Афиша театров Москвы на 9 сентября 2026

«Иоланта» – лирическая одноактная опера Петра Ильича Чайковского. Это последняя работа композитора, завершенная в 1892 году, за год до смерти. Либретто Модеста Чайковского по драме Генриха Герца «Дочь короля Рене». Действие разворачивается в XV веке на юге Франции, в Провансе. Там в горах находится замок, где живет Иоланта – единственная дочь короля Рене. Девушка невероятно красива, но с рождения слепа. Смысл оперы заключается в утверждении победы света над мраком. Вечный мрак, в котором живет главная героиня Иоланта, становится символом душевной слепоты, являющейся для близких ей людей источником глубокого горя. Только любовь и сострадание зажигают в сердце Иоланты страстное желание увидеть мир, рождают готовность к самопожертвованию и мужество вынести муки, ценой которых она сможет прозреть.

Спектакль по мотивам русских народных сказок «По щучьему велению», «Царевна Несмеяна» и «Плясовая гармонь» радует маленьких зрителей уже более 80-ти лет! Сегодняшние зрители тоже оценят забавные сюжеты и смешных перчаточных кукол. «У многих театров, как у МХАТа, есть своя «Чайка» – спектакль, который театр считает своим кредо. Так получилось, что наша «Щука» (мы так сокращенно называем спектакль «По щучьему велению») стала нашей «Чайкой» – говорил Сергей Образцов. Сюжет этого спектакля построен на основе русской народной сказки, герой которой − Емеля. Это ему подарила щука «заветное слово». И все, чего бы главный герой ни захотел, начало сбываться. Без лошади ехали сани, без топора рубились дрова, по первому слову засмеялась царевна Несмеяна и вышла за него замуж.

Участников иммерсивного спектакля, стирающего грани между зрителями и создателями, ждет живая встреча с творчеством Леонардо да Винчи – гениального художника, инженера и ученого, и с его временем – эпохой Возрождения, которую он опередил. Первая дверь ведет на театральные подмостки комедии масок – символа мировоззрения Ренессанса, столкновения старого уклада и молодого свободомыслия. Можно будет не просто увидеть ярких героев дель арте, но и побыть шумным Арлекином, лжеученым Доктором или обаятельной Коломбиной. Вторая дверь приоткроет путь к изобретениям да Винчи: гений воспринимал мир как огромный механизм, который можно разобрать, изучить и собрать заново. Водяные мельницы, насосы, мосты, летательные и подводные аппараты – эти и многие другие разработки легли в основу современных технологий. Третья дверь позволит собственной кистью прикоснуться к творчеству Леонардо да Винчи, познакомиться с его 205-ю картинами, каждая из которых стала сложным исследованием эмоций, света, пространства и природы и вылилась в культурное событие эпохи, а также создать собственный набросок в стиле и технике художника.

Театральная сказка о вечной борьбе добра и зла начинается с того, что принцесса Зобеида уже 39 дней как счастлива в браке с Синадабом, царем Самандаля. Старый жрец Абдалак открывает ей страшную тайну о том, что ее муж – злобный колдун. Завтра он превратит ее в корову, потому что так поступает со всеми своими женами, ибо теряет после 40 дней к ним всякий интерес. Действие происходит под стенами города Самандаля и в самом городе. В спектакле звучит музыка Жан-Батиста Люлли, Клаудио Монтеверди, Габриэля Форэ, Иоганна Себастьяна Баха.

