Афиша театров Москвы на 1 октября 2026

Классический кукольный спектакль в постановке Сергея Образцова по известной сказке Шарля Перро. Досталось трём братьям от отца наследство, да только поделили они его несправедливо: старший получил мельницу, средний – осла, а младшего прогнали прочь, и вдогонку кинули кота. Вот только кот оказался не простой, а сказочный… Так начинается невероятная история – о том, как полезно любить животных и как, собственно, бывают наивны страшные людоеды! Золотая классика. Подходит всем и каждому: даже самые маленькие дети смогут смотреть этот спектакль. Родителей особенно порадуют узнаваемые образы героев. Мама и папа вспомнят этих кукол из своего детства!

Главному герою повести Чингиза Айтматова семь. И хотя он живет на берегу живописного озера Иссык-Куль в окружении заповедных лесов и оленей, жизнь его совсем не живописная. Мамы и папы нет, из родных только тетка, но и ей мальчик безразличен. Вокруг пьянство, мародерство и взяточничество. Как спасаться от одиночества и не расчеловечиться в мире животных? Если тебе холодно в первой реальности, можно сочинить для себя вторую, в которой тепло. Свое место силы. Одушевить камни и доверять им тайны; поверить, что мама переродилась в олениху, чтобы хранить род, а папа – моряк дальнего плавания на сказочно прекрасном белом пароходе. И если что, всегда можно превратиться в рыбу и уплыть ему навстречу!

Мюзикл «Плакса» – совместный проект канала СТС и Московского театра мюзикла. Хит СТС «Плакса» получит продолжение, неожиданное развитие сюжета и новые смыслы на театральной сцене. Мюзикл расскажет историю 15-летней девочки Маши, переехавшей из Москвы в провинциальный Новоморск, где она встречает свою вторую половину и находит себя в музыке. Однажды она покупает гитару, которая оказывается волшебной. Тогда Маша решает создать группу «Плакса» и неожиданно обнаруживает, что ее песни способны вызвать фантастические события, исполнять желания и преобразить жизнь ее парня, родителей и бабушки.

«Сердце Франкенштейна» – это не готическая страшилка. Это остросюжетный триллер об ответственности ученого и история любви. Любви, которая способна создать новую жизнь. Любви, отсутствие которой способно жизнь уничтожить. «Жизни за гранью смерти нет» – этот постулат стремится оспорить молодой ученый Виктор Франкенштейн. После гибели матери юный доктор одержим единственной целью: найти путь к вечной жизни, воскрешая людей. Он жаждет стать величайшим врачом и обессмертить свое имя, создав «лекарство от смерти». Но гений не предугадал одного: каждое действие влечет последствия. Поглощенный опасной мечтой, он едва не разрушает свою жизнь и жизнь любимой женщины. «Если ставишь высшую цель, будь готов заплатить высшую цену» – лейтмотив мюзикла. Берегись своих желаний и умей вовремя остановиться в бесконечной гонке за право быть Богом. Жребий уже брошен.

Опера Ж. Бизе «Кармен» занимает особое место в истории Музыкального театра. В 1924 г. спектакль под названием «Карменсита и солдат» поставил в своей Музыкальной студии В. Немирович-Данченко. Постановка была с успехом показана на гастролях театра в Европе и США и вошла в историю как один из первых примеров нестандартного режиссерского прочтения классического сюжета. В 1935 г. к опере обратился К. Станиславский. «Мне почувствовался только общий тон постановки, который отличит нашу «Кармен» от сотни других. Она должна быть, так сказать, простонароднее. В первом акте нужны подлинные табачные работницы фабрики, подлинные солдаты, подлинные крестьяне, вроде Хозе и Микаэлы. Во втором и третьем актах – подлинные контрабандисты с их трущобой, убийствами, постоянной авантюрой…» – писал он в ходе работы над оперой. Спектакль, созданный в 1969 г. В. Фельзенштейном, стал одним из первых случаев приглашения на постановку зарубежного режиссера и вернул на отечественную сцену первоначальную редакцию оперы с разговорными диалогами. Нынешняя постановка оперы «Кармен» осуществлена режиссером А. Тителем и художником В. Арефьевым в 1999 г. и вот уже более четверти века пользуется неизменной любовью публики. За это время в спектакле сменилось несколько поколений певцов, но каждый раз зрительный зал с напряженным вниманием следит за драматической историей любви и непримиримым столкновением ярких характеров.

