Афиша театров Москвы на 16 октября 2026

Знакомый с детства сюжет и узнаваемые герои любимой сказки оживают в детской опере «Теремок». В ней есть и развернутые ансамбли, и танцы, и музыкальные динамичные финалы, в которых зрители увидят погони и всевозможные забавные происшествия. Но все это намного короче, чем во «взрослой» опере. Мелодичная, запоминающаяся музыка в исполнении оперных солистов и камерного оркестра, яркие костюмы, забавные декорации – все это делает «Теремок» именно тем спектаклем, с которого следует начинать знакомство с музыкальным театром. Еще одна особенность – до артистов в буквальном смысле можно дотянуться рукой, ведь спектакль идет в фойе специально, чтобы малышам было легче расположиться на своих местах и быть ближе к сцене.

Лирический сюжет возвращает к искренним человеческим взаимоотношениям. Главному герою Николаю Чмутину тоскливо и одиноко. Дочь с зятем решают снова женить его и приглашают трех «невест» в один вечер. Так случайно встречаются совершенно разные, но так необходимые друг другу люди. «Одной из задач я ставила разгадать название этой пьесы. Что значит «Ретро»? Здесь это не столько о прошлом, сколько о том, кто они, эти ретролюди? На этот вопрос отвечает одна из героинь: «Я верила, что простые человеческие потребности в пище и одежде будут удовлетворены, и человек еще на моем веку задумается о своем высшем предназначении». Действительно, старшее поколение объединяет идеализм, «тоска по высоте», и не случайно главный герой – кровельщик, он работает на крыше, над ним – только облака и птицы. Наша главная идея – показать уходящую натуру, людей, которых сейчас почти не осталось. Этот ретроспективный взгляд позволит понять, в чем же наши ценности. И нам нужен этот взгляд в прошлое, чтобы идти вперед» – говорит о предстоящем спектакле режиссер Галина Дубовская.

«Хочется, чтобы кто-то объяснил, что ты не один в этом мире» (Из монологов лаборатории «Накипело») Драматург Лара Бессмертная и режиссер Марсель Смердов провели в Театре кукол Образцова лабораторию для подростков, собрали истории ребят и переработали их в пьесу. У этого спектакля есть глобальная задача – помочь подросткам проживать собственные страхи, связанные с общением в школе. Автор идеи проекта и режиссер Марсель Смердов рассказывает: «Подростковый возраст самый сложный и важный в становлении человека. Мало того, что у подростков физиологические процессы – рост, созревание, гормоны, так еще начинаются все эти проблемы с общением в школе, с родителями, сверстниками, взрослыми. Как-то в этом хочется помочь им справиться». Главный герой спектакля – мальчик по имени Леня. Он вынужденно переходит в новую школу, которая, как ему кажется, кишит монстрами. Чтобы доказать родителям, что эта школа не так проста, как кажется, Леня начинает вести дневник и описывать ситуации, которые происходят с ним ежедневно. Все истории из дневника главного героя страшные, грустные, смешные, а самое главное – это истории подростков. Лене в спектакле предстоит не только в одиночку справиться с буллингом и не превратиться в монстра, но и спасти школу и своих одноклассников. По мнению режиссера Марселя Смердова, мир монстров и страхов школьника Лени настолько фантазиен, что воплотить его в драматическом театре очень сложно. «Театр кукол, как по мне, и как, мне кажется, нас учили – это про другой мир, про то, что случается не здесь. Это и есть основной художественный прием спектакля: параллельный мир, страшные фантазии Леньки, все эти монстры – это куклы и маски. Что будет с героем – станет ли он сам монстром, или сумеет открыть глаз а и увидеть людей, – спектакль об этом».

