Афиша театров Москвы на 1 декабря 2026

Виндзорские насмешницы» — замечательная комедия, автором которой является именитый поэт и драматург Уильям Шекспир. Превосходный авторский стиль и комический сюжет пленяют читателей вот уже несколько веков. Богатые замужние дамы из местечка Виндзор, миссис Форд и миссис Пейдж, узнав о хитром плане рыцаря Фальстафа, решили проучить его. Эта постановка – ода радости, где нет ни одного отрицательного героя. Все персонажи добродушные, игривые, где-то нелепые. Если герои и пакостят, они делают это с удовольствием, по-доброму. Режиссёр-постановщик Александр Вельмакин: «Виндзорские женушки» – это ода радости, где нет ни одного отрицательного героя. Все персонажи добродушные, игривые, где-то нелепые. Если герои и пакостят, они делают это с удовольствием, по-доброму. Сэр Фальстаф ведет себя, как ребенок, но не вкладывает в свои действия ничего негативного, он хочет поиграть, пошалить. Он будто возвращается в детство, когда не было ответственности и все было проще».

Создатели спектакля предлагают свой взгляд на неоднозначную тайну Франца Кафки. В мире парадоксального и абсурдного исследуется самый прочный вид связи – семейные отношения – и их трансформации. Может ли человек противостоять обстоятельствам? И может ли он сохранить себя под воздействием внешнего? Художественное пространство, соотносящееся с ощущением героя, начинает меняться вместе с его внутренними и внешними изменениями, принимая разные формы и объемы. Камерный мюзикл «Превращение» отличает лаконичность постановки, формирующая акцент на актерской игре и живом исполнении вокальных партий. В пространстве семейных отношений, где царит недосказанность и невозможность быть собой, музыка становится мостом, позволяющим услышать то, что невозможно выразить словами. Ироничный тон создает современное звучание, помогающее глубже понять судьбу героев. Спектакль идет в сопровождении камерного оркестра под музыку композиторов Алексея Кириллова и Александры Микаелян. Андрей Гончаров, режиссер: «В пространстве театра мне интересен взгляд Франца Кафки на окружающую реальность и его способ взаимодействия с этой реальностью – когда, например, чудовищное и невозможное становится обыденным, понятным и считается окружающими людьми само собой разумеющимся». В спектакле звучит отрывок финального монолога из рассказа Коли Русского «Отец говорил со мной / Снег любви».

Комедийный мюзикл, в котором курортный городок Причерноморск 1987 года встречается с атмосферой звездного Сан-Ремо и настроением лучших кинокомедий Гайдая, Рязанова и Данелии. Чтобы впечатлить девушку, безнадежно влюбленный Дима обещает привезти на День города главную итальянскую суперзвезду – и запускает череду невероятных событий, которые станут для героев судьбоносными. В спектакле звучат 20 мегахитов Адриано Челентано, Тото Кутуньо, Джо Дассена и Мирей Матье, а узнаваемые приметы эпохи создают живое ощущение времени, когда все было проще и понятнее.

«Капитанская дочка» – настоящий русский мюзикл, созданный Марком Розовским и Максимом Дунаевским. Этот спектакль отлично подойдет для семейного просмотра. Основа спрятана в другом труде Пушкина-историка – в «Истории пугачевского бунта». Зверства Пугачева, поднявшего злобную и дикую чернь на бунт против державного официоза, описаны легким пушкинским пером с отвращением к насилию и с научной скрупулезностью. А в «Капитанской дочке» тот же гениальный автор как бы заново и по-другому осмысливает события – уже через художественную призму, через частную историю всепобеждающей любви двух сердец – юноши и девушки, которые попали в кровавую мясорубку века и сумели сохранить жизнь и достоинство. Тема любви сопряжена с темой предательства, и взятые Александром Пушкиным в эпиграф слова «Береги честь смолоду» составляют призывный смысл, обращенный ко всем поколениям людей, живших и живущих на Русской земле. Отсюда святой патриотический градус, пронизывающий этот музыкально-поэтический спектакль.

