Афиша у метро «Смоленская»

Всегда актуальные жизненные вопросы и непостижимая глубина чувств — пьеса Антона Чехова воплотится в постановке Владислава Наставшева.

Новая экспериментальная работа на сцене «Студии». Дебют режиссёра и драматурга Аделины Гизатуллиной. Аделина — выпускница Высшего театрального училища имени Михаила Щепкина, в 2014 году была принята в Первую студию Вахтанговского театра, до 2024 года служила в нашем театре, в том числе играла моноспектакль «Мисс Никто из Алабамы» на сцене «Студии». Поэтому камерное пространство «Студии», его возможности и риски — 35 зрителей находятся на расстоянии вытянутой руки от артистов — Аделина знает безукоризненно. Аделина Гизатуллина: «История спектакля рождается из непростых и противоречивых отношений Одри Хепбёрн и её матери — баронессы Эллы ван Хемстра. В основе лежат реальные факты биографии великой актрисы, но в центре повествования оказывается не сама Одри, а женщина, стоящая за её становлением. Что такое истинная материнская любовь? Это поддержка или требование? Принятие или стремление переделать? Я задаю эти вопросы не как исследователь, а как режиссёр, который ищет живую правду в человеческих отношениях. Мир знает Одри Хепбёрн как актрису, икону стиля, обладательницу премии «Оскар». Но о том, о чём она мечтала на самом деле, — знают немногие. Я уверена, что эта история откликнется не только у женщин. Мужчины также узнают в героях себя.»

Россия между двух революций: 1905-1917. Два мира. Одна мастерская. Одна семья. Динамику эпохи передают знаменитые произведения искусства, её обрамляющие. В 1906 году создано самое большое из яиц Фаберже Императорской серии – «Московский Кремль»; в 1915 – «Чёрный квадрат» Казимира Малевича. Павел Кутейников, гений русского ювелирного искусства, верит: его хрупкие творения из сверкающего металла и драгоценностей переживут века, потому что красота вечно лежит в основании мира. Сыновья Кутейникова с детства впитали веру отца. Но они – дети революционного времени, каждый из них по-своему переживает драму расколовшегося «Серебряного века». Линия раскола прошла прямо по семье, раздор поселился в доме Кутейниковых. Отец и сыновья спорят не о деньгах, не о политике, а о красоте, в которой продолжают искать опору в лихие времена. В чём она, истинная красота: в блеске золота или пламени мирового пожара? Анатолий Шульев, автор идеи и режиссёр: «Наш спектакль не о том, «как это было». Скорее, мы ведём диалог с историей, вместе всматриваемся в эпоху, где в горниле революций и войн проверялось на прочность всё: семейные узы, личные идеалы, любовь, вера, преданность и мастерство. Начало XX столетия – эпоха тотального самоутверждения человека, бескомпромиссного фанатизма и жизнетворчества; эпоха, когда перерождалась страна, неузнаваемо менялся мир, а человечество искало рай, сидя верхом на пороховой бочке. В том обжигающем времени гораздо больше рифм с нашей современностью, чем может показаться на первый взгляд: кризис веры, морали, традиционных ценностей, обретение технологий, к которым человечество совсем не готово, разобщённость и нарастание угроз, связанных с оружием массового поражения. Предреволюционная Россия 1917 года очень напоминает сегодняшний мир в целом, со всеми его противоречиями, ускоряющимся временем, за которым простой, живой человек порой не поспевает. Как же сохранить в этом мире себя самого, свою семью, веру в человека, в любовь и в красоту?»