Проект «RE-Конструкция» по мотивам оперы-балета Андре Кампра «Галантная Европа» на стихи Антуана Удара де ла Мотта старинная опера Театр имени Наталии Сац, последние полтора десятилетия известный меломанам как один из центров старинной музыки – благодаря многочисленным опытам и открытиям самого театра, его друзей и его художественного руководителя, знатока и пропагандиста барочной музыки Георгия Исаакяна, представляет премьеру концертно-сценического воплощения оперы-балета «Галантная Европа» французского композитора Андре Кампра (1660–1744). Этот шедевр барочной музыки, малоизвестный российской публике, будет представлен в формате semi-stage в прочтении музыкального руководителя и дирижера Артема Макарова и режиссера Георгия Исаакяна. Хормейстерами постановки станут Ксения Кулакова и Дмитрий Брашовян. Опера-балет «Галантная Европа» был написан Андре Кампра, которого называют крупнейшим французском композитором после Жана-Батиста Люлли, в 1697 году, и тогда же был представлен в парижском театре Пале-Рояль. Это произведение, предтечей которого можно считать комедию-балет Жана-Батиста Мольера и Жана-Батиста Люлли «Мещанин во дворянстве» (1670), стало первым в своем жанре и состоит из нескольких актов, связанных не персонажами, но темой: причудами любви и спором аллегорических персонажей, Венеры и Раздора, о том, что главенствует в мире – любовь или распря. Влюбленные пары из разных стран и культур – Франции, Италии, Испании – представляют различные истории и перипетии любви и связанные с нею радости и беды. Для своего времени опера-балет Кампра оказалась новаторской, так как герои ее были в большинстве своем не олимпийскими богами, а обычными людьми, современниками зрителей, которые существовали не в аллегорических, а в узнаваемых жизненных обстоятельствах. Интерес к этому старинному произведению с завершением эпохи Барокко угас и снова возник в Европе только после Второй мировой войны. В России партитура впервые была исполнена в 1985 году в «Театре старинной музыки» в постановке режиссера Михаила Коробова и хореографа Владимира Абросимова. В Театре имени Наталии Сац премьера оперы «Похищение Европы» пройдет в рамках проекта «RE-Конструкция». Спектакль будет исполнен на старофранцузском языке с русскими субтитрами. Спектакль идет без антракта.

Новые смыслы и вневременные проблемы российской истории и человеческих судеб легендарной, вечно современной пьесы Михаила Булгакова «Бег» представят зрителям авторы спектакля. Режиссер народный артист России Александр Лазарев и команда создателей новой постановки современными театральными средствами расскажут о тех, кто бежал от трагических событий на чужбину, в пустоту одиночества, о том, что судьба каждого человека неразрывно связана с судьбой его народа, его родины. О том, что вне их жизнь становится бесплодной и бессмысленной. И конечно, о пронзительной любви, которая кажется неуместной, когда в мире царят хаос, кровь и борьба.

Россия между двух революций: 1905-1917. Два мира. Одна мастерская. Одна семья. Динамику эпохи передают знаменитые произведения искусства, её обрамляющие. В 1906 году создано самое большое из яиц Фаберже Императорской серии – «Московский Кремль»; в 1915 – «Чёрный квадрат» Казимира Малевича. Павел Кутейников, гений русского ювелирного искусства, верит: его хрупкие творения из сверкающего металла и драгоценностей переживут века, потому что красота вечно лежит в основании мира. Сыновья Кутейникова с детства впитали веру отца. Но они – дети революционного времени, каждый из них по-своему переживает драму расколовшегося «Серебряного века». Линия раскола прошла прямо по семье, раздор поселился в доме Кутейниковых. Отец и сыновья спорят не о деньгах, не о политике, а о красоте, в которой продолжают искать опору в лихие времена. В чём она, истинная красота: в блеске золота или пламени мирового пожара? Анатолий Шульев, автор идеи и режиссёр: «Наш спектакль не о том, «как это было». Скорее, мы ведём диалог с историей, вместе всматриваемся в эпоху, где в горниле революций и войн проверялось на прочность всё: семейные узы, личные идеалы, любовь, вера, преданность и мастерство. Начало XX столетия – эпоха тотального самоутверждения человека, бескомпромиссного фанатизма и жизнетворчества; эпоха, когда перерождалась страна, неузнаваемо менялся мир, а человечество искало рай, сидя верхом на пороховой бочке. В том обжигающем времени гораздо больше рифм с нашей современностью, чем может показаться на первый взгляд: кризис веры, морали, традиционных ценностей, обретение технологий, к которым человечество совсем не готово, разобщённость и нарастание угроз, связанных с оружием массового поражения. Предреволюционная Россия 1917 года очень напоминает сегодняшний мир в целом, со всеми его противоречиями, ускоряющимся временем, за которым простой, живой человек порой не поспевает. Как же сохранить в этом мире себя самого, свою семью, веру в человека, в любовь и в красоту?»

Однообразная и монотонная жизнь Джонатана Ноэля внезапно оказывается под угрозой, когда у двери его комнаты появляется голубь. Встреча со взглядом птицы меняет весь устоявшийся быт главного героя. Хореографический спектакль Екатерины Кисловой по рассказу Патрика Зюскинда создан в синтетическом театральном направлении саунд-драмы, здесь текст становится музыкой̆, а история рассказывается условным языком движения. Постановка стала результатом работы хореографической лаборатории Центра драматургии и режиссуры, участниками которой выступили студенты и выпускники Российского института театрального искусства – ГИТИС, факультета новых направлений сценических искусств, кафедры саунд-драмы. В 2024 году спектакль «Голубка» стал участником XXVI Международного фестиваля современного танца Open Look в Санкт-Петербурге.

