Афиша театров Москвы на 24 сентября 2026

Театральный проект Театра кукол Образцова Японская сказка, рассказанная в технике камисибай Спектакль «Журавль» соткан из мотивов японских народных сказок «Журавлиные перья» и «Остров вечной юности» в технике японского уличного театра камисибай.  В этой «бумажной драме» — ещё одно название представления камисибай — зритель увидит элементы театра но, услышит японскую речь и музыку в живом исполнении артистов. «Журавль» — спектакль для семейного просмотра. В нём есть юмор и грусть, чудо и трагедия, борьба за любовь и обретение счастья.

Клоунада на тему Д. Дефо Робинзон… Когда-то писатель Даниэль Дефо дал это имя своему герою. Герой стал культовым, а имя превратилось в нарицательное – символ одиночества, стойкости, преодоления и выживания. Режиссёр Екатерина Образцова рассказывает историю Робинзона с помощью клоунады и кукол. В каждом человеке в экстремальных обстоятельствах уживаются оптимист и пессимист, поэтому главного героя воплощают два клоуна – весёлый и грустный. Это не буквальное воспроизведение хрестоматийного текста, а скорее фантазия, игра по мотивам, которая задаёт зрителям множество вопросов, но над ответами придётся поломать голову самостоятельно.

Комедия «В чужом пиру похмелье» была написана А.Н.Островским в 1856 году, когда автору было 33 года. Свою девятую по счету пьесу автор снова посвятил родному Замоскворечью. Первое представление состоялось в Малом театре в том же году и с тех пор пьеса не раз ставилась и всегда была популярна у зрителя. Новую постановку «В чужом пиру похмелье» Малый театр доверил Ланьбо Цзяо – победительнице режиссёрской лаборатории «Постигая Островского».  Сюжет пьесы прост и незамысловат, но в нем, как всегда у Островского, отразились очень характерные черты жизни,  понятные зрителю в любые времена.

Театр представляет новую версию балета «Свадебка» И. Ф. Стравинского, посвященную столетию со дня первой постановки (Париж, 1923). Знаковая для балетного искусства партитура здесь дополнится максимальным количеством подробностей и гиперссылок (визуальных ключей, узнавание которых позволит зрителю расширить мысленное пространство спектакля). «Свадебка» Павла Глухова решительно уходит от концепции минимализма, соединяя хор и танцовщиков в одном пространстве. Автор действует как хореограф-драматург и смотрит на партитуру Стравинского сквозь призму «Грозы» А. Н. Островского: насыщает сюжет подробностями, персонажей – характеристиками, хореографию – психологизмом, воплощает абстрактную идею ритуала через узнаваемую коллизию взаимоотношений между женихом и невестой, мужем и женой, старшим поколением и младшим, личными отношениями и связями с родом. Динамическая сценография Ларисы Ломакиной опирается на фактуру природных материалов, при этом подразделяя его на уровни конкретного действия и философского обобщения.

Как актуальны события, описанные Островским в 1870 году! Прошло 150 лет, а богатые дамы по-прежнему влюбляются в юношей и разоряются. Служители искусства, тем более театрального, по-прежнему нуждаются, и девушкам, чтобы выйти замуж за богатого отпрыска, нужно иметь какое-то приданое от богатых родственников. Вечные ценности – семья, любовь, дружба, преданность – все имеет свою цену. В скитаниях по России встречаются трагик Несчастливцев и комик Счастливцев. Волею случая они оказываются недалеко от имения Гурмыжской, тетки Несчастливцева. А там все смешалось – тетка собирается замуж за юнца, сосед выгадывает, как подешевле скупить теткин лес, племянница-бесприданница, не надеясь на счастливое замужество, собирается топиться, а гимназист-недоучка готов жениться, чтобы обеспечить свое будущее. И в этом водовороте событий только нищие актеры умеют по-настоящему сопереживать ближнему.