Моноспектакль Григория Антипенко по повести Эрнеста Хемингуэя в постановке Павла Сафонова. Павел Сафонов: «Старик и Море» Хемингуэя повесть легендарная. В ней столько мудрости и детскости, поэзии и грубой реальности, любви и жестокости, силы и беззащитности, что не знаешь, как это соединить сначала. Моноспектакль Григория Антипенко о том, что проиграв, Человек открывает для себя возможность любить и не терять ни своего достоинства, ни снов… которые и являются, по сути, той ценностью, которую ни у кого не отнять… Мир жесток и безжалостен ко всем, но и мы жестоки, поэтому важно ощутить эту взаимосвязь и искать равновесие»

Режиссёр спектакля Анна Горушкина: «В современном мире общественное мнение и статус человека становятся важнее чем чувства, родственные связи. Ради статуса – можно предать даже близкого, родного человека. В “Нахлебнике” есть эта тема, и она для меня очень важна. Людей, подобных главному герою спектакля, я называю чудаками. Чудаки – те, кто сохранил в себе душу, достоинство; просто внешне они не занимают много места в обществе. Они стараются не мешать другим жить: они способны принимать людей такими, какие они есть, способны жертвовать. Главный герой – человек достойный, он многое мог бы сделать, многое изменить в жизни. Но он не выпячивает свои душевные достоинства; для него важнее всего то, что он прожил жизнь любя, а значит прожил её не зря.»

Андрей Тимошенко, режиссёр: «“Фауст” Гёте всегда меня вдохновлял, завораживал и пугал одновременно. Мне хотелось поставить его в драматическом театре, потому что в такой работе заключён вызов самому себе. Я не видел ни одного драматического спектакля по этому произведению. В опере – да, но там решаются другие задачи. Мне было интересно, возможно ли поставить “Фауста” в драматическом театре, и поставить так, чтобы современный зритель воспринял всю эту историю не просто как красивые стихи, а именно как историю о человеке. Я задался вопросом: почему Гёте в финале спасает Фауста? Почему Фауст не попадает в ад, несмотря на то, что он совершил смертные грехи? – Эти вопросы подстегнули меня ещё больше.»

По роману Ю. Г. Слепухина «Перекрёсток» Действие охватывает последние предвоенные годы в СССР — с 1936-го по июнь 1941-го. Для четверых друзей будущее еще сияет ослепительной яркостью. Бойкая Таня грезит о славе писательницы, принципиальный Сережа — о заводах-автоматах, скромная умница Люся видит себя учёным. А их друг Володя разрывается между расчётами ракетных двигателей и тайнами реинкарнации, задаваясь вопросом: сколько жизней нужно, чтобы долететь до Марса? «Эта история — из цикла о Великой Отечественной войне, но в этом романе, первой части цикла, нет сражений, почти нет войны. Зато есть юные мечтатели, которые вскоре окажутся на её фронтах. Там, конечно, им придётся резко повзрослеть. Мне нравится смотреть на ушедший мир их глазами — отсюда и название «Первая любовь последнего года». Это взгляд из сердца поколения, оказавшегося на переломном перекрёстке эпохи. Взгляд конкретных людей с именами и судьбами, которых мы с артистами полюбили за их искренность, фантазии, шутки, срывы, за совершённые ими глупости, за их неожиданную мудрость и смелость. Для нас они живы. Наш спектакль — коллекция «оставшихся в памяти отдельных разорванных впечатлений», мыслей и чувств, которые сохранил для нас талантливый писатель Юрий Слепухин» (Анатолий Шульев).

Людмила Гурченко – слишком яркая, слишком наша, слишком близкая, чтобы сочинять о ней оды. Настоящая женщина, она – вне времени. Кто-то обожал её, кто-то завидовал ей и, возможно, ненавидел, но никто не оставался равнодушным. Людмила Гурченко была добрым другом Вахтанговского театра и Римаса Туминаса. Никогда не пропускала премьеры, всегда была желанной гостьей. Это спектакль о ней, про неё. Посвящение великой актрисе? – Да, конечно, но при этом драматический текст целиком создан из книг самой Людмилы Марковны. Это её прямая речь: весёлая и грустная, трагичная и ироничная… разная. Какая угодно, как сама жизнь. Важные события биографии, актёрская карьера, друзья и недруги, победы и неудачи, радость и разочарование, – спектакль рассказывает обо всём. Честно, иногда резко, всегда – правдиво. Идея постановки родилась на концертах-квартирниках в Музее-мастерской Людмилы Гурченко в Трёхпрудном переулке. Повествование идёт от первого лица. И, конечно, спектакль никак не может обойтись без музыки и танцев.

