Афиша театров Москвы на 21 октября 2026

Спектакль для школьников и их родителей «Не рой другому яму, сам в нее попадешь» – лауреат Гран-при международного конкурса-фестиваля «Москва – город мира» 2024 г. В центре сюжета – отважный Ванюша, который ради спасения отца отправляется в нелегкий и полный опасностей путь. Коварные соседи-обманщики послали его на верную смерть, но судьба готовит герою неожиданные встречи. Сможет ли Иван одолеть силы зла? Окажут ли ему помощь такие загадочные существа, как Леший и Баба‑яга? Эта волшебная сказка по пьесе Бориса Сударушкина затрагивает вечные темы: ценность дружбы, силу доброты и всепобеждающую любовь. Мудрая русская пословица «Не рой другому яму, сам в нее попадешь» станет лейтмотивом этой захватывающей истории. Зрителей ждет атмосферный музыкальный спектакль с уникальными декорациями, запоминающимися актерскими работами и впечатляющими спецэффектами. Современные технологии, использованные в постановке (в том числе и при создании кукол), делают зрелище по-настоящему волшебным! Режиссеры-постановщики: заслуженные артисты России Михаил Миленин и Ирина Миленина. Композитор – почетный работник культуры города Москвы Ксения Миленина.

Родиться в царской семье: удача или испытание? 22, 21, 19 и 16 лет – это много или мало? Что за это время успели испытать эти юные девушки? И если родились они на рубеже эпох, когда кругом бушует пламя взаимной вражды, как сохранить милосердие, веру, достоинство? Зрители смогут поразмышлять о том, кем они для нас являются сегодня: перевернутой страницей истории или живыми собеседниками. Кто мы для них? Чужие люди чужой страны или потомки общей родины, которой были посвящены их поступки, размышления, надежды и молитвы? Обо всем этом можно подумать во время премьерного спектакля.

«Дон Кихот» – один из самых популярных классических балетов. Темпераментный, яркий, пламенный, он изобилует красивыми испанскими танцами, привлекает множеством балетных трюков и самым знаменитым в мире фуэте. Музыку для балета написал австрийский композитор Людвиг Минкус, проживший много лет в России и плодотворно работавший вместе с балетмейстером Мариусом Петипа. В основе сюжета – события бессмертного одноименного романа Мигеля де Сервантеса Сааведра, к которым в балете добавлена самостоятельная любовная линия. Главный герой, начитавшись рыцарских романов, отправляется в путешествие за подвигами. Дочь трактирщика Китри кажется ему прекрасной Дульсинеей. Но Китри любит цирюльника Базиля. Ряд веселых приключений заканчивается свадьбой Китри и Базиля и полным крахом нелепых мечтаний Дон Кихота. «Дон Кихот» Л. Минкуса – знаковый спектакль Театра классического балета Н. Касаткиной и В. Василева. Они создали оригинальную редакцию знаменитого балета, сочинив виртуозную роль Гамаша и придумав новых комических персонажей (бакалавра Карраско, племянницу Дон Кихота Антонину), которые разыгрывают роль Росинанта. В спектакле используется музыкальная фонограмма. В программе возможны изменения.

Возобновление этой постановки – это уникальный шанс впервые увидеть нашумевшую историю в одном сезоне с легендарным «Монте-Кристо» и знаменитой «Анной Карениной». Действие происходит во второй половине XVIII века, во времена правления императрицы Екатерины II. Граф Алексей Орлов, когда-то способствовавший ее восхождению на трон, вышел из милости императрицы и отправлен в почетную ссылку во главе русского флота в Италии. Здесь граф познакомился с молодой красавицей, называющей себя Елизаветой, внучкой Петра I, и претендующей на русскую корону. Орлов затеял с ней любовную интрижку с целью разузнать ее планы и тем самым вернуть расположение Екатерины. Однако невинное увлечение перерастает в глубокое взаимное чувство.

Мюзикл «Плакса» – совместный проект канала СТС и Московского театра мюзикла. Хит СТС «Плакса» получит продолжение, неожиданное развитие сюжета и новые смыслы на театральной сцене. Мюзикл расскажет историю 15-летней девочки Маши, переехавшей из Москвы в провинциальный Новоморск, где она встречает свою вторую половину и находит себя в музыке. Однажды она покупает гитару, которая оказывается волшебной. Тогда Маша решает создать группу «Плакса» и неожиданно обнаруживает, что ее песни способны вызвать фантастические события, исполнять желания и преобразить жизнь ее парня, родителей и бабушки.

