Афиша театров Москвы на 6 октября 2026

«Дни проходят; дочь растет; Расцвела, как майский цвет; Вот уж ей пятнадцать лет. Что-то, что-то будет с ней…» В. Жуковский, «Спящая царевна» Режиссёр-постановщик Екатерина Образцова соткала собственную сказку, вдохновившись блестящим текстом Василия Жуковского. Мир этой сказки идеален для театра кукол: здесь прялки вдруг превращаются в фей, каждая добавляет свою ниточку в ткань сказочного повествования, кроме главной феи Карабос – но это вы все увидите в спектакле. Мир спектакля — это пригорок, ручеек, лесок… Населяют его персонажи сказки: Царь, Царевна, Царица, Женихи и сам Суженый. Все это – планшетные куклы. Артисты явно управляют ими и время от времени дают им советы. В спектакле есть и тростевые, и перчаточные куклы, есть даже одна кукла, природу которой затруднился определить сам мастер-технолог! Режиссёр-постановщик Екатерина Образцова: «Поэт Василий Жуковский создал русский литературный вариант очень популярного сказочного сюжета о спящей красавице, который для французов пересказал Шарль Перро, для немцев – братья Гримм. Но нам ближе всех Жуковский, потому что Василий Андреевич обладал удивительным чувством юмора, так что сказка получилась очень смешная, иногда ироничная, с намёком. Этот спектакль интересен для девочек и мальчиков – девочки в нарядных платьицах могут почувствовать себя царевнами, а мальчики, конечно, смогут понять, как расти добрыми молодцами».

История, которой посвящен спектакль, основана на настоящем эксперименте, который придумал и осуществил учитель истории, чтобы учащиеся смогли прочувствовать атмосферу нацистской Германии. Это произошло в Америке, в школе «Кабберли», учителя звали… Хотя можно сказать и так: история эта произошла в таком-то городе, в таком-то году, в такой-то школе, участников звали так-то и так-то… Но это совсем не важно, потому что это могло случиться в другом месте и в другое время с другими людьми. Может быть, еще случится… или не может?

Спектакль в двух действиях для школьников и их родителей. Спектакль – всегда чудо, а здесь волшебство двойное: театр-то сказочный, и живут в нем герои необычные – сам солдат, человек хотя и бывалый, но доверчивый, потому что живет с открытым сердцем; царица, этакая парчовая ром-баба, а вот есть ли у нее сердце или вместо него блестящая пуговица, понятно сразу – жадна, глупа и бестолкова; ну а уж бесенок Анчутка куролесит вовсю, и если иногда пакостничает, так это потому, что не объяснили ему значение главного слова в жизни – «друг». Вот и оказывается, что всем, кто в этой сказке живет (или ее смотрит), нужен солдат, чтобы одних справедливо наказать, а других уму-разуму наставить, как Анчутку, который сам решил: «Не буду я народ обманывать!» Сказка ложь, да в ней намек… Режиссеры-постановщики – заслуженные артисты РФ М. Миленин и И. Миленина. Композитор – почетный деятель искусств г. Москвы К. Миленина.

Балет в двух действиях, впервые поставленный Мариусом Петипа в 1869 году, обрел новую жизнь благодаря его новой постановке Александром Горским. Именно эта версия, драматургически выстроенная, танцевально виртуозная и словно кипящая радостью бытия, стала основой бесчисленных редакций балета, ныне украшающего афиши самых знаменитых трупп мира. История о Дон Кихоте – один из самых популярных классических балетов, он темпераментный, яркий и пламенный. Вихрь страстного танца, ритмичный стук кастаньет, захватывающие дух прыжки и виртуозные фуэте – вот основные характеристики незабываемого шедевра. Сюжет почерпнут из бессмертного романа Мигеля де Сервантеса. Премьера на сцене Государственного Кремлевского дворца состоялась 3 июня 1994 года. Спектакль идет в сопровождении Симфонического оркестра радио «Орфей». Художественный руководитель и главный дирижер – Сергей Кондрашев. Дирижер – заслуженный артист РФ Денис Кирпанев. Хореография – Александр Горский. Хореограф-постановщик – народный артист СССР лауреат государственных премий СССР и России Владимир Васильев. Художники-постановщики – заслуженный деятель искусств РФ Виктор Вольский, заслуженный деятель искусств РФ Рафаил Вольский.