«К вам Александр Андреич Чацкий!» Да-да, тот самый – резкий, саркастичный, и за словом в карман не лезет: «Служить бы рад, прислуживаться тошно!», «А судьи кто?», «Дома новы, а предрассудки стары»… И красавица Софья все так же как будто влюблена в Молчалина, и отец ее, московский барин Фамусов, все еще держит открытый дом, а князья Тугоуховские до сих пор не выдали замуж дочерей. Что нового могут рассказать людям XXI столетия герои пьесы, написанной 200 лет назад, чьи реплики, а главное – убеждения, казалось бы, прекрасно известны всем еще со школьной скамьи? Создатели спектакля предлагают попробовать изменить угол зрения… Режиссер Алексей Бородин: «Грибоедов остро написал про компанию людей, которые создают удобный им способ жизни, где все роли розданы, а приоритеты расставлены. Чацкий не готов принять такое положение вещей, и потому остается один. Где он собирается найти «оскорбленному чувству уголок» – вот в чем вопрос». Билеты: «Компания Афиша», «МДТЗК», «Яндекс Афиша».

Режиссер спектакля – ведущий актер Театра имени Моссовета заслуженный артист России Александр Яцко – убежден, что «Горе от ума» – лучшая пьеса из когда-либо написанных на русском языке. Его постановка дает свежий взгляд на всем знакомое со школьной скамьи произведение, оставаясь при этом верным духу великой комедии. Александр Яцко сделал хрестоматийных персонажей живыми современными людьми, чьи мысли и поступки близки и понятны сидящим в зале. Режиссер предлагает зрителям заново всмотреться в лица грибоедовских героев, понять логику и мотивы их поведения, а стильная лапидарная сценография, автором которой выступил сам постановщик спектакля, придает действию комедии изысканную красоту. Александр Яцко не сделал ни одной купюры в тексте пьесы, обогатив действие спектакля двумя вальсами Грибоедова, звучащими в живом исполнении, и записями виртуозных импровизаций пианиста Евгения Борца.

Пьеса А. Н. Островского «Гроза» всегда была любима русским зрителем. История стара как мир. Обуреваемая неисполнимыми мечтами Катерина идет навстречу своей любви, забывая об устоях и приличиях. Вольно или невольно в эту историю оказались втянуты семья Катерины и жители города. На сцене чувство долга и веры борется с сердцем. И к сожалению, искренней готовности предостеречь и простить не выказывает никто. Зато скрыть беду от чужих глаз хотят все участники драмы. В глазах Катерины сразу видно, что нет мира, а в душе «что-то недоброе делается». Красивая, статная и страстная, искренняя, порывистая и молодая Катерина в финале спектакля гибнет. Колокола здесь звонят по всем, «отбивая» трагическую поступь трагического сюжета. При этом постановка (режиссер – Семен Спесивцев) в финале звучит жизнеутверждающе и примиряет между собой героев пьесы. Продолжительность спектакля – 1 час 20 минут.

В 95-й, юбилейный, сезон театр возвращает на большую сцену знаменитую комедию. 1812 год. Героиня готовится к знакомству с женихом – поручиком Ржевским. Желая узнать его истинные мысли о предстоящей помолвке, она на маскараде надевает мундир корнета. Так она понимает, что будущий жених совсем не рад предстоящей свадьбе. В это время приходит сообщение о начале войны с Наполеоном, и героиня той же ночью сбегает из дома на войну. Спектакль поставил режиссер музыкального театра – заслуженная артистка России Татьяна Константинова. «Я собрала всю музыку Хренникова, написанную не только к этому спектаклю, но и для одноименного балета, который был поставлен в Большом театре, музыку к спектаклю «Много шума из ничего», «Дуэньи» и самые известные песни, – говорит режиссер. – Так что весь спектакль будет пронизан музыкой. Но это не мюзикл, а именно современная музыкальная комедия с равноправным диалогом драматического действия и музыкальных номеров, хореографии и сценографии, костюмов и света».

«Девять дней одного года» – самый известный фильм Михаила Ромма. Это история двух физиков, влюбленных в одну девушку. Это сложный разговор о цене научных открытий и смысле самопожертвования, о том, как упорство в работе и готовность идти до конца ради своей идеи приводят к краху в личной жизни. В версии режиссера Сергея Виноградова и драматурга Валерия Печейкина действие переносится в условную среду, где быт 1960-х годов сочетается с приметами сегодняшнего дня, а ностальгия по прошлому – с мечтами о будущем. Фрагменты сценария Ромма соединяются с монологами о Сколково, межпланетных путешествиях и нанороботах. Но главное для создателей спектакля – история любви и дружбы людей, пытающихся и не умеющих прийти к взаимопониманию. «Девять» – редкий живой образец психологического театра, спектакль, в котором актеры существуют с максимальной достоверностью и подробной проработкой чувств. Авторы постановки точно и тщательно воссоздают стиль советской киноклассики, в то же время придавая ей новое и неожиданное звучание.