Эта музыкальная сказка является своего рода «Ромео и Джульеттой» для малышей, но только со счастливым концом. В основе спектакля лежит известная коротенькая повесть Яна Олофа Экхольма, которая тем не менее поднимает самые насущные проблемы человеческих и внутрисемейных отношений, учит взрослых прислушиваться к самым маленьким, понимать их и не пытаться сломать в угоду устоявшихся стереотипов. Эту сказку современный шведский писатель Ян Олоф Экхольм сочинил в 1965 году, и с тех пор нет ни одной страны, где она ни была бы издана. Ее читают на английском и французском, итальянском и немецком, на норвежском и чешском и, конечно же, на русском языке. Ведь именно в России эта повесть не только была переиздана несколько раз, но по ней сняли два мультфильма («Как лисы с курами подружились» и «Маленький рыжик») и даже настоящий полнометражный фильм, который назывался «Рыжий, честный, влюбленный». Но на русском языке исполняется наиболее часто и завоевала самую большую симпатию зрителей музыкальная сказка Вадима Рывкина «Приключения Людвига и Тутты», которая идет в Театре Наталии Сац.

Этот современный «Маугли» захватывает воображение. Артисты управляют огромными куклами, сделанными одновременно, как ритуальные маски животных и как роботы-трансформеры, работают в сложносочиненном пространстве, поют, отчаянно дерутся. Братство и предательство, жажда власти, любовь и преданность, животный страх перед могуществом человека, мощь и хрупкость, красота и опасность – все эти вечные темы обрели небывалую зрелищность. Спектакль говорит с залом на языке визуальной культуры, единственном, быть может, языке, которым владеют все, вне зависимости от возраста, пола и опыта.

Премьера в старейшем театре кукол столицы – мюзикл для зрителей от 8 лет Сельма Лагерлеф писала свою книгу как учебник географии, подробно перечисляя заливы и леса, города и фабрики каждой провинции своей страны. Конечно, театр сегодня интересуют не названия и факты, а история превращения и взросления мальчика по имени Нильс. История путешествия, за время которого дикая стая поможет полюбить родную семью, а забота о друге принесет больше радости, чем беззаботность. За основу взят неадаптированный текст сказки, переведенный на русский язык Людмилой Брауде только в 1982 году. Поэтому Гуся зовут Мортен, а волшебными силами обладает не гном, а домовой. В спектакле используются планшетные и теневые куклы, маски, видеомэппинг. «Путешествие Нильса с дикими гусями» – первый большой мюзикл на сцене, созданный эксклюзивно для театра.

Новая постановка Владимира Драгунова – первое обращение Малого театра к творчеству знаменитого американского писателя Фрэнсиса Скотта Фицджеральда, а также первый спектакль, который будет представлен зрителю на новой площадке – Камерной сцене, открывшейся в 2024 году. В свой спектакль Владимир Николаевич пригласил артистов Полину Лоран, Александру Иванову, Максима Хрусталёва, Александа Наумова, Алину Колесникову, Наталию Афанасьеву, Станислава Сошникова. Главную роль психолога Дика Дайвера сыграет артист Эльдар Лебедев. Кроме того, одну из ролей репетирует студентка ВТУ им. М.С.Щепкина Арина Осипова.

Любой актер мечтает о Шекспире - о своей заветной главной роли. Сыграть Ромео и Джульетту, Гамлета, Отелло, Лира и Ричарда III… И в этом спектакле артистам выпадает шанс на бенефис. Куклы вместе с актерами докажут, что им по плечу вечные шекспировские темы - любовь, смерть, актер, театр...Зрители увидят день в театре без начала и конца. Артисты разминаются, поют под гитару, опытные мастера поучают молодых. Но когда они берут в руки кукол, спонтанно возникают мини-спектакли – то ли это репетиция, то ли импровизация, то ли сама жизнь. Ведь место действия – театр. Вчера, сегодня, завтра.Авторы постановки раскрывают все разнообразие и силу играющих кукол. В каждом отрывке использованы разные системы кукол: планшетные и перчаточные, тростевые и марионетки, маски и сложные необычные инсталляции. Даже декорация тут становится персонажем! А в «Ромео и Джульетте» столкновение двух противоположных систем кукол - это часть драматургии. Но освободившись от своих нитей и тростей, куклы воспарят над сценой в танце любви.В спектакль вошли сцены из пьес: «Гамлет», «Сон в летнюю ночь», «Ромео и Джульетта», «Ричард III», «Отелло», «Король Лир».

Трепетная любовь, хитрый обман и абсурдные обстоятельства — знаменитая история «тётушки» Джека Чеснея оживёт на сцене в исполнении популярных актёров театра и кино.