Как актуальны события, описанные Островским в 1870 году! Прошло 150 лет, а богатые дамы по-прежнему влюбляются в юношей и разоряются. Служители искусства, тем более театрального, по-прежнему нуждаются, и девушкам, чтобы выйти замуж за богатого отпрыска, нужно иметь какое-то приданое от богатых родственников. Вечные ценности – семья, любовь, дружба, преданность – все имеет свою цену. В скитаниях по России встречаются трагик Несчастливцев и комик Счастливцев. Волею случая они оказываются недалеко от имения Гурмыжской, тетки Несчастливцева. А там все смешалось – тетка собирается замуж за юнца, сосед выгадывает, как подешевле скупить теткин лес, племянница-бесприданница, не надеясь на счастливое замужество, собирается топиться, а гимназист-недоучка готов жениться, чтобы обеспечить свое будущее. И в этом водовороте событий только нищие актеры умеют по-настоящему сопереживать ближнему.

«Капитанская дочка» – настоящий русский мюзикл, созданный Марком Розовским и Максимом Дунаевским. Этот спектакль отлично подойдет для семейного просмотра. Основа спрятана в другом труде Пушкина-историка – в «Истории пугачевского бунта». Зверства Пугачева, поднявшего злобную и дикую чернь на бунт против державного официоза, описаны легким пушкинским пером с отвращением к насилию и с научной скрупулезностью. А в «Капитанской дочке» тот же гениальный автор как бы заново и по-другому осмысливает события – уже через художественную призму, через частную историю всепобеждающей любви двух сердец – юноши и девушки, которые попали в кровавую мясорубку века и сумели сохранить жизнь и достоинство. Тема любви сопряжена с темой предательства, и взятые Пушкиным в эпиграф слова «Береги честь смолоду» составляют призывный смысл, обращенный ко всем поколениям людей, живших и живущих на русской земле. Отсюда святой патриотический градус, пронизывающий этот музыкально-поэтический спектакль.

Мюзикл «Плакса» – совместный проект канала СТС и Московского театра мюзикла. Хит СТС «Плакса» получит продолжение, неожиданное развитие сюжета и новые смыслы на театральной сцене. Мюзикл расскажет историю 15-летней девочки Маши, переехавшей из Москвы в провинциальный Новоморск, где она встречает свою вторую половину и находит себя в музыке. Однажды она покупает гитару, которая оказывается волшебной. Тогда Маша решает создать группу «Плакса» и неожиданно обнаруживает, что ее песни способны вызвать фантастические события, исполнять желания и преобразить жизнь ее парня, родителей и бабушки.

Поставленная более 40 лет назад режиссером Г. Ансимовым в содружестве с музыкальным руководителем М. Ростроповичем и художником В. Левенталем «Летучая мышь» выдержала более 1 000 представлений и стала настоящим символом Московского театра оперетты. В ней собрано все великолепие и праздничность жанра оперетты: гениальная музыка И. Штрауса, тонкий юмор Н. Эрдмана и М. Вольпина, яркая, изящная игра актеров. И теперь, возвращенный в первозданном виде, спектакль вновь представил в афише имена своих великих создателей. Спектакль, поставленный в 1974 году, был приурочен к 100-летию самой оперетты. А его триумфальное возвращение совпало со 190-летием великого композитора И. Штрауса.