Роман в четырёх книгах «Иосиф и его братья» Томаса Манна (одного из крупнейших и признанных в мире писателей XX века, лауреата Нобелевской премии по литературе, 1929) – самое большое по объёму и масштабу событий произведение автора. В центре внимания писателя – библейская легенда из Книги Бытия: история об обмане и предательстве братьев, об их раскаянии и прощении, о примирении друг с другом и со своим отцом, которого они жестоко обманули. «Иосиф и его братья» – произведение, «внушённое той заинтересованностью в человеке, которая не замыкается в рамках индивидуального, а распространяется на общечеловеческое, – окрашенную юмором, смягчённую в своем звучании иронией, я сказал бы даже: стесняющуюся заговорить во весь голос поэму о человечестве» (Томас Манн). Роман, написанный с «шутливой серьёзностью», по сути своей, отражает дух Вахтанговских традиций, в которых фантастический гротеск сочетается с глубиной проживания.

Моноспектакль «Записки сумасшедшего» (руководитель постановки — Римас Туминас) с неизменным успехом идёт на сцене Студии Вахтанговского театра уже больше 10 лет. Юрий Красков: « У творчества Николая Гоголя не было предшественников, не было образчика ни в русской, ни в зарубежной литературе. Игнорируя и все сложившиеся традиции, и новые веяния, Гоголь открывает нам свой собственный мир, не похожий ни на что. Мир искусства, в котором жизнью управляет противоречие здравому смыслу. Один из самых неразгаданных писателей. Казалось бы, о Гоголе собраны все мельчайшие подробности его жизни, записки, заметки друзей и недругов. И всё же: «Я почитаюсь загадкой для всех, никто не разгадает меня совершенно…», — сказал сам Николай Васильевич. »

«Любовь у трона» – это своего рода фантасмагория: сон снится Екатерине Великой накануне государственного переворота, который приведет её к власти на долгие годы. Во сне она вспоминает свои отношения с мужем Петром III. По сути, это история о любви на фоне политики. Андрей Максимов, режиссёр: « Я давно мечтал поработать с поразительной актрисой Ольгой Тумайкиной, очень хотел, чтобы Екатерину сыграла именно она. Мечта сбылась. Она очень мощная актриса, очень интересный, глубокий человек. С исполнителем роли Петра III были проблемы, пока я не вспомнил, что в Вахтанговском театре работает поразительный актер Андрей Ильин. Я видел его в роли Хлестакова на сцене Русского театра в Риге. Это была поразительная актерская работа! Я видел его на сцене МХТ и театра Моссовета. Счастлив теперь не только работать, но и общаться с ним. Впервые встретился в работе с художником Максимом Обрезковым, который придумал очень интересный мир для наших героев, очень необычный. Но Обрезков ещё и создатель Симоновской сцены. Мне кажется, это уникальный случай, когда главный художник театра создал несколько сценических пространств, включая Новую сцену. Очень спокойный, интеллигентный, творческий человек. Музыку написал замечательный композитор Сергей Шустицкий, с которым мы сделали несколько спектаклей, и он даже выпустил диск с музыкой к моим постановкам. Мне кажется, что синонимом театра является удовольствие. Надо с удовольствием репетировать, с радостью. Я знаю, что есть режиссёры – любители «кровавых» репетиций, Бог им судья. Поставив довольно много спектаклей, я всегда старался, чтобы и актёры, и постановочная часть, и я сам получали удовольствие. Иначе не вижу смысла этим заниматься. Удовольствие должен получать и зритель. Это самое главное. Мне кажется, именно за этим он и приходит. Сегодня есть большой интерес к судьбе Екатерины Великой. Мы, что называется, в тренде. И, слава Богу! Любовь у трона… Любовь на фоне серьезных разговоров о судьбе России, о судьбах русских людей… Сон-фантасмагория с подлинной человеческой страстью… Если зрителю будет интересно, если он поймет, что не напрасно потратил почти два часа – мы будем считать, что наша задача выполнена. »

