Афиша театров Москвы на 17 декабря 2026

Классический кукольный спектакль в постановке Сергея Образцова по известной сказке Шарля Перро. Досталось трём братьям от отца наследство, да только поделили они его несправедливо: старший получил мельницу, средний – осла, а младшего прогнали прочь, и вдогонку кинули кота. Вот только кот оказался не простой, а сказочный… Так начинается невероятная история – о том, как полезно любить животных и как, собственно, бывают наивны страшные людоеды! Золотая классика. Подходит всем и каждому: даже самые маленькие дети смогут смотреть этот спектакль. Родителей особенно порадуют узнаваемые образы героев. Мама и папа вспомнят этих кукол из своего детства!

Музыкально-драматический спектакль поставлен по мотивам одноименного романа А. Пушкина. «Дубровский» в версии режиссера И. Пахомовой – нескучная классика. Это музыкальная драма, пропитанная авантюрным духом. Известные всем события романа раскручиваются по спирали, и каждое из них оказывается роковым. Яркие картины русского помещичьего быта с его особенностями и изъянами, калейдоскоп неоднозначных личностей, каскад запоминающихся мелодий – все это увлекает и приковывает внимание. Как и два века назад, сегодня актуально звучат затронутые в пушкинском романе темы, такие как защита человеческого достоинства, болезненная социальная несправедливость, духовное насилие, конфликт отцов и детей и, конечно же, любовь, жертвенность и прощение.

«Беззаботные» спектакль по трём новеллам Стефана Цвейга: «Закат одного сердца», «Двадцать четыре часа из жизни женщины», «Страх». Истории трёх новелл переплетаются между собой, их связывает единое место действия – лобби отеля, куда новые постояльцы приезжают отдохнуть и как-то наладить свою жизнь. «Каждый из них выглядит счастливым, все люди достойные и благородные. Но дальше происходит ситуация, которая вынуждает чужих людей быть откровенными друг с другом. Мы переносимся в их прошлое и со временем понимаем, что отдыхать приехали не столь беззаботные люди – все они пытаются спрятать свою боль. » - режиссер-постановщик и автор инсценировки Ася Князева.

Сюжет романа «Анна Каренина» знают все, даже те, кто не читал этой книги. Это семейная драма, в центре которой измена. Спектакль Андрея Прикотенко не только о факте измены – тонкое кружево мотивов поступков персонажей помогает распутать причины роковой развязки этой истории. Академическая сцена Малого театра диктует особые пространственные условия и особый тон. Сценическое пространство спектакля художника Ольги Шаишмелашвили чистое от вещественной среды. Поэтика такой выразительной пустоты строится на высокой человеческой этике героев: язык тела актера и высокий строй его чувств не менее выразителен, чем слово Л.Н. Толстого.

Комедийный мюзикл, в котором курортный городок Причерноморск 1987 года встречается с атмосферой звездного Сан-Ремо и настроением лучших кинокомедий Гайдая, Рязанова и Данелии. Чтобы впечатлить девушку, безнадежно влюбленный Дима обещает привезти на День города главную итальянскую суперзвезду – и запускает череду невероятных событий, которые станут для героев судьбоносными. В спектакле звучат 20 мегахитов Адриано Челентано, Тото Кутуньо, Джо Дассена и Мирей Матье, а узнаваемые приметы эпохи создают живое ощущение времени, когда все было проще и понятнее.

Возобновление этой постановки – это уникальный шанс впервые увидеть нашумевшую историю в одном сезоне с легендарным «Монте-Кристо» и знаменитой «Анной Карениной». Действие происходит во второй половине XVIII века, во времена правления императрицы Екатерины II. Граф Алексей Орлов, когда-то способствовавший ее восхождению на трон, вышел из милости императрицы и отправлен в почетную ссылку во главе русского флота в Италии. Здесь граф познакомился с молодой красавицей, называющей себя Елизаветой, внучкой Петра I, и претендующей на русскую корону. Орлов затеял с ней любовную интрижку с целью разузнать ее планы и тем самым вернуть расположение Екатерины. Однако невинное увлечение перерастает в глубокое взаимное чувство.