В Большом театре «Лебединое озеро» ставилось неоднократно. В ХХ веке его репертуар уже не мыслился без этого балета. В старинном германском замке празднуется день совершеннолетия принца Зигфрида. Его поздравляют друзья, придворные и мать – владетельная принцесса, а затем торжественно посвящают в рыцари. Отныне его жизнь станут определять долг и доблесть. Звучат последние тосты в его честь, сверстницы ищут его внимания, но душу Зигфрида волнуют иные чувства, он мечтает о чистой, идеальной любви. Пир затихает, гости удаляются, оставляя принца наедине с его мыслями в сумерках наступившей ночи. Он чувствует рядом с собой чью-то тень, будто какая-то сила манит его. Это является сама судьба в образе Злого гения, чтобы открыть принцу волнующие тайны. Повинуясь властному мановению невидимого спутника и смутным предчувствиям, Зигфрид устремляется в идеальный мир своей мечты... Как это ни парадоксально, Юрий Григорович взялся за «Лебединое озеро»... по необходимости. В 1969 году Большой балет собирался на гастроли в Англию. В программу выступлений на английской сцене предполагалось включить «Лебединое озеро», но балет, не обновлявшийся с 1956 года, потерял товарный вид. В результате вместо простого обновления начался настоящий, полноценный творческий процесс. Григорович, как всегда, в содружестве с художником Симоном Вирсаладзе, предложил новую концепцию балета.

Три знаменитые фамилии выходят на сцену, чтобы говорить о самом личном — памяти, долге и любви. Балет, поэзия и драматическая речь переплетаются в живой разговор дочерей с наследием своих семей. Этот вечер о том, как большой культуре всегда предшествуют хрупкие домашние истории и как семейные тайны продолжают звучать в новом поколении.

Как актуальны события, описанные Островским в 1870 году! Прошло 150 лет, а богатые дамы по-прежнему влюбляются в юношей и разоряются. Служители искусства, тем более театрального, по-прежнему нуждаются, и девушкам, чтобы выйти замуж за богатого отпрыска, нужно иметь какое-то приданое от богатых родственников. Вечные ценности – семья, любовь, дружба, преданность – все имеет свою цену. В скитаниях по России встречаются трагик Несчастливцев и комик Счастливцев. Волею случая они оказываются недалеко от имения Гурмыжской, тетки Несчастливцева. А там все смешалось – тетка собирается замуж за юнца, сосед выгадывает, как подешевле скупить теткин лес, племянница-бесприданница, не надеясь на счастливое замужество, собирается топиться, а гимназист-недоучка готов жениться, чтобы обеспечить свое будущее. И в этом водовороте событий только нищие актеры умеют по-настоящему сопереживать ближнему.

Любите Mamma Mia и La La Land? Тогда вам точно понравится новый грандиозный мюзикл «Ничего не бойся, я с тобой!», который полностью состоит из хитов, известных всем. Команда продюсера Дмитрия Богачева, представившего в Москве главные мировые мюзиклы «Призрак оперы», Cats, «Звуки музыки», Chicago и феноменально успешные «Шахматы», на этот раз создала собственный оригинальный спектакль на всеми любимые песни легендарной группы «Секрет»! В основе – захватывающая история молодых и пылких романтиков в Ленинграде 80-х: смелая мода, квартирники, неформалы и фарцовщики, а также настоящая любовь, выбор между счастьем и благополучием и вечный спор поколений! И все это – на фоне белых ночей, разводных мостов, покатых крыш и живописных дворов! Живой звук, незабываемые хиты, потрясающий сюжет, зрелищность и масштаб – что может быть лучше для отличного вечера? Второе рождение песен «Секрета» в новых современных аранжировках состоится сразу вслед за феноменально успешной постановкой мюзикла «Шахматы»: застойные 70-е на сцене МДМ логично сменяют 80-е – время больших перемен. Откройте «Секрет» уже этой осенью!

Московский академический Музыкальный театр представляет премьеру оперы Г. Доницетти «Анна Болейн» в постановке режиссера С. Новикова и главного дирижера театра Ф. Коробова. Премьера «Анны Болейн» состоялась почти 200 лет назад – в 1830 г. в Милане. Это было уже 33-е сочинение итальянского композитора, снискавшего к тому времени славу мастера преимущественно комических опер. Однако именно эта опера, написанная в прежде несвойственном Г. Доницетти жанре лирической трагедии, стала рубежным произведением в творческой биографии композитора и вывела его на новый уровень международной известности. Для российской оперной сцены «Анна Болейн» – редкое название, во многом благодаря тому, что требования к владению стилем бельканто и к выразительности драматической игры исполнителей чрезвычайно высоки. С. Новиков в своей работе остается верным оригинальным либретто и драматургии. Действие оперы разворачивается, как и было задумано авторами, в Англии XVI в. в эпоху правления Тюдоров. На фоне блеска и роскоши королевского замка, бесчеловечности придворных заговоров и интриг в спектакле разворачивается трагедия Анны Болейн – второй жены короля Генриха VIII. Сценическое оформление, созданное художником И. Складчиковым, также служит исторической достоверности и воссоздает эпоху: от интерьеров английского замка и гобеленовой живописи до костюмов по моде XVI в.

