Афиша театров Москвы на 3 декабря 2026

Это не хрестоматийный пересказ давно знакомого сюжета, а яркое, озорное и по-настоящему театральное приключение, где классика дышит, смеётся, поёт и колдует. На сцене — перчаточные куклы. Они и богатыри, и волшебники, они сражаются и влюбляются, пугают и смешат. И всё это под живую музыку, которая становится ещё одним героем — то эпическим, то ироничным, то нежным. И главное — сам Пушкин. Не солидный литератор с портрета в школьном кабинете, а молодой стихотворец, увлечённо сочиняющий эту историю.  Он — рассказчик и проводник, рядом с которым не страшно заблудиться в сказке. Он ведёт зрителя через волшебную Русь, битвы, чудеса и любовь. Наше Лукоморье для всей семьи: и для тех, кто только знакомится с Пушкиным, и для тех, кто думает, что знает его наизусть.

В Государственном музее обороны Москвы состоится спектакль Театра полифонической драмы «Чистый понедельник» – театральное действие по психологическому рассказу великого русского классика, нобелевского лауреата Ивана Бунина. Дочь купца уходит в монастырь, оставляя роскошь, рестораны, богемные вечеринки и даже жениха. Девушка ищет смысл жизни, определение любви и чувства родины. Этот спектакль не столько о плотской любви, а скорее о страсти дикой, о душе мечущейся к возвышенному. Сюжет развивает проблемы противоположности в душе, сотканной из противоречий, без имени и возраста – он и она. С одной стороны, она любит роскошь, светскую жизнь, а с другой – тяготеет к иному, святому, запредельному. Режиссер спектакля – заслуженный артист РФ А.Н.Гуков.

Музыкальный спектакль «Горько!» в афише театра появился совсем недавно, но уже успел стать любимцем зрителей. Ведь театралам прекрасно известно: если комедию ставит известный российский режиссер Роман Самгин – надо быть готовым смеяться много и подолгу, порой до приступов дикого хохота! Идея объединить в один вечер два самых известных «свадебных рассказа» Чехова и Зощенко принадлежит художественному руководителю театра Надежде Бабкиной. А блестяще подобранный актерский состав гарантирует – смешного в этом спектакле будет много! Ведь на сцене в этот вечер – любимые комедийные актеры Олеся Железняк, Алексей Маклаков, Андрей Кайков, Сергей Никоненко, Ольга Прокофьева, Иван Замотаев, Юрий Катаев, а также Алексей Ягудин, Надежда Бабкина и артисты театра «Русская песня».

Лев Николаевич Толстой – один из ключевых авторов русской литературы, но изучение его произведений в школе редко бывает для учеников радостью. Величина и глубина текстов пугают. А необходимость писать сочинения на отметку часто лишает чтение личностных отношений с автором. Артисты решили взять трилогию Льва Толстого «Детство. Отрочество. Юность» и проверить, какие темы в ней звучат актуально. Еще было интересно, может ли проза Толстого войти в диалог с произведениями современного искусства, созданными на ту же тему. И, как всегда, зрители будут не только слушателями, но и участниками читки. Они смогут поразмышлять не только над прозой классика русской литературы, но и над визуальными и музыкальными образами сегодняшней культуры, над проблемами бытия, которые всех начинают волновать в отрочестве.

Постановка приурочена к 80-летию Великой Победы. Смыслы, заложенные в тексте советского драматурга Ивана Стаднюка, режиссер-постановщик Ирина Михайленко, победительница режиссерской лаборатории в Малом театре, раскрывает через символические образы. Война переплетает судьбы, лишает человека мира в душе, ставит каждого перед выбором, заставляет задуматься, как не потерять себя, спасая других. В белых палатках полевых госпиталей военные медики борются за жизни воинов, а параллельно разворачивается другое поле битвы – в сердцах людей. «Важно понять другого человека и даже оправдать. Главное, чтобы мы помнили, что были такие люди, что они достойно сражались и тоже переживали, что у них не все всегда получалось. И, несмотря на то, что их уже сегодня нет среди нас, осталась память о них. Этот спектакль о войне. Но в первую очередь он о людях, которые столкнулись с ужасами Великой Отечественной войны», – режиссер-постановщик Ирина Михайленко.