Опера «Женитьба» по одноименной комедии Н. В. Гоголя – одно из самых значительных сочинений выдающегося русского композитора А. Т. Гречанинова. Она была создана в 1946 году, но исполнялась лишь дважды, за рубежом. К юбилею Гоголя «совершенно невероятное событие» (авторское определение жанра «Женитьбы») впервые прозвучало на российской сцене Детского музыкального театра. Композитор бережно сохранил и текст комедии, и историю трогательной Агафьи Тихоновны и незадачливых ее женихов. Яркость характеров, динамизм сюжета, непревзойденный гоголевский язык и, конечно, вдохновенное исполнение солистами театра делают спектакль особенно интересным для подростков и молодежи.

Опера Д. Верди «Отелло», созданная по одноименной трагедии У. Шекспира, рассказывает о том, как любовь может быть разрушена ложью и ревностью. Главный герой – полководец Отелло, который искренне любит свою жену Дездемону. Но коварный Яго, движимый завистью, начинает обманывать Отелло и внушает ему, что Дездемона якобы изменяет ему. Постепенно Отелло теряет доверие к любимой, поддается ревности и совершает непоправимое. Когда правда раскрывается, становится уже слишком поздно. Это история о том, как чужая злоба, подозрения и неумение услышать друг друга приводят к трагедии. Постановка А. Кончаловского выделяется вниманием к музыкальной и психологической природе оперы: развитие сюжета раскрывается не только в сценическом действии, но и в звучании оркестра, вокальных партиях и взаимодействии исполнителей. Спектакль позволяет по-новому услышать шекспировскую трагедию и увидеть, как музыка передает тончайшие движения чувств. А красивая сценография переносит зрителей на залитое солнцем итальянское побережье.

Немолодой и состоятельный Александр Амилькар решает купить себе семейное счастье. За большие деньги он устраивает домашний спектакль: роль жены исполняет профессиональная актриса, дочери – уличная путана, друга – случайный встречный. При этом продюсером, режиссером и единственным зрителем остается сам Амилькар, тщательно репетирующий с «близкими» их роли. Забавный и одновременно грустный сюжет по пьесе французского драматурга Ива Жамиака разыграют актеры Анна Большова, Анна Якунина, Андрей Соколов, Евгений Герасимов и другие.

Спектакль четвертого актерского курса Школы-студии МХАТ (мастерская Марины Брусникиной и Сергея Щедрина) по роману Бориса Вахтина «Одна абсолютно счастливая деревня». Работа выросла из самостоятельного показа студентов. Роман о довоенном, военном и послевоенном советском времени соединился в спектакле с лирикой Александра Башлачева. Два разноименных источника, две вселенные, объединившись, дают нечто третье. Видимо, сон Башлачева об абсолютном счастье. Студенты в спектакле осваивают прозу и рок-поэзию, но еще и работают в жанре театра предмета, оживляя простые бытовые вещи. Деревянный помост трансформируется в самые разнообразные объекты, которые встречаются в судьбе героев: от деревенского быта до военных действий. Все играют, все поют, все играет, все поет. Инструменты являются и реквизитом, и частью оркестра. Оркестр – коллективный рассказчик, а Пугало из романа Бориса Вахтина выступает как дирижер.

Это лирическая фантазия о том, как жилось бы супергерою из известных комиксов в типичных брежневских реалиях. Главный герой – скромный редакционный сотрудник, писатель Толя Дудочкин. У него типичная советская семья и типичная советская работа. Но по ночам он не спит, как другие товарищи, а искореняет недостатки общества, и спасает сограждан: то бабушку из проруби достанет, то грабителей сберкассы остановит. Спектакль про главные человеческие ценности – про любовь, семью, отношения. Официальная премьера 31 января 2021 Художественный руководитель постановки Константин Богомолов Режиссер и драматург Александра Денисова Художник-постановщик Леша Лобанов

Может ли первая любовь длиться вечно? Особенно если ей предстоит пройти испытание разлукой и неизвестностью. Молодой ученый Борис записывается добровольцем на фронт, несмотря на бронь от мобилизации. Его поступок не принимают близкие и, самое главное, 18-летняя невеста Вероника. Борис пропадает без вести, а его семья ведет себя так, будто ничего не изменилось. В отчаянии Вероника выходит замуж за двоюродного брата Бориса – Марка, хитрого и расчетливого дельца. Их брак – ошибка, но он скреплен тонкой нитью родства с Борисом и надеждой, что тот жив и вернется домой. Вероника нигде и ни в чем не может найти себя. Ни работа, ни учеба ее не радуют: она живет лишь воспоминанием о возлюбленном Борисе. В 1943 году в квартире появляется комиссованный по ранению сын соседки Владимир, из разговора с которым становится известно о подробностях трагической гибели Бориса. Это известие разрушает формальный брак Вероники и Марка и подталкивает ее к новому этапу в жизни.