С момента премьеры постановку «Анна Каренина» сопровождают неизменные аншлаги. Мюзикл стал лауреатом премий «Гвоздь сезона» и «Звезда театрала» в номинации «Лучший музыкальный спектакль». Постановка была удостоена специальной премии от билетной компании Ticketland.ru как самый посещаемый спектакль года. Драматическая история любви замужней дамы Анны Карениной и блестящего молодого офицера Алексея Вронского разворачивается на фоне блеска и роскоши дворянской жизни второй половины XIX века. Герои переживают яркие и противоречивые чувства: любовь и предательство, страсть и долг, надежду и отчаяние. И хотя от происходящего на сцене отделяют почти полтора столетия, события, разворачивающиеся перед глазами зрителей, по-настоящему увлекают и захватывают: во все времена они близки и понятны каждому. В ролях – звезды столичных мюзиклов.

Мюзикл «Плакса» – совместный проект канала СТС и Московского театра мюзикла. Хит СТС «Плакса» получит продолжение, неожиданное развитие сюжета и новые смыслы на театральной сцене. Мюзикл расскажет историю 15-летней девочки Маши, переехавшей из Москвы в провинциальный Новоморск, где она встречает свою вторую половину и находит себя в музыке. Однажды она покупает гитару, которая оказывается волшебной. Тогда Маша решает создать группу «Плакса» и неожиданно обнаруживает, что ее песни способны вызвать фантастические события, исполнять желания и преобразить жизнь ее парня, родителей и бабушки.

Увлекательная авантюрная история с музыкой, танцами, комедийным подтекстом и захватывающим детективным сюжетом.

Спектакль «Риголетто» – пример классического вердиевского театра со страстями, слезами, нежностью и коварством, с историческими костюмами и романтическим антуражем. Естественный рисунок, отчетливый драматический рельеф постановки, яркие мизансцены – все выразительные средства подчеркивают блистательную музыку Верди. В разное время в спектакле участвовали не только штатные артисты театра, но и многие приглашенные звезды. Прекрасные арии, ансамбли с участием главных героев (Риголетто, Герцога, Джильды), яркие запоминающиеся мелодии стали мировыми оперными шлягерами.

В данной программе объединяются два произведения: «Кармен-сюита» Родиона Щедрина и «Дивертисмент». «Кармен-сюита» – одноактный балет, созданный в 1967 году кубинским хореографом Альберто Алонсо на музыку Родиона Щедрина для его жены, прима-балерины Большого театра Майи Плисецкой. Ставший классикой балетного искусства, этот спектакль когда-то бросил своеобразный вызов своему времени. Помимо «Кармен-сюиты», зрители могут увидеть и дивертисмент, состоящий из череды номеров из самых разных балетов.

К юбилею Победы режиссер Александринского театра Антон Оконешников представил на Сцене «Мельников» спектакль по повести Бориса Васильева. Предпремьерные показы прошли 4, 9 и 10 мая. Постановка рассказывает о подвиге, совершенном молодыми отчаянно-храбрыми девушками-зенитчицами. У каждой из них своя непростая история жизни, которую война разделила на «до» и «после», и каждую из них мы увидим во вспышках белого света и бесстрастном объективе видеокамеры. Режиссер погружает нас в далекие события, в атмосферу военного времени, максимально совмещая два вида искусства – кино и театр, документально близко показывает эмоции героев, оживляя картины удивительного мужества, ставшие памятью поколений. Антон Оконешников, режиссер спектакля: «В повести Бориса Васильева очень красиво и художественно показана грань жизни и смерти – ты не всегда понимаешь по-настоящему ли что-то уже произошло, или это героям только кажется. То как девушки погибают – описано удивительно, в этот момент Васильев рассказывает подробные истории их жизни – и это очень важно для нашего спектакля».