В уездный город к Марье Александровне Москалевой приезжает давно не бывавший в этих местах престарелый князь. Хозяйка имения решает любыми средствами сосватать за него свою 23-летнюю красавицу-дочь. Барышня сначала противится таким планам, но затем соглашается очаровать полубезумного богатого старика. Свадьба кажется уже делом решенным, когда князь вдруг заявляет, что все это был сон… В анекдоте Федора Достоевского о нравах провинциального общества режиссер Екатерина Гранитова видит историю незаурядной женщины, волею судьбы прикованной к захолустью, бежать из которого – ее почти маниакальная потребность. Эту женщину играет заслуженная артистка России Ольга Прокофьева. Она здесь и главная актриса, и главный режиссер, способный из всего сделать ослепительное зрелище. Красивые исторические костюмы, русские, испанские и французские музыкальные мотивы создают феерическую игровую атмосферу для спектакля, разыгрываемого Москалевой.

Как много творческой энергии спрятано за кулисами и в репетиционных залах театра! Идеи рвутся к зрителю, и было бы несправедливо запирать их в тесном пространстве гримерок. В рамках лаборатории творческих инициатив будут показаны самостоятельные режиссерские и актерские работы артистов. Александр Бавтриков для своей самостоятельной режиссерской работы выбрал одноактную пьесу Нины Садур «Ехай». Сюжет ее звучит как притча с легкой иронией и налетом абсурда. Где-то в бескрайнем поле посреди ночи на железнодорожных путях расположился мужик, «щека на рельсе, а зад к звездам». Положение не самое удобное, но самоубийство комфортных условий и не требует. Вот только все идет не по плану, когда машинист категорически отказывается ехать. Стоит поезд, томятся пассажиры, скандалят на путях неудавшийся самоубийца и машинист. И неизвестно, как решился бы их затянувшийся спор, если бы не чудная бабка в сапожках, явившаяся из ниоткуда…

Более ста лет не появлялась на сцене Малого театра гоголевская «Женитьба» – яркая, но по-настоящему до сих пор не разгаданная пьеса о сорвавшейся свадьбе нерешительного в личной жизни чиновника. «Хочется, но колется» – эта мелкая с виду проблема вырастает в сознании главного героя до гамлетовских размеров – «быть или не быть»! Разборчивая невеста, незадачливые женихи, проворная сваха и т. д. – все характеры пьесы выписаны ярко и сыграны блестяще. Сочный и неповторимый язык Гоголя и бережная режиссура Юрия Соломина делают спектакль Малого театра настоящим подарком ценителям живой и всегда современной классики.

Как бы вы повели себя в тривиальных, будничных или, наоборот, критических ситуациях, если бы точно знали будущее? Какие решения приняли бы прямо сейчас, как бы поступили? «Жил. Был. Дом» – это 11 историй, объединенных общим финалом. Финалом, меняющим абсолютно все. Финалом, известным с первых минут. Смешные и грустные, захватывающие и до боли понятные и близкие любому человеку. Потому что они про каждого человека, каждого, кто в этой жизни стоял перед выбором: верить или не верить в любовь, дружбу, судьбу, счастье, Бога.

Вирджиния Вулф – писательница, философ, идол американских интеллектуалов. Жизнь Вирджинии Вулф – череда смертей, запретные отношения, измены, мучительные депрессии, попытки самоубийства, бесконечно терзающий страх. Нескончаемое и напрасное бегство от реальности в изощренные интеллектуальные игры, в философские эссе, романы. Герои пьесы Олби Джордж и Марта распевают «Не боюсь Вирджинии Вулф» на мотив песенки из «Трех поросят». Шутка, сказка, глупость про маленьких беззащитных поросят, которые пытались укрыться от злого волка в соломенном домике. Зачем им бояться Вирджинии Вулф?..

Профессор математики Чарльз Лютвидж Доджсон, он же Льюис Кэрролл, пытается разгадать головоломку, в которой логическая игра превращается в абсурдное, на первый взгляд, путешествие в обратную сторону. Сюжетными зигзагами «Алисы в Стране чудес» автор ищет путь к себе, к собственным мечтам, страхам и фантазиям. Как найти выход из лабиринта, научиться слышать внутренний голос и не бояться оставаться собой? Какие события должны произойти, чтобы все точки сошлись в одной и «Алиса в Стране чудес» оказалась написана? Это заключительная работа первой актерской лаборатории МТК. Next, наметившей новое направление театра – спектакли для подростков по произведениям современных авторов. Для зрителей от 14 лет.

