Афиша театров Москвы на 30 сентября 2026

«Дни проходят; дочь растет; Расцвела, как майский цвет; Вот уж ей пятнадцать лет. Что-то, что-то будет с ней…» В. Жуковский, «Спящая царевна» Режиссёр-постановщик Екатерина Образцова соткала собственную сказку, вдохновившись блестящим текстом Василия Жуковского. Мир этой сказки идеален для театра кукол: здесь прялки вдруг превращаются в фей, каждая добавляет свою ниточку в ткань сказочного повествования, кроме главной феи Карабос – но это вы все увидите в спектакле. Мир спектакля — это пригорок, ручеек, лесок… Населяют его персонажи сказки: Царь, Царевна, Царица, Женихи и сам Суженый. Все это – планшетные куклы. Артисты явно управляют ими и время от времени дают им советы. В спектакле есть и тростевые, и перчаточные куклы, есть даже одна кукла, природу которой затруднился определить сам мастер-технолог! Режиссёр-постановщик Екатерина Образцова: «Поэт Василий Жуковский создал русский литературный вариант очень популярного сказочного сюжета о спящей красавице, который для французов пересказал Шарль Перро, для немцев – братья Гримм. Но нам ближе всех Жуковский, потому что Василий Андреевич обладал удивительным чувством юмора, так что сказка получилась очень смешная, иногда ироничная, с намёком. Этот спектакль интересен для девочек и мальчиков – девочки в нарядных платьицах могут почувствовать себя царевнами, а мальчики, конечно, смогут понять, как расти добрыми молодцами».

Участников иммерсивного спектакля, стирающего грани между зрителями и создателями, ждет живая встреча с творчеством Леонардо да Винчи – гениального художника, инженера и ученого, и с его временем – эпохой Возрождения, которую он опередил. Первая дверь ведет на театральные подмостки комедии масок – символа мировоззрения Ренессанса, столкновения старого уклада и молодого свободомыслия. Можно будет не просто увидеть ярких героев дель арте, но и побыть шумным Арлекином, лжеученым Доктором или обаятельной Коломбиной. Вторая дверь приоткроет путь к изобретениям да Винчи: гений воспринимал мир как огромный механизм, который можно разобрать, изучить и собрать заново. Водяные мельницы, насосы, мосты, летательные и подводные аппараты – эти и многие другие разработки легли в основу современных технологий. Третья дверь позволит собственной кистью прикоснуться к творчеству Леонардо да Винчи, познакомиться с его 205-ю картинами, каждая из которых стала сложным исследованием эмоций, света, пространства и природы и вылилась в культурное событие эпохи, а также создать собственный набросок в стиле и технике художника.

Самый известный чеховский сюжет о рыжей собаке с лисьей мордой пересказывать не нужно. А вот поведать заново в старой доброй традиции театра как рассказывания истории – вполне. Коврик, зритель и артист. Здесь нет спецэффектов и сценических аттракционов. Только хор актерских голосов, фантазия зала. Опилки легко становятся снегопадом, домотканый коврик – цирковым манежем, а растерянное перед жизнью существо Каштанка решает почти гамлетовский вопрос: быть или не быть в простецкой столярке или у незнакомца в «ученом сообществе»? Вот в чем очень взрослые вопросы детского спектакля для всей семьи.

Режиссёр Николай Черкасов исследует человеческую натуру в спектакле по пьесе Грибоедова и доказывает: классика может и должна быть интересна современному зрителю.

Балет «Жизель» — это совершенный образец романтической хореографии, где классическая элегантность встречается с поэтичной фантазией. Постановка театра «Корона русского балета» наполнена благородной чувственностью и виртуозностью. Зрителей ждет волшебный мир красоты и утонченного танца, где живет надежда и вера в добро.

Спектакль по пьесе Анастасии Букреевой — прогулка по лабиринту психики, который таится в каждом из нас.

Спектакль – история о трехдневных театральных гастролях, во время которых все пошло наперекосяк. Мир театрального закулисья кажется зрителям притягательным, порой даже таинственным и волшебным. Но на самом деле он, как и сама жизнь, полон хитросплетений, трагических и комических эпизодов, неожиданных поворотов сюжета и сложных человеческих взаимоотношений. Режиссер и исполнитель нового моноспектакля – заслуженный артист России Александр Арсентьев. Постановка по одноименному рассказу Сергея Юрского.