В городе Талса в отчий дом съезжаются члены большой семьи Уэстонов. Пропал отец, и дочери Барбара, Карен и Иви, их мать Виолетта, тетя Метти Фей, а также их мужья, дети и ухажеры собираются под одной крышей, пьют виски и выясняют отношения, обвиняя друг друга в предательствах, подавленных чувствах и изломанных судьбах. У каждого есть свой скелет в шкафу, и все тайное, что обычно скрывается за фасадом благополучного дома, становится явным. Художник Гинтс Габранс сооружает на сцене геометрическую конструкцию – типичный современный дом со стандартным дизайном. С помощью технологии мэппинга на белых стенах декорации возникает образ дома Уэстонов – 3D-модель, сделанная по размеру настоящего дома. Это реальный дом. Выдвигающиеся панели декорации по ходу спектакля дают новые срезы: параллельно с драматическими столкновениями на сцене двигается, меняет цвета и ракурсы цифровой образ дома. Дом открывает свои тайны: как рентгеном просвечивается скелет семейной истории.

Афиша удивит: «Владимир Набоков «Анна Каренина». Разве не Толстой? Поэтому и следовало приписать – лекция, а если точнее – lecture. Но и Толстой будет присутствовать, ведь он – основной автор. Он автор первоисточника – романа, который восхитил Набокова и весь читающий мир. В какие-то моменты лекции кажется, что Набоков чуть ли не завидует Толстому, там, где мастерство приводит его в восторг. Надо помнить, что Набоков мало кем восхищался из своих коллег по литературе, громил всех направо и налево, а тут… Тут преклонение, иного слова не подобрать. Этакий стокгольмский синдром в мире словесности. Это на самом деле очень опасно и всегда случается, когда писатель пишет о писателе. А в этом случае опасно стократ, ибо об одном гении пишет другой гений. И это будет не очередная инсценировка (или экранизация), которым несть числа, а совершенно новая попытка освоить миры и смыслы великого романа. Важно открыть сотрудничество мастеров, переходящее в сотворчество. Толстой-художник и Толстой-проповедник – кто важнее и ближе сегодня? А может, они все-таки неразделимы и Набоков был неправ?

Два иностранных бродячих артиста оказываются на петербургских задворках в поисках работы… И попадают в безумный водоворот страстей! Все смешалось в доме Бояркиных. Дарья Семеновна, чтобы выдать замуж единственную дочь Машу, не остановится ни перед чем. А тут как раз к балу нагрянул ее старый кавалер – богатый откупщик Золотников, который должен непременно женить своего сына Александра, ведь от его влюбчивости все вокруг верх дном. «На троих жениться нельзя, а на одной мало…» – говорит он вполне искренне. Как поступить юноше, если его сердце буквально тает от любви при виде любой молоденькой девушки? Мечется Сашенька от одной невесты к другой, а матери и их дочери строят козни друг другу за спиной жениха, стремясь заполучить все его состояние. От такого накала эмоций слова заканчиваются… а в ход идут жесты, прыжки, приплясывания, песни, начинается настоящий русский водевиль… Поистине, беда от нежного сердца!..

Шотландия – край скал, туманов, отважных горцев… XIX век – время удивительных открытий и изобретений. Синематограф, паровозы, аэропланы – прогресс! Но и о старых добрых традициях забывать не стоит. Шотландцы умеют беречь свое наследие. В памяти живы давние славные победы и раздоры между кланами. Герои спектакля «Вересковый мед» – девушка Элли и юноша Вилли – пройдут непростой путь от отчуждения и вражды до спасения жизней друг друга. Цепь удивительных совпадений и приключений приведет их в Каледонию. Они встретят мудрого друида, жестокого римского центуриона, веселых музыкантов и лютых воинов-пиктов… Юным героям предстоит понять простую истину: «Вместе устоим – порознь падем!» Они примут участие в сражениях и, может быть, даже смогут изменить ход исторических событий. Оригинальный сюжет «Верескового меда» написан Артемом Абрамовым на основе шотландских легенд и исторических реалий. В музыкальном обрамлении, конечно же, звучат волынки и ансамбль городских барабанов.

Владимир Симонов, Максим Суханов и Владимир Вдовиченков в постановке Римаса Туминаса по пьесе современного французского драматурга Жеральда Сиблейраса. Персонажи – Рене, Фернан и Густав – чудаковатые мечтатели, которые постоянно спорят, ссорятся и шутят: о былом и о несбыточном, о давно забытом и о совершенно невероятном. Каждый день они собираются на террасе дома, с которой видны холм и тополя. Герои очень хотят отправиться в поход за приключениями. Хотя бы до этого холма, но лучше в Индокитай. Однако все трое уже весьма взрослые люди, и за плечами каждого его собственное богатое событиями прошлое. Поэтому, как у всех взрослых и очень занятых людей, у них находится множество поводов отложить начало путешествия.