Провинциальный актер-трагик Несчастливцев, совершая традиционный маршрут русских антрепризных артистов из Керчи в Вологду, неожиданно для себя вдруг оказывается неподалеку от имения своей тетушки Раисы Павловны Гурмыжской. Его незапланированный визит в поместье дальней родственницы совпадает с судьбоносным решением помещицы распродать лес. Мотивы такого легкомысленного поведения Гурмыжской – распродажа недвижимости – становятся интригой для всех обитателей ее поместья, да и для всей округи. Несчастливцев, скрывая свою реальную роль в жизни и играя благородного состоятельного родственника, со всей мощью своего трагического темперамента внедряется в гущу событий, но создает лишь нелепые ситуации, не понимая, насколько смешон его «благородный герой» в условиях реальности, а не сцены. Так театр встречается с жизнью, в которой уже размыты границы моральных устоев, где пахнет шальными деньгами, а на смену непререкаемым идеалам пришли черствость, трезвый эгоизм, грубая корысть и похотливая распущенность. Театр встречается с той самой жизнью, отражением которой он должен являться. Узнают ли они друг друга? Комедия…

По одноименной повести Эфраима Севелы. Спектакль о том, как оставаться собой в самых невыносимых условиях. О жажде жизни и о ее ценности, кому бы она ни принадлежала. Вне зависимости от каких-либо отличий – национальных, религиозных, социальных, физических и ментальных. Известный еврейский писатель Эфраим Севела рассказал историю молодого литовского еврея, попавшего в советскую армию. Рядовому Моне Цацкесу, который не умел и не хотел воевать, было суждено стать знаменосцем и пройти всю Великую Отечественную. Четыре года страшной катастрофы описаны глазами пылкого и ироничного молодого человека, который страстно хотел жить. Война забрала его молодость, надругалась над его народом, искалечила судьбы миллионов людей. Но есть то, что никакая война никогда не сможет отнять: вера, любовь и дружба. Эфраим Севела – писатель, сценарист и кинорежиссер, известный в постсоветском пространстве и за рубежом. После эмиграции жил и работал в Израиле, потом в США. В 1991 году вернулся на родину по приглашению Союза кинематографистов. Автор более 60 произведений и киносценариев. Спектакль сделан в жанре, который граничит между площадным театром и сторителлингом (рассказывание истории). Такое актерское существование «без четвертой стены» провоцирует прямой контакт актера со зрителем. Иногда и сам зритель становится персонажем спектакля. Если вы хотите увидеть игровой театр, то это именно он. Разрушающий границы, стены и условность театрального искусства.

Как бы парадоксально это ни звучало, но для Малого театра «Мёртвые души» Н. В. Гоголя – это новый материал. Да, если посмотреть на дореволюционный репертуар, то можно найти целых пять постановок по бессмертной поэме Гоголя. Но все они не оставили заметного следа в истории Малого, а в более позднее время театр к этому произведению не обращался. Одной из основных тем спектакля, как ни странно, является одиночество. Не с кем поговорить мечтателю Манилову, с трогательной сентиментальностью вспоминает своих ушедших мастеровых Собакевич, неоднократно поминает своё вдовство Коробочка, беспременно жаждет общения Ноздрёв, а Плюшкин – воплощение одиночества. Прибавьте к этому «бродячие» по России души умерших крестьян и одинокую птицу-тройку, от которой «косясь, постораниваются и уступают ей дорогу другие народы и государства».

По одноименной пьесе Владимира Соллогуба «Беда от нежного сердца». Спектакль «Нежное сердце» приглашает зрителя в мир любви, наполненный мечтами, романтикой, а еще человеческими слабостями и непростыми решениями. Главный герой – Александр, представитель «золотой молодежи», избалованный вниманием и запутавшийся в собственных чувствах. Его отец, богатый предприниматель, устал от любовных похождений сына и хочет положить им конец. Он привозит Александра в Петербург, чтобы женить на дочери своей старой знакомой. По воле случая в петербургском доме оказываются сразу три девушки, готовые побороться за его нежное сердце. Автор пьесы, граф Владимир Соллогуб, создал яркий образец жанра XIX века: классический водевиль насыщен тонким юмором, музыкальными номерами и курьезными сценами, за внешней легкостью которых скрываются вполне серьезные переживания героев. Современная постановка бережно сохраняет дух оригинала, подчеркивая иронию и динамику сюжета. «Нежное сердце» заставляет смеяться и сопереживать, напоминая нам, насколько тонкими бывают границы между любовью и заблуждением, как легко запутаться в чувствах и как сложно найти свое счастье.