Авлабар – один из старейших районов Тбилиси и место действия знаменитого водевиля Авксентия Цагарели «Ханума», написанного в 1882 году. Это история о соперничестве двух свах – Ханумы и Кабато, каждая из которых предлагает свою невесту старому князю Васо Пантыашвилли. История смешная, эмоциональная и в чем-то наивная, как эмоциональны грузинские тосты, как бесхитростна живопись Пиросмани. «Ханума» стала особенно желанной гостьей на театральных подмостках в версии комедиографов Бориса Рацера и Владимира Константинова, полвека назад переписавших оригинальную пьесу для Георгия Товстоногова и Большого драматического театра. Но в театре зрителей ждет совершенно новая «Ханума» – в новом переводе, с новыми песнями и диалогами, созданными специально для Московского художественного театра. Автор перевода – Нина Шадури, инсценировка – Андрея Галанова и Шабана Муслимова, музыка – Сергея Чекрыжова и Дмитрия Чувелева, авторы стихов – Мария Безносова и Владимир Руднев.

Пока Вронский и Анна прожигают жизнь страстью, а Стива Облонский – наследство, Левин пытается быть честным: с собой, с землей, с женщиной, которая кажется ему богиней, и с самой жизнью. На сцене роман о роковой любви превращается в историю о поиске себя – и о непростом искусстве быть счастливым. Здесь – две линии. Линия любви: отношения Левина и Кити, где каждое признание дается с трудом, а молчание иногда говорит громче любых слов. Линия быта: семейный хаос Облонских, где Долли пытается сохранить достоинство и семью, а Стива – привычную иллюзию беззаботности. А Анна и Вронский остаются рядом – как напоминание о другой возможности: можно сгореть в страсти, но куда труднее выжить в жизни. Это спектакль не об изменах – о попытках. Не об «ах», а о «ну почему молчишь?». Не об идеальной любви, а о любви неловкой, смешной, узнаваемой – и оттого настоящей и до боли.

Иль был он создан для того, Чтобы побыть хотя мгновенье. В соседстве сердца твоего?.. Иван Тургенев «Цветок» «Белые ночи» Федора Достоевского – произведение удивительной чистоты и света, едва ли не самое лиричное в его наследии. Здесь Петербург становится не просто городом, а живым участником истории: его тихие набережные, зыбкий свет и вечерние тени будто обнимают героев, позволяя невозможному стать возможным. В центре повести – Мечтатель, молодой человек с тонкой душой, живущий в мире фантазий. Его жизнь течет размеренно и незаметно – пока однажды ночью он не встречает Настеньку. Несмелую, искреннюю, трогательную. Встреча, на первый взгляд случайная, превращается в череду доверительных прогулок, разговоров, признаний. То, что начинается как легкая дружба двух одиноких людей, постепенно превращается в нечто большее. Но в сердце девушки живет другая надежда, и Мечтателю предстоит понять: способен ли он ждать взаимности или же обречен любить без ответа? Стоит ли мгновение счастья долгих лет ожидания? Почему порой самое сильное чувство рождается там, где нет уверенности в будущем? Эти вопросы проходят через все произведение, и спектакль раскрывает их по-новому, предлагая современный взгляд, тонкую психологическую игру актеров и атмосферу, в которой мечты кажутся ближе, чем реальность. Зритель пройдет вместе с героями три волшебные белые ночи – полные трепетных надежд и той тонкой грусти, которая остается в сердце надолго.

Спектакль по пьесе Виктора Розова «Вечно живые». Борис на фронте пропадает без вести, – героиня, потеряв родителей и кров, с отчаяния выходит замуж за двоюродного брата Бориса – Марка, но этот брак не становится для нее утешением. Это спектакль о молодых людях, почти детях. Они только начинают жить. И уже на старте этой жизни сталкиваются с большими и сложными вызовами. Режиссер погружает зрителей в жизнь людей великой и героической эпохи. Это жизнь на войне и в тылу. Жизнь через призму частной истории, в которой есть место трагической любви и подвигу, предательству и раскаянию, потере и обретению новой жизни.