Сам автор определяет жанр постановки как рок-н-драма. В спектакле очень много музыки. Идея поставить Николая Гоголя в рок-стиле пришла режиссеру в тот момент, когда он услышал песни рок-барда Вени Д'ркина. Режиссер говорит, тексты помогли ему и, как он надеется, помогут и зрителю по-новому увидеть персонажей гоголевской повести. В своей постановке Александр Баркар пытается ответить на вопрос, почему люди переходят на сторону зла. Это история о борьбе человека со страстями. И о том, что иногда можно пожалеть кого-то. По мнению режиссера, люди разучились жалеть даже самых близких. Рок в спектакле – это не только сама музыка, но и судьба. В оригинальной постановке Баркара Панночка заигрывает с Философом, танцует, соблазняет его. Борьба с искушениями – лейтмотив всего действия.

Постановка Александра Вилькина дает возможность насладиться чеховской пьесой. Без спешки и суеты. Она с Раневской, которая не может умиляться при виде детской, с Лопахиным, который не только помнит, что у него тонкие пальцы артиста, с непривычным обращением Гаева к «многоуважаемому шкафу», с «парным конферансом» Гаева и Фирса, так трогательно прописанным самим Антоном Павловичем Чеховым. С совершенно неожиданным финалом. С ответом на вопрос, почему Антон Павлович назвал свой «Вишневый сад» комедией.

Знаменитую толстовскую эпопею репетировали долго – без малого семь лет. Неспешно, вдумчиво. Так и играют: подробно, смакуя детали, задерживаясь на частностях. Но в этой подробности нет и тени тяжеловесности. Это не инсценировка романа, а игра в роман. Пространством для игры стало самое начало великой эпопеи – неполный первый том. Еще по-детски взбалмошна влюбленная в Бориса Друбецкого Наташа Ростова, еще не умерла родами маленькая княгиня Lise, а князь Андрей только собирается в действующую армию. Война – это пока лишь только повод для салонных разговоров и мальчишеских игр, но сердце уже пронзительно щемит от осознания хрупкости и ненадежности мирной жизни, развернувшейся на узкой полоске сцены между зрительным залом и картой военных действий, служащей в этом спектакле занавесом. Подробности – на сайте театра.

Роман «Герой нашего времени» – одна из ярчайших страниц творчества М. Ю. Лермонтова. Он состоит из пяти отдельных повестей («Бэла», «Максим Максимыч», «Тамань», «Княжна Мэри», «Фаталист»), связанных воедино образом главного героя – Печорина. Подчеркивая типичность фигуры Печорина для русской дворянской молодежи 30-х годов XIX века, Лермонтов писал в предисловии к роману: «Герой нашего времени. Это портрет, составленный из пороков всего нашего поколения». Печорин, по его собственному признанию, страдает от скуки, и все его поступки продиктованы стремлением эту скуку преодолеть: похищение красавицы-черкешенки Бэлы, вмешательство в жизнь контрабандистов, дуэль с Грушницким – вот далеко не полный список «подвигов» этого героя. «Какое мне дело до радостей и бедствий человеческих»,– говорит он, проезжая «транзитом» сквозь судьбы людей, нигде не задерживаясь надолго. В литературной критике такие герои стали зваться «лишними» людьми, которые вроде бы являются «ошибкой творения». Спектакль относится к жанру рок-драмы, в нем режиссер-постановщик Семен Спесивцев соединяет песни в исполнении Виктора Цоя и драму Михаила Лермонтова, тем самым объединяя поиск смысла жизни современного поколения и русской дворянской молодежи 30-х годов XIX века. Можно сделать еще одну попытку разгадать характер Печорина – героя своего времени, символа своей эпохи. Продолжительность спектакля – 1 час 50 минут с одним антрактом.