Опера принадлежит к числу шедевров французского оперного искусства рубежа XVIII–XIX вв. Ее автор – Л. Керубини, один из основателей Парижской консерватории, композитор, которого Бетховен называл лучшим среди своих современников, свидетель и летописец Великой французской революции. Он создал произведение, сравнимое по масштабу со взятым за основу древнегреческим мифом. Опера Керубини, входящая в число величайших оперных трагедий, требует от исполнителей вокального мастерства и яркого актерского таланта. В середине XX в. постановка Керубини пережила второе рождение благодаря М. Каллас. Медея в исполнении Каллас стала легендой оперной сцены, и с тех пор к исполнительницам заглавной партии предъявляются особые требования. Одной из причин обращения театра к опере Керубини стало присутствие в труппе двух певиц, обладающих сильным и выразительным голосом и яркой сценической индивидуальностью, – Х. Герзмава и Н. Мурадымовой. В театре опера прозвучит в итальянском переводе К. Дзангарини.

Айдар Заббаров в содружестве с драматургом Резедой Губевой и при участии Зульфии Авзаловой продолжает творческие исследования образов татарской культуры. К таковым, безусловно, относится и Альфия Авзалова – выдающаяся татарская певица и незаурядная личность. «Меня часто спрашивают: как прошло детство, молодость, как стала певицей, как живу сейчас. Интересуются, как рождается песня, в чем ее душа, и задают много других вопросов» – писала в книге «О себе» Альфия Авзалова. Создатели спектакля в жанре байопика попытаются погрузиться в жизненные перипетии и представить на сцене судьбу человека и творца, который был и остается олицетворением татарского моң – души национальной песни. Музыкальный спектакль о царице татарской эстрады и труженице подмостков, недосягаемой звезде и родной душе, образе и феномене национальной культуры – Альфие Авзаловой, продолжающей путь в вечность, – станет творческим приношением памяти великой современницы.

Пьеса по мотивам аудиопластинки Владимира Высоцкого «Алиса в Стране чудес» – это путешествие в его музыкальную мастерскую и авторская благодарность творческой группы спектакля легендарному артисту в год его юбилея. Спектакль посвящен вечному желанию людей убегать от проблем и неприятных мыслей. К сожалению, это всегда возвращает их к самим себе. Режиссер – Максим Диденко, лауреат Санкт-Петербургской театральной премии для молодых «Прорыв-2014», неоднократный номинант российской национальной театральной премии «Золотая маска», высшей театральной премии Санкт-Петербурга «Золотой софит».

«Безумный день, или Женитьба Фигаро» – один из самых популярных и любимых зрителями спектаклей. Без малого 30 лет с успехом идет на ленкомовской сцене. Стремительная, музыкальная, яркая постановка по-прежнему поднимает настроение и радует зрителей. Придуманная придворным часовщиком П. Бомарше «Женитьба Фигаро» уже не одно столетие пользуется заслуженным успехом – история, динамичность, юмор – ничто не утратило свеой свежести. Главный герой – талантливый и жизнелюбивый Фигаро, которому предстоит преодолеть немало безумств – интриги, любовные приключения, суд, мнимая измена, обретение родителей. Несмотря на все испытания, он не теряет веру в себя. Когда Людвик XVI, который искренне любил Бомарше, прочел в 1782 году рукопись «Женитьбы Фигаро», реакция его была мгновенной: «Если быть последовательным, то, чтобы допустить постановку этой пьесы, нужно разрушить Бастилию...». Слова оказались пророческими – Бастилия рухнула вскоре после первых представлений «Фигаро». И еще неизвестно, революционная ли эпоха правила рукой и мыслью Бомарше, или Бомарше, проклявший аристократию и прославивший буржуа, подтолкнул революцию. Не случайно и свидетельство Наполеона I: «Женитьба Фигаро» – это уже революция в действии».

Режиссер Павел Пархоменко представляет спектакль по роману Льва Толстого. История о князе Нехлюдове, который, будучи присяжным на суде, встречает девушку, которую он когда-то соблазнил и бросил. С этого момента начинается трудный путь к духовному очищению и возрождению главных героев. Режиссер поставил спектакль, полный мучительных открытий, которые помогут зрителям понять и прочувствовать сложные переживания персонажей. Одна из самых противоречивых работ Толстого воплощается на сцене благодаря таланту Пархоменко и профессионализму актеров.