«Сердце Франкенштейна» – это не готическая страшилка. Это остросюжетный триллер об ответственности ученого и история любви. Любви, которая способна создать новую жизнь. Любви, отсутствие которой способно жизнь уничтожить. «Жизни за гранью смерти нет» – этот постулат стремится оспорить молодой ученый Виктор Франкенштейн. После гибели матери юный доктор одержим единственной целью: найти путь к вечной жизни, воскрешая людей. Он жаждет стать величайшим врачом и обессмертить свое имя, создав «лекарство от смерти». Но гений не предугадал одного: каждое действие влечет последствия. Поглощенный опасной мечтой, он едва не разрушает свою жизнь и жизнь любимой женщины. «Если ставишь высшую цель, будь готов заплатить высшую цену» – лейтмотив мюзикла. Берегись своих желаний и умей вовремя остановиться в бесконечной гонке за право быть Богом. Жребий уже брошен.

Именно Евгений Колобов – основатель театра – стал главным невидимым режиссером спектакля, определив его основные акценты и общую драматургическую направленность. Опера, поставленная им, по сути своей – трагедия. Этот спектакль – как бы дуэль с большой буквы: Онегина и Ленского, Ленского и Ольги, Онегина и Татьяны, Татьяны и Гремина... Неслучайно у самого Петра Чайковского в первом варианте оперы последние слова главного героя звучали так: «О смерть, о смерть, иду искать тебя!» Ими и заканчивается постановка. Постановка – лауреат национальной театральной премии «Золотая маска» в номинации «Лучший музыкальный спектакль».

Спектакль четвертого актерского курса Школы-студии МХАТ (мастерская Марины Брусникиной и Сергея Щедрина) по роману Бориса Вахтина «Одна абсолютно счастливая деревня». Работа выросла из самостоятельного показа студентов. Роман о довоенном, военном и послевоенном советском времени соединился в спектакле с лирикой Александра Башлачева. Два разноименных источника, две вселенные, объединившись, дают нечто третье. Видимо, сон Башлачева об абсолютном счастье. Студенты в спектакле осваивают прозу и рок-поэзию, но еще и работают в жанре театра предмета, оживляя простые бытовые вещи. Деревянный помост трансформируется в самые разнообразные объекты, которые встречаются в судьбе героев: от деревенского быта до военных действий. Все играют, все поют, все играет, все поет. Инструменты являются и реквизитом, и частью оркестра. Оркестр – коллективный рассказчик, а Пугало из романа Бориса Вахтина выступает как дирижер.

Режиссер-постановщик спектакля Владимир Бейлис: «В Островского я влюблен, он гений. Сколько в его произведениях ассоциаций с сегодняшним днем – через настоящее драматург видел будущее. Комедия «Без вины виноватые», поднимая столь важные сегодня вопросы взаимоотношений в семье, имеет воспитательное значение. Инициатором постановки был Юрий Мефодьевич Соломин, заразивший меня мечтой воплотить эту пьесу на сцене. На протяжении нескольких лет работы над текстом менялись подходы, но тема материнской любви, волновавшая тогда, осталась. У нас была идея повторить сюжет Островского – пригласить известную актрису из другого театра на главную роль, чтобы возникла сама атмосфера произведения. В спектакле образ Кручининой создает ведущая артистка Театра им. Евг. Вахтангова, заслуженная артистка России Лидия Вележева. В пьесе Кручинина стала артисткой, Незнамов – артистом, и все происходит в театре. Театр – это магнит, который всех притягивает, и место, где разворачиваются события. В современном театральном мире по-прежнему есть место историям о любви, ревности и соперничестве. Вместе с режиссером Станиславом Сошниковым, художником-постановщиком Виктором Герасименко, композитором Кузьмой Бодровым, режиссером по пластике Еленой Каралашвилии всей постановочной группой мы решили воспеть артистов, которых так любил Островский».

