Государственный академический Большой театр России (Историческая сцена): афиша событий

Премьера этого балета состоялась 23 января (по ст. стилю) 1877 года в петербургском Большом (Каменном) театре. Либретто написал хореограф спектакля Мариус Петипа при участии балетного критика Сергея Худекова, музыку – Людвиг Минкус. Московская премьера очень успешного балета прошла лишь два с лишним десятилетия спустя, 25 января 1904 года. Постановка была осуществлена Александром Горским, на тот момент уже в течение нескольких лет служившим балетмейстером Большого театра. Горский, по обыкновению, сперва перенес на московскую сцену петербургский спектакль, а затем стал его активно перерабатывать и пополнять вставными номерами на музыку Александра Луиджини, Анри Франсуа Жозефа Вьентана, Эрнеста Гиро и других композиторов. В «Баядерке» хореографа особенно привлекало все, что было связано с Индией и ее культурой. Это в первую очередь праздничный дивертисмент на площади, для которого он сочинил новые танцы, далеко отошедшие от норм балетного театра XIX века. Редактуре подверглась и знаменитая картина «Тени». Из классического белого акта она превратилась в волшебное восточное видение.

«Семен Котко» – опера С. Прокофьева в пяти действиях, семи картинах. Либретто В. Катаева и композитора по повести В. Катаева «Я, сын трудового народа». Демобилизованный солдат Семен Котко, возвратившийся с фронта в родное село, становится участником борьбы с белогвардейцами и немецкими оккупантами, превращаясь в солдата революции. По яркости и выразительности интонационных характеристик героев «Семен Котко» даже в творчестве С. Прокофьева представляет явление исключительное. Превосходно выписан жанрово-бытовой фон, придающий действию необычайную жизненную достоверность. Картина бытового уклада села воссоздана с реалистической полнокровностью и юмором, позволяющими вспомнить Н. Гоголя. Действие постепенно переключается в драматический и трагедийный план, достигая кульминации в финале.

Свое самое крупное музыкальное сочинение известный русский композитор Александр Бородин писал почти 18 лет. Он выкраивал время на творчество, отвлекаясь от преподавания, публикации научных статей. Неудивительно, что опера осталась незавершенной, хотя отрывки из нее исполнялись при жизни автора. У Бородина был сценарный план, но не было готового либретто. Композитор сам адаптировал «Слово о полку Игореве», сочиняя музыкальный и поэтический текст почти одновременно. Попутно им изучались другие источники о взаимоотношениях Древней Руси и степи, о княжеских междоусобицах, о походах, битвах и сотрудничестве князя Игоря и половецких ханов. Разделяя увлечения своих товарищей по кружку «Могучая кучка» европейскими тенденциями в музыке, он стремился насытить мелодику специфически русскими интонациями и восточными мотивами. «Князь Игорь» – опера о столкновении двух культур, о страданиях людей, вовлеченных в войну, о русской смуте, предательстве и измене, о любви и преданности. Здесь провожают близких на битву, томятся неизвестностью, оплакивают тех, кто не вернулся. Однако Бородин рисует мир не черно-белым, а многогранным и сложным.

Гастроли Мариинского театра. «Хованщина» по своему сюжету и самобытности музыки – одна из самых «русских» опер. Композитор определил ее жанр как народную музыкальную драму. Спектакль – череда исторических эскизов, на которых изображены судьбы реальных исторических и вымышленных персонажей. На этих эскизах особое место занимает русский народ. В опере выведены разнообразные русские типажи, но красной нитью проходит тема «злосчастной Руси страдалицы»… Мусоргский приступил к сочинению своего грандиозного исторического произведения в 1872 году, именно в тот период, когда интерес к отечественной истории был как никогда велик. В сюжете оперы переплетены исторические события, произошедшие между стрелецким бунтом 1682 года и окончательным утверждением у власти царя Петра Алексеевича. Русский народ оказывается раздираем необходимостью выбора своего цивилизационного пути, спором о старой и новой вере, мучим извечными вопросами «кто виноват» и «что делать». Любой исход спора, как и любой ответ на вопрос оказывается для Руси роковым. «Хованщина» – неисчерпаемая палитра из буйных красок, яростно обрушивающая на зрителя всю свою мощь и приковывающая внимание к сцене от начала и до самого конца оперы. Модест Мусоргский вложил в музыку всю самобытность, уверенными мазками отразив в звучании как беснующуюся толпу, так и мудрое спокойствие посреди бушующих страстей.