Во времена Первой мировой войны, когда волею судьбы будущий писатель Константин Федин оказался на чужбине в положении гражданского пленного, он был вынужден зарабатывать себе на жизнь случайным для него ремеслом актера. Тогда, на фоне войны, плена, революции, но главное, литературы и театра, с ним случилось то, что случается только однажды в жизни – та самая, настоящая любовь… Спектакль поставлен по автобиографической повести Константина Федина «Я был актером». История большой любви, пережитой в молодости писателем и описанной им в одноименной повести, оживет на сцене, и череда классических образов из произведений Александра Пушкина, Николая Гоголя, Федора Достоевского, Мольера переплетется с судьбой героя. Он терзается их страстями, говорит их словами, с ними смеется и плачет, но любит всегда ту единственную – из жизни, а не из роли! Спектакль-воспоминание, спектакль-ассоциация, спектакль-фантазия – это история писателя Константина Федина, рассказанная его правнуком.

Ностальгическая комедия по рассказам Василия Шукшина – трогательный и ироничный спектакль из жизни 60-х годов ХХ века. Постановка Сергея Виноградова, пронизанная атмосферой другого времени, напоминает семейный фотоальбом, который хочется разглядывать и размышлять о судьбах людей, изображенных на фото. На сцене в подробностях воссоздана обстановка эпохи оттепели: для молодежи постановка станет увлекательным путешествием на несколько десятилетий назад, а зрители постарше наверняка вспомнят детство и молодость. Забавные и поучительные истории заставляют смеяться и сопереживать героям, в которых так легко узнать самих себя. «Произведения Василия Шукшина связаны с моей деревенской юностью, противоречивым русским характером и острым вопросом сохранения национальной идентичности», – отмечает режиссер-постановщик Сергей Виноградов.

Евгений Онегин – молодой светский лев, получивший в наследство уездное поместье. Татьяна Ларина – дворянская барышня, живущая по соседству с Онегиным. Владимир Ленский – 18-летний помещик, приехавший из Германии, друг Онегина. Ольга Ларина – сестра Татьяны, возлюбленная и невеста Ленского. Спектакль поставлен по известному роману в стихах. Молодой поэт Ленский знакомит своего приятеля Онегина с близким ему семейством Лариных. Желая подшутить над другом, Онегин оказывает внимание Ольге, невесте Ленского. Тяжело восприняв эту шутку, Ленский вызывает Онегина на дуэль и погибает. Полюбившая Онегина Татьяна не получает ответа на свои чувства и выходит замуж за Гремина. Встречаясь с замужней Татьяной, Онегин понимает, что полюбил ее, но уже поздно… «Предвижу все – вас оскорбит» – первая строчка в спектакле. Так что условия игры заявлены сразу, на обманутые ожидания сетовать не приходится, и действие разворачивается со стремительностью горнолыжного спуска. Художественный руководитель театра Вячеслав Спесивцев верен формуле – только 23 % смысла зритель получает через слово (даже если слово – пушкинское).

Сначала был Чарльз Сэмуэль Аддамс – автор знаменитой «Семейки Аддамсов» (семьи фриков, живущих в странноватом и сюрреалистическом хоррор-мире). Именно он стал прототипом главного героя. А еще был немой кинематограф, детективы сэра Альфреда Хичкока, истории в стиле арт-нуар, готические фантазии Тима Бертона, сказка о Белоснежке и история о Ромео и Джульетте. Вдохновившись известными и даже хрестоматийными образами, создатели спектакля придумали новых героев для своей истории. В итоге получилась страшно смешная комедия – беззастенчиво зрелищная и вызывающе ироничная, легкая и мудрая, забавная и трогательная. Здесь множество трюков и спецэффектов, здесь самозабвенно танцуют и вдохновенно поют. И очень несерьезно говорят о самом серьезном, пытаясь найти ответы на извечные вопросы бытия.

Два британских джентльмена Викторианской эпохи, чтобы понравиться своим избранницам, затевают рискованную и непредсказуемую игру, называя себя именем «Эрнест». Это имя в английском языке созвучно с прилагательным «серьезный». Обе их возлюбленные почему-то вбили в голову не только себе, но и своим воздыхателям, что их женихов не могут звать иначе, как Эрнест, то есть – «серьезный человек». Впрочем, желание молодых леди понятно: репутация серьезного мужчины была в чести у дам не только в конце девятнадцатого века. Игра светских юношей в псевдонимы бурно заворачивает развивающиеся события. А вот к чему привела, казалось бы, вполне невинная проделка молодых джентльменов, смотрите в спектакле Театра Маяковского.