Режиссер-постановщик спектакля Владимир Бейлис: «В Островского я влюблен, он гений. Сколько в его произведениях ассоциаций с сегодняшним днем – через настоящее драматург видел будущее. Комедия «Без вины виноватые», поднимая столь важные сегодня вопросы взаимоотношений в семье, имеет воспитательное значение. Инициатором постановки был Юрий Мефодьевич Соломин, заразивший меня мечтой воплотить эту пьесу на сцене. На протяжении нескольких лет работы над текстом менялись подходы, но тема материнской любви, волновавшая тогда, осталась. У нас была идея повторить сюжет Островского – пригласить известную актрису из другого театра на главную роль, чтобы возникла сама атмосфера произведения. В спектакле образ Кручининой создает ведущая артистка Театра им. Евг. Вахтангова, заслуженная артистка России Лидия Вележева. В пьесе Кручинина стала артисткой, Незнамов – артистом, и все происходит в театре. Театр – это магнит, который всех притягивает, и место, где разворачиваются события. В современном театральном мире по-прежнему есть место историям о любви, ревности и соперничестве. Вместе с режиссером Станиславом Сошниковым, художником-постановщиком Виктором Герасименко, композитором Кузьмой Бодровым, режиссером по пластике Еленой Каралашвилии всей постановочной группой мы решили воспеть артистов, которых так любил Островский».

Судьбы юных Марата, Лики и Леонидика оказались связаны случайной встречей в блокадном Ленинграде. А дальше – 17 лет жизни. Встреч и расставаний. Поисков себя, преодоления страхов, обид и – прощения. Путь к подлинной дружбе и любви. В спектакле прозвучит музыка Владимира Высоцкого. Спектакль студентов мастерской Евгения Писарева по пьесе Алексея Арбузова «Мой бедный Марат». Режиссер и автор сценической версии – Борис Дьяченко, преподаватель актерского мастерства. Совместный проект Театра Пушкина и Школы-студии МХАТ.

Неповторимая атмосфера большого теплого дома Болконских повествует обо всех событиях, которые коснулись семьи старого князя, от лица княжны Марьи Болконской. Она – умная, одинокая, робко мечтающая о любви и уже теряющая надежду на семейное счастье – находится в центре всего. Думающая обо всех и забывающая заботиться о самой себе. Ее удел – это «жизнь в других и другими». И когда счастье все же находит ее, она растворяется в любви к мужу и детям. Ее хрупкий внутренний мир подвергается испытаниям во время трагических событий войны 1812 года, но сила духа и вера в лучшее приносят ей заслуженное счастье. Марья Болконская – любимый образ Льва Толстого, в котором, безусловно, отразились многие черты его матери, Марии Волконской.

Всегда зовите Долли! Эта остроумная и обаятельная женщина выручит вас из любой самой запутанной ситуации! И это не шутка, ведь в новом спектакле Малого театра, поставленном по мотивам знаменитой пьесы Торнтона Уайлдера «Осторожно, сваха!», эту роль играет очаровательная Ирина Муравьева. Перед ее обаянием склоняются все, даже такой практичный и не склонный к сантиментам персонаж, как Горас Вандергельдер в блестящем исполнении Валерия Афанасьева. Яркий, наполненный остроумными шутками, зажигательной музыкой и танцами спектакль режиссера Владимира Иванова – это настоящий праздник, который театр с удовольствием преподносит своим зрителям.