В год 200-летия со дня рождения Федора Михайловича в театре отдают дань памяти не только гению великого прозаика, но и его жены. Мила Денева, автор инсценировки и эксперт: «В основе драматургического каркаса – книга воспоминаний самой Анны Григорьевны, которая так и называется «Достоевская. Воспоминания». Спектакль документален в своей сюжетности, но при этом герои – это художественно обработанные образы. В спектакле фигурирует пять разных ипостасей главной героини, пять граней, каждая из которых – как отдельный микрокосмос со своими законами. Это попытка подношения памяти этой великой женщины». Роли Анны Достоевской в новом спектакле Георгия Долмазяна исполняют пять актрис – в зависимости от временного периода повествования. Мистический, инфернальный образ романов Достоевского, детали жизненных обстоятельств воссоздаются особой сценографией.

Несмотря на то, что испанский драматург Лопе де Вега написал пьесу еще в XVII веке, она как никогда актуальна. Это красочное представление о приключениях влюбленных заставит вас заново поверить в силу истинной любви. Спектакль посвящен любовным приключениям двух сестер на выданье. Испанский дворянин Октавьо выдает замуж Нису и Финею. Красивая и добропорядочная Ниса славится умом и начитанностью, но все семейное богатство наследует ее глупенькая сестра Финея. Провинциальный дворянин Лисео, претендующий на руку Финеи, ничего не знал о ее недостатках. Обнаружив, что ему подсунули «пустышку», он срочно влюбляется в Нису. За Нисой же ухаживал бедный поэт Лауренсьо, но чтобы не упустить богатство, поэт решает переключиться на Финею. Начинается настоящий переполох: череда забавных, а порой и откровенно абсурдных событий. Пересказывать все нет смысла, лучше доставьте себе удовольствие и посмотрите комедию на сцене театрального особняка на Покровке.

Как бы вы повели себя в тривиальных, будничных или, наоборот, критических ситуациях, если бы точно знали будущее? Какие решения приняли бы прямо сейчас, как бы поступили? «Жил. Был. Дом» – это 11 историй, объединенных общим финалом. Финалом, меняющим абсолютно все. Финалом, известным с первых минут. Смешные и грустные, захватывающие и до боли понятные и близкие любому человеку. Потому что они про каждого человека, каждого, кто в этой жизни стоял перед выбором: верить или не верить в любовь, дружбу, судьбу, счастье, Бога.

Кристофер Бун – 15-летний парень с синдромом Аспергера – ментальным расстройством, осложняющим коммуникацию с внешним миром. Он знает названия всех мировых столиц, может записать на бумаге число пи и мечтает однажды полететь в космос. А вот мир человеческих чувств и взаимоотношений для него остается загадкой. Например, Кристофер не понимает, почему люди врут, почему думают одно, а говорят совсем другое, зачем причиняют друг другу боль. Спектакль «Загадочное ночное убийство собаки» – это попытка взглянуть на мир по-особенному, разобраться в истинной природе человеческих поступков и научиться видеть в окружающей реальности прекрасное, бесконечно удивляться ей.

«Лето Господне» – роман русского писателя Ивана Шмелева, написанный в 1927–1948 годах. Книга состоит из трех частей: «Праздники», «Радости», «Скорби». Это автобиографическое произведение, которое описывает жизнь в патриархальной купеческой семье глазами маленького мальчика. Русский уклад жизни описывается через церковный богослужебный год, начиная с Великого поста: показаны не только церковные службы, молитвы, паломничества, но и семейный быт: традиционные праздничные и постные блюда, обычаи. За историей страны и укладом жизни дореволюционной России открывается биография отдельной семьи. А из эмоционального восприятия мира маленьким мальчиком – полного ощущений, звуков, запахов – рождаются на сцене всполохи воспоминаний, каждое из которых переполнено игрой, событиями, жизнью. Все это сплетается в главную тему постановки Марины Брусникиной – «память как родина души».

Литературно-сценический коллаж, созданный по рассказам Ивана Алексеевича Бунина («Мадрид», «Легкое дыхание», «Чистый понедельник», «Холодная осень») и Антона Павловича Чехова («Беззащитное существо», «Нервы», «Знакомый мужчина»). Спектакль был создан в рамках творческой лаборатории «Метаморфозы», в которой Никита Михалков с артистами театра ищет новые, иногда экспериментальные формы воспроизведения русской прозы, а также новые смыслы во всем известных произведениях. Спектакль объединяет в себе несколько жанров, так что все эпизоды складываются в многоголосую панораму жизни. В этой пестрой панораме – чеховские персонажи, заключенные в «стеклянную скорлупу одиночества», и бунинские герои, тоскующие по родине, сменяя друг друга, создают сложную и вместе с тем прекрасную картину русской жизни. Художником спектакля стал всемирно известный художник Юрий Купер, который с помощью 3D–проекции передал особенную атмосферу каждого рассказа.