Александр Островский в своей сатирической пьесе, написанной в 1870 году, показывает «упразднение человечности». Бешеные, то есть случайные, деньги имеют свойство не задерживаться долго в кармане. Их постоянно не хватает, что ярко показано на примере героини Лидочки, которая не знает цены деньгам – ни копейке, ни даже рублю. Если изначально сочинение Островского было принято в штыки, то с конца ХХ века стало очевидно, что затронутые в нем проблемы переплетаются с сегодняшним днем и касаются современного общества. Деньги, заработанные честным трудом, сталкиваются с «бешеными» постоянно, и постановка на сцене театра в красках показывает последствия такой стычки. Поcтановкой спектакля занимался режиссер Андрей Миронов, благодаря которому пьеса впервые вышла на сцену этого театра в 1981 году. После недолгого перерыва возобновился показ этой истории, высмеивающей частые пороки общества, стремление к наживе и попирание общечеловеческих моральных ценностей, в частности понятий любви и дружбы.

Россия между двух революций: 1905-1917. Два мира. Одна мастерская. Одна семья. Динамику эпохи передают знаменитые произведения искусства, её обрамляющие. В 1906 году создано самое большое из яиц Фаберже Императорской серии – «Московский Кремль»; в 1915 – «Чёрный квадрат» Казимира Малевича. Павел Кутейников, гений русского ювелирного искусства, верит: его хрупкие творения из сверкающего металла и драгоценностей переживут века, потому что красота вечно лежит в основании мира. Сыновья Кутейникова с детства впитали веру отца. Но они – дети революционного времени, каждый из них по-своему переживает драму расколовшегося «Серебряного века». Линия раскола прошла прямо по семье, раздор поселился в доме Кутейниковых. Отец и сыновья спорят не о деньгах, не о политике, а о красоте, в которой продолжают искать опору в лихие времена. В чём она, истинная красота: в блеске золота или пламени мирового пожара? Анатолий Шульев, автор идеи и режиссёр: «Наш спектакль не о том, «как это было». Скорее, мы ведём диалог с историей, вместе всматриваемся в эпоху, где в горниле революций и войн проверялось на прочность всё: семейные узы, личные идеалы, любовь, вера, преданность и мастерство. Начало XX столетия – эпоха тотального самоутверждения человека, бескомпромиссного фанатизма и жизнетворчества; эпоха, когда перерождалась страна, неузнаваемо менялся мир, а человечество искало рай, сидя верхом на пороховой бочке. В том обжигающем времени гораздо больше рифм с нашей современностью, чем может показаться на первый взгляд: кризис веры, морали, традиционных ценностей, обретение технологий, к которым человечество совсем не готово, разобщённость и нарастание угроз, связанных с оружием массового поражения. Предреволюционная Россия 1917 года очень напоминает сегодняшний мир в целом, со всеми его противоречиями, ускоряющимся временем, за которым простой, живой человек порой не поспевает. Как же сохранить в этом мире себя самого, свою семью, веру в человека, в любовь и в красоту?»

Режиссер спектакля – ведущий актер Театра имени Моссовета заслуженный артист России Александр Яцко – убежден, что «Горе от ума» – лучшая пьеса из когда-либо написанных на русском языке. Его постановка дает свежий взгляд на всем знакомое со школьной скамьи произведение, оставаясь при этом верным духу великой комедии. Александр Яцко сделал хрестоматийных персонажей живыми современными людьми, чьи мысли и поступки близки и понятны сидящим в зале. Режиссер предлагает зрителям заново всмотреться в лица грибоедовских героев, понять логику и мотивы их поведения, а стильная лапидарная сценография, автором которой выступил сам постановщик спектакля, придает действию комедии изысканную красоту. Александр Яцко не сделал ни одной купюры в тексте пьесы, обогатив действие спектакля двумя вальсами Грибоедова, звучащими в живом исполнении, и записями виртуозных импровизаций пианиста Евгения Борца.

Известный кинорежиссер Дмитрий Астрахан дебютирует на ленкомовской сцене с комедией А. Островского «Доходное место». Не переиначивая драматурга, режиссер рассказывает современную историю о том, есть ли у молодого человека шансы добиться всего исключительно честным путем. Что это – идеалистические принципы или глупость? Порядочность и вера в любовь плохо уживаются рядом с корыстью, подкупом и подлостью. На сцене – живые и всем знакомые характеры со страстями и переживаниями, а не далекие персонажи из позапрошлого столетия.