Спектакль по рассказам Гоголя, вошедшим в сборник «Вечера на хуторе близ Диканьки»: «Сорочинская ярмарка», «Майская ночь, или Утопленница», «Ночь перед Рождеством», «Заколдованное место» – это переплетение различных образов и героев, национальностей и традиций, надежд и ожиданий, сливающихся вместе в предчувствии главного события – сорочинской ярмарки. Вот только ярмарка эта никак не может состояться, жених никак не может встретиться с невестой, торговцы – разложить свой товар, а главный герой и рассказчик не может найти вечно мешающего ему беса и пуститься в пляс.

Художественный руководитель театра Марк Розовский вновь обращается к отечественной классике. На сцене театра – трагикомедия «Горе без ума», сценическая редакция бессмертного шедевра российской словесности. Комедия в стихах «Горе от ума» А. Грибоедова чрезвычайно злободневна: в центре – конфликт общества и личности, противостояние чести и подхалимства, любви и пошлости, верности и предательства. Критический взгляд на состояние современного мира усиливают используемые Розовским в постановке фрагменты переписки А. Пушкина с П. Чаадаевым.

На основной сцене Театра Гоголя состоится премьера спектакля «Дядюшкин сон» по одноименной повести Федора Достоевского. Предприимчивая Марья Александровна Москалева, проживающая в уездном городе Мордасове, прилагает все силы, чтобы успешно выдать замуж свою 23-летнюю дочь Зину. Случайно в городе оказывается князь К. – состоятельный господин преклонного возраста. Пользуясь возможностью, Марья Александровна готова пойти на все, чтобы женить чудаковатого князя на своей дочери, невзирая на цену, которую придется заплатить за достижение желаемого. «Дядюшкин сон» – женская повесть, что у Достоевского встречается нечасто. Здесь внимание автора сосредоточено на женском мире, на главной героине – Марии Александровне Москалевой, – на ее дочери Зине, на обществе, которое их окружает, на борьбе за возможность влиять на судьбы города Мордасова. Этот материал на сто процентов соотносится с сегодняшним днем, удивительно совпадая с нынешним временем и по тексту, и по смыслу. Зина, желая помочь своему возлюбленному, идет на низкий поступок, заведомо зная, что он закончится провалом. «Меня в «Дядюшкином сне» прежде всего интересует тема того, как мы теряем, растрачиваем нашу жизнь на глупости, на бессмыслицы, как меняются наши идеалы под воздействием окружающей среды и наших внутренних убеждений», – говорит режиссер Александр Марин.

Режиссер Алексей Дубровский выпустил в Малом театре свой четвертый спектакль. На этот раз для постановки он выбрал две комедии А.Н.Островского «Праздничный сон – до обеда» и «За чем пойдёшь, то и найдёшь (Женитьба Бальзаминова)», объединив их под общим названием «Женитьба Бальзаминова». Главный герой – неунывающий оптимист Миша Бальзаминов, который всеми способами ищет не только богатой невесты, но и чувств, порой сам не понимая зачем. «Работая над спектаклем, я обратил внимание на то, что практически все герои замечательной трилогии Островского про Мишу Бальзаминова вместо реалий повседневности живут иллюзиями и мечтами, – рассказывает Алексей Дубровский. - Мечтает о счастье сына Павла Петровна Бальзаминова, чает большой любви Домна Евстигневна Белотелова, ждёт возможности широко «развернуться» и применить всю свою богатую фантазию сваха Акулина Гавриловна Красавина, своими представлениями о любви живут Капочка и Устинька, а, главное, совершенно неприспособлен к реальному миру главный герой, Михайло Дмитрич Бальзаминов. Александр Николаевич так мастерски и с любовью описал этих «витающих в облаках» персонажей, что единственный трезвомыслящий человек, Нил Борисыч Неуеденов, говорящий о разумных и верных вещах, выглядит на их фоне малоприятным и отталкивающим. Стало понятно, что для создания спектакля по такому многослойному при всей обманчиво кажущейся простоте материалу не обойтись без наших прекрасных ведущих артистов».