Опера «Паяцы» была написана композитором Руджеро Леонкавалло на собственное либретто. Сразу же после премьеры в Милане в мае 1892 года она стала невероятно любима публикой. В основу сюжета легла реальная история, случившаяся в калабрийской деревне: актер из странствующей труппы после окончания представления убил жену и ее возлюбленного. В этой яркой экспрессивной постановке на сцене оживает мир клоунов и паяцев, смешных и нелепых на подмостках, но любящих и страстных в реальной жизни. Трагедия одиноких сердец трогает зрителя буквально до слез. Действие первого акта оперы разворачивается в живописной итальянской деревушке, куда приезжают бродячие комедианты; второй акт – их представление в жанре комедия дель арте, для постановки которой был приглашен из Италии крупнейший специалист в этой области Клаудио де Мальо. Сценография и костюмы – Андрей Климов.

Режиссер Дмитрий Крестьянкин вместе с молодыми артистами «Маяковки» сочинили эту историю специально для проекта «Театр в школе» Департамента культуры и Департамента образования и науки города Москвы. Герои трех новелл, основанных на интервью с координаторами поисково-спасательного отряда «ЛизаАлерт», – подростки в сложном стечении обстоятельств. Кто-то принимает решение уйти из дома, кто-то становится жертвой школьной травли или доверяет свою жизнь незнакомцу из социальных сетей. И спасительный пароль «Найден. Жив» прозвучит, увы, не про всех… «Этот спектакль – возможность поговорить с подростком о том, что заставляет его переживать, – комментирует Дмитрий Крестьянкин. – Именно поэтому следующий за сценическим показом живой разговор с инструктором школы «ЛизаАлерт» является обязательной частью замысла. Важно, чтобы на этот спектакль приходили подростки с родителями. С этого может начаться важный разговор внутри семьи, на который страшно решиться просто так».

Подлинная деревенская жизнь с ее уникальным юмором, простотой, самобытностью, узнаваемыми шукшинскими образами рождается в сферическом пространстве театра и становится ярким, искрометным, колоритным и очень душевным спектаклем. Все рассказы Василия Шукшина объединяет тема любви – она здесь разная, но всегда нравственно чистая и требовательная. То покажется тихим счастьем полного взаимопонимания и завидного терпения, как в рассказе «Светлые души», то мучительным самоистязанием в истории о том, как «Жена мужа в Париж провожала», то приторным самолюбованием в «Чередниченко и цирк», то долголетней и трогательной привычкой в браке, как в рассказе «Одни» или необъяснимой страстью с первого взгляда в «Степкиной любви».

Уездный городишко, откуда «три года скачи, никуда не доскачешь», тускло живет своей жизнью. Как вдруг объявляется известие о том, что сюда направляется ревизор! Воображение чиновников создает невероятные картины краха, а градоначальник спешно раздает указания, но поздно... Предпринимаются тщетные попытки привести дела в порядок, но разве это возможно сделать за один день? Исправить больницы, где пациенты мрут как мухи, отстроить якобы сгоревшую церковь, на которую были выделены деньги? Умы чиновников застилает страх за свою должность, они буквально становятся слепы настолько, что не видят очевидных вещей. Прозрение наступает, но слишком поздно.

«Севильский цирюльник» Дж. Россини настолько музыкально убедителен, что под его обаяние попадал всякий, кто имел случай с ним познакомиться! Дж. Верди считал его «самой прекрасной из всех существующих опер-буффа»! Несомненно, обаяния оперному шедевру дал и его первоисточник – комедия П. Бомарше «Севильский цирюльник, или Тщетная предосторожность». Самому Бомарше хватило и двух фраз для того, чтобы пересказать сюжет пьесы: «Влюбленный старик собирается завтра жениться на своей воспитаннице. Юный ее поклонник, как более ловкий, опережает его и в тот же день сочетается законным браком под самым носом опекуна у него же в доме». Но история могла бы закончиться иначе, не окажись поблизости бывший графский камердинер, а ныне цирюльник Фигаро, «краснобай, кропатель стишков, отважный певец и неутомимый гитарист… Гроза мужей и любимчик жен». Он изобретает множество уловок и рискованных трюков, позволивших графу встретиться с Розиной и достичь желанной цели. Е. Писарев, режиссер-постановщик: «Эта история настолько легкая, фантазийная, что ставить ее всерьез показалось странно. И решили сыграть «Цирюльника» в шутливом, «нарядном» ключе, для чего взяли на вооружение прием «театр в театре».

Театр «Модерн» представляет масштабную премьеру: спектакль «Скотный двор» по всемирно известному произведению Д. Оруэлла. Режиссер Юрий Грымов обращается к классике литературы, объединив в постановке динамичный сюжет, яркие характеры и уникальные костюмы, оригинальные художественные и световые решения. «Скотный двор» в театре «Модерн» – первая постановка данного произведения в России. Спектакль полон неожиданных оригинальных сценических и художественных решений, актерских находок, которые подчеркивают насыщенный сюжет и философию произведения. Зрителей ждет полное погружение в события, описанные автором!