События наполеоновских войн, размышления о состоянии общества — это фон для истории, рассказанной в спектакле. На первый план выходят семьи: Ростовы, Болконские, Курагины, Друбецкие… Жизнь человека в момент перелома эпох. Мир эстетичный, хрупкий, театральный — всё это поглощается кометой 1812 года. В этой постановке нет павильона, нет нагромождения бытовых деталей, артисты не прячутся за декорациями. Когда события четырёх томов романа укладываются в без малого 5 часов сценического действия — не может быть никаких лишних деталей. Спектакль требует элегантности и простоты. Мы творим, оформляем, вкладываем судьбы, парадоксы, безумие, любовь, радость, отчаяние. Нужна другая игра. Как только зритель предугадывает ваше следующее действие, актёр становится не нужным. Очень важны психологические кульбиты – в поступках, в мыслях. Это наша обязанность: цирк сознания, переворотов, изменения души, настроения, порывов. Обязанность нашей профессии – раскрыть слово, мысль.

Олег Долин, режиссёр: «Шекспир очень связан со временем. С фактором того, в какой момент истории, он возникает, в твоей жизни. Мы обрывочно знаем, как это было в прежние времена, но ХХ век, и весь возникший в нём Шекспир, показывает неотделимость его пьес от исторического периода, в который они звучали на русской сцене. Я давно и так и этак подступаюсь к этому материалу. И очень многое меня здесь влечёт. Слово и ритм – как основная, движущая сила пьесы. В «Ромео и Джульетте» очевидна грубоватость раннего Шекспира. Привлекает возможность сегодня сформулировать, что для нас «мир безобразия и зла», в котором пытаются обрести счастье герои. В этой пьесе интересно всё: семья – как главный источник любви, и в то же время, главный источник раздоров и противостояний. И конечно, любовь. Любовь не глупенькая. Не случайная. Любовь, которая есть правда. И что бывает, когда мы не даём дорогу этой правде. Объясняем это нашими житейскими «сейчас не время», «пока ещё, нельзя»… Правда не ждёт… Она погибает…»

Смелый и яркий театральный прецедент: две актрисы с богатой творческой биографией, представительницы старшего поколения Вахтанговцев выходят в камерное пространство сцены «Студия» ради предельно искреннего диалога со зрителем. Речь пойдёт, конечно же, о театре, об актёрских судьбах, о закулисье, о радостях, о победах и горестях. Театр, как это доказано уже веками, становится тем самым увеличительным стеклом, под которым наиболее выпукло и чётко проступают общечеловеческие проблемы. В «Главной роли» звучит тема взросления, стремительного полёта времени… и тема прощения. Героини, заклятые подруги-актрисы, служат в одном театре 45 лет. Бок о бок они прошли длинный жизненный путь и вот, впервые за почти что полвека, решаются на откровенный разговор. Возможно, если они найдут в себе смелость откровенно высказать свою боль и обиды – то в итоге обретут силы жить и творить дальше.