Сначала был Чарльз Сэмуэль Аддамс – автор знаменитой «Семейки Аддамсов» (семьи фриков, живущих в странноватом и сюрреалистическом хоррор-мире). Именно он стал прототипом главного героя. А еще был немой кинематограф, детективы сэра Альфреда Хичкока, истории в стиле арт-нуар, готические фантазии Тима Бертона, сказка о Белоснежке и история о Ромео и Джульетте. Вдохновившись известными и даже хрестоматийными образами, создатели спектакля придумали новых героев для своей истории. В итоге получилась страшно смешная комедия – беззастенчиво зрелищная и вызывающе ироничная, легкая и мудрая, забавная и трогательная. Здесь множество трюков и спецэффектов, здесь самозабвенно танцуют и вдохновенно поют. И очень несерьезно говорят о самом серьезном, пытаясь найти ответы на извечные вопросы бытия.

Красавец Аполлон Окоемов использует все свое обаяние, чтобы найти жену побогаче и погасить долги за счет ее состояния. Только жена у него уже есть. И чтобы поправить дела, он просит у кроткой супруги Зои развода. Есть ли предел ее ангельскому терпению или она готова и дальше жить в плену сладких иллюзий? Пьеса Александра Островского, написанная в 1882 году, не потеряла актуальности и сегодня, потому что говорит о ситуациях и чувствах, с которыми во все времена сталкивается человек: слепоте любви, поиске легких путей, готовности обманываться и умении прощать.

На перекрестке лесных дорог, посреди России сходятся два провинциальных артиста – комик Счастливцев и трагик Несчастливцев. Дорога доводит их до Пеньков – усадьбы богатой помещицы Гурмыжской, где творится «темный лес». Молодые женятся на старых ради денег, бесприданницы топятся от любви, все врут и никто не счастлив. Поработав в других спектаклях со стихиями ветра, воды, огня, в пьесе Александра Островского художественный руководитель «Маяковки» Егор Перегудов исследует новую стихию. Леса давно нет. Нет ни пеньков, ни опилок. Одна природная сила вытеснила другую, оставив человека в тревожной зыбкости и полном бессилии. Мир буквально поплыл из-под ног, и людям здесь больше не на что опереться. Разве что сотворить для себя иллюзию другого мира? Актеры Счастливцев и Несчастливцев, нищие и бездомные, приходят в богатую усадьбу и вопреки логике заставляют каждого стать собой. Если ты не можешь выбрать за левых / за правых, ломай саму систему этого выбора, будь сумасшедшим: создай реальность, в которой не нужно выбирать из двух зол.

Лондон. 50-е годы XIX века. Здесь обосновался находящийся в вынужденной эмиграции русский писатель и оппозиционер Александр Герцен. Именно в это время он вместе со своим ближайшим другом Николаем Огаревым начинает издавать диссидентский журнал «Колокол». Александр Углов написал пьесу, основываясь на реальных фактах, которые он почерпнул из дневников и писем участников событий. Интересно, что в изданных мемуарах Тучковой история ее драматических отношений с Огаревым и Герценом замалчивается. Режиссеры и художник поместили своих героев в очень красивое пространство, как бы продолжающее интерьеры старинного особняка, в котором помещается театр «Школа современной пьесы». Артисты Александр Галибин (Огарев) и Вадим Колганов (Герцен) не стремятся к внешнему сходству со своими хрестоматийными героями, однако им удается создать на сцене атмосферу, которую сегодняшний зритель, чуждый историческим реалиям XIX века, может воспринять как прекрасный образ далекого прошлого. Молодая актриса Джульетта Геринг на равных включилась в ансамбль со своими звездными партнерами и создала характер сложный, противоречивый и яркий. Звучит музыка Фредерика Шопена – любимого композитора Герцена и фактически его современника.

История семьи из маленького еврейского местечка, которой довелось жить в жестокие времена. Сильно пьющий отец работает завскладом, но мечтает сделать сына великим скрипачом. Все заработанное этот суровый и вздорный старик тратит на обучение своего мальчика. Подросший Давид действительно поступает в консерваторию, но стесняется своего убогого отца. Абрам Шварц прощает сына. А вскоре начинается война... Более 20 лет пьеса была запрещена, только в 1990 году ее поставил Олег Табаков в своем «Подвале» на улице Чаплыгина. Спектакль сразу стал знаменит и открыл новую страницу в истории Театра-студии Олега Табакова, прославив своих создателей, как когда-то «Чайка» прославила МХТ. Спектакль вернулся в репертуар после почти 20-летнего перерыва. Роль Абрама Шварца, как и прежде, играет Владимир Машков. «Матросская тишина» явно заслуживает жизни, а не забвения», – написал в своей книге «Моя настоящая жизнь» Олег Табаков. Это живой спектакль, потому что в его основе могучая сила любви. Это требовательная, проницательная и безграничная любовь, которая знает о своих детях больше, чем они сами могут о себе предположить.