Это пьеса о мужчинах, объединенных общим страхом и общим волнением. На протяжении ночи они ждут рождения своих детей, каждый из них гадает, каким будет их завтрашний день и мир. Переживая за детей, которые вот-вот должны родиться, герои невольно дают оценку окружающей действительности. По словам Евгения Гришковца, сценической судьбой этой постановки он решил заняться сам, потому что не решился доверить героев этой нежной пьесы чужим рукам: ситуация и пространство требуют от этих людей быть хорошими. В этой пьесе все люди хорошие. Человек, ждущий своего ребенка в роддоме, не может быть плохим.

Бессмертный чеховский шедевр будет являться зрителям всегда. Если уцелеет планета от людских политических исканий и таяния льдов в Антарктике, люди и тогда на остатках суши будут удивляться рассказам о всех выгодах сушеной вишни, познавать и многие другие несуразности трагической комедии, что стала энциклопедией русской души. Сведущие люди давно догадались и даже убедились, что герой Лопахин – это во многом автобиографический персонаж. Чехов страстно желал, чтобы купца Лопахина играл К. С. Станиславский – «тонкая натура с длинными пальцами», в которой может проснуться купеческая дьявольская сила. Это произведение было последним спектаклем, где репетировал великий артист О. И. Янковский. Вместе с А. В. Збруевым он был назначен на роль Гаева. Театральное представление посвящено его памяти.

Юрий Еремин, один из лучших интерпретаторов классики на российской сцене, взял за основу постановки главы из первой и второй частей романа «Герой нашего времени» («Бэла», «Максим Максимыч», «Фаталист» и «Княжна Мери») и создал яркий, сюжетно-увлекательный спектакль, в котором есть место динамичному развитию сюжета, серьезным размышлениям о природе становления юной души и противоречивости характера неординарной личности – Григория Александровича Печорина, не идеализируя его, не оправдывая его дурных поступков, но и не отказывая ему в благородстве и привлекательности. Спектакль Еремина – это не только история скептика и романтика Печорина, это еще и рассказ о гордости, отваге, мужской чести и человеческом достоинстве, дающий срез жизни российского общества начала XIX века.

События происходят в памяти и в воображении пушкинских героев, они как будто извлечены из прошлого так же, как письмо Татьяны к Онегину, обрамленное и спрятанное под стекло. В спектакле два Онегиных: один – старший – тот, кто вспоминает; второй – младший, тот, кто проживает эти события. Ленских тоже двое: ровесник старшего Онегина, – такой, каким мог бы стать юный Ленский, – тот, кто погибнет на дуэли. «Евгений Онегин» – это огромное пространство мира и чувств, которое вместило игру ума, гнев, обличение, цинизм, сострадание и прощение. Спектакль Римаса Туминаса разрушает стереотипы, он выстроен полифонично, жестко и эмоционально. Свое признание Татьяна пишет человеку, которого создало ее воображение. Татьяна и Онегин столь различны, что, идя навстречу друг к другу, они обязательно пройдут мимо, так несоприкасаемы их души.

Комедия «Женитьба Фигаро», придуманная придворным часовщиком Бомарше, на протяжении трех столетий пользуется огромным успехом благодаря идеальной композиции, динамичности и юмору, который не утратил своей свежести. Но главный секрет успеха – в характере главного героя: талантливый Фигаро потерпел крушение во всех общественных и творческих начинаниях, но он полон достоинства, созидательной силы, жизнелюбия, и главное – он влюблен. Именно из-за любви на его долю выпадает «безумный день», в течение которого ему предстоит сплести интриги, выкрутиться на суде, обрести родителей, испытать предательство друга, мнимую измену молодой жены, но при этом не потерять веру ни в любовь, ни в самого себя.