Мюзикл «Плакса» – совместный проект канала СТС и Московского театра мюзикла. Хит СТС «Плакса» получит продолжение, неожиданное развитие сюжета и новые смыслы на театральной сцене. Мюзикл расскажет историю 15-летней девочки Маши, переехавшей из Москвы в провинциальный Новоморск, где она встречает свою вторую половину и находит себя в музыке. Однажды она покупает гитару, которая оказывается волшебной. Тогда Маша решает создать группу «Плакса» и неожиданно обнаруживает, что ее песни способны вызвать фантастические события, исполнять желания и преобразить жизнь ее парня, родителей и бабушки.

«Волшебная флейта» Вольфганга Амадея Моцарта (1756–1791) – классическое произведение во всевозможных значениях этого термина: и принадлежащее классицизму, и представляющее совершенный образец жанра. Феномен сочинения сформулировали два великих композитора: Людвиг ван Бетховен и Рихард Вагнер. Для «Новой Оперы» semi-stage версия станет третьим обращением к «Волшебной флейте». Музыкальный руководитель и дирижер – Филипп Чижевский. Сочинения Моцарта для маэстро – неотъемлемая и важная часть репертуара, а «Волшебная флейта» – своеобразная вершина музыкального искусства, подготовкой к которой стал цикл симфонических программ «Путь к Моцарту». Режиссером станет Егор Перегудов – художественный руководитель Московского академического театра имени Вл. Маяковского, лауреат театральных премий, в том числе премии «Хрустальная Турандот» в номинации «Лучшая работа режиссера». Для semi-stage версии «Волшебной флейты» он сделал собственный перевод либретто на русский язык.

Петербург по праву называют одним из главных героев оперы П. Чайковского «Пиковая дама». Торжественная и трагическая красота парадных видов Северной столицы определяет эмоциональный строй постановки А. Тителя. Ключевым образом сценографии С. Бархина становится величественная колоннада, несоизмеримо огромная по сравнению с человеческими фигурами. В этом выдуманном Петром городе живут люди, терзаемые сильными страстями. Здесь происходят фантастические события, которые возможны только во сне или в бредовой галлюцинации. А в музыке П. Чайковского, написанной в 1890 году, звучит пророчество грядущих катаклизмов XX в. «О чем «Пиковая дама»? Является ли эта опера историей про любовь? Отчасти. Собственно, как любая опера. Двое мужчин любили одну девушку. Один – красивый, успешный, из хорошей семьи, для которого открыты все пути. И другой – бедный, неизвестный, злой неудачник. Но девушка любит второго, что бывает весьма часто» (А. Титель).

В Театре на Таганке состоится долгожданная премьера обжигающе прекрасной постановки «104 страницы про любовь» режиссера Виктории Печерниковой по легендарной пьесе Эдварда Радзинского. Девушка, витающая в небесах, и циничный мужчина, человек науки, твердо стоящий на земле, – они столь непохожи, у каждого свои ценности, опыт и взгляд на мир. Но внезапно: неловкие встречи у ночного стадиона, разговоры вроде бы о пустяках, дважды пропущенный автобус… Почему, оставив записку «встречаться не надо», такие разные люди, как физик-ядерщик и стюардесса, все же идут к месту встречи? И как часто люди говорят глупости, чтобы молчать о главном? Ностальгическая мелодрама в стиле ретрофутуризма исследует сущность любви и отношение к ней сегодня. Любовь – это не страсть, не влюбленность, это бессмертие, это тяжелое бремя, но есть ли что-то важнее на этом свете? Именно об этом предстоит размышлять сотруднику НИИ Электрону Евдокимову и влюбленной в него Наташе.

Авлабар – один из старейших районов Тбилиси и место действия знаменитого водевиля Авксентия Цагарели «Ханума», написанного в 1882 году. Это история о соперничестве двух свах – Ханумы и Кабато, каждая из которых предлагает свою невесту старому князю Васо Пантыашвилли. История смешная, эмоциональная и в чем-то наивная, как эмоциональны грузинские тосты, как бесхитростна живопись Пиросмани. «Ханума» стала особенно желанной гостьей на театральных подмостках в версии комедиографов Бориса Рацера и Владимира Константинова, полвека назад переписавших оригинальную пьесу для Георгия Товстоногова и Большого драматического театра. Но в театре зрителей ждет совершенно новая «Ханума» – в новом переводе, с новыми песнями и диалогами, созданными специально для Московского художественного театра. Автор перевода – Нина Шадури, инсценировка – Андрея Галанова и Шабана Муслимова, музыка – Сергея Чекрыжова и Дмитрия Чувелева, авторы стихов – Мария Безносова и Владимир Руднев.