Барклей и Люси Купер прожили вместе почти полвека, вырастили пятерых детей. Но время и судьба неумолимы: сбережения тают, и банк забирает последнее – их дом. И теперь родители переходят под опеку уже взрослых детей, каждый из которых занят своей жизнью, своими проблемами. Барклей и Люси разлучаются – вопреки их воле. Все, что им остается, – надежда на то, что когда-нибудь они снова будут вместе. Это история о большой любви, которая остается, даже когда кажется, что будущего уже нет, а дальше – только одиночество, тишина и пустота, о разлученных, которые продолжают жить надеждой на воссоединение.

Спектакль номинирован на Российскую национальную театральную премию «Золотая маска» в трех категориях: «Драма / Спектакль малой формы»;«Драма / Работа режиссера» (Саша Толстошева);«Драма / Женская роль» (Полина Одинцова).Эта коротенькая и странная история о трех женщинах, в общем-то случайно оказавшихся вместе за праздничным столом и не слишком симпатизирующих друг дружке. Внезапно они начинают говорить о самом сокровенном, о том, о чем прежде годами молчали. Из обыденности дней, из повседневной привычной тоски постепенно рождается поэзия. Выплескивается с плачем и смехом великая тайна жизни. Она мерцает лишь короткие мгновения, но ее глубина, огромность поражает. И в эти острые и пронзительные секунды они начинают слышать друг друга, сочувствовать друг другу. Как откровение звучит вдруг простенькое: «Смирнова, как хорошо, что ты есть». Как хорошо, что есть каждый, любой. Ироничная, беспощадная и бесконечно нежная эта пьеса утверждает уникальность каждой человеческой жизни и каждого прожитого дня. Говорит о возможности приятия пути и судьбы, о прошлом и о будущем. О том, что все всегда происходит здесь и сейчас. Слышать и сопереживать, принимать другого – ради этих мгновений поставлен этот спектакль, возможно, ради них существует театр.

Пьеса Михаила Булгакова «Дни Турбиных» входит в золотой фонд русской литературы, проходящий вне дискуссий об актуальности. Режиссер-постановщик Георгий Долмазян в одноименном спектакле выводит на первый план тему семьи, попавшую в круговорот исторических сдвигов. Ведь именно близкие всегда остаются рядом, как бы далеко не находились. Дом Турбиных становится местом, где стук в дверь может убыстрить или замедлить стук сердца. Как сохранить себя и помочь семье, когда родина – превыше всего? Приглашаются все ценители творчества Булгакова.

История отца и сына, который вырос и путешествует в чертоги своего детства, чтобы понять, кем же на самом деле был его отец. Однажды давно отец признался сыну, что он и есть Питер Пэн, тот самый вечный мальчишка из сказки, умеющий летать. Именно поэтому он часто опаздывает, забывает про дни рождения, а иногда попросту исчезает. Художник спектакля придумал ярко-желтое пространство с желтыми предметами и героями в ярко-желтых костюмах, окруженное рамкой тонкого люминисцента. В тайную комнату детства ведет всего один ярко-синий портал лифта. А капитан Крюк, как вечное альтер-эго героя, одет в непобедимо-стильный благородно-красный костюм цвета самого страшного детского страха. Что же это было: полет или падение? Падение или полет? Эскиз спектакля создан в рамках драматургического конкурса РАМТа «В поисках новой пьесы».

Пьесу «Обыкновенное чудо» Е.Л. Шварц, по его собственному признанию, сочинял 10 лет, потому что особенно дорожил ею и работал над ней только в те часы, «когда чувствовал себя человеком». Евгений Львович посвятил эту работу жене Екатерине Ивановне; они поженились за 15 лет до выхода пьесы. Фраза, произнесённая в самом начале, с буквальной точностью передаёт мысли драматурга: «Пятнадцать лет я женат, а влюблён до сих пор в жену свою, как мальчик, честное слово!». Николай Чуковский: «Верил ли Шварц в возможность побеждать зло искусством или не верил, но пьесы его полны такой горячей ненависти к злу, к подлости всякого рода, что они обжигают… И хотя пьесы его – сказки, и действие в них происходит в выдуманных королевствах, зло и добро в них – не отвлечённые, не абстрактные понятия.»