Классический сюжет на знаменитую музыку Имре Кальмана получил новый мировой опыт прочтения. В совместной постановке с известным канадским театром-цирком «7 пальцев» Театр мюзикла создал синтетический жанр, где цирк становится не просто местом действия, а его двигателем, его сутью. В истории любви и отчаяния чувства усилены опасностью цирковой профессии – на сцене театра главный герой исполняет смертельно опасный трюк без страховки. Вместе с режиссерами постановки Мариной Швыдкой и одним из создателей «7 пальцев» Себастьяном Солдевильей поэт и музыкант Алексей Иващенко значительно переписал оригинальное либретто и ввел в действие новых персонажей, еще более усиливающих интригу первоначального сюжета. Для спектакля были придуманы цирковые номера мирового уровня, которые исполняют не только артисты цирка, но и театральные актеры, а художником-постановщиком стал известный во всем мире сценограф из Канады Оливье Ландревиль.

Спектакль #Хочунемогу – трогательная история о бесконечной череде влюбленностей и расставаний, увлечений и открытий, о вечном поиске своего идеала и страхе полюбить всерьез... Все мечтают о любви! Все тянутся к романтике, как подростки. Кто-то уже думает и о семейном уюте. Скорее – несерьезно задумывается о нем, так – предполагает, что пора бы… У кого-то за плечами уже несколько разводов, дети от прошлых браков, разочарования и потери. И так часто можно услышать слова: «Я боюсь любви!». Спектакль поставлен по известной пьесе «Я боюсь любви» Елены Исаевой. За время работы над спектаклем внутри труппы театра родился свой музыкальный коллектив. Вся музыка в спектакле авторская, исполняется вживую. Автор пьесы Елена Исаева является автором инсценировок большинства спектаклей Юрия Грымова. Сергей Аронин выступает не только как режиссер и композитор спектакля, но и участвует в нем в качестве актера. Каждый актер за время действия успевает сыграть три-четыре роли, а общее количество персонажей на сцене достигает пятидесяти!

Главное достижение «первой пятилетки» – заявка на новый театральный жанр, который родился из синтеза классической литературы, «живого» традиционного пения, «говорящей» хореографии, эффектной сценографии, оригинальной музыки, народных и авторских песен в современной обработке. И это – не мюзикл… «12 стульев» – увлекательное, смешное, запоминающееся зрелище. В нем воплотились наработки предыдущих постановок: на сцене в технически сложных декорациях разворачивается знакомый сюжет, живут колоритные персонажи, кипят страсти, звучат фольклорные песни, а вековые традиции переплетаются с современностью. Для эксперимента в новом жанре роман И. Ильфа и Е. Петрова подошел идеально. За девяносто лет своей печатной, экранной, сценической жизни он не устарел, сам стал частью фольклора – разошелся на цитаты. Живы и его герои: например, классический аферист Остап Бендер или Эллочка-людоедка, в лексиконе которой всего тридцать слов. Разве не встречаются они и сегодня? Инсценировку специально для театра написала Нина Чусова, сохранив легкоузнаваемый авторский текст и наиболее ярких персонажей. Как режиссер она уловила дыхание эпохи 20–30-х годов прошлого века – «индустриальной культуры» новой России с ее юмором, песнями и танцами.

Действие разворачивается в близком будущем, в котором книги находятся под запретом, в Америке, какой она виделась автору в начале пятидесятых годов, когда и писался этот роман-антиутопия. Книги исчезают из обихода, как исчезает и нормальное, непосредственное общение. Из общения уходит человеческое тепло, душевность. Тридцатилетний Гай Монтэг – пожарный. Впрочем, в эти новейшие времена пожарные команды не сражаются с огнем. Совсем даже наоборот. Они должны отыскивать книги и предавать огню их, а также дома тех, кто осмелился держать в них такую крамолу. Встреча с юной и романтичной Клариссой Маклеланд выбивает героя из колеи привычного существования. Спектакль особенно важен для юного зрителя и молодежи, поскольку очень ярко отражает многие аспекты современной жизни. Режиссер - Семён Спесивцев. Продолжительность спектакля 1 час 40 минут без перерыва.

В честь знаменательной даты – 88-летия выдающегося артиста – театр «Ленком Марка Захарова» представляет премьеру «А. Збруев...», в постановке режиссера Ильдара Гилязева. Всеми любимый артист делится со зрителем воспоминаниями о ярких моментах своего жизненного и творческого пути: о первом выходе на сцену театра им. Ленинского Комсомола, о юности на Арбате, о встречахс Анатолием Эфросом, Булатом Окуджавой, Марком Захаровым и другими звездами «Ленкома». Со сцены прозвучат стихи Бориса Пастернака и Булата Окуджавы, а также монологи из знаменитых спектаклей театра «Ленком» и, конечно, много музыки.