Классическая повесть Карамзина «Бедная Лиза», известная каждому школьнику, обрела новую жизнь и современное звучание в постановке Марка Розовского. Сентиментальная история любви бедной крестьянки к аристократу рассказана в музыкальном спектакле с некоторой долей мягкой иронии и юмора, что позволяет создать эффект отстранения – дистанции, столь необходимый для того, чтобы воспринимать историю крестьянской девушки и ее возлюбленного не как исторический анекдот, затерявшийся в толще веков, но как историю общечеловеческую и актуальную сегодня, как и всегда. Современные понятия о добре и зле имеют пробелы, отчего жизнь оказывается лишена вкуса, покоя и грации. Путаница ведет к хаосу, скошенные представления могут привести даже к преступлению. Жизнь спектакля доказала, что с помощью музыкально-поэтических добавлений великое русское слово действует и сегодня на души людей, заставляет посмеяться и всплакнуть.

Россия между двух революций: 1905-1917. Два мира. Одна мастерская. Одна семья. Динамику эпохи передают знаменитые произведения искусства, её обрамляющие. В 1906 году создано самое большое из яиц Фаберже Императорской серии – «Московский Кремль»; в 1915 – «Чёрный квадрат» Казимира Малевича. Павел Кутейников, гений русского ювелирного искусства, верит: его хрупкие творения из сверкающего металла и драгоценностей переживут века, потому что красота вечно лежит в основании мира. Сыновья Кутейникова с детства впитали веру отца. Но они – дети революционного времени, каждый из них по-своему переживает драму расколовшегося «Серебряного века». Линия раскола прошла прямо по семье, раздор поселился в доме Кутейниковых. Отец и сыновья спорят не о деньгах, не о политике, а о красоте, в которой продолжают искать опору в лихие времена. В чём она, истинная красота: в блеске золота или пламени мирового пожара? Анатолий Шульев, автор идеи и режиссёр: «Наш спектакль не о том, «как это было». Скорее, мы ведём диалог с историей, вместе всматриваемся в эпоху, где в горниле революций и войн проверялось на прочность всё: семейные узы, личные идеалы, любовь, вера, преданность и мастерство. Начало XX столетия – эпоха тотального самоутверждения человека, бескомпромиссного фанатизма и жизнетворчества; эпоха, когда перерождалась страна, неузнаваемо менялся мир, а человечество искало рай, сидя верхом на пороховой бочке. В том обжигающем времени гораздо больше рифм с нашей современностью, чем может показаться на первый взгляд: кризис веры, морали, традиционных ценностей, обретение технологий, к которым человечество совсем не готово, разобщённость и нарастание угроз, связанных с оружием массового поражения. Предреволюционная Россия 1917 года очень напоминает сегодняшний мир в целом, со всеми его противоречиями, ускоряющимся временем, за которым простой, живой человек порой не поспевает. Как же сохранить в этом мире себя самого, свою семью, веру в человека, в любовь и в красоту?»

Спектакль по рассказам Гоголя, вошедшим в сборник «Вечера на хуторе близ Диканьки»: «Сорочинская ярмарка», «Майская ночь, или Утопленница», «Ночь перед Рождеством», «Заколдованное место» – это переплетение различных образов и героев, национальностей и традиций, надежд и ожиданий, сливающихся вместе в предчувствии главного события – сорочинской ярмарки. Вот только ярмарка эта никак не может состояться, жених никак не может встретиться с невестой, торговцы – разложить свой товар, а главный герой и рассказчик не может найти вечно мешающего ему беса и пуститься в пляс.

Спектакль поставлен по пьесе современного драматурга Анатолия Крыма. Действие разворачивается в сегодняшние дни, так что все реалии происходящего до боли знакомы каждому, будь то отношения поколений или пресловутый квартирный вопрос. Сюжет закручен очень лихо и изобретательно, а диалоги прописаны ярко и остроумно. Кроме того, спектакль «Дом под снос» составляет драматическую дилогию со спектаклем «Старомодная комедия» по пьесе Алексея Арбузова, и не только потому, что зрители вновь встретятся с полюбившимся блистательным дуэтом, Алиной Покровской и Сергеем Колесниковым, а также помогающим им Вадимом Караваевым, но еще и потому, что эти два спектакля можно соединить некой смысловой дугой, так как в том и другом – примерно одна мысль: «Не может человек один! Для одинокого весь мир – пустыня. Даже если он спит на перинах и полные карманы денег! Человек живет для того, чтобы утром было кому сказать «доброе утро».