Как актуальны события, описанные Островским в 1870 году! Прошло 150 лет, а богатые дамы по-прежнему влюбляются в юношей и разоряются. Служители искусства, тем более театрального, по-прежнему нуждаются, и девушкам, чтобы выйти замуж за богатого отпрыска, нужно иметь какое-то приданое от богатых родственников. Вечные ценности – семья, любовь, дружба, преданность – все имеет свою цену. В скитаниях по России встречаются трагик Несчастливцев и комик Счастливцев. Волею случая они оказываются недалеко от имения Гурмыжской, тетки Несчастливцева. А там все смешалось – тетка собирается замуж за юнца, сосед выгадывает, как подешевле скупить теткин лес, племянница-бесприданница, не надеясь на счастливое замужество, собирается топиться, а гимназист-недоучка готов жениться, чтобы обеспечить свое будущее. И в этом водовороте событий только нищие актеры умеют по-настоящему сопереживать ближнему.

По мотивам одноименной повести А. Пушкина. На сцене развернется романтическая история о любви и вражде, о дружбе и предательстве, о людских страстях и судьбах. Зрители увидят историю молодого дворянина Владимира Дубровского, который вынужден стать разбойником, чтобы отомстить за несправедливость, постигшую его отца. Спектакль погрузит зрителей в атмосферу России начала XIX века, времени дворянских усадеб, крепостного права и разбойничьих шаек, где развернется захватывающий сюжет, наполненный интригами, романтикой и приключениями. Режиссер стремится показать актуальность пушкинских тем и образов для современного зрителя. Вечные вопросы чести, долга, справедливости, любви и предательства звучат в спектакле остро и злободневно. Композитор – заслуженный деятель искусств России К. Брейтбург. Автор либретто и стихов – К. Кавалерян. Режиссер-постановщик и балетмейстер – заслуженный деятель искусств России Н. Андросов. Дирижер-постановщик – заслуженный артист России В. Янковский. Музыкальный руководитель и супервайзер проекта – В. Брейтбург. Премьера состоялась 23 сентября 2022 года.

Комедийный мюзикл, в котором курортный городок Причерноморск 1987 года встречается с атмосферой звездного Сан-Ремо и настроением лучших кинокомедий Гайдая, Рязанова и Данелии. Чтобы впечатлить девушку, безнадежно влюбленный Дима обещает привезти на День города главную итальянскую суперзвезду – и запускает череду невероятных событий, которые станут для героев судьбоносными. В спектакле звучат 20 мегахитов Адриано Челентано, Тото Кутуньо, Джо Дассена и Мирей Матье, а узнаваемые приметы эпохи создают живое ощущение времени, когда все было проще и понятнее.

Авторы оригинальной постановки Эмиель Глэдстоун и Веда Хилль, никогда не бывавшие в России, взялись за перевод «Евгения Онегина» Пушкина на английский, а Театр на Таганке теперь переводит канадский мюзикл обратно, на русский. Онегин Франдетти станет первым спектаклем на новой, по сути, исторической, сцене объединенного Театра на Таганке, в котором сыграют актеры вновь единой труппы. Через хулиганство и юмор, живое перевоплощение актеров в персонажей прямо на сцене, автор постановки раскроет тот вечный и актуальный смысл романа Пушкина. Онегин в постановке Франдетти поднимает все те же пушкинские вопросы: выбирать разумом или сердцем, идти на риск или принять навязанные обществом стандарты, доверять другим или верить в себя? Через призму великих текстов Пушкина, музыку Чайковского, уникальную сценографию и авторское прочтение оригинальной постановки, зритель погрузится в мир собственных чувств и эмоций, раскроет глубокую суть достоинств и пороков главных героев. Пришло время сопоставить, что есть реальность, а что – мечты.

«Иоланта» – последняя опера П. Чайковского, написанная на либретто М. Чайковского по драме Г. Герца «Дочь короля Рене». Это одна из самых репертуарных опер в русской музыке. «Иоланта» очень любима и певцами, и зрителями. Написана почти для камерного состава с соблюдением всех канонов драматургии классицизма, мелодии поразительно красивы. Трогательная история слепой Иоланты, исцелившейся благодаря любви, заключает в себе большую гуманистическую мысль. Только любовь и сострадание зажигают в сердце девушки страстное желание увидеть мир, рождают готовность к самопожертвованию. Опера воспринимается как восторженный, лучезарный гимн любви, открывающей лучшие стороны человеческой души. Г. Вишневская называла «Иоланту» «гениальной оперой, произведением подлинного мастера, концентрацией всего того, что он знал и умел. Музыка оперы – божественная, удивительная, в ней нежность и страдание, а сюжет ее позволяет проникнуть в самые глубины человеческого духа».