Живет в одном городе очаровательная, милая, улыбчивая женщина – Оленька Племянникова. И вся жизнь ее подчинена одному чувству – любви. Но проблема и трагедия Оленьки в том, что, кроме того, что она бесконечно обаятельна и вообще «душечка», у нее нет ничего… Даже для собственного мнения и взгляда на окружающие предметы ей нужен кто-то рядом. Кто-то, подающий пример, способный дать мысли, идеи, направление жизни… Замысел рассказа Антон Павлович Чехов вынашивал 10 лет, об этом свидетельствуют его записные книжки. В итоге в небольшой рассказ он сумел уложить историю длиной в годы, наглядно изобразив драму человека приятного, но пустого, подверженного чужому влиянию. Обретет ли «душечка» настоящий смысл жизни или же будет бесконечно продолжать поиски? Будет ли у героини шанс обрести самодостаточность, которая спасет ее от мучительного одиночества? Проблема отсутствия собственного «я» и в отношениях, и в жизни гораздо актуальнее, чем кажется на первый взгляд.

Ребята из 9-го «Б» – простые советские школьники. Стоя на пороге взрослой жизни, они переживают конфликт отцов и детей, с надеждой смотрят в будущее, влюбляются и учатся прощать. Каждый старается быть честным комсомольцем и мечтает принести пользу родине. Но на календаре тревожный 1941-й год, и многих из них ждет трагическая гибель… А пока старшеклассники, столкнувшись с несправедливостью, подвергают сомнению идеалы, привитые учителями и родителями, и совершают первый серьезный нравственный выбор согласно своим представлениям о добре и зле. В спектакле заняты студенты третьего курса Школы-студии МХАТ, мастерская Евгения Писарева.

В основе спектакля – «Театральный роман» Булгакова, а кроме него – отрывки из первой редакции «Белой гвардии», записи репетиций Станиславского и фрагменты из трактата «Работа актера над собой». Начинающий писатель Максудов ждет, когда его пьесу поставят в театре. Идут репетиции, жизнь героя медленно превращается в отчаянно веселый кошмар. В основе спектакля лежит природа чувств сновидений, а главное – трагикомическое восприятие мира. Зритель видит болезненный и неразрешимый конфликт: между тем, что герою Максудову хочется сделать, и тем, что получается в итоге. Спектакль – участник программы Russian Case фестиваля «Золотая маска» 2015 года. Номинации на премию «Золотая маска – 2015»: «Лучший спектакль в драме, малая форма», «Лучшая работа режиссера», «Лучшая работа художника», «Лучшая мужская роль».

На что готов человек ради благополучия своей семьи? Переехать в Австралию, выращивать в парниках помидоры или обрушить экономику целой страны? Одно другого не исключает, любые средства хороши, когда всю жизнь выдаешь себя не за того, кем являешься. Джордж Редферн – образцовый отец, заботливый муж, успешный делец. В его жизни все идет своим чередом. До тех пор, пока в доме не появляется полиция… Спектакль по пьесе Джона Бойнтона Пристли «Ракитовая аллея» поставлен в лучших традициях английской драматургии.

По одноименной повести Эфраима Севелы. Спектакль о том, как оставаться собой в самых невыносимых условиях. О жажде жизни и о ее ценности, кому бы она ни принадлежала. Вне зависимости от каких-либо отличий – национальных, религиозных, социальных, физических и ментальных. Известный еврейский писатель Эфраим Севела рассказал историю молодого литовского еврея, попавшего в советскую армию. Рядовому Моне Цацкесу, который не умел и не хотел воевать, было суждено стать знаменосцем и пройти всю Великую Отечественную. Четыре года страшной катастрофы описаны глазами пылкого и ироничного молодого человека, который страстно хотел жить. Война забрала его молодость, надругалась над его народом, искалечила судьбы миллионов людей. Но есть то, что никакая война никогда не сможет отнять: вера, любовь и дружба. Эфраим Севела – писатель, сценарист и кинорежиссер, известный в постсоветском пространстве и за рубежом. После эмиграции жил и работал в Израиле, потом в США. В 1991 году вернулся на родину по приглашению Союза кинематографистов. Автор более 60 произведений и киносценариев. Спектакль сделан в жанре, который граничит между площадным театром и сторителлингом (рассказывание истории). Такое актерское существование «без четвертой стены» провоцирует прямой контакт актера со зрителем. Иногда и сам зритель становится персонажем спектакля. Если вы хотите увидеть игровой театр, то это именно он. Разрушающий границы, стены и условность театрального искусства.