«Бег» – 8 снов Булгакова о гражданской войне, пересказанных режиссером Юрием Бутусовым под «Пинк Флойд». Пьеса «Бег» Михаила Булгакова почти не имеет сценической истории. Меньше 10 более или менее известных постановок за почти 100 лет! Причина кроется в авторе, создавшем столь оригинальное произведение для театра, к которому далеко не каждый режиссер способен подобрать ключик. Многократный лауреат «Золотой маски» Юрий Бутусов рискнул и представил зрителю свое видение «Бега» – истории о людях в период Гражданской войны, поделенной не на акты или действия, как это обычно бывает в пьесах, а сны. Мрачная захватывающая красота с легким привкусом ночного кошмара, драма и абсурд, романтика и сарказм, психологическая глубина и ювелирно выстроенная композиция – так можно описать тот мир, который создал режиссер на сцене.

Премьера спектакля «Без вины виноватые» посвящается 40-летию театра «Сфера» и предваряет 200-летний юбилей великого русского драматурга А. Н. Островского. В основе сюжета – судьба молодой девушки Любови Отрадиной. Брошенная женихом Муровым ради богатой невесты и потерявшая маленького сына, она, несмотря на выпавшие на ее долю беды, стала известной театральной актрисой. Спустя 17 лет, после долгих скитаний, став знаменитой актрисой Еленой Ивановной Кручининой, она возвращается в родной город и узнает, что после тяжелой болезни ребенок ее выжил и был втайне отдан на воспитание чужим людям. Сыном Кручининой оказывается провинциальный актер Григорий Незнамов, служащий в театре ее родного города.

«Болеро+» – вечер-дивертисмент, на котором пять российских хореографов представят новые танцевальные миниатюры. Танго и контемпорари, стрит-денс, физический театр и вакинг – абсолютное разнообразие жанров и стилей под руководством дирижера Антона Торбеева. Винтажный триптих хореографа Максима Севагина – своеобразная антология «любовного танца», составленная в эстетике 1950-х годов. Хореограф Елизавета Некрасова размышляет о противоречивости человека на примере треугольника Серпинского или математической модели фрактала (объект, состоящий из копий самого себя). Хореограф Анна Дельцова, взяв за основу своего произведения равелевскую «Ундину» – первую часть фортепианной сюиты «Ночной Гаспар» и дополнив ее сочинением для фортепиано «Игра воды», успокаивает тему огненной страсти водной стихией. В своей трактовке партитуры Мориса Равеля хореограф Кирилл Радев идет вслед за композитором, предельно лаконичным, его завораживающее повторение ритмической фигуры.

Пьеса молодой актрисы Анны Артамоновой написана о великом русском писателе, о его молодости, семье, первом любовном увлечении. Среди действующих лиц – братья писателя, его сестра, беллетрист Потапенко и «прекрасная Лика». В качестве режиссера выступила сама Анна Артамонова, которая поставила живой и искренний спектакль. Именно спектакль, а не литературную композицию, как это обычно бывает, когда берется за основу такой материал. В результате возникла очень точная и пронзительная интонация спектакля и уверенность, что все на самом деле так и происходило. И возникает огромная любовь к этим людям, которые были так возвышенно прекрасны, так веселы и остроумны, так живо чувствовали и живо мыслили. Федор Бавтриков стал лауреатом международного фестиваля спектаклей о любви «Свидания на Театральной» (специальный приз жюри – «За обаяние сценического образа», роль А. П. Чехова в спектакле «Ваш Чехов», 2017).

Барклей и Люси Купер прожили вместе почти полвека, вырастили пятерых детей. Но время и судьба неумолимы: сбережения тают, и банк забирает последнее – их дом. И теперь родители переходят под опеку уже взрослых детей, каждый из которых занят своей жизнью, своими проблемами. Барклей и Люси разлучаются – вопреки их воле. Все, что им остается, – надежда на то, что когда-нибудь они снова будут вместе. Это история о большой любви, которая остается, даже когда кажется, что будущего уже нет, а дальше – только одиночество, тишина и пустота, о разлученных, которые продолжают жить надеждой на воссоединение.