Сюжет оперетты основан на французском романе Анри Мюрже «Сцены из жизни богемы» и рассказывает об амбициозных и талантливых молодых людях – музыканте Марселе, скульпторе Рауле и поэте Анри, живущих в крошечной мансарде на Монмартре и мечтающих о славе и любви. Рауль разрывается в своих чувствах к натурщице Мадлен, которая жаждет стать не музой бедного художника, а успешной актрисой, и к юной продавщице цветов Виолетте. Анри и Марсель грезят о постановке своей оперетты. Зрители услышат не только знаменитую «Карамболину», но и познакомятся с номерами из спектакля, который сочиняют герои. За основу постановки театр взял классический сюжет, но расставил современные акценты.

Nirvana – яркий, захватывающий и страстный рассказ о музыканте-легенде Курте Кобейне, его таланте и пути к славе... Это живая и глубокая история об истинной цене признания и важности выбора, колоссальной силе и очевидной беспомощности перед злом, которые дает обычному человеку талант. Курт Кобейн, огненная Кортни Лав, их трогательная и пронзительная любовь, а также коварный искуситель Драг в сочетании с драйвовой рок-музыкой и неожиданными режиссерскими решениями запомнятся зрителям надолго. Зрителей ждут драйв, рок-н-ролл, острые диалоги и яркие образы, а также невероятные режиссерские решения!

Одна из самых магических ночей в году, торжество и разгул всех темных сил, Вальпургиева ночь (с 30 апреля на 1 мая) вдохновила писателя Венедикта Ерофеева на создание одноименной и единственной законченной им пьесы. Время действия – закат эпохи СССР. Место действия – «психушка», куда попадает главный герой спектакля – алкоголик Гуревич. Сюжет «Вальпургиевой ночи» навеян воспоминаниями Венедикта Ерофеева о пребывании в «Кащенко». По иронии судьбы, тогда накануне Первомая в клинике был устроен танцевальный вечер, участниками которого стали пациенты женского и мужского отделений. Пир во время чумы, безудержное веселье накануне гибели всех и вся… Громкий хохот гротеска и высокое страдание античной трагедии – сюжет пьесы удивительным образом выходит за временные рамки и оказывается ультраактуальным.

Уходит поколение Раневской и Гаева, старых русских дворян, сентиментальных и непрактичных. Они должны уступить дорогу деловому напору Лопахиных. Этот спектакль, поставленный Игорем Ильинским в 1982 году, стал важным этапом в жизни Малого театра, который лишь во второй половине XX века вплотную приблизился к драматургии Антона Павловича Чехова. Сменилось не одно поколение артистов, участвовавших в этой постановке, но она и по сей день хранит свежесть и ясность режиссёрского замысла. Спектакль возобновлен народным артистом СССР Юрием Соломиным.

Это остроумная фантазия на тему биографии Уильяма Шекспира. В постановке молодой драматург обретает потерянное вдохновение благодаря внезапной любви и создает один из самых главных своих шедевров – трагедию «Ромео и Джульетта». Озорная и грустная история о людях эпохи Возрождения, которые превыше всего ценят честь и достоинство, верят в дружбу и братство и готовы сражаться насмерть ради своей любви. Премия «Хрустальная Турандот» в номинации «Лучшая режиссерская работа» (Евгений Писарев), премия «Звезда театрала» в номинации «Лучший режиссер» (Евгений Писарев), премия Союза театральных деятелей РФ «Гвоздь сезона».

В глубокой и сложной постановке почти шепотом ведется разговор о великой тайне жизни, о том, что все кончается не тогда, когда приходит смерть. Все будет кончено, когда уйдет любовь. Герои этой пьесы, как в камере смертников, каждый – наедине с собой, беспощадно погружаются в себя, до основания, до опустошения, в поисках утраченного счастья, в поисках утраченного времени, вместо того, чтобы услышать другого. Вместо того, чтобы полюбить другого, пусть даже «своего палача», того, кто говорит, что пора умирать.