В центре спектакля – история трех поколений одной семьи. Вот Алевтина Павловна, еще молодая, величественно красивая женщина, посвятившая всю свою жизнь академической карьере. Ее дочь Маша, вырвавшаяся из родного города и отчаянно стремящаяся обрести свое место в негостеприимной Москве. И, наконец, Машина дочь Даша – обыкновенный подросток, вспыхнувшая первая любовь, попытки понять свою роль в этом мире и, как водится, неукротимый дух противоречия. Все они, разделенные годами, обстоятельствами, разным опытом, никак не могут найти контакт, услышать друг друга, осознать, что на деле у них одна и та же судьба. Одно общее стремление ощутить безусловное счастье и любовь. Каждая из героинь существует в круге своей собственной боли, которую, конечно, мнит уникальной. Они ищут спасения, утешения и тепла, каждая по-своему: Маша в онлайн-чате, где дети обсуждают своих токсичных родителей, Даша в бездонном пространстве «Инстаграма» и «Тик-Тока», а Алевтина Павловна в единственном друге – 17-летнем дворовом псе по кличке Федор Михайлович.

На сцене – снова карточная игра! Да еще какая! Нет, это уже не мистическая игра, как в «Пиковой даме», и не романтически-пафосная, как в «Маскараде». Это настоящий апофеоз игры – беспощадной, балансирующей по лезвию ножа, театральной, бравурной и не знающей никаких преград. В этом весь Гоголь. Блистательная история про карточных шулеров описана им с невероятной жизненной силой, ее персонажи – мастера, а то и «философы» в своем «нелегком» деле! Шутка ли – увидеть в карточной колоде свою музу! Все эти Ихаревы, Гловы, Замухрышкины, Утешительные – превосходный материал для перевоплощения, и артисты Малого театра с удовольствием окунаются в гоголевскую игровую стихию, увлекая за собой зрителя.

Маленький Вася Рубцов хотел узнать про все на свете, разглядывал лица в окнах проезжающих поездов, дружил с коровой и теленком, пока их не стало, и пришло понимание, что не на все вопросы есть ответы. Спустя годы детство само находит его: догоняет обрывками воспоминаний, от которых не скрыться. Остается только пройти этот путь еще раз, уже взрослым, собирая себя из того, что так долго пряталось. Спектакль «Корова» – это мир, увиденный глазами ребенка, и вместе с тем возможность приоткрыть дверь в прошлое, чтобы принять его всем сердцем. «Мы взрослеем, но переживания детства никуда не исчезают: они лишь затаиваются и тянутся во взрослую жизнь. Часто за детской болью прячется любовь, а вместе с ней приходит понимание: все события прошлого – это часть нас», – делится режиссер Виктория Хомченко. В постановке использованы тексты из рассказов и сказок Андрея Платонова «Возвращение», «Корова», «Избушка бабушки», «Разноцветная бабочка», «Цветок на земле», «Дар жизни», «Железная старуха», «Свет жизни», «Волчек», «Великий человек», пьесы «Голос отца», а также стихотворения «Поезд» («Вьется, вьется, вьется…») и «Мир родимый, я тебя не кину…».

Откликаться на самые важные исторические события всегда было свойственно Малому театру, составляло одну из его главных традиций. Спектакль Андрея Житинкина по знаменитой пьесе Виктора Розова "Вечно живые" - это попытка воскресить в нашей памяти события, поступки и чувства людей, живших в годы Великой Отечественной войны. Боль потерь, честь и долг, искренняя любовь и приспособленчество - эти понятия снова и снова оживают в наших сердцах. Режиссер-постановщик Андрей Житинкин: «Для меня это очень личный спектакль, два мои деда не вернулись с войны… Но наш спектакль не об окопах, а о том, что ломает война в душах человеческих. И еще, конечно, это посвящение нашим близким. Это метафора памяти. Только любовь помогает выжить в условиях войны и не потерять себя. Для многих молодых людей разрешение конфликта Розовым станет настоящим откровением. Сегодня очень важно подарить зрителям надежду…».