Спектакли по произведениям разных классиков об этом обольстителе и богохульнике никогда не исчезали из репертуара театров, они и сегодня идут на многих московских сценах. В чем же причина, чем так интересен Дон Жуан? Какова природа его пороков и прегрешений? Возможно, это своеобразная месть безыдеальному обществу, сделавшему его нравственным калекой? Именно этот вопрос возникает в связи с «Дон Жуаном» великого Мольера. Итак, молодой распутный дворянин Дон Жуан, чьим любовным приключениям нет числа, постепенно распоясывается все больше и превращается в опасного человеконенавистника. Он не только гоняется за юбками, но и становится врагом всех основ, всего разумного: плюет на сыновний долг, глумится над добродетелью, напропалую лжет, лицемерит, дерзко богохульствует и даже совершает убийство. Но порой, как ни странно, вызывает скорей симпатию, чем протест. В чем же загадка самого знаменитого мольеровского героя?

История о том, как прожить 120 лет за 12 дней. Вы замечали, что взрослые избегают серьезных вопросов? Спросишь их, откуда берутся дети, – они смущенно хихикают. Спросишь, почему люди умирают, – отвечают, мол, вырастешь – узнаешь. А что, если тебе до смерти нужно знать ответ? Что, если ты – 12-летний мальчик и ты очень-очень болен? Кто станет твоим лучшим другом, самым надежным товарищем? Кто объяснит все на свете так, что будет смешно, а не страшно? Загадочная Розовая дама знает ответы на самые сложные вопросы.

Режиссер Алексей Дубровский выпустил в Малом театре свой четвертый спектакль. На этот раз для постановки он выбрал две комедии А.Н.Островского «Праздничный сон – до обеда» и «За чем пойдёшь, то и найдёшь (Женитьба Бальзаминова)», объединив их под общим названием «Женитьба Бальзаминова». Главный герой – неунывающий оптимист Миша Бальзаминов, который всеми способами ищет не только богатой невесты, но и чувств, порой сам не понимая зачем. «Работая над спектаклем, я обратил внимание на то, что практически все герои замечательной трилогии Островского про Мишу Бальзаминова вместо реалий повседневности живут иллюзиями и мечтами, – рассказывает Алексей Дубровский. - Мечтает о счастье сына Павла Петровна Бальзаминова, чает большой любви Домна Евстигневна Белотелова, ждёт возможности широко «развернуться» и применить всю свою богатую фантазию сваха Акулина Гавриловна Красавина, своими представлениями о любви живут Капочка и Устинька, а, главное, совершенно неприспособлен к реальному миру главный герой, Михайло Дмитрич Бальзаминов. Александр Николаевич так мастерски и с любовью описал этих «витающих в облаках» персонажей, что единственный трезвомыслящий человек, Нил Борисыч Неуеденов, говорящий о разумных и верных вещах, выглядит на их фоне малоприятным и отталкивающим. Стало понятно, что для создания спектакля по такому многослойному при всей обманчиво кажущейся простоте материалу не обойтись без наших прекрасных ведущих артистов».

Комическая иллюзия Пьера Корнеля рассказывает о старом Придаманте, который тщетно ищет своего единственного сына Клиндора, которого он некогда прогнал. Друг детства Клиндора, Дорант, ведет старика к волшебнику Алькандру, который успокаивает Придаманта и показывает жизнь сына с того момента, как он покинул Ренн. В дальнейшем Клиндор, живущий в Бордо и служащий гасконскому капитану Матамору, ухаживает за девушкой Изабеллой, которая также из хорошей семьи. Влюбленные попадают в ловушку, но Клиндор убивает Адраста. Прошло два года, когда Клиндор и Изабелла поженились у английского принца Флорилама. Изабелла застает своего мужа на свидании с принцессой Розиной. Клиндор, удивленный великодушием Изабеллы, решает отказаться от Розины, но принцесса умоляет его, грозит, что он может быть убит.

«Как важно быть серьезным» – одна из самых остроумных и изысканных пьес мирового репертуара, виртуозная комедия положений, отмеченная блистательными, легкими, живыми, непринужденными и динамичными диалогами. В пьесе есть точные нравственные ориентиры, позиционирующие важность взаимоотношений между людьми, которые должны строиться на взаимоуважении и внимании друг к другу. Юмор и серьезность, сочетающиеся в пьесе, – хороший и веселый «урок культуры» для современного зрителя. Впервые пьеса была поставлена 14 февраля 1895 г. в театре Св. Джеймса в Лондоне. Ее название представляет собой игру слов – английское earnest переводится как «серьезный» и в то же время созвучно имени Эрнест. Для первой постановки пьеса была сильно адаптирована, в нее были введены музыка, комические номера, танцы. Пьеса имела грандиозный успех и оказалась последней из написанных Оскаром Уайльдом.