Создатели спектакля определяют жанр как «антикомедия» и идут по пути исследования границы рационального и животного в человеке, констатируя победу последнего. В спектакле много дерзкой живой музыки, гротесково-клоунадного начала и площадного юмора, сближающего Шекспира с газетными заголовками сегодняшнего дня. «Проведя с Уияльмом Шекспиром полгода, мы в очередной раз убедились, что это интонации нашего времени: юмор, герои, злободневные понятия харасмента, бодишейминга, движение #MeToo», – отмечает режиссер Саша Золотовицкий. По его словам, в пьесе представлены обычные люди, застигнутые врасплох собственной природой, не способные подчинить разуму, даже очень развитому, хотя бы свое тело. Тем не менее это, по мнению творческого коллектива, не делает их монстрами. Артистам интересно исследовать именно эту растерянность и беспомощность человека перед встроенными инстинктами. Спектакль вырос из Лаборатории игрового театра, прошедшей в январе 2023 года и приуроченной к юбилею Андрея Гончарова. Участники исследовали актуальное звучание пьес Уильяма Шекспира и Мольера. Три эскиза отобраны для постановки в Театре Владимира Маяковского.

В основе постановки лежит знаменитая тургеневская история о внезапно вспыхнувшей любовной лихорадке в тихой загородной усадьбе. Появление молодого учителя Алексея Беляева нарушает привычный уклад жизни Натальи Петровны, ее воспитанницы Верочки и других обитателей дома. Спектакль исследует природу человеческих чувств: любовь здесь показана не просто как романтическое переживание, а как стихийная «болезнь» и особое состояние души. «Месяц в деревне» – выпускной спектакль по пьесе Ивана Тургенева, который поставила старший преподаватель – Татьяна Морозова.

На малой сцене театра – премьера сезона 2026/2027: музыкально-драматический спектакль, посвященный личности и поэзии Николая Некрасова. Думаете, что знаете Некрасова? «Мороз, Красный нос», «Русские женщины», гражданская лирика... Но в этом спектакле не будет стихов из хрестоматии. В нем классик на пороге вечности. В те последние недели, когда все внешнее, наносное и фальшивое отмирает, а остается лишь настоящее. Некрасов уже не борец с несправедливостью, а искренний раненый мужчина, с хирургической честностью пересматривающий собственную жизнь. На сцене – парад ярчайших личностей эпохи: две музы поэта, вдохновлявшие его на пронзительные строки, завсегдатаи шумного Английского клуба, где решались судьбы состояний, цензор, безжалостно кромсающий тексты, и поэт предстает в трех ипостасях – трех прожитых возрастах. Но самое дерзкое решение в этом спектакле – музыкальное оформление. В стихах, положенных на музыку, зрители услышат одновременно и боль, и красоту. Осторожно: после просмотра спектакля представление о классической поэзии изменится навсегда. Это приглашение не в театр, а на исповедь. Будет многолюдно, шумно и очень честно.

Пьесу «Обыкновенное чудо» Е.Л. Шварц, по его собственному признанию, сочинял 10 лет, потому что особенно дорожил ею и работал над ней только в те часы, «когда чувствовал себя человеком». Евгений Львович посвятил эту работу жене Екатерине Ивановне; они поженились за 15 лет до выхода пьесы. Фраза, произнесённая в самом начале, с буквальной точностью передаёт мысли драматурга: «Пятнадцать лет я женат, а влюблён до сих пор в жену свою, как мальчик, честное слово!». Николай Чуковский: «Верил ли Шварц в возможность побеждать зло искусством или не верил, но пьесы его полны такой горячей ненависти к злу, к подлости всякого рода, что они обжигают… И хотя пьесы его – сказки, и действие в них происходит в выдуманных королевствах, зло и добро в них – не отвлечённые, не абстрактные понятия.»

Главный герой – инженер Гарин – одержим своими идеями, изначально удивительным научным достижением, а потом тщеславным стремлением подчинить себе весь мир и всех людей. Однако человек остается человеком, со своими слабостями и ответственностью за свои действия, а побеждают всегда две неподдающиеся нашему познанию силы – сила природы и сила любви. В основе сценической версии, созданной драматургом Еленой Исаевой, – роман Алексея Николаевича Толстого «Гиперболоид инженера Гарина». Спектакль режиссера-постановщика Владимира Драгунова продолжает репертуарную линию театра, затрагивая тему ответственности ученых перед человечеством за свои изобретения. Но в новой поставке история о создании оружия невероятной силы сопряжена с чувствами, которые дарят героям импульс жизни и становятся источником вдохновения. Чувства любви к Родине, к возлюбленному или возлюбленной – важнейший вектор, который направляет поступки героев.