2023 год стал юбилейным для студии «СаунДрама». Ровно 20 лет назад Владимиром Панковым и «Пан-квартетом» был выпущен первый спектакль «Красной ниткой» на сцене Центра драматургии и режиссуры, именно тогда родилось название жанра – саунд-драма. Вокруг музыкальной команды «Пан-квартет» стали объединяться молодые музыканты, хореографы, актеры, звукорежиссеры, композиторы. Так началась история творческого коллектива, экспериментирующего с новыми формами сценического искусства и разработавшего принципы взаимодействия композитора и режиссера в импровизационном методе работы в музыке и театре. К 20-летнему юбилею студии «СаунДрама» в Центре драматургии и режиссуры на Соколе подготовлен концерт актрисы и певицы Анастасии Сычевой. В программу вошли песни разных лет, написанные Анастасией Сычевой с начала совместного творческого пути с командой. Также зрителей ждет композиция «Моя любовь» (музыка Сергея Родюкова, слова Павла Ковалева), неизменно звучащая на каждом концерте коллектива. Название музыкальной программы – отсылка именно к этой песне, ставшей знаковой для концертных программ студии.

Волшебник, превративший когда-то Медведя в человека, решает разрушить свое колдовство. Медведь может вновь стать собой, если поцелует Принцессу, которая, не без вмешательства Волшебника, оказывается неподалеку… Беда в том, что Медведь по-настоящему влюбляется в Принцессу – как и она в него. Так влюбленные оказываются перед немыслимым выбором, а Волшебник теряет контроль над своей сказкой. Удивительная история о мощной силе любви должна оказаться близкой всем, кто верит в чудеса. Спектакль по пьесе Евгения Шварца подходит для семейного просмотра.

«Понты» – ироничный, эмоциональный и правдивый рассказ о том, как истинная любовь и милосердие способны творить чудеса! Это пронзительная история о красоте души и настоящих чувствах. Юрий Грымов представляет спектакль, который наполнит зрителей яркими эмоциями и надеждой, даст возможность каждому взглянуть на мир другими глазами – глазами любви, сочувствия и понимания. Вы знали, что рядом с Большой Медведицей можно увидеть созвездие Брошенных Машин?.. Мало кто задумывается, но у автомобилей тоже есть душа!

Публику ждет история о быстротечности жизни и о том, что любовь, доверие, умение прощать и сопереживать важны для каждого – независимо от возраста. Абби, заносчивая обитательница дома престарелых, давно перестала доверять не только окружающим людям, но и собственным чувствам. Внезапное пари, которое она заключает со своей новой соседкой Мэрилин, превращает судьбы обеих героинь в аттракцион. Стремление к победе приводит к неожиданным приключениям, а острота переживаний возвращает Абби давно потерянный вкус жизни.

По сюжету в Новогоднюю ночь, когда вся страна готовится к празднику, в квартире московского инженера Мякишева появляется девочка. Возвращаясь из командировки глава семейства приводит в дом 15-летнюю Олю, которую он спас на железнодорожной станции. Один добрый поступок влечет за собой череду откровений, признаний и перемен в человеческих судьбах. Постановка Яны Сексте, Алексея Усольцева и Максима Сачкова по пьесе Михаила Рощина в сценической редакции Олега Антонова – это честный разговор на тему, почему «у всего хорошего есть изнанка». Что происходит с человеком, который решается на поступок. Эта пьеса уже звучала на сцене «Современника» в культовой постановке Галины Волчек в 1980 году. Тогда спектакль-диспут стал громким художественным и гражданским высказыванием. Сегодня эта история снова удивительно современна.