Художественный руководитель театра М. Розовский вновь обращается к отечественной классике. На сцене театра – трагикомедия «Горе без ума», сценическая редакция бессмертного шедевра российской словесности. Комедия в стихах «Горе от ума» А. Грибоедова чрезвычайно злободневна: в центре – конфликт общества и личности, противостояние чести и подхалимства, любви и пошлости, верности и предательства. Критический взгляд на состояние современного мира усиливают используемые Розовским в постановке фрагменты переписки А. Пушкина с П. Чаадаевым.

Постановку на сцене можно было увидеть в разные годы. В пьесе образ цыганки Грушеньки, любящей, трепетной и бескомпромиссной, нравственной силой затмевает главных героев – Князя и Голована, на противопоставлении которых и строится сюжетная канва. Красавец Князь и русский лошадник Голован в трактире, где выступает цыганский хор, встретили и полюбили жемчужину хора – юную Грушеньку. Только один – «на час», а другой – на всю жизнь. То хрупкая и беззащитная, то страстная и непреклонная, она погибает от своей любви, когда наскучит Князю своей робкой нежностью и безудержной страстью. Особое место в пьесе занимают сцены реконструкции легендарного цыганского хора. Именно хоровые традиции являются основой различных жанров цыганского искусства. Исполнение забытых и хорошо известных произведений познакомит зрителей с многоплановостью этого интересного жанра, а счастливое страдание цыганской песни проникнет в самые глубины души. Постановка остается актуальной и сегодня, знакомит зрителей с истоками цыганского искусства на основе одного из классических литературных произведений. Молодые артисты театра, создавая запоминающиеся образы, продолжают традиции своих легендарных предшественников.

Сценическая редакция Александра Вилькина в духе commedia dell’arte по комедии У. Шекспира «Двенадцатая ночь, или Как вам будет угодно» и его сонетам. Сюжет о любовных приключениях двух близнецов – Виолы и Себастьяна, потерявших друг друга в кораблекрушении и оказавшихся в Иллирии, которой правит герцог Орсино, пылающий страстью к гордой Оливии. Так возникает любовный треугольник Орсино – Виола – Оливия, который разрешается с появлением Себастьяна. Комедия положений с переодеваниями, розыгрышами, с карнавальными шутками и импровизацией.

Классическая постановка по одноименной пьесе великого классика Николая Гоголя расскажет о ложном представлении о счастье. С одной стороны, это комедия, фарс, анекдот, абсурд. С другой – драма одиноких, несостоятельных людей. Самое страшное и неестественное состояние человека – одиночество, и к нему ведут браки без ответственности и любви или браки по расчету. Именно о таких несчастливых, но очень забавных и смешных людях эта история. Персонажи, созданные в пьесе, многогранны и очень реалистичны. Желая найти свой выдуманный идеал, герои не задумываются, что главное в семейной жизни – это любовь. «Николай Васильевич Гоголь работал над пьесой девять лет, менял фабулу, название (первое название пьесы – «Женихи»), выверял фразы и даже слова, поэтому бережно относимся к тексту автора, ничего в нем не меняя, – делится режиссер Владимир Маковский. – Спектакль будет остроумным, немного хулиганским, с яркими образами персонажей».

Это знаковый спектакль Юго-Запада, ведь именно с него началась вся история. Зритель увидит обновленную версию спектакля – в главных ролях теперь будет блистать молодое поколение, недавно пришедшее в театр, но уже доказавшее свой талант. Этот спектакль старше театра. Валерий Белякович поставил его на сцене клуба в Мещерском еще в 1974 году, а театр на Юго-Западе организовал в 1977 году. «Восстановленный в 1999 году «юго-западный» спектакль представляет собой ярчайшую феерию на грани клоунады времен НЭПа с отголосками комедии дель арте в шутовских костюмах и гриме и с чарличаплиновскими киношными гэгами. Веселый эклектический замес, на фундаменте которого вырастает истинная радость для глаз и души».