Наталья Ковалёва: «Ничто не может остановить музыку. Человека может, а музыку нет», – как говорит один из героев спектакля. Кто такой композитор Оскар Строк? Стоит только напеть: «Ах, эти чёрные глаза», «Спи моё бедное сердце», «Не покидай, я умоляю»… А уж знаменитая «Мурка»! Оскар Строк сочинял мелодии, полные любви, нежности, страсти. Его песни пели Пётр Лещенко, Сокольский, Плевицкая, Шаляпин, Шульженко, Утёсов. В Европе его называли Королём Танго». В СССР музыка Строка оказалась под запретом как идеологически чуждая – «образчик упаднического буржуазного искусства». Но люди всё равно знали и любили его пылкие фокстроты, сентиментальные вальсы, раскалённые ритмы танго, хотя даже не подозревали, кто их сочинил. Человеческому сердцу нужны большие чувства. У Оскара Строка они были, и он умел щедро делиться ими с людьми. Этот спектакль о каждом из нас – о нашем детстве, нашей любви, предательствах, о наших страхах, падениях и взлётах – обо всём, что включает в себя жизнь человеческая. Под живую музыку оркестра актёры поют, танцуют и проживают сложную и простую человеческую жизнь.

Создатели спектакля, взяв комедию Лопе де Веги, выражают своё юное безумие, любовь к поэзии, музыке и почти забытому сочетанию театрального пафоса, подлинной романтики и юмора. Сюжет испанской приключенческой комедии не тайна: молодая вдова Леонарда служит предметом восхищения всей Валенсии. Однако, она не поддаётся на уговоры дяди Лусенсьо выйти замуж вторично, остаётся надменно-равнодушной к ночным серенадам влюблённых. Леонарда посвящает жизнь служению Господу, желая достойно нести вдовье званье, но это оказывается не так просто, когда на смену молитве и ханжеству приходит любовь. Все здесь окутано любовью и подчинено её законам. Любовь приводит героев в отчаяние, толкает на безрассудные поступки, путает и водит. Бледный свет Луны хранит тайну сердца, а маска прячет лицо. Сложность и необычность режиссёрских решений иногда кроется в их простоте, игровой природе действия. Авторы постановки искали грани между условностью маски и подлинным переживанием, стремились к музыкальности слов.

Это музыкальное интерактивное представление, все роли – и попа, и попадью, и работника, и чертей – играют два артиста: Олег Лопухов и Николай Романовский. Зрителей ожидает яркое и динамичное зрелище с мгновенной переменой образов. Участвовать в сюжете и отвечать на вопросы сказочников не только можно, но и нужно! Здесь нет всей строгости правил взрослого театра, где зрители чинно сидят на местах и соблюдают полную тишину. Зато есть возможность послушать стихи, поучаствовать во всех перипетиях сюжета и в весёлой игре, которую ведут актёры академического театра.

В спектакле на сцене только два актёра: Юлия Рутберг и Андрей Ильин, – и великое множество персонажей. Однажды летним днём на берегу Атлантического океана Сара Бернар вновь становится Федрой, Дамой с камелиями, Клеопатрой, Саломеей, Гамлетом… Она диктует своему верному секретарю Жоржу Питу мемуары – и разыгрывает с ним по ролям эпизоды из собственной жизни, превращая Жоржа то в жестокого антрепренёра, то в строгую настоятельницу монастыря, то в Оскара Уайльда. Сару Бернар называли божественной актрисой, золотым голосом, императрицей театра. Эпатажная и несгибаемая, первая в истории мировая звезда. Ей предрекали раннюю гибель от туберкулёза — но ошиблись. Ей ампутировали ногу — но Сара Бернар продолжила играть, и публика рукоплескала ей. Театр – это жизнь. Пока артист играет, он живёт.