Может ли существовать страна, где любовь бедняка и принцессы возможна, где есть министры нежных чувств, где свадебный наряд только умный видит, где за плохое поведение голубей страдают даже голубцы? Эта страна зовется Другой сказкой. Светлый, задорный, ироничный, афористичный текст Сергея Урсуляка, сотканный из сказок «Тень», «Дракон», «Голый король» и малоизвестного киносценария «Каин XVIII», создает на театральной сцене атмосферу настоящего праздника и необыкновенного чуда. «Другая сказка» – театральный дебют известного кинорежиссера Сергея Урсуляка. Крупным планом в камерном пространстве на Сретенке он выводит вечно актуальный юмор, замешанный на самоироничном и доброжелательном подходе к миру в любом его проявлении. Сергей Урсуляк превращает сказочную философию в театр яркой формы, откровенной актерской импровизации и дуракаваляния. Если и идти на глубину – то с легкостью и музыкой.

Театр сатиры открывает юбилейный сотый сезон пьесой Михаила Булгакова «Иван Васильевич». Режиссер спектакля Сергей Газаров столкнет на сцене две эпохи – времена НЭПа и русского Средневековья. Сюжет разворачивается вокруг перемещения героев в пространстве с помощью машины времени, созданной инженером Тимофеевым. Однажды во время опыта изобретатель нечаянно отправляет управдома Буншу с жуликом Милославским в позднее Средневековье, а царь Иван Васильевич Грозный обнаруживает себя в московской коммуналке по адресу: Банный переулок, 10.

В 2017 году в свет вышла автобиографическая книга народного артиста Российской Федерации Юрия Стоянова «Игра в городки». «Добрая книга умного человека» – так охарактеризовали ее читатели. Спустя год главы из нее были прочитаны на творческом вечере автора в Художественном театре. Представление имело такой успех, что вошло в афишу. В постановке рассказы Юрия Стоянова читают артисты театра и, конечно же, сам автор. Все истории, рассказанные в книге, взяты из жизни. И о том, как маленький Юра писал письма в «Пионерскую правду», и о том, как работал Дедом Морозом, как вместе с БДТ ездил на гастроли в Японию в дни болезни императора Хирохито, о странствиях по стране с телепрограммой «Городок», о нежданной встрече с первой любовью… Но, по словам Юрия Стоянова, он не может назвать свое произведение биографией в чистом виде – это все-таки жанровая книга. Она написана в жанре рассказа или очень маленькой повести, одновременно веселой и грустной, под большим влиянием Марка Твена, Антона Чехова и Сергея Довлатова. Это невероятно смешная история, в финале которой кто-нибудь непременно заплачет.

«Касатка» – яркая, искрометная комедия Алексея Николаевича Толстого о счастье, которое требует смелости быть собой, о страсти, которая сметает все условности и о случайной встрече, которая пробуждает забытые чувства. Стремительное действие, яркие характеры, живые диалоги, неожиданные повороты сюжета держат зрителя в напряжении от первой до последней сцены. Пьеса сочетает лиризм и комедийность, тонкий психологизм и увлекательную интригу. Чувства, вспыхнувшие с неудержимой силой, заставляют героев идти наперекор приличиям и рисковать репутацией и благополучием. Ведь истинная любовь не знает преград, а право на счастье принадлежит каждому, кто готов за него бороться. «Этот спектакль – о стремлении человека вырваться из сложной, порой тяжелой повседневности, наполненной тревогами, плохими новостями и негативом. Наши герои мечтают попасть в особое, почти райское место, где можно обрести гармонию, почувствовать тепло и, возможно, встретить свою настоящую любовь. Это история о надежде, о поиске света и внутреннего покоя, который так необходим каждому из нас» – режиссер спектакля Роман Самгин.

«Король Лир» в «Мастерской П. Н. Фоменко» лишен историчности и бытовизма. Приметы времени условны для истории, смотрящей в вечность. Мир, который своим самодурством разрушает старый король Лир, без топографических и временных координат. Всегда. Везде. Это история не о разделе страны, а о распаде естественных и общественных связей между людьми, о разобщении, о вере и безверии. Вы то, во что вы верите. Но насколько зряча ваша душа и насколько слепы ваши глаза? Куда вас может завести ваша вера и что нужно, чтобы слепой прозрел. Мучительный и сложный путь от вопроса к ответу проходят и «впавший в глупость» Лир, и «кровавоглазый» Глостер. Трагедия короля, чья изуродованная властью душа ослепляет разум, звучит в унисон с трагедией Глостера, ослепленного, но благодаря этому прозревающего душой. «Король Лир» – это трагедия, не боящаяся полного знания о человеке, дающая возможность измерить всю глубину человеческих страданий и понять, что человек – благородное, а не низменное животное.