Петр Гринев, прожив жизнь и утратив супругу, вспоминает их с Машей историю. Мелодраматическая линия в спектакле Павла Сафонова, таким образом, выходит на первый план. И не случайно, ведь для режиссера «Капитанская дочка» – это одно из первых русских произведений о маленьком человеке, вовлеченном в роковые события истории. Такой частный и от того очень человечный взгляд становится смысловой доминантой инсценировки. Сценография (художник-постановщик – Дмитрий Разумов, художник по костюмам – Евгения Панфилова) подчеркивает условно-поэтический подход. «Мы словно бродим внутри событий, пытаясь разгадать, в чем же их сила и красота. Как будто в зеркале перед нами проступают отражения и лица некогда существовавших людей, не знавших, что они – герои, но помнивших о своей смертности… Они были нелепы и даже смешны, говорили иногда по-другому и не о том, но почему-то мы любуемся ими и так хотим им помочь», – говорит режиссер. Павел Сафонов – режиссер, известный по работам в Театре им. Евгения Вахтангова, «Современнике», Театре на Бронной и др. – не впервые обращается к Пушкину. По словам Павла Сафонова, проза Александра Сергеевича – всегда вызов для творческого человека, поэтому предложение поставить «Капитанскую дочку» вызвало у него интерес и даже азарт. По мнению режиссера, сегодня «Капитанская дочка» звучит как никогда актуально. Произведение отвечает на вопрос о том, что позволяет человеку сохранить себя в сложные времена.

Спектакль «Леонардо» переносит зрителей в эпоху Возрождения, на сцене оживают Леонардо да Винчи, Микеланджело, герцог Моро, Савонарола, Рафаэль, Лиза Джоконда... Эти легендарные исторические персонажи оказали влияние на все мировое искусство. Режиссер Юрий Грымов раскрывает образ творца, в котором уживаются добро и зло, свет и тьма. Как рождаются мировые шедевры живописи? Кто такой художник? Эти вопросы поднимает спектакль. Перед зрителями разворачивается драма гения, который следовал принципу, что высшее служение искусству и науке возможно только при абсолютной свободе от всех человеческих чувств. Масштабный спектакль «Леонардо» продолжает трилогию «Антихрист и Христос» («Петр», «Леонардо», «Иуда?»). В постановке занята вся труппа театра. Уникальные исторические костюмы и грим полностью погрузят зрителей в эпоху Леонардо да Винчи.

В дом богатой вдовы Араминты поступает на службу молодой адвокат Дорант. Он беден, но хорош собой и решительно настроен завоевать сердце женщины. Дядя Доранта, не подозревающий о желаниях юноши, хочет женить его на компаньонке Мартон, а мать Араминты мечтает выдать дочь за аристократа. Что движет героями – корысть или искренние чувства? И сможет ли любовь распутать клубок неловких недоразумений, смешной путаницы и ложных признаний? Эта история – про уязвимость, беззащитность сердца. Она о том, что все внешние обстоятельства (общественный статус, возраст, деньги), как и комплексы и страхи, – лишь мнимая защита от любви.

Постановка создана по футуристической пьесе молодого драматурга Марии Зелинской «Хуманитас Инжиниринг», повествующей о конструировании идеального мужчины. В ее основе лежит идея о том, что зачастую счастливым человека может сделать совсем не тот образ, который обычно сидит у людей в голове, а кто-то, принципиально отличающийся от этого лица. В 2015 году пьеса «Хуманитас Инжиниринг» вышла в финал драматургической премии «Действующие лица» и была удостоена специального приза журнала «Современная драматургия».

По одноименной пьесе Владимира Соллогуба «Беда от нежного сердца». Спектакль «Нежное сердце» приглашает зрителя в мир любви, наполненный мечтами, романтикой, а еще человеческими слабостями и непростыми решениями. Главный герой – Александр, представитель «золотой молодежи», избалованный вниманием и запутавшийся в собственных чувствах. Его отец, богатый предприниматель, устал от любовных похождений сына и хочет положить им конец. Он привозит Александра в Петербург, чтобы женить на дочери своей старой знакомой. По воле случая в петербургском доме оказываются сразу три девушки, готовые побороться за его нежное сердце. Автор пьесы, граф Владимир Соллогуб, создал яркий образец жанра XIX века: классический водевиль насыщен тонким юмором, музыкальными номерами и курьезными сценами, за внешней легкостью которых скрываются вполне серьезные переживания героев. Современная постановка бережно сохраняет дух оригинала, подчеркивая иронию и динамику сюжета. «Нежное сердце» заставляет смеяться и сопереживать, напоминая нам, насколько тонкими бывают границы между любовью и заблуждением, как легко запутаться в чувствах и как сложно найти свое счастье.