Режиссер Евгений Закиров отказывается от расхожей эстетики сумасшествия и главным мотивом делает экзистенциальный кризис слабого интеллигентного героя, заблудившегося в щемящей абсурдности русского мироустройства. В спектакле кроется много философии, неспешной лирики, абсурдного юмора и трагедия, обычная у Чехова: когда могло случиться чудо, а случилась нелепость – и погубила человека. Евгений Закиров: «Этот текст вообще не про психушку! Стоит ли бороться с чем-либо вообще? Вот главная тема. Еще для меня важна здесь форма любви. Два человека – врач и пациент – нашли друг друга. Это очень важная встреча, когда один в другом открывает целый мир и влияет на него. Но волею судьбы эти двое оказались по разные стороны баррикад, как жертва и палач».

Обаятельный аспирант Костик, властная Маргарита Павловна, робкий Хоботов и другие жители московской коммунальной квартиры. Эти образы знакомы многим еще по экранизации пьесы «Покровские ворота». У каждого поколения должны быть свои «Покровские ворота». В новой постановке воссоздается атмосфера полной надежд и мечтаний послевоенной юности Москвы. В спектакле Театра на Юго-Западе молодежь узнает в героях своих бабушек и дедушек, а зрители среднего возраста – своих родителей. Спектакль – постановка художественного руководителя театра заслуженного артиста России Олега Леушина по пьесе Леонида Зорина.

Знаменитая горинская ремарка «Все смеются и плачут» буквально пронизана духом классической прозы Шолом-Алейхема с уникальной тканью еврейского юмора и человеческой мудрости, как и знаменитая на весь мир история Тевье-молочника, написанная драматургом Григорием Гориным в 1989 году. Драма о семье и вере на фоне исторических перемен рисует картину жизни за чертой оседлости в дореволюционной России, в период начала гонений на евреев. Обаятельные жители местечка Анатовка – русские, евреи и украинцы – становятся свидетелями и участниками народных волнений, докатившихся до них с «большой земли». В патриархальный уклад их и без того небогатой и трудной жизни врываются новые трагедии. «Да, Богом избранный народ, но иногда выбирай кого-нибудь другого», – эти слова молочника Тевье как нельзя лучше говорят о непосильных переживаниях. Но выстоять помогают любовь, вера и природное чувство юмора. Когда уже нет слез – пора смеяться, а что остается еще делать?

В 2010 году в Театре музыки и драмы Стаса Намина состоялась мировая премьера мюзикла «Портрет Дориана Грея». Глубокий и многогранный смысл романа Оскара Уайльда предполагает столь же серьезную и многоплановую постановку. Оригинальная музыка американского композитора Рэнди Баузера с удивительными многоголосьями в хоровых ариях гармонично сочетается с полными изящных афоризмов драматическими сценами. Музыка, танец, драма и современная компьютерная анимация помогают воплотить на сцене прекрасный и полный парадоксов мир Оскара Уайльда. Юный и необыкновенно привлекательный Дориан Грей поддается всем искушениям, которые щедро предлагает ему жизнь, – но на его лице ни порок, ни годы не оставляют следа. В чем же его секрет и чем он заплатит за вечную юность? Мюзикл «Портрет Дориана Грея» – это красивый и мистический спектакль о смысле жизни и искусства, добре и зле, предательстве и любви.

Как ошибки родителей отражаются на детях? Насколько сильно желание свободы у тех, кто вырос среди компромиссов и лжи? Сумеет ли новое поколение разорвать «цепь зла», или оно обречено жить в рамках, навязанных историей и выбором их отцов? За закрытыми дверями дома отношения трещат по швам: глава семьи, отец пятерых взрослых детей, внезапно лишается властной должности, места полицмейстера. Теперь ему приходится просить деньги у брата, а детям – ютиться в доме дяди. Не все из них разделяют взгляды отца, но как жить иначе, если все детство прошло под его суровой властью? Ссоры превращаются в допросы, признания – в приговоры, любовь – в улику, а правда – в риск. Режиссер Олег Липовецкий впервые обращается к тексту Горького, вслушиваясь в эпоху, когда за потрясениями революции следовал расцвет внутренней свободы: стремление к новому, разрушение привычных границ, поиск иных форм искусства. Пространство спектакля – вращающийся круг; зрители находятся совсем близко, почти внутри его орбиты. И этот круг не останавливается – он постоянно движется, втягивая всех вокруг в свое движение…