Поэма Н. Гоголя – классика русской и мировой литературы. Режиссер М. Белякович представит свою версию известного произведения в жанре мистического триллера. Роли в этом спектакле исполняют ведущие актеры театра: А. Багиров, А. Матошин, М. Белякович, А. Белов, А. Кудзин и другие. Главный герой Чичиков приезжает в уездный город и встречается с местными помещиками. Его предложение всех шокирует: он скупает у них мертвые души, не вычеркнутые из списков живых. Зачем они Чичикову? Никто не знает. Как никто и не догадывается о его прошлом. Новое драматургическое прочтение знаменитой поэмы Н. Гоголя сегодня чрезвычайно актуально. Обличение социальных пороков, которые и сегодня никуда не делись, – важная миссия искусства. В спектакле раскрываются не только сатирические, но и духовные смыслы сочинения.

Спектакль поставлен по мотивам пьес «Лошадка» Ольги Богуславской и Юлии Тупикиной и «Ловля окуней в июле» Игоря Витренко и Александра Тюжина. «Мой самый Сон» – камерная постановка по двум современным пьесам, в основе которых лежит конфликт между матерью и дочерью. Создатели спектакля размышляют об опыте выживания в ситуации «нелюбви» и предательства самого близкого человека, о травме, передающейся через поколения, но также и о попытке спасти близкие отношения, в которых нуждаются и мать, и дочь. Сергей Сотников: «В процессе работы оказалось, что у пьес одна тема, что они замечательно дополняют и развивают друг друга. Первая пьеса – история клаустрофобии, ужаса от полного отсутствия любви, взаимопонимания, эмпатии. В ней мы почти что спускаемся в своеобразный ад человеческих отношений. Вторая история дает нам возможность «выдохнуть и взлететь», увидеть сопереживание, примирение. Это психотерапевтический сеанс».

Пьеса А. Н. Островского, жанр которой сам драматург определил как комедию, – это история о молодом бедном дворянине Егоре Дмитриевиче Глумове, страстно желающем добиться высокого положения в обществе: подняться обманным путем по карьерной лестнице, удачно жениться, – только бы любым способом уйти от нищенского существования. Природное обаяние, хитрость, ум и холодный расчет помогают ему войти в доверие к нужным людям, очаровать их и произвести впечатление. И кажется, что цель достигнута: Глумов обласкан и принят в обществе. Но на всякого мудреца довольно простоты.

Конечно же, водевиль должен быть веселым, ярким и зажигательным, со множеством песен и перепевов, с танцами и шутками, но это не был бы спектакль Михаила Щепенко, если бы в нем не возникала проблема, серьезная и актуальная для сегодняшнего зрителя. Сам режиссер определил свою задачу так: «Нет водевиля лучше, чем произведение Соллогуба. В нем присутствует сердечная и нравственная глубина, которой прочие представители этого жанра не отличаются. Захотелось поставить его так, чтобы исполнение соответствовало авторскому замыслу». Вспомните, как уничижительно ругал водевиль Гоголь. Театр русской драмы пошел по пути преодоления рамок жанра, вернее, он сохранил жанр во имя того, чтобы выход за рамки имел пронзительное, отнюдь не легковесное звучание. Спектакль имеет двух авторов, и это совершенно справедливо, так как все песни, а это большая часть постановки, написаны Михаилом Щепенко, и новый текст очень органично вплетается в классическое полотно Владимира Соллогуба.

Русская готика… Призрачный блеск высшего света, а за ним – мрачные тайны и низменные страсти. Жизнь скучна и однообразна – балы, приемы, и… только темно-зеленое сукно карточного стола заставляет глаза блестеть и кровь бурлить. За этим столом вершатся судьбы – и цену человеческой жизни каждый устанавливает сам. Зрители погрузятся в пушкинский мистицизм, получат наслаждение от «ясности линий и целомудрия слога» национального гения. Премьера приурочена к 225-летию со дня рождения великого русского поэта Александра Сергеевича Пушкина.