«Турандот» – опера Джакомо Пуччини в трех действиях (пяти картинах), написанная по одноименной пьесе Карло Гоцци. Идея создания оперы на сюжет итальянской сказки родилась у Джакомо Пуччини в 1919 году под влиянием впечатления от драматического спектакля. Композитор умер в 1924 году, не успев завершить работу над оперой, и в дальнейшем все представления «Турандот» завершались заключительным дуэтом и финалом, написанными учеником Джакомо Пуччини на основе черновиков автора. Сюжет оперы строится вокруг истории любви жестокой принцессы Турандот и принца Калафа. Как и в сказке Карло Гоцци, Турандот испытывает всех претендентов в женихи, загадывая им три загадки с условием, что отгадавший получит Турандот в жены, а ответивший неверно будет казнен. После ряда перипетий Калаф отгадывает загадки и получает Турандот, наконец уступившую силе чувства.

Большой театр в честь 100-летия со дня рождения Майи Плисецкой представляет оперу Родиона Щедрина «Мертвые души». Капитальное возобновление легендарного спектакля Бориса Покровского осуществила постановочная команда во главе с музыкальным руководителем постановки Валерием Гергиевым и режиссером Ксенией Шостакович. Родион Щедрин почувствовал в творчестве Гоголя и смог передать на сцене образ страны, с ее безграничными просторами и человеческими душами. Он ввел хор и женские народные голоса в оркестр и «прослоил» партитуру лирическим мотивом дороги. «Мертвые души» Гоголя были абсолютно созвучны дарованию Щедрина, его умению создать выпуклые образы, меткие и порой полные юмора характеристики и его чувству музыкальной драматургии.

Большой театр показывает на Исторической сцене программу одноактных балетов «Петрушка», «Шехеразада» и «Жар-птица» Андриса Лиепы. Мотивы русских и арабских сказок переплетаются в едином красочном действе. Оригинальная музыка Игоря Стравинского и Николая Римского-Корсакова. Выдающийся балетмейстер Андрис Лиепа работает с балетами дягилевского наследия в различных театрах уже более 30 лет и много лет занимается возобновлением и реставрацией шедевров русского балетного Серебряного века. Для версии Большого театра характерны феерическая зрелищность, яркость и сочность красок, а главное, настоящая театральная жизнь творений прошлого на сцене сегодняшнего дня.

Работая над балетом «Иван Грозный», хореограф Юрий Григорович использовал музыку Сергея Прокофьева и воплощал на сцене тему из русской жизни. Партитура балета собрана из фрагментов музыки Сергея Прокофьева к одноименному фильму Сергея Эйзенштейна и других произведений композитора. Декорации и костюмы, вдохновленные древнерусской архитектурой и изобразительным искусством, созданы постоянным соавтором хореографа, театральным художником Симоном Вирсаладзе. Либретто не имеет никакой литературной первоосновы, оно написано самим хореографом. В драматургии спектакля история смыкается с преданием. Сюжет балета отмечает вехи в жизни героев и государства: венчание Ивана на царство, смотрины и свадьба с Анастасией, победа над иноземцами, болезнь, боярский заговор, Опричнина. Реальные действующие лица (группы бояр, народа, опричников, врагов) соседствуют с аллегорическими фигурами Ликов смерти, Вестников победы. Спектакль ведет шестерка Звонарей, предвосхищающих праздничными перезвонами и трагическим набатом очередной поворот судьбы в жизни героев.

«Дочь фараона» стала первым большим балетом Мариуса Петипа. Премьера прошла 18 января 1862 года в Большом (Каменном) театре г. Санкт-Петербурга. В 1864 году хореограф перенес спектакль в Москву, на сцену Большого театра. В 1905 году новую постановку «Дочери фараона» осуществил Александр Горский. В 2000-м к «Дочери фараона» обратился Пьер Лакотт. Его вариант, опирающийся на оригинальное либретто, идет в театре сегодня. Сценарий балета, сочиненный Петипа в соавторстве с французским драматургом Жюлем-Анри Вернуа де Сен-Жоржем, использовал мотивы «Романа мумии» Теофиля Готье. Музыку написал итальянский композитор Цезарь Пуни, на чьем счету в общей сложности более 300 балетных партитур.

Основой для оперы М. Глинки становится поэма А. Пушкина. Декорации созданы по эскизам знаменитого художника-импрессиониста К. Коровина, хореография была поставлена М. Фокиным. Во времена Киевской Руси князь Владимир выдает свою дочь Людмилу замуж за Руслана. Но Черномор, злой волшебник, похищает девушку. Теперь Руслану необходимо спасать возлюбленную. И в поэме А. Пушкина, и в опере М. Глинки краеугольным камнем становится любовь. Томление и страсть, восторг и тоска – все оттенки любви вылились в музыку «Руслана и Людмилы». И если любовь настоящая, то никакие препятствия не в состоянии ей помешать.