Спектакль «Новаторы» Театр Маяковского – премьера, посвященная Году науки и технологий. Артисты под руководством режиссера Никиты Кобелева делятся со зрителями документальными историями о компьютерных гениях, начиная с XIX века до конца XX века, от первого в истории программиста Ады Лавлейс, дочери поэта Байрона, до первого блогера 1990-х годов, от создателей первых компьютеров 1930–1940-х годов XX века до таких фигур как Стив Джобс и Билл Гейтс. В спектакле рассказывается о том, как на самом деле возникают передовые технологии, каким образом самые креативные новаторы нашего времени превращали безумные идеи в реальность, как они соперничали и сотрудничали и почему одни преуспели, а другие потерпели неудачу. Постановка стала четвертым проектом Студии-OFF – первой студии документального театра при репертуарном театре. В рамках Студии-OFF создают спектакли без привычных правил. Здесь нет изначально готового текста и распределения ролей, все возникает в процессе работы. Заведомо есть только тема для исследования. В этом случае – компьютерные технологии и люди, которые эти компьютерные технологии создавали.

Это спектакль обо всех, потому что он о детстве и юности. Детстве разном, не всегда простом, но все равно счастливом. Отцы и дети, семья и ее значение в формировании личности, первая влюбленность, взросление, поиск себя и обретение мечты – все эти темы прозвучат в премьерном спектакле о простых пацанах. Здесь будет много юмора. Взросление – это настолько важный и интересный период жизни каждого человека, что говорить о нем можно бесконечно. В ранних годах находятся все ответы на вопросы, которые возникают в будущей жизни. Важно принять свое прошлое и все, что в нем было, а также себя таким, какой ты есть. В юности формируется отношение к миру, характер и цели на жизнь. Основная предпосылка создания постановки в том, что детство не заканчивается, оно просто меняет форму.

Режиссер Дмитрий Крестьянкин вместе с молодыми артистами «Маяковки» сочинили эту историю специально для проекта «Театр в школе» Департамента культуры и Департамента образования и науки города Москвы. Герои трех новелл, основанных на интервью с координаторами поисково-спасательного отряда «ЛизаАлерт», – подростки в сложном стечении обстоятельств. Кто-то принимает решение уйти из дома, кто-то становится жертвой школьной травли или доверяет свою жизнь незнакомцу из социальных сетей. И спасительный пароль «Найден. Жив» прозвучит, увы, не про всех… «Этот спектакль – возможность поговорить с подростком о том, что заставляет его переживать, – комментирует Дмитрий Крестьянкин. – Именно поэтому следующий за сценическим показом живой разговор с инструктором школы «ЛизаАлерт» является обязательной частью замысла. Важно, чтобы на этот спектакль приходили подростки с родителями. С этого может начаться важный разговор внутри семьи, на который страшно решиться просто так».

В 2010 году в Театре музыки и драмы Стаса Намина состоялась мировая премьера мюзикла «Портрет Дориана Грея». Глубокий и многогранный смысл романа Оскара Уайльда предполагает столь же серьезную и многоплановую постановку. Оригинальная музыка американского композитора Рэнди Баузера с удивительными многоголосьями в хоровых ариях гармонично сочетается с полными изящных афоризмов драматическими сценами. Музыка, танец, драма и современная компьютерная анимация помогают воплотить на сцене прекрасный и полный парадоксов мир Оскара Уайльда. Юный и необыкновенно привлекательный Дориан Грей поддается всем искушениям, которые щедро предлагает ему жизнь, – но на его лице ни порок, ни годы не оставляют следа. В чем же его секрет и чем он заплатит за вечную юность? Мюзикл «Портрет Дориана Грея» – это красивый и мистический спектакль о смысле жизни и искусства, добре и зле, предательстве и любви.