Этот спектакль – диалог о любви. Она – Марина Цветаева, он – Джакомо Казанова, знаменитый авантюрист, а также персонаж ее пьес. Фигура легендарного покорителя женских сердец перекликается с фигурой самой писательницы, с ее размышлениями о природе страсти. В основе спектакля – драматические произведения «Приключение» и «Феникс», а также дневники и заметки Цветаевой, написанные в 1918-1919 годах. В эти суровые дни, когда на улицах царят грабеж и беззаконие, Марина Цветаева живет на чердаке с двумя детьми, лишенная опоры, без мужа, без работы. И в этот же период Цветаева пишет красивую историю любви в стихах про Казанову. В контрастном соединении биографических фактов писателя и ее поэзии рождается главная мысль спектакля о том, что творчество способно сохранить человека в самые трудные времена. Режиссер Эльдар Трамов: «В непростые периоды истории человек нуждается в опоре. Такой опорой может стать любовь к семье, любовь к человеку, доброта. Также такой опорой может стать реализация себя через творчество, когда человек что-то создает, несмотря на то что жизнь вокруг полна сложностей. Наш спектакль – о том, что творчество способно дать человеку возможность и силу жить, созидать и сопротивляться тому, что лишает нас веры в человека».

Кто зарубил старушку-процентщицу и ее сестру Лизавету? И зачем? Дверь за собой притворить забыл, а убил. Да и денег взять не сумел, а что взял, и то под камень снес… Что-то не дает покоя следователю Порфирию Петровичу, хотя вот преступник – Миколка – сам пришел и во всем повинился. А дело все же сложное, запутанное, дело философское, не одного Миколки преступление… Шесть сцен, два убийства и одна теория – расследование, превратившееся в исследование собственной души. Каждый здесь предстанет перед судом совести, и по счетам платить придется всем без исключения. Герои Ф. М. Достоевского соберутся в кабаке, чтобы разгадать загадку преступления и своей вины. Какой уж тут Миколка!

Уильям Шекспир – один из величайших мистификаторов в истории. Начиная с того, что многие думают, будто никакого Шекспира не существовало вовсе. Через эту драматургию уже больше четырехсот лет каждое поколение понимает и осмысляет само себя. Король, добровольно отдающий власть и дробящий свое королевство, заслуживает логичного вердикта: он безумен. Отец, который доверяет своим дочерям и надеется на то, что они позаботятся о нем, – разве он сумасшедший? Лир верит не истинным чувствам, а сладким льстивым речам. Но если мы будем откровенны: только ли в пьесах встречается подобный обман и разве не каждый человек желает, чтобы его хвалили? Мнимые друзья и мнимые враги. Мир изменился, стал зыбким. В космической сценографии Максима Обрезкова Луна подошла вплотную к Земле, она сводит с ума и пробуждает оборотней. Мотив искажения, тема перевертыша пронизывает спектакль Юрия Бутусова. Совсем четко и буквально: зрячие герои видят гораздо меньше, чем ослепленный Глостер, на руках будущих убийц проступает кровь, королевская корона напоминает дурацкий колпак… Юрий Бутусов: «Я думаю, сейчас время Шекспира, время потерь, потрясений, колоссальных изменений в технике, рождения новых «звуков», «смыслов», новая Буря…».

«Пьесу следует играть очень воодушевленно» – вот первая ремарка этой оптимистичной комедии, редко ставящейся в театрах. Речь в ней идет об абсолютно прекрасном человеке Васе Листикове, который не теряет радости жизни, несмотря на то, что окружающие бессовестно пользуются его добротой: жена уходит к лучшему другу и выгоняет Васю из его же собственной квартиры, отец не хочет, чтобы Вася возвращался в родительский дом, а тот самый лучший друг собирается обнародовать их с Васей совместные разработки под своим именем… Режиссер Филипп Гуревич усиливает абсурдистскую интонацию пьесы и почти лишает ее советского антуража: комедия «Мое загляденье» написана в 1969 году, после оттепели (поэтому ее жизнерадостная бравурность граничит с издевкой), но в интерпретации режиссера эта история стала вневременной. Филипп Гуревич: «Кажется, такой истории не может произойти в реальной жизни. И главный герой Алексея Арбузова – это какой-то мечтатель и неудачник. Будто его поведение – маска. Если встретишь такого в реальности, он будет неимоверно раздражать, его захочется разоблачить и упрекнуть в неискренности. Но его терпимость и безграничная доброта разоружают, и ты уже не способен обижать, эгоистично чего-то требовать. Интересно соотнести себя нынешнего с таким забытым текстом из советском прошлого. Настроить диалог со зрителем через бескомпромиссную наивность и доброту. Хочется утопически верить, что доброта спасет мир».