Головокружительная комедия положений. Случайная авария выбивает Джона Смита из графика его жизни и запускает череду нелепых ситуаций, которые к финалу перерастают в один большой абсурд. Заурядный таксист на деле оказывается не таким уж и простым. У него два дома и две жены, которые даже не догадываются о существовании друг друга. На боевой Мэри герой женился в мэрии, с инфантильной Барбарой венчался в церкви. К одной приезжает после дневной смены, к другой – после ночной. Живет по четкому закодированному плану, который до этого момента никогда не нарушал. После аварии он по ошибке дает два разных домашних адреса, а в это же время две женщины заявляют в полицию о пропаже своих супругов, оба таксисты с распространенным именем Джон Смит. Балансируя между следователями, журналистами и женами, герой пытается выкрутиться из сложившейся ситуации. Но чем больше он врет, тем больше обстановка накаляется. Динамичный сюжет не сбавляет темпа до самого конца, ложь множится, доводя ситуацию до ее предела.

Главные герои, оба персонажа с особым обаянием, Ксения и Дима, наконец-то нашли квартиру своей мечты, о которой так долго, упорно и с надеждой мечтали. Просторную, с высокими потолками, которые словно тянутся к самому небу, панорамными окнами, через которые открывается завораживающий вид на город, а главное, в самом центре столицы! Есть только одно маленькое, но все же значительное дополнение… В дальней комнате, которая поначалу кажется забытой, проживает тихая, добрая и сердечная старушка. Разве такая добрая душа может помешать? Это комедия с неожиданным сюрпризом, в которой все тщательно спрятанные секреты и хитросплетения будут раскрыты только в самом-самом конце, когда зрители уже не ожидают этого поворота событий.

«Строитель Сольнес» – одна из самых личных и загадочных пьес Генрика Ибсена, написанная в 1892 году. В ней великий норвежский драматург, находясь на закате своей жизни и карьеры, впервые так откровенно и болезненно обращается к внутреннему миру художника – измученного, уязвимого, наполненного страхами и величием одновременно. Эта пьеса – не просто драма о стареющем архитекторе, потерявшем опору в мире и в себе. Это – исповедь. Это – психопортрет. Это – Ибсен, смотрящий на самого себя с бескомпромиссной ясностью. В спектакле, помимо оригинального текста пьесы Ибсена, звучат фрагменты личных воспоминаний, размышлений, фантазий режиссера и артистов. Евгений Закиров Режиссер спектакля «Это история о художнике в каждом из нас, не желающем умирать, не желающем мириться с предложенными ему условиями существования: со смертью, с моралью, с долгом, с ограниченным количеством любви. Чехов писал, что человеку нужен весь земной шар, а не три аршина земли, как трупу – наш Сольнес отстаивает перед миром, перед Богом право на свою человечность. Такое либо делает, либо вынужден будет делать в своей жизни каждый из нас».

Поставленный на исконном музыкально-этнографическом материале, спектакль расскажет о жизни, обычаях, буднях и праздниках, воинских подвигах казаков, живших с XVI века на Северном Кавказе, на побережье Терека, а также рек Сунжа, Асса, Кура, Малка, Кума и Подкумок. Перед зрителем развернутся картины необычайной красоты: Кавказ во всем своем величии станет декорацией легендарной жизни казаков с их славным бытием, обрядовыми танцами, военными песнями, казачьими лезгинками и мастерским владением шашкой… Вы сможете увидеть обряды проводов на Русско-турецкую войну, ставшие священным казачьим ритуалом, волнующим до глубины души. А в казачьих песнях непременно тронет сочетание мужественности и лиризма, в котором звучит тоска по своей родине – ведь на Кавказ по царскому указу переселялись и волжские, и донские казаки, остававшиеся там жить навсегда.

Любовь и молодость неразлучны. Кто не любит, тот стар, кто не любил, никогда не был молод. К знаменитой актрисе приходят через много лет мужчины, которых она когда-то любила. К своему изумлению, они сталкиваются с молодой женщиной, тогда как сами они – уже глубокие старики. А секрет ее молодости прост – она не утратила способность любить. Вот и вся история, похожая чуть-чуть на сказку, притом что вполне реалистична. Эту лирическую комедию написал известный писатель, киносценарист, драматург, режиссер Рустам Ибрагимбеков. Его пьесы шли по всей стране, фильмы по его сценариям стали культовыми. Достаточно назвать только «Белое солнце пустыни», сценарий которого он сделал в соавторстве с Валентином Ежовым. У него несколько Государственных премий России и СССР, есть даже «Оскар» и «Золотой лев» и много других престижных наград. Его пьесы были поставлены в более 100 театров разных стран мира. Свою новую пьесу он принес в театр Et Cetera, выступив и в роли режиссера-постановщика.

Режиссер Александр Савельев и молодые артисты театра создали семь театральных эскизов по рассказам А. П. Чехова («Из записок вспыльчивого человека», «Скверная история», «Шуточка», «Цветы запоздалые», «Герой-барыня», «Дорогие уроки», «Душечка»). Этот спектакль – осторожное прикосновение к творчеству русского классика, откровенный, порой грустный, порой ироничный разговор о любви, надежде, несбывшихся мечтаниях – о человеческих страстях и пороках. Постановка адресована как молодым зрителям, которые смогут вынести из нее свои уроки, так и более «взрослой» аудитории, для которой спектакль станет поводом с улыбкой вспомнить о своей юности, ее ошибках и чаяниях.