Спектакль стал результатом проекта «Читки современной драматургии», в рамках которого зрители Художественного театра первыми познакомились с новой пьесой уральского драматурга Ивана Андреева «Пыль да небыль». Публика приняла читку так тепло, что было принято решение взять эту сказочную историю для взрослых в репертуар Новой сцены Московского художественного театра. Вскоре пьеса стала лауреатом международного конкурса современной драматургии «Исходное событие – XXI век». История про безработного Федьку и его возлюбленную Настю, продавщицу в ларьке канцтоваров, написана в жанре русской народной сказки – с узнаваемыми персонажами и каноническими сюжетными поворотами. Только время действия – 1990-е годы. Герой отправляется на поиски справедливости, и на этом пути его ждет множество испытаний и встреч. По словам режиссера спектакля Павла Ващилина, «Пыль да небыль» – это что-то вроде мифа, который сложился у авторов спектакля на основе ностальгических детских воспоминаний о девяностых. В этой сказке о былом все по-доброму, никаких очерняющих память событий в эту историю создатели пускать не стали. Ее герои – простые люди, знакомые всем и каждому. Они и современники, и персонажи старых сказок одновременно. Живут себе и живут, счастья хотят, да и только. Сказка о поиске счастья, своей «были» и, конечно, о спасении из темниц, которых в сказке хватает: это и магазинчик, и завод, и трамвайчик, и квартирка с протекающей крышей, и собственная голова. Все герои пытаются спастись, каждый своим путем. А может, и не сказка это вовсе, а быль. А может, и небыль…

Осень 1944 года, Венгрия. Четыре друга сидят в маленьком кабачке, на улице разрываются снаряды. Они живы, они ведут дружеские беседы, выпивают, тревожатся. Они не стали ни палачами, ни жертвами. Четыре маленьких человека, мимо которых несется к финалу страшная война. Но глупая ли случайность или железная логика истории, они окажутся лицом к лицу с самым трудным выбором, что может встать перед человеком. Они должны выбрать себя, себя самое. Познать себя, узнать, встретиться с самими собой. Удастся ли им?

В год 200-летия со дня рождения Александра Николаевича Островского Малый театр представляет очередную премьеру по его произведениям. "Светит, да не греет" - одна из нескольких пьес, написанных драматургом в соавторстве с Н.Я.Соловьевым, - впервые была поставлена именно в Малом театре в 1880 году. «Островский и Соловьев в этой пьесе показали срез общества того времени, которое они видели: одни принадлежат старому миру, другие – новому. Но все герои жаждут любви. Ренёва – представительница нового времени, она приехала из-за границы и разрушила существующий уклад жизни. Это ситуация, когда старый мир разрушен, а новый еще не создан – Ренёва "осветила" его, но не "согрела"», – рассказывает режиссёр-постановщик спектакля Владимир Бейлис.

Авторская песня была важной составляющей культурной жизни СССР. Можно назвать много выдающихся имен того времени, среди которых театр «Академия слова» особо выделяет три: Александр Галич, Булат Окуджава и Владимир Высоцкий. Для кого-то произведения советских поэтов, исполнявших свои стихи под гитару, связаны с ностальгией по ушедшей эпохе, кто-то ощущает благодаря поэзии Галича, Окуджавы, Высоцкого, некую связь времен… Так или иначе, творчество этих поэтов оставило яркий, незабываемый след, оно до сих пор будоражит умы и сердца избранного круга людей. Музыкально-поэтический спектакль театра «Академия слова» посвящен как самим поэтам, так стране, в которой они жили, людям, судьбы которых волновали, ценности человеческой жизни и, конечно, любви. В спектакль включены стихи Галича, Окуджавы, Высоцкого. Музыка к стихам – в обработке композитора и музыканта, артиста Концертного объединения «Москонцерта» Александра Блока.

Спектакль четвертого актерского курса Школы-студии МХАТ (мастерская Марины Брусникиной и Сергея Щедрина) вырос из лаборатории по творчеству Антона Павловича Чехова. Студенты работали сразу над тремя пьесами Антона Павловича: «Чайка», «Три сестры» и «Вишневый сад», погружаясь в мир автора, отгадывая загадки и анализируя его текст через разные актерские приспособления. В работе над «Чайкой» было предложено искать персонажей в современной реальности, в знакомой студентам музыкальной или поэтической культуре, в среде, которая их окружает. Эти поиски ассоциаций в результате вылились в форму концерта-высказывания каждого персонажа пьесы. Это не драматический спектакль (хотя тут есть и текст Чехова, и сцены, и этюды), а поиск тем героев через современную реальность.