Семилетний Федя растет с бабушкой, ходит в школу и пишет письмо Деду Морозу, а еще пытается разобраться в устройстве мира, рассуждает о Боге и смысле жизни, хочет завести собаку. Но его главная мечта – доехать до мамы с папой, которые в вечной командировке строят Град Небесный. Юрий Печенежский обратился к парадоксальному роману Александры Николаенко о детстве и взрослении. Рассудительный и любопытным мальчуган с пытливым умом вглядывается в окружающий его мир и пытается понять, что остается от человека после смерти и можно ли вернуть ушедших родных. Спектакль складывается из коротких ироничных сценок-диалогов между бабушкой и внуком. В процессе постижения мира Федя не устает задавать вопросы, ненароком бьет чашки, путает созвучные слова и забавно рассуждает, какую девочку позвать в кино. Вместе с юмором истории пронизывает забота двух одиноких людей друг о друге: мальчик и бабушка вместе переживают потери и страхи, стараясь сделать жизнь светлей и продолжая любить этот мир во всех его противоречиях. Заявка проекта была отобрана на питчинг «Мастерской Брусникина» в 2025 г. Эскиз будущего спектакля был показан в «Практике» в 20-й день рождения. Выпуская его полную версию, театр продолжает искать сценические воплощения для современной литературы.

Блистательный спектакль выпускников одного из лучших театральных вузов мира – Театрального института имени Бориса Щукина – по одноименной повести Джона Стейнбека. У пары приятелей Джорджа и Ленни, на первый взгляд, нет ничего общего, кроме того, что они вместе ищут работу и мечтают о независимой обеспеченной жизни. Им надоело гнуть спину на чужого дядю; собственная ферма, где они будут разводить кроликов и весело безбедно жить, – мечта-мираж, сколь утопическая, столь и заманчивая. Ради нее стоит рискнуть всем. По крайней мере, попытаться! Пронзительная история о выборе и чести, об одиночестве и о мечте, о суровом мире и хрупком сердце, о настоящей дружбе и об истинном гуманизме ставит вопросы, на которые герои Джона Стейнбека пытались найти ответ век назад и которые все так же актуальны сегодня.

Зрителей посадят на деревянную веранду, куда сквозь льняные шторы будет проглядывать летнее солнце. Тургеневские барышни будут спасаться от палящего зноя изящными шляпками с широкими полями, кружевными зонтиками, домашним мороженым и холодной водой из ручья, протекающего прямо посреди сцены. Аккомпанементом пению птиц станут романсы Бетховена. Именно в этот русский оазис, в этот дом, дышащий теплом и уютом, где совсем не хочется говорить ни о политике, ни об общественных воззрениях, и приезжает в мае 1859 года Аркадий Кирсанов вместе со своим другом Базаровым...

Есть секрет. Овладев им, человек больше никогда не будет ни в чем нуждаться. Заманчиво? Для героев «Пиковой дамы» обладание таким секретом становится наваждением. Они жаждут денег, хотят быть независимыми и верят, что им все по плечу. Но у всего есть своя цена, если вовремя не остановиться, это может привести к фатальным последствиям. На сцене сплетаются триллер, нуар, комедия и драма, сопровождаемые специально созданным музыкальным кодом в стиле электро-рока на стихи Александра Пушкина. «Пиковая дама – это поле для фантасмагории, поле для поиска. Это мир, в котором переплетаются обыденность и мистический злой рок. В творческом поиске мы создали новый оригинальный текст, где впервые оживают такие персонажи, как Тройка, Семерка и Туз – три маленьких чертика. Они словно проводники между миром реальным и миром, где правит Пиковая Дама», – говорит режиссер Денис Азаров.

«Самое прекрасное, что есть в мире, – это живое сердце человека. Его способность любить, верить, прощать, жертвовать всем ради любви – прекрасна», – Василий Гроссман. Предсмертное письмо матери к сыну. Последнее письмо сына к матери, письмо – ответ 20 лет спустя… В композицию вошли письмо матери из романа «Жизнь и судьба» и подлинное письмо Василия Гроссмана, написанное им матери спустя 20 лет после ее смерти. Спектакль являет собой продолжение удивительной судьбы одного из самых масштабных и самых честных произведений сталинской эпохи. Как известно, роман был арестован и уничтожен. Единственная чудом сохранившаяся рукопись была опубликована через 20 лет после смерти автора, как и его письмо, найденное в архивах в конце 60-х.