Повесть «Капитанская дочка» – подлинный шедевр пушкинской прозы и последнее большое законченное творение А. С. Пушкина, она была опубликована в журнале «Современник» за три месяца до гибели поэта. Спектакль, как и сама повесть, – не столько рассказ об исторической личности Пугачева, сколько трагическая, но невероятно поэтичная история любви юных Петра Гринева и Маши Мироновой, оказавшихся в эпицентре неуправляемой стихии мятежа. И выясняется, что любовь все выдерживает и взлетает над предательством и над смертью. Это спектакль-расследование, все герои и события рассматриваются постфактум. Взгляды зрителя и самих героев уже разделены временем, уже есть то пространство, в котором рождается переосмысление собственных эмоций и поступков. Уже нет ярости, горячечной мятежности, страха, жажды напиться свежей кровушки. Но раз за разом каждый герой спектакля вынужден решать самые важные вопросы своей и чужой жизней. Возможно ли сохранить человеческое достоинство и честь, если вокруг тебя полыхает мир? Вслед за автором создатели спектакля задаются вопросом фатальности судьбы и возможности покаяния и прощения. В спектакле используется не только текст повести, но и научная монография А. С. Пушкина «История Пугачева», а также реальные документы той эпохи, выдержки из допросов и судебного слушания по делу о восстании Емельяна Пугачева.

Спектакль «Лес», действие которого разворачивается в усадьбе Гурмыжских, погружает зрителей в общество приходящего в упадок дворянства и дельцов нового времени. Здесь деньги решают гораздо больше, чем чувства человека, здесь правит бал лицемерие помещицы Гурмыжской и ее ухажера Буланова. В усадьбу возвращается племянник Гурмыжской трагик Несчастливцев и проявляет все грехи и пороки этого общества. Новая постановка Сергея Виноградова оставляет удивительное послевкусие и еще раз убеждает, что театр «Сфера» – это высочайшая планка профессионализма и полная отдача актеров на сцене. А зрителям новый спектакль подарит глубокие впечатления, почву для размышлений и удовлетворение от бережного обращения с классикой.

Мария Стюарт – знаменитая пьеса Шиллера о противостоянии двух великих женщин, схватке двух королев. О престоле и темнице. Природе власти и природе страха. О милосердии, чести и гордости. Любви и верности. О глубинной сложности и неоднозначности человеческого. Сквозь два века, строгую выверенную и прекрасную форму эта пьеса говорит со зрителем о цене и ценности свободы, о безусловной ценности жизни. В 1568 году шотландскую королеву Марию Стюарт из-за подозрения в причастности к убийству своего супруга изгоняют из страны, и она бежит в Англию. Она надеется найти себе защиту у английской королевы Елизаветы. Та однако должна беспокоиться о собственной короне, поскольку Мария Стюарт сама претендует на нее. Поэтому королева Елизавета велит арестовать ее и заключить под стражу в замке. Действие пьесы происходит спустя 19 лет, за три дня до казни Марии Стюарт.

Молодой Горький, чьим университетом явилась сама жизнь во всем ее человеческом и событийном многообразии, с первых же произведений ставил перед собой большие вопросы о смысле человеческого бытия. Эту тему он особенно пристально исследовал в цикле рассказов о людях Бессарабии – места, где Восток сталкивается с Западом, а традиция – с новым типом мироустройства. В чем призвание человека? Что такое истинная любовь? Правда ли, что она сильнее смерти? Можно ли любить по-настоящему не один раз? У каждого ли существует идеальная пара? Всеми этими вопросами задается юный герой, впадающий в отчаяние от отсутствия ответа. Судьба посылает ему в качестве ответа Сулу – вечную женскую душу, спасающую отчаявшемуся герою жизнь. Отводя молодого человека от края пропасти, Сула открывает перед ним новые горизонты, в которых можно отыскать для себя истинный смысл и предназначение.