Герои пьесы Максима Горького оказываются в неожиданных обстоятельствах – режиссер Юрий Грымов перенес все действие… на Рублевку! Именно здесь хорошо знакомые персонажи проявляются во всей красе, а известный сюжет приобретает современное звучание. К красивой жизни привыкнуть очень легко: здесь, на Рублевке, обитает Василиса Карповна – типичная «рублевская жена», легкомысленная Настя, независимая и жестокосердечная Квашня, Барон и Сатин – воры в законе, которые умеют жить только «по понятиям». Не поменяв ни слова в тексте Горького, Юрий Грымов дал новую жизнь этой комичной и трагической истории, ведь яркие характеры героев легко узнаваемы!

Спектакль стал результатом проекта «Читки современной драматургии», в рамках которого зрители Художественного театра первыми познакомились с новой пьесой уральского драматурга Ивана Андреева «Пыль да небыль». Публика приняла читку так тепло, что было принято решение взять эту сказочную историю для взрослых в репертуар Новой сцены Московского художественного театра. Вскоре пьеса стала лауреатом международного конкурса современной драматургии «Исходное событие – XXI век». История про безработного Федьку и его возлюбленную Настю, продавщицу в ларьке канцтоваров, написана в жанре русской народной сказки – с узнаваемыми персонажами и каноническими сюжетными поворотами. Только время действия – 1990-е годы. Герой отправляется на поиски справедливости, и на этом пути его ждет множество испытаний и встреч. По словам режиссера спектакля Павла Ващилина, «Пыль да небыль» – это что-то вроде мифа, который сложился у авторов спектакля на основе ностальгических детских воспоминаний о девяностых. В этой сказке о былом все по-доброму, никаких очерняющих память событий в эту историю создатели пускать не стали. Ее герои – простые люди, знакомые всем и каждому. Они и современники, и персонажи старых сказок одновременно. Живут себе и живут, счастья хотят, да и только. Сказка о поиске счастья, своей «были» и, конечно, о спасении из темниц, которых в сказке хватает: это и магазинчик, и завод, и трамвайчик, и квартирка с протекающей крышей, и собственная голова. Все герои пытаются спастись, каждый своим путем. А может, и не сказка это вовсе, а быль. А может, и небыль…

Ретроспектива короткой, но яркой жизни поэта Бориса Рыжего. Путешествие по воспоминаниям начинается с финала – последнего дня жизни поэта. Художественный нарратив строится на ключевых событиях, определивших его судьбу: школа, боксерский ринг, первая любовь к однокласснице и будущей жене, студенческий литературный клуб, публикации в журналах, первая слава, рождение ребенка, общественный успех и… трагичный исход как рок судьбы великих поэтов. Как жизнь, так и поэзия Рыжего представляет собой синтез возвышенного и низменного, прекрасного и безобразного. Его лирика во многом автобиографична, что отражается в образах лирического героя, города и времени, в котором он жил. Зрители погружаются в атмосферу Свердловска – города, где, по словам поэта, он не встречал тех, кому было бы легко от поэзии. Спектакль показывает, как в сложной и неоднозначной среде, из сочетания обстоятельств и таланта рождается самобытная и неповторимая поэзия, которая оставила заметный след в русской литературе. Эдгар Закарян, режиссер: «Мне кажется, Борис Рыжий писал очень понятные и важные вещи, которые люди ощущают, но не могут сформулировать. И они до сих пор актуальны: противоречивость человеческой жизни, сочетание в одном человеке грубости и тонкой душевности, как, например, в образе «хулигана» в кожаной куртке со шрамом на лице скрывается поэт с чувством сострадательной любви ко всем проявлениям жизни. И здесь мы стремимся к подлинному существованию артиста в обстоятельствах поэта».