Спектакль «Шестеро любимых» режиссера Александра Пронькина по первой, одноименной комедии Алексея Арбузова. Герои постановки – пролетарии, колхозники, начальники политотдела 30-х годов, мыслящие лозунгами и с рвением верящие в светлое будущее. В современном мире они могут показаться далекими и непонятными. Но люди всегда одни и те же – они любят, грустят, ищут друзей и переживают по пустякам во все времена. Под оболочкой ушедшей эпохи живут знакомые человеческие чувства, которые сильнее и важнее всего остального. Девушки и юноши делают первые шаги во взрослую жизнь. Спектакль решен в новоизобретенном жанре сюрреалистического соцреализма – поиска современного осмысления уже далекой советской драматургии. Кроме того, это комедия, которая через иронию, смех и слом четвертой стены открывает новое видение современности. Александр Пронькин, режиссер: «Спектакль выполнен в жанре так называемой советской комедии дель арте, которая подчеркивает агитационное и пародийное звучание текста». «Шестеро любимых» – это третий спектакль, который вошел в репертуар Театра на Таганке из режиссерской лаборатории проекта «Ликбез».

Леонид Енгибаров – один из самых знаменитых клоунов недавнего прошлого, мало найдется тех, кто ни разу не слышал о «клоуне с осенью в сердце». Но не все знают о том, что он был не только цирковым артистом, но и замечательным писателем. Многие десятки его миниатюр – калейдоскоп чувств и эмоций. Бытовые и незначительные на первый взгляд, они способны изменить мир к лучшему. Мир каждого читателя или зрителя, если говорить о спектакле по новеллам Леонида Енгибарова. Незадачливый писатель приходит в редакцию молодежного журнала, где встречается с маститым редактором: издадут ли его рукопись или потребуются незначительные правки и сокращения? Что будет, если боксер перепутает судью со своим противником? Что почувствует мама, когда ее 20-летний сын получит диплом о высшем образовании? На сцене всего две актрисы, два клоуна – рыжий и белый (которые иногда меняются местами). Они оживят эти искренние и трогательные миниатюры. Главное, не стоит забывать, что юмор и грусть всегда идут рука об руку.

«Дневник Анны Франк» – исторический документ. Это подлинная история одной еврейской семьи, скрывавшейся от нацистов в оккупированном Амстердаме в годы Второй мировой войны. Вход в тайное убежище был спрятан за книжным шкафом в конторе, которая до войны принадлежала Отто Франку, отцу Анны. Анна Мари Франк родилась 12 июня 1929 года во Франкфурте в еврейской семье. В 1933 году в Германии начались массовые гонения и притеснения евреев, и семья Анны была вынуждена переехать в Амстердам. 15 мая 1940 года была подписана капитуляция вооружённых сил Нидерландов. К 1942 году обстановка в Амстердаме накалилась настолько, что Анна Франк с сестрой, их родители и несколько друзей семьи были вынуждены спрятаться в мансарде дома. Снаружи казалось, что верхние этажи необитаемы. Дневник Анна получила в подарок ко дню рождения 12 июня 1942 года. Семья скрывалась в течение двух лет. В начале 1944 года Анна сама начала литературно обрабатывать записи, надеясь опубликовать их после окончания войны. Последняя запись в дневнике сделана 1 августа 1944 года. Вскоре всех обитателей убежища нашли и арестовали. В 1947 году Отто Франк опубликовал дневник дочери в сокращённой версии. С тех пор книга была много раз переиздана и дополнена, «Дневник Анны Франк» переведён более чем на 60 языков мира.

Главный герой – молодой человек, который рассказывает о своей жизни. Над ним с самого детства смеялись, потому что считали его странным. Через некоторое время смешной юноша отдаляется от мира и людей и начинает считать все вокруг иллюзией, которая создана для него. Главный герой думает о том, что, если перестанет существовать его сознание, то и весь окружающий мир исчезнет. Однажды он встречает девочку, которая хочет попросить о помощи, но он грубо отталкивает ее и потом сильно сожалеет. Трудное детство ожесточило смешного человека, его душа очерствела. Постепенно душевный кризис охватывает героя, и он решает застрелиться. Увидев в небе звезду, юноша решает, что это знак к самоубийству. Приготовив револьвер, неожиданно он погружается в сон. Ему снится нереальный мир, похожий на Землю, без зла, ненависти, зависти и насилия. Проснувшись, герой понимает, что зло накопилось внутри него. Он не хочет умирать, а решает изменить мир к лучшему, дав людям свои добро и любовь. Билеты можно приобрести у операторов: «Компания Афиша», «МДТЗК», «Яндекс Афиша», «Кассир.ру».