В кратком пересказе сюжет «Старшего сына» может напомнить индийское кино: молодой человек вторгается в жизнь совершенно чужих людей, в шутку объявляя себя их сыном и братом, и нежданно обретает семью и любовь. Но пейзаж рядовой городской окраины далек от ярких красок Болливуда, а сентиментальность в пьесе Александра Вампилова уравновешена горечью сомнений в возможности счастья – как у автора, так и у его героев. Режиссер Андрей Калинин: «В начале пьесы Бусыгин – человек холодный, озлобленный, не желающий чувствовать, избегающий душевных трат и метаний. Волею судьбы он оказывается в семье, где все трещит по швам, все негладко, нескладно. И эта встреча становится спасением для всех, в первую очередь для него. «Старший сын» – теплая человеческая история, в основе которой библейская истина: все люди – братья. Сочинение Сарафанова («то ли кантата, то ли оратория»), которое он пишет всю жизнь, так и называется «Все люди – братья». И это основная тема нашего спектакля, ведь быть родными можно не только по крови, но и по мировоззрению, по духу». Студента Владимира Бусыгина, начавшего эту историю в уверенности, что «надо соврать как следует, только тогда тебе поверят и посочувствуют», в спектакле Андрея Калинина играет Кирилл Власов. В роли поверившего ему «отца», музыканта-неудачника Сарафанова, – Александр Семчев.

Это история о том, как два молодых человека почти случайно оказались холодным весенним вечером в глухом пригороде. Опоздав на последнюю электричку, в поисках тепла и ночлега они постучались в незнакомую квартиру и… Один из них, в отсутствие хозяина дома и главы этого семейства, назвался его внебрачным сыном. И им поверили. Ситуация становится еще более удивительной, когда в вымышленное родство начинает верить и сам автор этой выдумки. «Театр Александра Коршунова – это театр человека, потому спектакли его всегда о душе, чувствах, человеческих слабостях и привязанностях. Человек слаб и нуждается в опоре. В спектакле по Вампилову эта опора – семья. «Старший сын» – спектакль-посвящение», – говорит Елизавета Авдошина, журналист, театральный критик.

Поставленный Юрием Бутусовым «Сын» – сакраментальная семейная коллизия, в которой отец семейства уходит к новой жене и тем самым ломает жизнь сына-подростка. У Николя расставание родителей совпадает с пиком сложного возраста. Он на некоторое время переселяется к папе, в его новую жизнь с молодой женой и маленьким ребенком, затем возвращается к матери и, поняв, что родители никогда не воссоединятся, кончает жизнь самоубийством. Билеты можно приобрести у операторов: ООО «МДТЗК» – по ссылке; ООО «Яндекс Афиша» – по ссылке; ООО «Компания Афиша» – по ссылке.

В сценической композиции по произведениям Александра Пушкина «Триптих» Петр Фоменко соединил три, на первый взгляд, совершенно разных произведения: шуточную поэму «Граф Нулин», одну из «Маленьких трагедий» «Каменный гость» и «Сцену из Фауста». Поставленные в необычном пространстве, объединяющем Малый зал и зрительское фойе, три акта «Триптиха» – это три отдельных спектакля, обособленные по жанру и стилистике. И в то же время пушкинский спектакль «Мастерской» – цельное театральное произведение, скрепленное пушкинским словом, связанное нитями мыслей и идей: об «игре любви и случая», смерти как плате за любовь, искушении судьбы и борьбе с роком, отрицании и сомнении против легковерности и нежности…

«Хождение по мукам» – первый в мире мюзикл по мотивам одноименной трилогии романов Алексея Толстого. В центре повествования – судьбы сестер Кати и Даши Булавиных. Накануне Первой мировой войны они, интеллигентные девушки, увлеченные петроградской богемной жизнью, сталкиваются с искушениями, разочарованиями, сомнениями. Мир стремительно меняется, и героини вынуждены строить новую жизнь, искать новую надежду. Создатели спектакля рассказывают историю становления героинь как историю любви (Кати – к офицеру Вадиму Рощину, Даши – к инженеру Ивану Телегину) на фоне колоссальных социальных и политических потрясений российской и мировой истории.