В этот вечер в роскошном Колонном зале зрители окунутся в атмосферу старинной дворянской усадьбы. История, написанная Антоном Чеховым специально для артиста Николая Соловцова, начинавшего творчество в «домашнем театре», завершена в феврале 1888 года. Постановка позволит зрителю прикоснуться к созданию профессионального театра, в основе которого стоял домашний театр. У гостей появится уникальная возможность стать не просто посетителями знаменитой Усадьбы Васильчиковых, а свидетелями происходящих в ней событий. В ролях: Елена Попова – вдова в глубоком трауре; Елена Оленина – заслуженная артистка России в роли госпожи Щукиной; Григорий Смирнов – отставной поручик артиллерии; Николай Токарев – артист Театра Российской армии в роли господина Кистунова; Владимир Дегтеренко – артист театра и кино, режиссер и продюсер в роли Луки. Режиссер – Елена Оленина, художник по костюмам – Марина Алимова, композитор – Василий Пчелкин.

«Пьесу следует играть очень воодушевленно» – вот первая ремарка этой оптимистичной комедии, редко ставящейся в театрах. Речь в ней идет об абсолютно прекрасном человеке Васе Листикове, который не теряет радости жизни, несмотря на то, что окружающие бессовестно пользуются его добротой: жена уходит к лучшему другу и выгоняет Васю из его же собственной квартиры, отец не хочет, чтобы Вася возвращался в родительский дом, а тот самый лучший друг собирается обнародовать их с Васей совместные разработки под своим именем… Режиссер Филипп Гуревич усиливает абсурдистскую интонацию пьесы и почти лишает ее советского антуража: комедия «Мое загляденье» написана в 1969 году, после оттепели (поэтому ее жизнерадостная бравурность граничит с издевкой), но в интерпретации режиссера эта история стала вневременной. Филипп Гуревич: «Кажется, такой истории не может произойти в реальной жизни. И главный герой Алексея Арбузова – это какой-то мечтатель и неудачник. Будто его поведение – маска. Если встретишь такого в реальности, он будет неимоверно раздражать, его захочется разоблачить и упрекнуть в неискренности. Но его терпимость и безграничная доброта разоружают, и ты уже не способен обижать, эгоистично чего-то требовать. Интересно соотнести себя нынешнего с таким забытым текстом из советском прошлого. Настроить диалог со зрителем через бескомпромиссную наивность и доброту. Хочется утопически верить, что доброта спасет мир».

Малый театр снова обращается к творчеству великого драматурга А. Н. Островского. «На всякого мудреца довольно простоты» − одна из тех пьес, которые во все времена звучат остро и злободневно. Каким путем, каким способом можно сделать карьеру и выбиться в люди? Как создаются и гибнут человеческие репутации? Островский и Малый театр отвечают на эти вопросы, рассказывая историю молодого человека по фамилии Глумов, решившего во что бы то ни стало добиться высокого положения в обществе. В 2006 году спектакль был удостоен премии правительства России в области культуры.

Это история о том, как в маленьком городе, изнывающем от жары, появляется странный незнакомец, объявляющий себя продавцом дождя. Жители маленького городка с недоверием относятся к чужаку, называя его шарлатаном, и только к концу истории они поймут, что продавец торгует не дождем, а верой в чудо и надеждой вопреки всему. Умная и тонкая, эта пьеса полна любви, добра и чудесного юмора. Благодаря сферическому пространству театра каждый зритель становится участником событий, развивающихся на сцене.