Короткие встречи, выплывающие из тумана памяти: сумерки в гостиничном номере, серое купе, шумный трактир с пахнущими мылом скатертями, фонарь на бульваре, ночь с молниями в старом доме… Герои спектакля так же молоды, как и его авторы-сочинители, они с упоительным восторгом открывают в себе любовь. И чувство это, такое сильное и чистое, искупает собой все грехи и ошибки, преображает и грязный трактир, и серое купе, и маленький номер дешевой гостиницы. «…Разве бывает несчастная любовь? Разве самая скорбная в мире музыка не дает счастья?» Поэтически подробную бунинскую прозу молодые артисты Мастерской Петра Фоменко перенесли на сцену с большой нежностью. Через время и горе-любовь героев жива в памяти, в мелочах – как велит «всесильный бог деталей, всесильный бог любви»: узкое запястье, каблучки уткнувшейся в пол легкой обуви, запах его головы внутри картуза… Подробнее о спектакле – на сайте театра.

Серый и туманный Лондон непредсказуем, случиться в нем может всякое. Нищий мальчишка, случайно попавший в королевский дворец, может оказаться на троне. Конечно, если он очень похож на наследного принца. Казалось бы, простая забава – поменяться местами с принцем – на деле оборачивается непредсказуемыми последствиями. Спектакль открыл новую страницу в творчестве Терезы Дуровой и ее команды – обращение к традициям национальных музыкальных культур. В «Принце и нищем» звучит средневековая английская и немецкая музыка, исполняемая оркестром на старинных инструментах (арфа-доппиа, смычковая псалтирь, колесная лира, крумхорн, раушпфайф, бузуки, бойран, ландскнехтский барабан), некоторые из которых являются музейными экспонатами.

Спектакль «Прошлогодний снег» – первая часть дилогии «Прозрачное солнце осени» в постановке народного артиста России Александра Коршунова. «Прошлогодний снег» – как четыре точки на карте человеческой жизни, где прошлое то отпускает, то возвращается одним точным движением памяти. Это четыре «линии жизни»: любовь, выбор, утраты и то, что остается с человеком «после». Это разные интонации, но общий нерв – честный разговор о любви, времени, об утрате и ответственности за сделанное и несделанное. Здесь встречаются три автора – Юрий Казаков («На полустанке»), Юрий Домбровский («Прошлогодний снег») и Юрий Трифонов («Неоконченный холст», «Прозрачное солнце осени»). Дилогия выросла из постановки «Прозрачное солнце осени», которая стала лауреатом международной театральной премии «Звезда театрала» в 2024 г. в номинации «Лучший спектакль. Малая форма».

«Р. Р. Р.» – это инициалы главного героя романа Достоевского «Преступление и наказание». В своей авторской постановке режиссер спектакля Юрий Еремин предлагает новое сценическое прочтение романа, раскрывает сложный мир героев Достоевского, обостряя психологическую мотивацию их поступков. Яркое, динамичное действие позволяет зрителю вместе с Родионом Романовичем Раскольниковым пройти непростым путем нравственных исканий и духовного познания и соприкоснуться с вечными ценностям русской классики. Стильные и изящные декорации, красочное световое и музыкальное оформление спектакля «Р. Р. Р.» служат не только фоном действия, но и несут громадную смысловую нагрузку, помогая великолепному ансамблю артистов раскрывать сложный мир героев Достоевского, психологическую мотивацию их поступков.

Сценическая редакция театра. Перевод В. Соловьева. «Сирано де Бержерак» в «Сатириконе» – это фантазия вокруг героической комедии Э. Ростана, созданная К. Райкиным и молодой командой театра. История оторвана от какого-либо времени и погружает в мир поэта, его оригинальных идей, одаренности, авторского восприятия жизни. Главный герой – как известно, человек с огромным носом, над которым все посмеиваются, и несгибаемыми принципами – наделен комплексом по отношению к себе. Но он великолепно владеет шпагой, и с ним невозможно соперничать. Отъявленный дуэлянт, экстремальный романтик, благородный поэт – он не хочет перешагнуть через себя ни в карьере, ни в любви. В каких обстоятельствах вы пребываете сегодня, когда вы верны себе? Артисты попробуют убрать из этой очень романтичной для нашего времени истории все опасности для фальши, прибавят долю психологизма и посмотрят, есть ли у Сирано хоть малейший шанс на успех и счастье. К. Райкин: «Мы делаем спектакль про человека, который живет из себя: так, как видит мир. Он гениальный поэт, он драчун, смельчак и может остановить спектакль и выйти один против всего зала, и при этом робеет перед красавицей и не верит, что она может его полюбить. Являясь умнейшим, остроумным, талантливейшим, он проигрывает во всем: и в карьере, и в семейной жизни. Вот такой неудачник-одиночка, на которого хочется во многом быть похожим. Сирано – это про красоту поражения».