Комедия Н. Гоголя, по которой создан спектакль, – произведение не стареющее. В каком бы веке и в каком бы театре ее ни ставили, она непременно к месту и ко времени, ведь эпоха «Ревизора» – всегда! Для режиссера О. Ильина предмет исследования в «Ревизоре» – не социальная сатира, изобличающая пороки общества, а психологический портрет героев и отношения между персонажами. Его Хлестаков простодушен, доверчив и эмпатичен, легко и с азартом включается в игру городничего и его приближенных. Однако, поверив в свой новый статус, впоследствии оказывается больше обманут, нежели все остальные. С появлением Хлестакова все в уездном городе N переворачивается с ног на голову – и в прямом, и в переносном смысле, что подчеркнуто сценографией. Улицы с игрушечными домишками, несоразмерными бытовым предметам и персонажам, подчеркивают гротескность ситуаций. А выходящее за авансцену действие подключает к происходящему и зрителей.

«С любимыми не расставайтесь» – пронзительная пьеса драматурга Александра Володина – первая премьера, которая будет представлена на Исторической сцене Театра Олега Табакова после завершения капитального ремонта. Как говорил Олег Павлович Табаков о творчестве А.М. Володина: «Любовь – вот о чем он писал всю жизнь, и сымитировать это никак нельзя. Социальные признаки, быстротекущее время, сложности сопротивления думающего тростника чудовищной силе коммунизма и советской власти – все это было уже вторично. Он писал о любви». Режиссер Артур Касимов исследует в спектакле тему отношений в семье: о том, как важно научиться слышать и понимать друг друга, о сильном желании довериться близкому человеку и о тревожном, разрушающем чувстве страха быть непонятым. Главные герои пьесы – супруги Митя и Катя – расстаются. Семейную жизнь молодой пары завела в тупик недосказанность в отношениях. Они все еще любят, но каждый из них не в силах переступить через гордыню и старые обиды. На сцене, как в зеркале, зрители смогут увидеть отражение своих чувств, сомнений. А, возможно, и принять важное для себя решение – сохранить любовь и пройти все жизненные кризисы, не расставаясь.

Главные герои, оба персонажа с особым обаянием, Ксения и Дима, наконец-то нашли квартиру своей мечты, о которой так долго, упорно и с надеждой мечтали. Просторную, с высокими потолками, которые словно тянутся к самому небу, панорамными окнами, через которые открывается завораживающий вид на город, а главное, в самом центре столицы! Есть только одно маленькое, но все же значительное дополнение… В дальней комнате, которая поначалу кажется забытой, проживает тихая, добрая и сердечная старушка. Разве такая добрая душа может помешать? Это комедия с неожиданным сюрпризом, в которой все тщательно спрятанные секреты и хитросплетения будут раскрыты только в самом-самом конце, когда зрители уже не ожидают этого поворота событий.

Гладь Дона, затянутая легкой утренней дымкой, деревянные речные мостки, песня удалая казачья, доносящаяся издалека… Внезапно разыгравшаяся буря разрушит и эту хуторскую идиллию с привычным укладом жизни казаков, и судьбы главных героев и перевернет жизнь целой страны. Режиссер Дмитрий Петрунь мастерски сумел вместить в трехчасовой спектакль самые яркие моменты жизни героев легендарного романа Михаила Шолохова. В центре сюжета остается Гришка Мелехов, угодивший в жернова исторических потрясений, успевший испытать за очень небольшой промежуток времени любовь и предательство, страсть и измену, сумевший преодолеть все удары судьбы – не сломаться и выстоять. Получился своеобразный киномонтаж на театральной сцене. Не просто спектакль, а грандиозное сценическое полотно, в котором переплелись эпический размах и трагедия людских судеб.

Алексей Гуськов и Геннадий Хазанов сходятся в блистательном актёрском поединке, играя роли преступника и обвинителя, палача и жертвы, по мере развития сюжета то и дело меняясь местами. «Всемирно известный дирижер Миллер только что завершил свой концерт в Женевской филармонии. Он недоволен своим оркестром и крайне раздражен. В его гримерной неожиданно появляется робкий и суетливый зритель, который специально приехал из Бельгии, чтобы присутствовать на этом концерте. Давний поклонник творчества Миллера, он жаждет получить автограф и фотографию маэстро на память. Встреча этих двух людей изменит жизнь каждого.» Что может сотворить с человеком желание отомстить, если вся его жизнь будет подчинена этой единственной страсти? Может ли тщательно и хладнокровно подготовленная месть быть справедливой?