Театр «Эрмитаж» предлагает новый взгляд на сатирическую и несправедливо забытую пьесу Михаила Булгакова «Багровый остров». Зрителей ждет невероятное соединение сразу нескольких планов и сюжетных линий. Во-первых, приключенческая тематика, выстроенная как остроумная пародия на лучшие романы Жюля Верна. Во-вторых, социально-сатирическая грань, актуальная для всякого времени. В-третьих, тонкая и притягательная для зрителей идея «театра в театре». Все происходящее на сцене – генеральная репетиция спектакля, возможность подсмотреть за тайнами закулисья, погрузиться в мир талантливых (но зачастую капризных) актеров, сходящего с ума от волнения автора, властного режиссера, вездесущего помощника и вершителя судеб – цензора, принимающего спектакль. Наконец, в-четвертых (и это главное), в ткань спектакля, помимо пьесы Булгакова, вплетены его воспоминания, фрагменты писем и отрывки из мемуаров его супруги. И вот тут на первый план вдруг выступает судьба самого автора...

Что послужило началом страшного процесса поиска ведьм в местечке Сейлем? Неужели желание девочек-подростков вырваться из-под родительской опеки и их ночные танцы в лесу вокруг костра? Безмерная набожность местного населения или раздоры внутри церковного прихода? Или желание отдельных предприимчивых людей поживиться недвижимостью осужденных и казненных? А может быть, просто чья-то личная месть? Все эти темные инстинкты могли и не вырваться наружу, не превратиться в кровавую бойню ни в чем не повинных людей, если бы семь месяцев назад в доме Джона Проктора не произошло событие, надломившее счастливую семейную жизнь Джона и Элизабет Прокторов, заставившее Джона совершать мучительное путешествие к самому себе, чтобы осознать не только свою вину, но и единственную возможность искупления собственного греха.

«Сон в летнюю ночь» по пьесе Уильяма Шекспира – веселый, яркий спектакль, наполненный юмором и волшебными превращениями. Действие комедии начинается в декорациях телевизионного шоу, где стираются рамки между правдой и вымыслом. В этой измененной, полуабсурдной реальности возможны любые чудеса и трансформации, которые меняют восприятие героев, становятся испытанием, проверкой чувств на прочность. Режиссер спектакля – художественный руководитель Театра им. Н. В. Гоголя Антон Яковлев: «Эта пьеса для меня – гротескное выражение сегодняшней жизни, которая иногда сама похожа на безумный сон...»

Спектакль-комедия, который заставит зрителя смеяться и плакать! Зрителей ждет 7 рассказов Антона Чехова, связанных между собой акапельным исполнением русских народных песен. Все истории – о народе, о радостях и горестях жизни, о русском человеке. Спектакль посвящен студенческой работе Валерия Беляковича, которая была его дипломной работой при выпуске из ГИТИСа. Сегодня это часть юбилейной программы, посвященной 45-летию Московского театра на Юго-Западе. Над восстановлением работал художественный руководитель Олег Леушин.

Публику ждет легендарная музыкальная драма о простом парне Бумбараше. Пройдя через горнило Первой мировой войны, Семен Бумбараш попал в пекло войны Гражданской. Он возвращается в родную деревню и обнаруживает, что родной брат Гаврила (Александр Кузьмин), которому пришла на него похоронка, прибрал к рукам и отчий дом, и любимую девушку Варю (Анастасия Тимушкова). Люди разделились на своих и чужих. Вовлеченные в водоворот Гражданской войны, они перестали различать, где добро, а где зло. И ходит меж них Семен Бумбараш, мечтающий вернуться к возлюбленной, к родному очагу, к простой жизни.

Гладь Дона, затянутая легкой утренней дымкой, деревянные речные мостки, песня удалая казачья, доносящаяся издалека… Внезапно разыгравшаяся буря разрушит и эту хуторскую идиллию с привычным укладом жизни казаков, и судьбы главных героев и перевернет жизнь целой страны. Режиссер Дмитрий Петрунь мастерски сумел вместить в трехчасовой спектакль самые яркие моменты жизни героев легендарного романа Михаила Шолохова. В центре сюжета остается Гришка Мелехов, угодивший в жернова исторических потрясений, успевший испытать за очень небольшой промежуток времени любовь и предательство, страсть и измену, сумевший преодолеть все удары судьбы – не сломаться и выстоять. Получился своеобразный киномонтаж на театральной сцене. Не просто спектакль, а грандиозное сценическое полотно, в котором переплелись эпический размах и трагедия людских судеб.