Режиссер Дмитрий Крестьянкин вместе с молодыми артистами «Маяковки» сочинили эту историю специально для проекта «Театр в школе» Департамента культуры и Департамента образования и науки города Москвы. Герои трех новелл, основанных на интервью с координаторами поисково-спасательного отряда «ЛизаАлерт», – подростки в сложном стечении обстоятельств. Кто-то принимает решение уйти из дома, кто-то становится жертвой школьной травли или доверяет свою жизнь незнакомцу из социальных сетей. И спасительный пароль «Найден. Жив» прозвучит, увы, не про всех… «Этот спектакль – возможность поговорить с подростком о том, что заставляет его переживать, – комментирует Дмитрий Крестьянкин. – Именно поэтому следующий за сценическим показом живой разговор с инструктором школы «ЛизаАлерт» является обязательной частью замысла. Важно, чтобы на этот спектакль приходили подростки с родителями. С этого может начаться важный разговор внутри семьи, на который страшно решиться просто так».

Есть на свете одно райское место. Нет, это не залитый солнцем пляж с белоснежным песком и пальмами, а уютный деревянный домик в заснеженном лесу. Тихо, хорошо. Здесь можно провести целую вечность, сидя у теплой печки, лакомясь ароматной картошкой с маслом, напевая песни под гитару в компании хороших людей, ставших ангелами. Здесь нет проблем, болезней, нет времени, нет смерти. И ничего нового, важного уже не случится. Может, это и есть свобода? Так почему же все обитатели этого райского места так мечтают вернуться туда, где идут войны, где плачут, ненавидят, влюбляются и расстаются, – туда, где идет жизнь?

Это история о том, как в маленьком городе, изнывающем от жары, появляется странный незнакомец, объявляющий себя продавцом дождя. Жители маленького городка с недоверием относятся к чужаку, называя его шарлатаном, и только к концу истории они поймут, что продавец торгует не дождем, а верой в чудо и надеждой вопреки всему. Умная и тонкая, эта пьеса полна любви, добра и чудесного юмора. Благодаря сферическому пространству театра каждый зритель становится участником событий, развивающихся на сцене.

История азартного игрока Кречинского, который привык ставить на кон честь и готов принести в жертву своей страсти судьбу влюбленной барышни Лидочки Муромской, становится для режиссера подступом к серьезному разговору о главной проблеме российской действительности. Спустя 160 лет после написания пьесы людей волнуют все те же проблемы. Темы взяток, коррупции остаются такими же насущными, как во времена Сухово-Кобылина, а текст автора о судах звучит как выдержка из сегодняшних газет. На сцене – яркий призрачно-обманчивый мир игрока, похожий одновременно и на арену, и на колесо рулетки, и на крутящийся барабан современных игровых телешоу. В мире Кречинского все искрится, манит, затягивает в круговорот роскошной жизни. Чтобы спасительная свадьба с Лидочкой состоялась, Кречинский решается на самую изощренную и рискованную игру в своей жизни.

К столетнему юбилею выдающегося актера народного артиста СССР Евгения Леонова в «Ленкоме Марка Захарова» состоится премьера «Старший сын». Режиссер Владимир Панков обращается к одноименной пьесе Александра Вампилова, соединяя ее с материалом мемуарной книги Евгения Леонова «Письма сыну». Главную роль в спектакле исполнит сын Евгения Павловича – Андрей Леонов. Роль Сарафанова в культовом фильме Виталия Мельникова «Старший сын» стала одной самых знаковых и всенародно любимых в фильмографии Евгения Леонова. Его герой – наивный музыкант-кларнетист, чей добрый характер парадоксально превращает его из жертвы жестокого розыгрыша в человека, обретающего любовь и заботу. Леонов создал образ отца, ставший хрестоматийным и нашедший отклик в миллионах зрительских сердец. В реальной жизни отношение отца к сыну было не менее нежным. В 1992 году вышла удивительная по доброте книга Евгения Леонова «Письма сыну»: в ней собраны реальные письма актера, часто бывавшего в отъезде. В его строках – неподдельное отцовское неравнодушие к тому, каким человеком вырастет его любимый сын.