Постановка по мотивам сказки Сергея Козлова будет показана с использованием ароматических эффектов, создающих атмосферу природных запахов осеннего леса. Оказывается, сумерничать очень интересно и таинственно: можно услышать песню травы и ветра, увидеть, как танцуют облака и улыбается проплывающая в небе луна, познакомиться с настоящей лошадью и даже потрогать ее. Во время постановки зрители находятся вместе с героями сказки на сцене. Тонкая расстановка эмоциональных нюансов позволяет с помощью слуха, обоняния, осязания, вкуса воспринимать спектакль во всех ярких красках и смыслах. Внимание! Опоздавшие на этот спектакль в зал не допускаются. Пожалуйста, заранее планируйте время с запасом на дорогу. Постановка создана совместно с Центром С. В. Образцова.

Виктор Раков и Олеся Железняк в мелодраме Романа Самгина «Старомодная комедия». Режиссер Роман Самгин, давно и успешно сотрудничающий с «Ленкомом Марка Захарова», на этот раз обратился к пьесе Алексея Арбузова. Написанная в 1975 году, одна из самых популярных пьес автора «Старомодная комедия» является классикой советской драматургии. Советская Прибалтика, дом отдыха у моря. Встреча двух людей с непростыми судьбами. Она – чудаковатая отдыхающая, он – главный врач санатория. Герои сближаются осторожно, внимательно приглядываясь друг к другу. Остерегаясь откровенности, которая может нечаянно обнажить незатянувшиеся душевные раны, они не торопятся признаться в позднем чувстве.

«Старший сын» А. Вампилова – одна из самых личных пьес драматурга. Студент Бусыгин и его приятель Сильва, провожая новых подружек, опаздывают на последнюю электричку и пытаются найти ночлег под выдуманным предлогом, что один из них – внебрачный сын отца семейства и приехал его навестить. Самозванец входит в мир семьи Сарафановых, всего за пару дней между ним и домочадцами возникают такие теплые чувства, что их не может разрушить даже вскрывшийся обман. В природе вампиловской пьесы случай определяет начало истории, но то, чем все это кончится, зависит только от самих героев: они должны самостоятельно сделать выбор – бежать и не привязываться или рискнуть и полюбить...

Как известно, в позапрошлом веке веселый жанр водевиля был наиболее любим зрителями и вследствие этого чаще других жанров появлялся на театральной сцене. Серьезные и просвещенные поклонники драмы и трагедии относились к водевилю несколько свысока, считая его развлечением для неприхотливого вкуса. На многие десятилетия водевиль был практически изгнан из российского театра, но сегодня Малый театр возвращает зрителям этот незаслуженно забытый жанр. Одно из лучших творений замечательного драматурга и актера Петра Каратыгина – «Чудак-покойник, или Таинственный ящик» – поставил художественный руководитель театра Юрий Соломин.

Спектакль приурочен к 90-летию народного артиста России Станислава Любшина. Жизнь писателя Александра Куприна своею насыщенностью и пестротой напоминает приключенческий роман. Кем он только ни был, оставив в молодости воинскую службу и скитаясь по стране в поисках своего места и дела. Есть в его биографии и страницы, связанные с театром: служил суфлером, актером на выходах и даже по совету Антона Чехова собирался поступать в труппу художественного театра. Это нашло отражение в творчестве: театру и судьбам жрецов посвящено не одно произведение Александра Куприна. В основе инсценировки Кирилла Вытоптова, созданной при участии Александра Баргмана, – сюжет повести «На покое» об актерах, переживших свою славу. Коротая дни в доме призрения, они живут прошлыми успехами и давними обидами и привычно превращают быт в то, без чего не могут дышать, – в театр. Этот, казалось бы, печальный сюжет с азартом, смелостью и самоиронией играют артисты старшего поколения мхатовской труппы.