Сирано де Бержерак – поэт и дуэлянт, чьи смелость и свобода не знают преград, кроме одной: считая себя недостойным красоты любимой женщины, он не может признаться ей в чувствах. Тем более что она увлечена другим – красивым, но недалеким и косноязычным кавалером. И великодушный Сирано, желая ей счастья больше, чем себе, дарит свой голос, свои стихи и мысли сопернику. По словам режиссера Егора Перегудова, «Сирано де Бержерак» Эдмона Ростана – пьеса в стихах про поэта и поэзию, про поэтическое восприятие мира. И это принципиально важная сейчас тема – разговор о поэтическом восприятии реальности в сегодняшнем циничном мире, наполненном страхом эпидемии, ежеминутного проявления несправедливости или агрессии. Мире, где нет правил, в то время как в мире Сирано был кодекс чести, нарушить который не представлялось возможным даже в поединке.

Елена влюблена в Деметрия, Деметрий влюблен в Гермию, а Гермия – в Лиcандра. Впрочем, это взаимно. Есть еще отец Гермии, который смешивает все карты, пытаясь выдать дочь за нелюбимого Деметрия. И герцог Тезей ему в этом как будто даже потакает. Ночью молодые люди сбегают подальше от афинского закона и родительских советов в герцогский лес, где они будут окончательно запутаны (и распутаны!) чарами царя эльфов Оберона и его рассеянного помощника Робина. Здесь все игра – театральная, любовная, иногда немного наивная, иногда сложная и запутанная. В хаосе игры, в ночном мороке стирается черта между сном и явью. Влюбленные путают друг друга, сплетаются в живой клубок, дышащий ревностью, молодостью, страхом и любовью. Ею, как музыкой, как волшебным соком, здесь пропитан сам воздух, ею и только ею движутся «и море, и Гомер»… Подробно о спектакле – на сайте театра.

«Старики не подарок» – новая история от автора «Старушка в подарок». История про тех, кто, несмотря на возраст, знает толк в авантюрах и мечтает о будущем. Герои новой пьесы Владимира Герасимова стали легендами при жизни. Они собирали полные залы, мелькали по телевизору, без их номеров не проходил ни один значимый концерт. А потом легенда осталась, а их самих забыли. Даже к самим знаменитым актерам, как и к обычным людям, иногда подкрадываются болезни и старость. Когда‑то близкие друзья, они перестали общаться, устав друг от друга. В любом деле, как известно, наступает выгорание. Но каждый день дома они ждут, что зазвонит телефон и их снова пригласят… И вот однажды это случилось.

«Старый дом» – символ неугасаемого стремления к счастью, «дому», где всегда можно мечтать о несбыточном. Ностальгия по прошедшей молодости в спектакле приобретает лирический характер. Встреча нескольких поколений артистов: именитых мастеров сцены (Елены Яковлевой, Елены Шаниной) и юных выпускников ГИТИСа – делает историю подлинной и пронзительной. Легендарная мелодия Шарля Азнавура «Вечная любовь» дает новое звучание тексту Алексея Казанцева, и музыка в спектакле по-саунд-драмовски оказывается главным действующим лицом.

В службу «Телефон доверия» в провинциальном городке обращаются те, кто нуждается в психологической помощи, а в ответ они слышат, на что бы ни жаловались, одни и те же слова: «Да разве это проблемы?!» Но однажды сотрудник службы задумывается о реальной помощи одинокому человеку. «Телефон доверия» – история о людском одиночестве среди толпы, спасти от которого очень просто – достаточно не быть равнодушным. Действие этой постановки происходит под Новый год, когда все ждут чуда. И оно иногда действительно случается.

«Один за всех и все за одного!» – звучит красиво, не так ли? Но путь к этому девизу не так уж и прост. По дороге в Париж д"Артаньян успевает поссориться с опасным незнакомцем, потерять рекомендательное письмо к господину де Тревилю и… получить сразу три вызова на дуэль от настоящих мушкетеров. А дальше – еще больше: дворцовые интриги, конфликт с кардиналом и вихрь событий, от которых захватывает дух. И это только начало! Плащи, шпаги, тайные письма, погони и поединки – здесь есть все это и даже больше. Добавьте к этому загадочную Миледи, и вы получите настоящий вихрь приключений. Спектакль наполнен песнями, которые звучат в каждом, а также композициями, специально написанными, но по стечению обстоятельств не вошедшими в любимый фильм. Здесь есть все, что делает театр живым: вокал, захватывающие поединки на шпагах, сценический бой, пластика, танцы. Продолжительность – 2 часа 15 минут (с антрактом).