Спектакль «Чрево» вышел из лаборатории, посвященной авторам первой половины XX века. Это ранняя проза Евгения Замятина – удивительного стилиста, прозаика, выросшего в среде Серебряного века, а писавшего в основном в эпоху становления большевистского государства. Рассказ 1915 года – первая попытка подобраться к большой повести «Наводнение», которая в последние годы активно ставится в российском театре. Страсть, любовь, вожделение, страх смерти, земля рожающая, урожайная и земля, в которой умирают, преступление и наказание, женщина и мужчина, душа и тело – вот темы, интересующие Евгения Замятина, пишущего в кризисную, сокрушающую основы эпоху. Рассказ создан на русском материале, события протекают в глухом провинциальном углу России. Евгений Замятин изобразил «типичную семью из народа». Героиня рассказа – крестьянка Афимья – замужем за нелюбимым мужчиной Петром, который намного старше ее. Типичный замятинский сказ превращается в метафорическое действие и почти оперу. Слова пропеваются, создавая красивые формы, описывающие не всегда приглядную, не всегда красивую крестьянскую жизнь.

Спектакль «Шестеро любимых» режиссера Александра Пронькина по первой, одноименной комедии Алексея Арбузова. Герои постановки – пролетарии, колхозники, начальники политотдела 30-х годов, мыслящие лозунгами и с рвением верящие в светлое будущее. В современном мире они могут показаться далекими и непонятными. Но люди всегда одни и те же – они любят, грустят, ищут друзей и переживают по пустякам во все времена. Под оболочкой ушедшей эпохи живут знакомые человеческие чувства, которые сильнее и важнее всего остального. Девушки и юноши делают первые шаги во взрослую жизнь. Спектакль решен в новоизобретенном жанре сюрреалистического соцреализма – поиска современного осмысления уже далекой советской драматургии. Кроме того, это комедия, которая через иронию, смех и слом четвертой стены открывает новое видение современности. Александр Пронькин, режиссер: «Спектакль выполнен в жанре так называемой советской комедии дель арте, которая подчеркивает агитационное и пародийное звучание текста». «Шестеро любимых» – это третий спектакль, который вошел в репертуар Театра на Таганке из режиссерской лаборатории проекта «Ликбез».

Пронизанная обаятельным житейским юмором пьеса «Ястреб» рассказывает о неожиданном эпизоде из жизни двух интеллигентных учительниц сельской школы. В далеком поселке природа так близка к человеку, что на школьный двор залетают ястребы и нападают на голубей прямо на глазах учеников. Женщинам предстоит выполнить необычное требование руководства – остановить ястреба, чтобы тот не пугал школьников. Так учительница русского языка и литературы вместе с педагогом французского берут на себя эту комичную и почти невыполнимую миссию.

Режиссёр Наталья Ковалёва: «История Павла I – очень русская история, бурная, противоречивая. Личность его – человека неординарного, любознательного, образованного, остроумного, способного к поэтической импровизации и при этом болезненно самолюбивого, нервного – не может оставить равнодушным… Кто-то говорит о нём «идиот», а кто-то называет «гением». Но истина всегда посередине: «Я – человек», – говорит Павел. Человек, чьё самое горячее желание – сделать всех счастливыми. И в этом его трагическое несовпадение с окружающими: каждый из его окружения хочет счастья только для себя. Время примиряет с прошлым, а история в своём движении нередко совершает «реабилитацию» героев ушедших эпох. Услышать время, заглянуть в свою историю, присмотреться к личности Павла I и увидеть в нём глубокое человеческое страдание, нужно для того, чтобы задуматься о нас, сегодняшних.»