Короткие встречи, выплывающие из тумана памяти: сумерки в гостиничном номере, серое купе, шумный трактир с пахнущими мылом скатертями, фонарь на бульваре, ночь с молниями в старом доме… Герои спектакля так же молоды, как и его авторы-сочинители, они с упоительным восторгом открывают в себе любовь. И чувство это, такое сильное и чистое, искупает собой все грехи и ошибки, преображает и грязный трактир, и серое купе, и маленький номер дешевой гостиницы. «…Разве бывает несчастная любовь? Разве самая скорбная в мире музыка не дает счастья?» Поэтически подробную бунинскую прозу молодые артисты Мастерской Петра Фоменко перенесли на сцену с большой нежностью. Через время и горе-любовь героев жива в памяти, в мелочах – как велит «всесильный бог деталей, всесильный бог любви»: узкое запястье, каблучки уткнувшейся в пол легкой обуви, запах его головы внутри картуза… Подробнее о спектакле – на сайте театра.

Спектакль вдохновлен рассказами Рэя Брэдбери из цикла «Марсианские хроники». Группа астронавтов впервые высаживается на Марс. Они настороженно ждут встречи с другой цивилизацией, но героям неожиданно приходится столкнуться с тем, к чему они совсем не готовы... Режиссер Кирилл Ковбас создает на малой сцене Театра Гоголя загадочный, опасный мир Красной планеты. Эффектный визуальный ряд, напоминающий кадры из фантастических фильмов, погружает в напряженную атмосферу. На Марсе каждому герою предстоит пройти через испытание, которое может полностью перевернуть его жизнь.

Это история о том, как в маленьком городе, изнывающем от жары, появляется странный незнакомец, объявляющий себя продавцом дождя. Жители маленького городка с недоверием относятся к чужаку, называя его шарлатаном, и только к концу истории они поймут, что продавец торгует не дождем, а верой в чудо и надеждой вопреки всему. Умная и тонкая, эта пьеса полна любви, добра и чудесного юмора. Благодаря сферическому пространству театра каждый зритель становится участником событий, развивающихся на сцене.

«Родина романтиков» – это уникальный музыкально-пластический спектакль, в котором хрупкая ностальгия встречается с энергией сегодняшнего дня. Постановка объединяет знаменитые песни советской эпохи и выразительный язык тела, чтобы рассказать историю поколения, чье детство и юность пришлись на время грандиозных надежд, открытий и тихой грусти, одновременно перекликаясь с сегодняшним днем. В спектакле не звучит прямое цитирование исторических событий. Вместо этого – чистая эмоция, зашифрованная в мелодиях, знакомых каждому с первых аккордов. Художественный замысел строится вокруг контрастов и перекрестков судеб. В партитуру спектакля вошли всенародно любимые хиты: «Прекрасное далеко»; «Вместе весело шагать»; «Московские окна»; «Девчата»; «Тишина за Рогожской заставою»; «До свидания, мальчики»; «С чего начинается родина»; «Как прекрасен этот мир»; «За окошком месяц май». Название «Родина романтиков» – это не географическая привязка, а состояние души, отражение культурного генетического кода. Это пространство, где еще верят в высокое, умеют дружить сердцем и чувствуют мир острее, наполняя его смыслами и любовью.

Действие пьесы, как, впрочем, и всех пьес Мольера, происходит во времена Людовика XIV, века роскоши и мотовства. Здесь все как положено в образцовой классической комедии характеров. Есть главный герой – Гарпагон, все помыслы которого направлены на то, как увеличить капитал. Ради этой цели все средства хороши. Детей нужно удачно пристроить, женить сына на богатой вдове, дочь лишить приданого и отдать замуж за богатого старика. А деньги спрятать в подвале, чтобы никто не украл. Но деньги, естественно, пропадают… Конечно, жадность и алчность главного героя – главные двигатели запутанного сюжета. Шкатулка с деньгами найдется, в обмен на ее возвращение Гарпагон разрешит детям выбрать спутников жизни по их разумению. Все, как и положено, закончится свадьбой двух влюбленных пар. Добро восторжествует. А порок, как принято в комедии, накажет сам себя.

Сюжет гоголевской комедии традиционно-фарсовый: нерешительных жених, предприимчивый друг, пугливая невеста… Вроде бы простая и житейская история сватовства, предполагающие плутовство, неразбериху и неизменную свадьбу в финале. Но как же далека от нее гоголевская пьеса – все в ней оказывается перевернутым, все наоборот: бытовая комедия оборачивается абсурдной буффонадой, нелепым карнавалом со смотринами женихов и жребием, который готова тянуть невеста, неспособная сделать выбор. Мечется по сцене бойкая прислуга, хлопочет суетливая сваха, то и дело вспыхивает магниевая вспышка: очередного жениха нужно запечатлеть с помощью новомодного устройства, дагерротипа, чтобы разборчивой невесте было ловчее «губы Никанора Ивановича да приставить к носу Ивана Кузьмича». Свою долю веселого безумия вносит и предприимчивая деятельность Кочкарева – энергичного, в восторге чувств переходящего на пятистопный ямб, а в порыве отчаяния (ну никак не уговорить друга жениться) – на торжественно-скорбный гекзаметр. Действие стремительно несется от одной шутки к другой, и кажется, вот-вот и будет свадьба. Но… услужливо появившееся из ниоткуда окошко не дает странной гоголевской истории завершиться желанным счастливым финалом.