Над феноменом «Чайки» ломают головы и русские, и зарубежные режиссеры уже не одно поколение. Пьеса мистическая, поражающая своей глубиной и словно погружающая зрителя в то самое озеро, на берегу которого любят, творят, пишут, страдают и умирают. Это спектакль о несбывшихся надеждах, о людях и судьбах, о тех, кто не смог изменить свою жизнь. Визуальное решение поражает своей гармонией, одновременно напоминая о сценических практиках начала XX века и включая современные сценографические ходы. Режиссер вместе с актерами, вглядываясь в лица своих героев, делает еще одну попытку к разгадке феномена чеховской «Чайки» и тайны человеческого бытия.

Спектакль «Человек в футляре» – коллаж из рассказов А. П. Чехова, рассказывающий об уязвимости, незащищенности, хрупкости внутреннего мира. Учитель древнегреческого языка Беликов живет в маленьком провинциальном городе, где все знают друг о друге все. Он одинок, соблюдает все правила, иногда даже слишком рьяно. Но по-другому он жить не может, ведь реальный мир пугает его. Он мечтает о Древней Греции, в которой видит свой идеал. Мысленно он постоянно уносится туда, примеряя на знакомых людей образы Зевса, Афродиты и других героев древнегреческих мифов. Однажды в гимназию назначают нового учителя истории и географии Коваленко. Он приезжает не один, а с сестрой Варенькой. Заметив интерес Беликова к Варе, соскучившееся провинциальное общество решает их поженить. Конечно же, это приводит к трагедии.

Пьеса известного прозаика и поэта Дмитрия Данилова «Человек из Подольска», написанная в 2016 году и ставшая драматургическим дебютом автора, признана лучшей работой драматурга на Национальной театральной премии «Золотая маска» (2018). Сейчас пьеса идет на сценах многих театров России и Белоруссии. Простой парень из подмосковного городка попадает в полицию. Он думает, что это недоразумение. И ждет, когда его отпустят. Однако полицейские не спешат. Они хотят узнать о нем все, залезть в тайные уголки его души и понять, почему этот подольский человек не видит ничего вокруг себя и живет как автомат. Допрашивая, они не прибегают к силовым методам, используют новые методики. Полицейские ли они или некое особое подразделение по работе с населением? Можно ли с помощью интеллектуального насилия изменить человека в лучшую сторону или данный путь ведет в тупик? Эти вопросы задают авторы спектакля, и ответ придет в финале.

В основу спектакля положены произведения Антона Чехова: пьесы-шутки «Предложение» и «Медведь», а также сцена-монолог «О вреде табака». Зрители увидят очень разные истории взаимоотношений мужчины и женщины – от начала чувств двух людей, казалось бы, несовместимых (как в пьесе «Медведь») до построения матримониальных планов давно предназначенной друг другу пары (история «Предложения») и размышления верного и покорного мужа (монолог «О вреде табака»). Вместе с героями знаменитых чеховских произведений зрителю предлагается немного поразмышлять о том, какими могут быть чувства между мужчиной и женщиной. Спектакль создан молодым режиссером Евгенией Тодоровой, ученицей заслуженного артиста РФ Игоря Яцко. В своих постановках она развивает теории игрового театра. В спектакле заняты лучшие характерные артисты.

Спектакль «Щелкунчик» режиссера Георгия Смирнова – это уникальная версия классической сказки Эрнста Теодора Амадея Гофмана, поставленная по пьесе Рината Ташимова. Оригинальная история дает возможность интерпретации: вдохновиться атмосферой России начала XX века, добавить готические ноты эстетики Тима Бертона, переосмыслить музыку Петра Чайковского и не забыть о современных веяниях. Щелкунчику и Мари придется столкнуться с куда более коварным врагом, чем мышиное войско, и ответить на такой неоднозначный вопрос: «Можно ли прийти к свету, уничтожив зло?» А самое главное: настало время развеять миф о том, что куклы оживают лишь в полночь! Режиссер Георгий Смирнов предлагает юным зрителям и их любимым игрушкам вместе погрузиться в волшебный мир спектакля. И кто знает, вдруг чудо, происходящее на сцене, коснется также плюшевых медведей и нарядно одетых кукол, сидящих в зрительном зале? Спектакль для родителей, детей и их игрушек. Берите любимую игрушку с собой!