…Так и я родился и явился сначала скромной моделью себя самого, чтобы родиться снова более совершенным творением… Микеланджело Буонарроти, XXIV сонет Успех «Тани» в советском и российском театре мало назвать огромным. В заглавной роли блистали Мария Бабанова, Алиса Фрейндлих, Татьяна Самойлова, Ольга Яковлева и другие знаменитые актрисы. До сих пор в каждом сезоне на афише какого-нибудь театра России обязательно есть «Таня», и в каждом поколении актрис тоже есть своя, новая, не похожая на других, любимая зрителями Таня – арбузовская героиня, высокая проба мастерства и таланта актрисы.

В полумраке Театра Образцова рождается «Тишина. Возвращение» — камерный спектакль, где театр кукол, музыка, танец и пантомима сплетаются в историю жизни и смерти Эдит Пиаф. Постановка, удостоенная премии «Золотая маска» в номинации «Лучший спектакль театра кукол» в 2020 году, возвращается к зрителю, обретая новое дыхание с артистами Театра Образцова. Эта работа — посвящение жизни «воробушка» Парижа (именно так с французского жаргона переводится Piaf — псевдоним, придуманный для Пиаф Луи Лепле, владельцем кабаре на Елисейских Полях). Вместе с Эдит зрители шагнут на туманные улицы Монмартра, а затем в то самое кабаре, где двадцатилетняя героиня впервые ступила на профессиональную сцену. Боль, любовь, разочарования и утраты сплетутся в «тишину» — ту, что Пиаф боялась больше всего на свете. Легендарная французская певица родилась в 1915 году в бедном квартале Парижа и прошла путь от уличной шансонье до иконы французской культуры. Ее жизнь — это череда триумфов и трагедий: любовь к Марселю Сердану, аварии и смерть в 1963-м накануне 48-летия. Пиаф пела о страсти, боли и надежде, её песни «La Vie en Rose» и «Non, je ne regrette rien» до сих пор трогают сердца по всему миру. Борис Константинов, режиссер спектакля, обращается к историям легендарных личностей — таких как Фрида Кало и Эдит Пиаф — чтобы через их судьбы создать живой портрет целой эпохи. «Главное для меня в Эдит Пиаф не то, что она — легендарная певица, а то, что она — человек, женщина, — говорит Борис Константинов, режиссер спектакля — Мне важнее ее  непростая судьба: как она жила, боролась с недугами, преодолевала трудности. Конечно, я сам себе не раз задавал вечный вопрос режиссера театра кукол: надо ли браться за воплощение такого материала, используя выразительные средства театра кукол? — Надо. Именно потому, что историю жизни Эдит Пиаф не хотелось рассказывать бытово. Но, с другой стороны, не хотелось патетики и ходульности. Хотелось сказать: вот человек, но редкий человек, очень редкий, таких мало! Вроде бы неказистая и хрупкая, но силы духа в ней столько, что только дивиться можно». Главный художник Театра Образцова, Виктор Антонов, специально для постановки превратит пространство арт-клуба в легендарное кабаре «Жернис» в стиле «старого» Парижа. А его трогательные куклы, оживающие в руках артистов, помогут рассказать, как самая хрупкая душа способна стать легендой.

Молодой купец Николай Иванович и его жена Глафира Семеновна едут в свое первое путешествие в Париж. Окрыленные ожиданиями, они простодушно удивляются всем чудесам французской земли, устремляясь навстречу новым впечатлениям. Однако очень скоро чужбина покажется уже не такой гостеприимной, и герои отправляются назад со святым убеждением, что «в гостях хорошо, а дома лучше». У Екатерины Еланской получился спектакль легкий, смешной и чуть романтичный. Эдакая фарфоровая игрушечка. Бонбоньерка. Актеры с видимым удовольствием отрабатывают множество игровых ситуаций, очаровывая изяществом и яркостью. Режиссер выстраивает загадочный, волшебный и немного чудной мир Парижа, так смутивший наивного купца и его жену...