Это вечная история о праведном и греховном. Режиссер дает свою версию истории саморазрушения юного совратителя, вводя в сюжет спектакля новых персонажей Белое и Черное. Этот дуэт сопровождает Дориана по жизни, заключив пари. Но пока добро надеется на верный выбор героя, зло действует. В финале именно Черное становится на сторону людей и предлагает дать им шанс, но лишь для того, чтобы вновь заключить пари: «Давай начнем все сначала, а я тебе помогу. Ну что, пари?» Накал страстей и музыки, скользящая пластика, изобразительно точная передача прозы в танце увлекают за собой в непростой мир Оскара Уайльда.

«Дневник Анны Франк» – исторический документ. Это подлинная история одной еврейской семьи, скрывавшейся от нацистов в оккупированном Амстердаме в годы Второй мировой войны. Вход в тайное убежище был спрятан за книжным шкафом в конторе, которая до войны принадлежала Отто Франку, отцу Анны. Анна Мари Франк родилась 12 июня 1929 года во Франкфурте в еврейской семье. В 1933 году в Германии начались массовые гонения и притеснения евреев, и семья Анны была вынуждена переехать в Амстердам. 15 мая 1940 года была подписана капитуляция вооружённых сил Нидерландов. К 1942 году обстановка в Амстердаме накалилась настолько, что Анна Франк с сестрой, их родители и несколько друзей семьи были вынуждены спрятаться в мансарде дома. Снаружи казалось, что верхние этажи необитаемы. Дневник Анна получила в подарок ко дню рождения 12 июня 1942 года. Семья скрывалась в течение двух лет. В начале 1944 года Анна сама начала литературно обрабатывать записи, надеясь опубликовать их после окончания войны. Последняя запись в дневнике сделана 1 августа 1944 года. Вскоре всех обитателей убежища нашли и арестовали. В 1947 году Отто Франк опубликовал дневник дочери в сокращённой версии. С тех пор книга была много раз переиздана и дополнена, «Дневник Анны Франк» переведён более чем на 60 языков мира.

Документальный спектакль, собранный из воспоминаний РАМТовских актеров старшего поколения. Откуда бы ни начинался их рассказ – Дальний Восток, Алма-Ата, Рига, Сибирь – он ведет в точку, расположенную по адресу Театральная площадь, дом 2. Из воспоминаний о доме, быте, любимых вещах, когда-то окружавших и сопровождавших героев спектакля, возникает история нашей страны. Из частностей складывается общая картина огромного пространства и нашей общей судьбы. Маленькая сцена РАМТа превращается в большую многокомнатную квартиру, куда зритель приходит в гости к старожилам театра.

Автобиографическая «Повесть о Сонечке» была написана М.И. Цветаевой в 1937-1939 годах в городке Лакано-Осеан на побережье Атлантического океана. Поводом к написанию послужило запоздалое известие о смерти Софьи Голлидэй (1894-1934), с которой она была особенно дружна в период короткого увлечения театром и людьми театра. В 1918 году Цветаева познакомилась с актёрами Павлом Антокольским и Юрием Завадским – участниками театральной Студии Евгения Вахтангова (так называемой «Мансуровской студии» – по названию переулка, на котором она помещалась), а потом с актёрами Владимиром Алексеевым и Софьей Голлидэй, занимавшимися и в Студии Вахтангова, и во Второй студии МХТ. Молодые студийцы и их учителя сформировали круг её общения в 1918-1919 гг. Владислав Наставшев, режиссёр: «Повесть о Сонечке» – густой, очень плотный текст. Общественные потрясения становятся для Марины Цветаевой своеобразным катализатором. Сумасшедшая энергия обновления, которой буквально пропитан воздух, даёт ей силы, темы, новый язык. О ком бы ни писала Цветаева, она, как большой поэт, писала о себе. Примеривала на себя чужие жизни, разные роли. Её проза, соединенная с реалиями жизни, полна магии, которая завораживает…»