Щемящая тема одиночества двух пожилых людей в последние годы их жизни была пронзительно и горько сыграна в Театре Вахтангова в 2008 году Ириной Купченко и Василием Лановым в спектакле Римаса Туминаса «Последние луны» по пьесам Фурио Бордона и Гаральда Мюллера. Сегодня над этой темой размышляет режиссёр Георгий Долмазян, который на Симоновской сцене приступил к репетициям спектакля «Долгие годы». В его основе – пьеса, написанная самим режиссёром и вдохновлённая романом Джозефины Лоуренс «Годы тянутся так долго» и фильмом «Уступи место завтрашнему дню». Георгий Долмазян, режиссёр: «Это – история большой, настоящей, редко встречающейся любви, которую немолодые Ромео и Джульетта пронесли через всю жизнь, и для которых немыслимо существование друг без друга. Мне кажется, сегодня это очень важная тема – отцы и дети, в силу сложившейся ситуации поменявшиеся местами. Жизнь испытывает нас, заставляя ответить на вопрос: остались ли в нас любовь, сострадание, жалость, умение услышать и понять другого?»

Ганс Христиан Андерсен – автор, не нуждающийся в представлении. На его волшебных историях выросли поколения. Но детей принято ограждать от излишне жестоких, по мнению взрослых, поворотов сюжета. Ведь мы ещё помним, не так ли, чем на самом деле заканчивается «Русалочка»? Сказки Андерсена мудрые, и оттого – грустные. Не все финалы могут быть счастливыми, не всегда торжествует справедливость. Но это не означает, что не нужно бороться вовсе. Дети столкнутся со взрослой жизнью рано или поздно, и родители не смогут всегда защищать их от испытаний и препятствий, оберегая, как фарфоровых Пастушку и Трубочиста. Но сказки дают детям шанс узнать и поверить, что любовь и преданность по-прежнему в цене, а смелость и стойкость достойны вознаграждения.

В своей постановке Римас Туминас не совершил акта вандализма, не переписал текст известной и знакомой зрителям пьесы, не сократил его. Он прочел его с листа, как бы не догадываясь, что и до него были интерпретаторы. Режиссер очистил сцену от быта, оставив поле битвы страстей, разбитых иллюзий, неслучившихся надежд. Герои Антона Павловича Чехова, увиденные Туминасом и воплощенные актерами, живут в сшибке амбиций, философствования, трудолюбия и лености, служения и потребления. А. П. Чехов свои пьесы называл комедиями. Для Туминаса пьесы Чехова – путь поиска, разгадка сути, оправдание жанра. Каждая его постановка – приближение к смыслу этого загадочного слова комедия, так противоречащего контексту сюжета.

«Дневник Анны Франк» – исторический документ. Это подлинная история одной еврейской семьи, скрывавшейся от нацистов в оккупированном Амстердаме в годы Второй мировой войны. Вход в тайное убежище был спрятан за книжным шкафом в конторе, которая до войны принадлежала Отто Франку, отцу Анны. Анна Мари Франк родилась 12 июня 1929 года во Франкфурте в еврейской семье. В 1933 году в Германии начались массовые гонения и притеснения евреев, и семья Анны была вынуждена переехать в Амстердам. 15 мая 1940 года была подписана капитуляция вооружённых сил Нидерландов. К 1942 году обстановка в Амстердаме накалилась настолько, что Анна Франк с сестрой, их родители и несколько друзей семьи были вынуждены спрятаться в мансарде дома. Снаружи казалось, что верхние этажи необитаемы. Дневник Анна получила в подарок ко дню рождения 12 июня 1942 года. Семья скрывалась в течение двух лет. В начале 1944 года Анна сама начала литературно обрабатывать записи, надеясь опубликовать их после окончания войны. Последняя запись в дневнике сделана 1 августа 1944 года. Вскоре всех обитателей убежища нашли и арестовали. В 1947 году Отто Франк опубликовал дневник дочери в сокращённой версии. С тех пор книга была много раз переиздана и дополнена, «Дневник Анны Франк» переведён более чем на 60 языков мира.