Главный герой – успешный литератор, познавший вкус славы и дамского интереса, но нуждающийся в постоянном вдохновении, которое он ищет в связях с женщинами. С одной стороны – верная, любящая, мудрая жена, знающая все его слабости и заботящаяся о своем муже, почти как о ребенке, с другой – эффектная, предприимчивая, авантюрного склада любовница, которая бросает все свои силы, чтобы окончательно завоевать его. Однако нетерпеливость мешает ей одержать эту победу. Пытаясь разгадать тактику соперницы, она, похоже, выпускает из виду главное – умение любить беззаветно и безрассудно.

В центре сюжета – темпераментная актерская пара, Джордж и Шарлотта Хэй. Когда-то они были знамениты – снимались в кино, раздавали автографы, а сейчас держат частный репертуарный театр, играя две пьесы труппой из пяти человек. Но Джордж и Шарлотта не теряют надежды вернуться на большую сцену и в кино, и судьба преподносит им этот шанс – в Буффало приезжает знаменитый режиссер Фрэнк Капра, который ищет героев для съемок в своем новом фильме. Джордж и Шарлотта готовы на все, чтобы роли достались им! Как и принято в комедии положений, действие развивается стремительно и не всегда предсказуемо.

Это спектакль-концерт, устроенный как жизнь: в нем много смешного, трогательного и трагичного. И все это пропитано музыкой и песнями в живом исполнении профессиональных музыкантов и артистов театра «Шалом». А еще это разговор о прошлом, настоящем и будущем еврейского театра через обращение к его истории и откровенные диалоги с современниками. Драматург Лара Бессмертная вместе с Олегом Липовецким после многочасовых интервью с артистами нового «Шалома» написали пьесу, в которой точкой отсчета стал 1948 год. Это год трагической смерти одного из основателей еврейского театра Соломона Михоэлса и год рождения старейшего артиста «Шалома» Геннадия Абрамова. В поисках, неудачах и успехах еврейского театра можно одновременно разглядеть и судьбу страны, и свою личную. Саундтрек спектакля – музыка и песни, ставшие неотъемлемой частью жизни артистов театра «Шалом», а также музыкальные произведения, входившие в спектакли еврейского театра в разные периоды его истории. Этот музыкальный ряд отражает время, место и эмоциональный фон историй героев.

«Дневник Анны Франк» – исторический документ. Это подлинная история одной еврейской семьи, скрывавшейся от нацистов в оккупированном Амстердаме в годы Второй мировой войны. Вход в тайное убежище был спрятан за книжным шкафом в конторе, которая до войны принадлежала Отто Франку, отцу Анны. Анна Мари Франк родилась 12 июня 1929 года во Франкфурте в еврейской семье. В 1933 году в Германии начались массовые гонения и притеснения евреев, и семья Анны была вынуждена переехать в Амстердам. 15 мая 1940 года была подписана капитуляция вооружённых сил Нидерландов. К 1942 году обстановка в Амстердаме накалилась настолько, что Анна Франк с сестрой, их родители и несколько друзей семьи были вынуждены спрятаться в мансарде дома. Снаружи казалось, что верхние этажи необитаемы. Дневник Анна получила в подарок ко дню рождения 12 июня 1942 года. Семья скрывалась в течение двух лет. В начале 1944 года Анна сама начала литературно обрабатывать записи, надеясь опубликовать их после окончания войны. Последняя запись в дневнике сделана 1 августа 1944 года. Вскоре всех обитателей убежища нашли и арестовали. В 1947 году Отто Франк опубликовал дневник дочери в сокращённой версии. С тех пор книга была много раз переиздана и дополнена, «Дневник Анны Франк» переведён более чем на 60 языков мира.