«Завтрак у предводителя» – это сатирическая комедия Ивана Сергеевича Тургенева, неожиданная для писателя, написавшего «Отцы и дети», «Вешние воды», «Накануне», «Первая любовь»… Произведения, которые мы изучали в школе, зачитывали до дыр в юности, возвращались к ним уже взрослыми. В этой комедии нет ни слова о любви, нет в ней трогательных «тургеневских девушек», «лишних людей», будоражащих сознание. В этой комедии вообще нет романтических героев, нет даже тех, кого называют «положительными», хотя один положительный герой в ней все-таки есть, как писал Гоголь про своего «Ревизора», это смех. Смех неудержимый, непрекращающийся, который сопровождает каждую реплику, каждый жест всех героев. Ситуация с каждой минутой становится все абсурдней, все нелепей и комичней. Режиссер Юрий Буторин создал игровое пространство, в котором «играют» не только персонажи, но и предметы. Летят вилки, падают колонны, рушится мебель. Все доведено до гротеска, бытовая история про тяжбу между братом и сестрой, которые не могут поделить наследство, доставшееся им от тетушки, обретает черты веселой фантасмагории. В игровую стихию спектакля вовлечены не только артисты, но и зрители, оказавшиеся на этом «завтраке у предводителя».

Одиночество. Депрессия. Транквилизаторы. Пустая квартира. До смерти три дня. Такой мировую оперную диву Марию Каллас видели только четыре человека. Две домработницы, водитель и личный психиатр. Именно с ними, людьми, далекими от музыки, теряющая рассудок певица проводит кастинг на новую постановку «Леди Макбет». В ее голове они – талантливые певцы и соратники. Любящая Марию прислуга подыгрывает этой странности. Перед ними – несчастная женщина, утратившая все: мировую славу, голос, любимого Ари – миллиардера Аристотеля Онассиса, который называл ее «канарейкой». «Это размышления на тему того, как артист теряет свой дар, – говорит режиссер Дмитрий Сердюк. – Будучи крайне одаренной, Мария Каллас отказалась от своей карьеры из-за любви. И в этом есть ее беда, ее отношения со Всевышним. Она сказала Онассису: «Если ты не хочешь, я не буду петь». И в этот момент у нее срывается голос, начинается цепочка профессиональных неудач. И тут же уходит мужчина, ради которого она предала в себе Бога».

Спектакль «Наташина мечта» «Мастерской Брусникина» основан на пьесе екатеринбургского драматурга Ярославы Пулинович. Это спектакль о взрослении, о первой любви, о сложности становления и понимания себя и мира, о выстраивании взаимоотношений с окружающими. Три героини по имени Наташа, подростки из разных социальных слоев, рассказывают о проблемах взросления. Как вырасти человеком? Как вырастить человека? Отвечая на эти вопросы, спектакль обращается одновременно и к тинейджерам, и к их родителям. Режиссер Марина Брусникина стирает границы между актрисами и публикой – в зале с хаотично расставленными стульями герои свободно ходят среди зрителей и напрямую адресуют им свои исповедальные монологи. Эта форма позволяет избежать фальши и сохранить прямоту девичьих признаний.

Драма, переходящая в комедию и обратно. Жизнь стоит того, чтобы ее прожить! Этот спектакль о бесценности каждого дня, о быстротечности и парадоксальности нашего бытия. В центре истории – человек, который за пять минут до конца своего долгого и богатого событиями пути видит проносящееся перед глазами прошлое. В его памяти оживают все прекрасные и горькие моменты жизни, от рождения до последней любви, и он мысленно проходит свой путь еще раз. Герой понимает, что позади было больше света, любви и радости, чем бед и страха. Каждый новый эпизод жизни этого человека оказывается отражением библейских сюжетов: рождения Моисея, Великого потопа, Исхода… Судьба человека становится судьбой народа. Человек не выбирает, когда родиться, но даже в самые тяжелые времена счастье может быть рядом, если есть поддержка семьи и близких, любовь и дружба. Спектакль создает пространство для глубоких размышлений о том, что каждый миг жизни бесценен, а память о светлых моментах остается с нами навсегда. Спектакль создан в рамках реализации гранта Президентского фонда культурных инициатив.