Одноклассники. Мальчики и девочки, полные жизни, радости и надежд, рассказывают о себе, о родителях, о своих мечтах. Так начинается их общая биография — накануне Второй мировой войны. Одноклассники будут спасать и предавать друг друга, любить, ревновать, ненавидеть. И только одного они никогда не смогут – разорвать ту невидимую нить, которою связаны их жизни. Ибо – «одноклассник всё равно, что родственник». В 2008 году польский драматург Тадеуш Слободзянек написал пьесу, название которой призывало осознать трудные уроки истории — «Наш класс. История в 14 уроках». Действие начинается в маленьком городке в конце 20-х годов, а судьбы персонажей — польских и еврейских мальчиков и девочек из одного класса — прослеживаются до наших дней. У десяти героев пьесы есть реальные прототипы, и события, описанные в пьесе, действительно происходили в польском городке Едвабне. Режиссёр спектакля Наталья Ковалева: «Для поляков это история их страны. Но ведь и в истории нашей страны есть трудные страницы. И это не только история: и сегодня нам часто приходится делать трудный выбор. За свой поступок отвечаем мы сами. Как поступить так, чтобы не захлебнуться поздним раскаянием? Работая над спектаклем, я часто задавала вопрос себе: «А что бы я сделала?». И оправдание, которое звучит у героев пьесы: «А что я мог сделать?», — не есть ответ. Так что для меня эта история — общечеловеческая».

События происходят в памяти и в воображении пушкинских героев, они как будто извлечены из прошлого так же, как письмо Татьяны к Онегину, обрамленное и спрятанное под стекло. В спектакле два Онегиных: один – старший – тот, кто вспоминает; второй – младший, тот, кто проживает эти события. Ленских тоже двое: ровесник старшего Онегина, – такой, каким мог бы стать юный Ленский, – тот, кто погибнет на дуэли. «Евгений Онегин» – это огромное пространство мира и чувств, которое вместило игру ума, гнев, обличение, цинизм, сострадание и прощение. Спектакль Римаса Туминаса разрушает стереотипы, он выстроен полифонично, жестко и эмоционально. Свое признание Татьяна пишет человеку, которого создало ее воображение. Татьяна и Онегин столь различны, что, идя навстречу друг к другу, они обязательно пройдут мимо, так несоприкасаемы их души.

Гюстав Флобер неоднократно переделывал роман, отрицая наличие прототипа героини, заявив однажды: «Госпожа Бовари — это я». После публикации романа в журнале «Ревю де Пари» Флобер и редактор журнала были привлечены к судебной ответственности за «оскорбление морали». Флобер был известен в России, русская критика восторженно приняла его в переводе Ивана Тургенева. Его романы пользовались успехом. Модест Мусоргский написал оперу по мотивам «Саламбо». Для творчества Гюстава Флобера свойственна тщательная разработка характера с подробностями в деталях. Эмма, дочь фермера Руо, выходит замуж за провинциального врача Шарля Бовари и вскоре разочаровывается в браке и начинает искать любовь и утешение на стороне.

Время остановилось в маленьком городке, в котором живет Сергеев. Времена перемешались, перепутались и наступило «всегда». Спектакль состоит из новелл, каждая из которых – история любви или расставания, полная смешных недоразумений, посиделок с песнями под гитару и под баян, которые часто кончаются потасовками. Разные люди, разные характеры – поток жизни, где каждая страница открывает ее новую грань, заставляющую то рассмеяться, то огорчиться, а то и  порадоваться остроумию неожиданно разрешенной ситуации. Очень узнаваемые герои, жизненные ситуации, радости и печали. Они живут где-то совсем рядом. Может, это наши соседи. А может, мы сами.

…Так и я родился и явился сначала скромной моделью себя самого, чтобы родиться снова более совершенным творением… Микеланджело Буонарроти, XXIV сонет Успех «Тани» в советском и российском театре мало назвать огромным. В заглавной роли блистали Мария Бабанова, Алиса Фрейндлих, Татьяна Самойлова, Ольга Яковлева и другие знаменитые актрисы. До сих пор в каждом сезоне на афише какого-нибудь театра России обязательно есть «Таня», и в каждом поколении актрис тоже есть своя, новая, не похожая на других, любимая зрителями Таня – арбузовская героиня, высокая проба мастерства и таланта актрисы.

