделана 1 августа 1944 года. Вскоре всех обитателей убежища нашли и арестовали. В 1947 году Отто Франк опубликовал дневник дочери в сокращённой версии. С тех пор книга была много раз переиздана и дополнена, «Дневник Анны Франк» переведён более чем на 60 языков мира.

Документальный спектакль, собранный из воспоминаний РАМТовских актеров старшего поколения. Откуда бы ни начинался их рассказ – Дальний Восток, Алма-Ата, Рига, Сибирь – он ведет в точку, расположенную по адресу Театральная площадь, дом 2. Из воспоминаний о доме, быте, любимых вещах, когда-то окружавших и сопровождавших героев спектакля, возникает история нашей страны. Из частностей складывается общая картина огромного пространства и нашей общей судьбы. Маленькая сцена РАМТа превращается в большую многокомнатную квартиру, куда зритель приходит в гости к старожилам театра.

Автобиографическая «Повесть о Сонечке» была написана М.И. Цветаевой в 1937-1939 годах в городке Лакано-Осеан на побережье Атлантического океана. Поводом к написанию послужило запоздалое известие о смерти Софьи Голлидэй (1894-1934), с которой она была особенно дружна в период короткого увлечения театром и людьми театра. В 1918 году Цветаева познакомилась с актёрами Павлом Антокольским и Юрием Завадским – участниками театральной Студии Евгения Вахтангова (так называемой «Мансуровской студии» – по названию переулка, на котором она помещалась), а потом с актёрами Владимиром Алексеевым и Софьей Голлидэй, занимавшимися и в Студии Вахтангова, и во Второй студии МХТ. Молодые студийцы и их учителя сформировали круг её общения в 1918-1919 гг. Владислав Наставшев, режиссёр: «Повесть о Сонечке» – густой, очень плотный текст. Общественные потрясения становятся для Марины Цветаевой своеобразным катализатором. Сумасшедшая энергия обновления, которой буквально пропитан воздух, даёт ей силы, темы, новый язык. О ком бы ни писала Цветаева, она, как большой поэт, писала о себе. Примеривала на себя чужие жизни, разные роли. Её проза, соединенная с реалиями жизни, полна магии, которая завораживает…»