Действие спектакля происходит в последние дни перед Великой Отечественной войной и захватывает ее начало. Герои – члены творческого коллектива, выступающего в сборных концертах под предводительством провинциального конферансье Николая Буркина. Персонажи тут самые комические: воображающий себя звездой конферансье, певица и ее муж-аккомпаниатор, фокусник, показывающий номер с голубями, белокурый танцор, играющий цыгана… Все они – маленькие люди большой сцены, которые соперничают за внимание аудитории, спорят по ничтожным поводам, смертельно друг на друга обижаются... Им невдомек, что совсем скоро междоусобицы труппы покажутся ее участникам ничтожным пустяком. Начинается война, артисты попадают в окружение, и теперь им, творческим беззащитным людям, предстоит настоящее испытание. Драматургия Григория Горина, соединяющая комедию с высокой трагедией, открывает уникальную возможность размышлять о смысле жизни и способности к подвигу через увлекательное зрительское действие. «Это спектакль о рядовых, не добившихся особого успеха людях сцены, о том, насколько важным, иногда в прямом смысле спасительным, является их труд. Даже когда актер не удостаивается званий и славы, он служит преображению души зрителя». «Я выбрала вас, товарищ артист, потому что вы своим искусством делаете людей прекрасными», – пишет одна из героинь. Хочется верить, что эти слова родятся и в душе тех, кто придет на спектакль» – говорит режиссер спектакля Юрий Маковский.

«Сфера» впервые обращается к вершине творчества Николая Гоголя как драматурга – комедии «Ревизор». В одном провинциальном городе узнают о скором приезде столичного ревизора с проверкой. Начинается переполох, поскольку почти за каждым чиновником имеются грехи. Увидев в гостинице молодого человека, похожего на чиновника из Петербурга, его принимают за того самого ревизора. Пьеса «Ревизор» была написана почти два столетия назад – в 1836 году, но до сих пор, по мнению режиссера спектакля Сергея Виноградова, не потеряла своей актуальности.

«Родина романтиков» – это уникальный музыкально-пластический спектакль, в котором хрупкая ностальгия встречается с энергией сегодняшнего дня. Постановка объединяет знаменитые песни советской эпохи и выразительный язык тела, чтобы рассказать историю поколения, чье детство и юность пришлись на время грандиозных надежд, открытий и тихой грусти, одновременно перекликаясь с сегодняшним днем. В спектакле не звучит прямое цитирование исторических событий. Вместо этого – чистая эмоция, зашифрованная в мелодиях, знакомых каждому с первых аккордов. Художественный замысел строится вокруг контрастов и перекрестков судеб. В партитуру спектакля вошли всенародно любимые хиты: «Прекрасное далеко»; «Вместе весело шагать»; «Московские окна»; «Девчата»; «Тишина за Рогожской заставою»; «До свидания, мальчики»; «С чего начинается родина»; «Как прекрасен этот мир»; «За окошком месяц май». Название «Родина романтиков» – это не географическая привязка, а состояние души, отражение культурного генетического кода. Это пространство, где еще верят в высокое, умеют дружить сердцем и чувствуют мир острее, наполняя его смыслами и любовью.

«Ромео и Джульетта» в постановке Вячеслава Спесивцева – один из самых долгоиграемых спектаклей театра. Ведь в репертуар Московского молодежного театра он попал со сцены совсем другого театра. Спектакль, который был поставлен почти полвека назад, не потерял своей актуальности и по сей день. На сцене в едином художественном порыве собраны творческие усилия разных возрастных групп театра. Свои роли для вас играют артисты старшей студии, студенты Московского молодежного театра и, конечно, актеры труппы. Современные костюмы, актуальная молодежная музыка, нетривиальное декорационное решение – все это призвано приблизить шедевр английского драматурга У. Шекспира к современности. Этот необычный художественный «мост», переброшенный через пять столетий, соединяет воедино молодежь того времени и настоящего. Помогает в этом ставшая уже традиционной для Московского молодежного театра интерактивность постановки – возможность зрителя играть вместе с актерами прямо в зрительном зале. Спектакль является частью двух проектов – «Онлайн-театр» и «Классика в классе».

Александр Островский назвал свою комедию коротко и просто – «Банкрот». По совету цензора он переименовал ее, поэтому в русскую литературу пьеса вошла уже под другим названием. Купец Самсон Большов задумал объявить себя банкротом, переписав состояние на «своего человека» – приказчика Лазаря Подхалюзина, а заодно и выдать за него единственную дочь Липочку. История фиктивного банкротства подчиняет себе всю семью, одна афера порождает другую. Но порой, чтобы выиграть, необходимо разыграть банкрота не только перед своими кредиторами, но и перед собственными детьми. Это история не столько о человеческой жадности, гордыне и страхе, сколько об отчаянной попытке человека управлять своей жизнью, схватить этот мир за рога, взять судьбу за хвост. В спектакле добро и зло размываются, становятся почти неотделимы друг от друга, белое оборачивается черным и наоборот.