Жизнь писателя Ромена Гари подобна захватывающему приключенческому роману. Родился в Вильно (Вильнюсе), в Российской империи, накануне Первой мировой войны. Вместе с матерью перебрался в Ниццу, служил в авиации, стал генеральным консулом Франции, кавалером ордена Почетного Легиона. Гари – единственный писатель, дважды удостоенный престижной Гонкуровской премии: за роман «Корни неба» и роман «Вся жизнь впереди», написанный под псевдонимом Эмиль Ажар. Лейла Абу-аль-Кишек, режиссёр: «Обещание на рассвете» –  пронзительная история любви сына и матери. Художественная автобиография Ромена Гари написана легко, изящно, иронично. Но под этой лёгкостью скрывается большая боль. Любовь матери не раз спасала жизнь сыну, её вера помогла стать ему известным писателем, достойным человеком, но принесла и немало страданий. Возможно, именно эта история оказала самое сильное влияние на жизнь Ромена Гари, которая впоследствии привела его к трагической гибели. »

Для режиссера Ани Макеевой это вторая работа на тему русской свадьбы. Автору интересно исследовать, как в произведениях классической драматургии интерпретируется одно из важнейших событий в жизни каждого. Кто-то вступает в брак по любви, а для кого-то это возможность улучшить свое благосостояние. В новой постановке главный герой – игрок по жизни. Для Кречинского люди – пешки, он легко их переставляет по доске судьбы и при необходимости готов скинуть тех, кто ему не нужен. И лишь знакомство с Лидочкой, полной его противоположностью, заставляет взглянуть на этот мир иначе, задуматься и впервые сделать нелегкий выбор: остаться собой или ответить взаимностью. «Когда я прочитала эту пьесу в первый раз, Кречинский мне показался каким-то ненастоящим. Мне было сложно представить такого персонажа в современном мире. И я восприняла это как вызов. Кто этот человек сейчас? Какая у него система координат?» – рассказывает Аня Макеева.

Спектакль театрального проекта «а39» переосмысляет пьесу Александра Островского через эстетику волжского кабуки.

Главное слово тут – «живой». Да, труп – живой, реальный, он растет, набирает вес, матереет, источает жуткий запах и от него невозможно избавиться. Потому что труп в новом спектакле режиссера Данила Чащина – это метафора умирающих семейных отношений. Конечно, в первую очередь речь идет об отношениях Федора и Лизы Протасовых – героев недописанной пьесы Льва Толстого. Но также дополнительной линией в постановке выведены отношения между самим автором и его женой Софьей Андреевной. «Нам хотелось проследить, как развивалась их совместная жизнь и почему Толстой, как и его герой, решился на побег из семьи, – говорит Данил Чащин. – Мне интересно исследовать, как истончаются отношения. Из-за чего счастливый брак заканчивается разводом. Почему мы не можем вовремя обнаружить и закопать «труп», который прикидывается живым».

Молодая интеллигентная учительница Вера Ивановна приближает к себе конфликтную и прямолинейную девятиклассницу Зину. Подросток быстро осваивается в новых обстоятельствах и начинает манипулировать женщиной, бесцеремонно вмешиваясь в ее жизнь. Спектакль «Чужие письма» основан на сценарии Натальи Рязанцевой к культовому фильму Ильи Авербаха, вышедшему в 1975 году. Сегодня, спустя почти полвека, мировосприятие сильно изменилось. Но по-прежнему встают вопросы о том, как объяснить, почему нельзя читать чужие письма, и что такое порядочность. Режиссер спектакля Андрей Цисарук – новое имя для «Практики». Выпуская спектакль «Чужие письма», «Практика» продолжит открывать новые грани взаимоотношений между учителями и учениками, выводя на сцену конфликтные ситуации между двумя поколениями и ища способы их разрешения.