Роман в четырёх книгах «Иосиф и его братья» Томаса Манна (одного из крупнейших и признанных в мире писателей XX века, лауреата Нобелевской премии по литературе, 1929) – самое большое по объёму и масштабу событий произведение автора. В центре внимания писателя – библейская легенда из Книги Бытия: история об обмане и предательстве братьев, об их раскаянии и прощении, о примирении друг с другом и со своим отцом, которого они жестоко обманули. «Иосиф и его братья» – произведение, «внушённое той заинтересованностью в человеке, которая не замыкается в рамках индивидуального, а распространяется на общечеловеческое, – окрашенную юмором, смягчённую в своем звучании иронией, я сказал бы даже: стесняющуюся заговорить во весь голос поэму о человечестве» (Томас Манн). Роман, написанный с «шутливой серьёзностью», по сути своей, отражает дух Вахтанговских традиций, в которых фантастический гротеск сочетается с глубиной проживания.

К 90-летию А.И. Солженицына Идея создания сценической редакции рассказа принадлежит Александру Михайлову. Режиссёр Театра Вахтангова, профессор Щукинского театрального института Владимир Иванов владеет редким даром психологического анализа, тончайшей разработкой характеров в сочетании с точно угаданной интонацией автора. Эти качества пригодились в работе над прозой А.И.Солженицына. В соавторстве с Александром и Еленой Михайловыми, в свое время закончившими Щукинское училище, художником Максимом Обрезковым, режиссером и автором сценической версии Владимиром Ивановым родился спектакль “Матренин двор”. Премьера его окончательной редакции состоялась 13 апреля 2008 г. на малой сцене театра им. Евг.Вахтангова. Н.Д. Солженицына с уважением отнеслась к этой работе и одобрила ее. Спектакль “Матренин двор” – подарок вахтанговцев к 90-летию Александра Исаевича Солженицына – великого писателя и гражданина.

Диалоги в трех частях в исполнении трех молодых артистов Театра армии – Дмитрия Оболонкова, Карины Балашовой и Александра Рожковского. Действие начинается в марте 1942 года в блокадном Ленинграде «в одной из немногих уцелевших квартир в полуразрушенном доме на Фонтанке». Любовь, возникшая во время войны, в страшное и холодное время, возможно, и помогает героям выжить. «Взялся за этот текст, потому что пьесы Арбузова и «шестидесятников» написаны живыми словами, не выдуманы – для меня в любом тексте это очень важно. В пьесе «Мой бедный Марат» историческая память становится живым, осязаемым сюжетом. Это в первую очередь о людях на фоне исторических событий, в предлагаемых обстоятельствах. То, как люди живут, общаются, те неудобные, некрасивые, но нежные и детские ситуации, в которых не хотел и одновременно хотел бы оказаться каждый человек, здесь все настолько понятное, живое, юношеское и светлое. Это и есть в моем понимании та драматургия и тот театр, которые необходимы нам сейчас», – говорит режиссер Иван Судаков. У пьесы Алексея Арбузова, написанной в 1964 году, успешная сценическая жизнь – она была поставлена десятки раз в России и за рубежом. Театр армии обратился к ней одним из первых в 1965 году, постановка Леонида Хейфеца считается одной из «канонических».

Спектакль номинирован на Российскую национальную театральную премию «Золотая маска» в трех категориях: «Драма / Спектакль малой формы»;«Драма / Работа режиссера» (Саша Толстошева);«Драма / Женская роль» (Полина Одинцова).Эта коротенькая и странная история о трех женщинах, в общем-то случайно оказавшихся вместе за праздничным столом и не слишком симпатизирующих друг дружке. Внезапно они начинают говорить о самом сокровенном, о том, о чем прежде годами молчали. Из обыденности дней, из повседневной привычной тоски постепенно рождается поэзия. Выплескивается с плачем и смехом великая тайна жизни. Она мерцает лишь короткие мгновения, но ее глубина, огромность поражает. И в эти острые и пронзительные секунды они начинают слышать друг друга, сочувствовать друг другу. Как откровение звучит вдруг простенькое: «Смирнова, как хорошо, что ты есть». Как хорошо, что есть каждый, любой. Ироничная, беспощадная и бесконечно нежная эта пьеса утверждает уникальность каждой человеческой жизни и каждого прожитого дня. Говорит о возможности приятия пути и судьбы, о прошлом и о будущем. О том, что все всегда происходит здесь и сейчас. Слышать и сопереживать, принимать другого – ради этих мгновений поставлен этот спектакль, возможно, ради них существует театр.