В центре истории – слепой от рождения музыкант Дональд Бейкер, который живет один, пишет песни и отстаивает свое право на самостоятельность. Его мир переворачивается, когда за стеной появляется новая соседка – юная и взбалмошная Джил, мечтающая стать актрисой. Между ними завязывается дружба, перерастающая в нечто большее. Все усложняется, когда в квартиру неожиданно приезжает властная мать Дональда. Возникает конфликт: с одной стороны – стремление к свободе и взрослению, с другой – гиперопека и страх отпустить. Это история о том, как люди учатся видеть друг друга – в прямом и переносном смысле.

Одноклассники. Мальчики и девочки, полные жизни, радости и надежд, рассказывают о себе, о родителях, о своих мечтах. Так начинается их общая биография — накануне Второй мировой войны. Одноклассники будут спасать и предавать друг друга, любить, ревновать, ненавидеть. И только одного они никогда не смогут – разорвать ту невидимую нить, которою связаны их жизни. Ибо – «одноклассник всё равно, что родственник». В 2008 году польский драматург Тадеуш Слободзянек написал пьесу, название которой призывало осознать трудные уроки истории — «Наш класс. История в 14 уроках». Действие начинается в маленьком городке в конце 20-х годов, а судьбы персонажей — польских и еврейских мальчиков и девочек из одного класса — прослеживаются до наших дней. У десяти героев пьесы есть реальные прототипы, и события, описанные в пьесе, действительно происходили в польском городке Едвабне. Режиссёр спектакля Наталья Ковалева: «Для поляков это история их страны. Но ведь и в истории нашей страны есть трудные страницы. И это не только история: и сегодня нам часто приходится делать трудный выбор. За свой поступок отвечаем мы сами. Как поступить так, чтобы не захлебнуться поздним раскаянием? Работая над спектаклем, я часто задавала вопрос себе: «А что бы я сделала?». И оправдание, которое звучит у героев пьесы: «А что я мог сделать?», — не есть ответ. Так что для меня эта история — общечеловеческая».

Мчится поезд, поезд мчится. Ненавязчиво, маняще Такт колес в висках стучится, Завтра что-нибудь случится, Завтра то, что нынче снится, Может сбыться в настоящем… Группа "Воскресение" Как оказаться в голове музыканта? Нужно стать Алисой, поймать его на пороге сна и повести его за собой в кроличью нору! Туда, где «чем дальше, тем страньше», где царит дух свободы и хулиганства. Музыкант Евгений Маргулис то ли во сне, то ли наяву оказывается в странном мире кэрролловских персонажей. По законам сна они действуют совсем не так, как в знакомой сказке. А как? Это покажет время, если его не убить. И тогда в финале, благодаря музыке, дружбе и любви, найдётся выход из норы! Соавторы Константинов — Антонов всегда открыты эксперименту. На сей раз режиссёр и художник решили отправиться в музыкальное путешествие, зарядились энергией рок-н-ролла, вдохновились Кэрроллом — и вот, встречайте: «Алисы» уже с нами! Всё время на сцене — живая музыка в исполнении композитора Геннадия Лаврентьева. Режиссёр спектакля Борис Константинов: «Эта история адресована тем, кто начинает забывать очевидное – «чтобы стоять на месте, нужно всё время двигаться», и, даже если ты забрался на самую высокую точку горы, на самом деле есть, к чему стремиться, есть, куда идти. Главное, не останавливаться!»

Гюстав Флобер неоднократно переделывал роман, отрицая наличие прототипа героини, заявив однажды: «Госпожа Бовари — это я». После публикации романа в журнале «Ревю де Пари» Флобер и редактор журнала были привлечены к судебной ответственности за «оскорбление морали». Флобер был известен в России, русская критика восторженно приняла его в переводе Ивана Тургенева. Его романы пользовались успехом. Модест Мусоргский написал оперу по мотивам «Саламбо». Для творчества Гюстава Флобера свойственна тщательная разработка характера с подробностями в деталях. Эмма, дочь фермера Руо, выходит замуж за провинциального врача Шарля Бовари и вскоре разочаровывается в браке и начинает искать любовь и утешение на стороне.