«Сон в летнюю ночь» – спектакль-праздник, где в шекспировской сказке сплелись смешная и динамичная комедия с феями, фавнами и глубокий философский смысл, где есть место и злободневной шутке, и классической поэзии великого драматурга. Тезей хочет жениться на царице амазонок Ипполите. Но появляется Эгей и требует сочувствия: его дочь Гермия отказалась выходить замуж и сбежала с другим избранником. За беглецами гонятся. За теми, кто гонится за беглецами, тоже гонятся. Вот тут-то все и попадают в волшебный лес...

По мотивам пьесы Арбузова. Новая премьерная постановка Московского государственного театра «Ленком Марка Захарова» с народным артистом России Игорем Ивановичем Бочкиным и заслуженной артисткой России Олесей Владимировной Железняк. Классическая постановка в неклассической форме. Переплетение и взаимодействие непростых характеров, вечные вопросы взаимоотношений между ним и нею, любовь и разлука, нежность и непонимание – вся глубина человеческих взаимоотношений и вечная проблема выбора – что же будет, если...

Актер – бесконечно зависимая профессия и отчаянно свободолюбивый дар. Жизнь актера – заботы реальности, публика, быт, привычки. И любой, кто восхищается и боготворит талант, по сути, посягает на него, стремится овладеть им, употребить. «Таланты и поклонники» – первая работа Миндаугаса Карбаускиса в Театре Маяковского. В спектакле о судьбе актера и вечном выборе режиссер разворачивает удивительное концептуальное пространство. Основной игровой площадкой становится крутящаяся сцена как жизненный круг героев, из которого так тяжело вырваться. Эта условность, свойственная театру, воплощена в декорациях народного художника России Сергея Бархина. Главная героиня – актриса Негина – находится в центре разворачивающейся вокруг нее истории, в которой остальные герои стремятся также играть ведущую роль. Здесь все таланты. Каждый увлеченно исполняет собственный замысел. Какова логика отдельных сюжетов? Где находятся их исходные точки? Что значит раскрутить интригу и участвовать в ее последствиях? Кто запускает новый круг действия? Театр – собрание героев и событий, круговорот и взаимное обращение целей и самолюбий. Сознавая эту нерадостную правду, в Театре Маяковского тем не менее придерживаются романтических взглядов, основанных на преклонении перед силой и обаянием личности артиста. Постановка Миндаугаса Карбаускиса во многом посвящается талантам самой «Маяковки», его яркой труппе.

Говорят, за каждым великим мужчиной стоит великая женщина. Михаилу Афанасьевичу Булгакову повезло трижды, ибо за ним стояли три выдающиеся женщины. Про последнюю жену писателя, Елену Сергеевну Шиловскую, коей потомки бесконечно обязаны за то, что она сохранила для вечности литературное наследие мужа, знает практически каждый, кто интересуется творчеством писателя. Многим известна и его вторая жена – блистательно образованная, яркая, авантюрная Любовь Белозерская, которой он посвятил многие из своих произведений. Но первая жена, Татьяна Лаппа, прожившая с писателем 11 лет, наполненных бесконечными трудностями и лишениями, почему-то всегда оставалась в тени. А ведь не будь ее – кто знает, явился ли бы вообще миру писатель Михаил Булгаков. Трижды она спасала его из когтей смерти, безропотно делила с ним все тяготы трудных лет, была его ангелом-хранителем, сестрой милосердия, верным другом. Не было на свете ничего такого, чего бы скромная Тася – так звал ее Булгаков, – не сделала бы ради своего любимого. Почему же долгие годы после их расставания Булгаков старательно пытался забыть о ней? Почему нигде не находим в его записях даже упоминаний о Тасе? Может быть, потому, что тяжело вспоминать о тех людях, которым причинили боль? Но сама Тася не помнила зла, это история о настоящей, вечной любви. Как бы то ни было, спектакль – это дань уважения прекрасной, любящей всем сердцем женщине, Татьяне Николаевне Лаппа.