В основе спектакля – роман Льва Толстого «Анна Каренина», а также «Жизнь и судьба» Василия Гроссмана и специально для этой постановки написанный Львом Рубинштейном текст «Вопросы». По признанию создателей спектакля, им хотелось сделать «Анну Каренину» как очередной бунинский «Солнечный удар» – быстро, нежно и страшно. Но «Сережа» – не «Анна Каренина». Это спектакль по мотивам великого романа. Там нет ни Левина, ни Кити, ни Стивы Облонского, нет сенокоса, кваса и потной рубахи и нет потрясающей сцены, когда Каренин пришел к адвокату и, может быть, впервые испытал унижение. Нет сцены скачек, падения Вронского и смерти Фру-Фру, да и паровозика, в общем-то, тоже нет. Разве что игрушечный, маленький. Одним словом, это все похоже на Льва Толстого, но меньше, короче. Как бы фрагмент. А Сережа – это сын Анны Карениной, мальчик восьми лет, который и стоит в центре этого «Солнечного удара», когда все смешалось – не только в доме Облонских, но и вообще.

Действие пьесы, как, впрочем, и всех пьес Мольера, происходит во времена Людовика XIV, века роскоши и мотовства. Здесь все как положено в образцовой классической комедии характеров. Есть главный герой – Гарпагон, все помыслы которого направлены на то, как увеличить капитал. Ради этой цели все средства хороши. Детей нужно удачно пристроить, женить сына на богатой вдове, дочь лишить приданого и отдать замуж за богатого старика. А деньги спрятать в подвале, чтобы никто не украл. Но деньги, естественно, пропадают… Конечно, жадность и алчность главного героя – главные двигатели запутанного сюжета. Шкатулка с деньгами найдется, в обмен на ее возвращение Гарпагон разрешит детям выбрать спутников жизни по их разумению. Все, как и положено, закончится свадьбой двух влюбленных пар. Добро восторжествует. А порок, как принято в комедии, накажет сам себя.

По сюжету в Новогоднюю ночь, когда вся страна готовится к празднику, в квартире московского инженера Мякишева появляется девочка. Возвращаясь из командировки глава семейства приводит в дом 15-летнюю Олю, которую он спас на железнодорожной станции. Один добрый поступок влечет за собой череду откровений, признаний и перемен в человеческих судьбах. Постановка Яны Сексте, Алексея Усольцева и Максима Сачкова по пьесе Михаила Рощина в сценической редакции Олега Антонова – это честный разговор на тему, почему «у всего хорошего есть изнанка». Что происходит с человеком, который решается на поступок. Эта пьеса уже звучала на сцене «Современника» в культовой постановке Галины Волчек в 1980 году. Тогда спектакль-диспут стал громким художественным и гражданским высказыванием. Сегодня эта история снова удивительно современна.

По мотивам пьесы Арбузова. Новая премьерная постановка Московского государственного театра «Ленком Марка Захарова» с народным артистом России Игорем Ивановичем Бочкиным и заслуженной артисткой России Олесей Владимировной Железняк. Классическая постановка в неклассической форме. Переплетение и взаимодействие непростых характеров, вечные вопросы взаимоотношений между ним и нею, любовь и разлука, нежность и непонимание – вся глубина человеческих взаимоотношений и вечная проблема выбора – что же будет, если...

«Тщетная предосторожность» является самым ранним из дошедших до нас классических балетов. Его премьера состоялась 1 июля 1789 года во Франции, в Бордо. Позднее к забавной истории симпатичной влюбленной пары, Лизы и Колена, сумевших перехитрить строгую и бдительную мать девушки Симону, мечтавшую о богатом женихе для своей дочери, обращались разные хореографы. К примеру, в Москве и Санкт-Петербурге в разные годы его можно было увидеть в постановках Шарля Дидло, Жюля Перро, Ираклия Никитина. И вот теперь заслуженная артистка России Юлиана Малхасянц предлагает вниманию зрителей новый вариант этой замечательной истории, опять-таки обратившись к музыке, прежде всего Луи Герольда. Изысканный классический танец, элегантно приправленный остроумными пластическими «репризами», по-настоящему веселый, полный забавных перипетий сюжет, – иными словами, редкий на балетной сцене комедийный жанр обещает доставить удовольствие как искушенным ценителям хореографии, так и тем, кто пока еще только с ней знакомится.