Пьесу «Обыкновенное чудо» Е.Л. Шварц, по его собственному признанию, сочинял 10 лет, потому что особенно дорожил ею и работал над ней только в те часы, «когда чувствовал себя человеком». Евгений Львович посвятил эту работу жене Екатерине Ивановне; они поженились за 15 лет до выхода пьесы. Фраза, произнесённая в самом начале, с буквальной точностью передаёт мысли драматурга: «Пятнадцать лет я женат, а влюблён до сих пор в жену свою, как мальчик, честное слово!». Николай Чуковский: «Верил ли Шварц в возможность побеждать зло искусством или не верил, но пьесы его полны такой горячей ненависти к злу, к подлости всякого рода, что они обжигают… И хотя пьесы его – сказки, и действие в них происходит в выдуманных королевствах, зло и добро в них – не отвлечённые, не абстрактные понятия.»

Режиссёр Наталья Ковалёва: «История Павла I – очень русская история, бурная, противоречивая. Личность его – человека неординарного, любознательного, образованного, остроумного, способного к поэтической импровизации и при этом болезненно самолюбивого, нервного – не может оставить равнодушным… Кто-то говорит о нём «идиот», а кто-то называет «гением». Но истина всегда посередине: «Я – человек», – говорит Павел. Человек, чьё самое горячее желание – сделать всех счастливыми. И в этом его трагическое несовпадение с окружающими: каждый из его окружения хочет счастья только для себя. Время примиряет с прошлым, а история в своём движении нередко совершает «реабилитацию» героев ушедших эпох. Услышать время, заглянуть в свою историю, присмотреться к личности Павла I и увидеть в нём глубокое человеческое страдание, нужно для того, чтобы задуматься о нас, сегодняшних.»

«Первый глоток из сосуда естественных наук делает нас атеистами, но на дне сосуда нас ожидает Бог» В.К. Гейзенберг В 2025 году весь мир отмечает 100-летие квантовой механики – одной из наиболее передовых, совершенных и прекрасных научных теорий, и в то же время – одной из самых нестандартных за всю историю человечества. У её истоков стоял, в том числе, и Лев Давидович Ландау (1908-1968) – выдающийся советский физик, действительный член Академии наук СССР. В январе 1962 года Лев Ландау – или «Дау», как называли его друзья и близкие – попадает в автокатастрофу и погружается в состояние комы. Почти два месяца он заперт между жизнью и смертью. Весь мир объединяется ради спасения советского Гения. Сам же Ландау каждый день борется за жизнь, собирая своё сознание буквально по крупицам. Анатолий Шульев, режиссёр: «Самая большая тайна – это наше сознание. Откуда оно берётся, если мир – это всего лишь вибрации квантовых полей? Может быть, оно и есть начало всего? И наша жизнь есть воображение Бога? Нет ничего увлекательнее, чем заглянуть в голову другого человека. Тем более такого интересного, как Лев Ландау. Увидеть, как в нём соединяются, казалось бы, несоединимые вещи. В спектакле нас больше интересуют вопросы, чем ответы. Самый известный эксперимент квантовой физики говорит о том, что частица света находится в нескольких местах одновременно. Можно измерить её скорость или обнаружить положение, но нельзя сделать обе вещи одновременно. В каком-то смысле этот парадокс мы и попытаемся воплотить на сцене. Это будет своеобразная Одиссея в поисках красоты, гармонии, счастья, через темноту к свету познания». Благодарим Татьяну Осину и Марину Ошарину за идею постановки и неоценимую помощь в работе над текстом нашего спектакля.

Олег Долин, режиссёр: «Ночь перед Рождеством» – прекрасная повесть. В её восприятии много стереотипов, поэтому хочется добиться нового звучания. Вместе с артистами мы искали, как сегодня эта история должна выглядеть и звучать, каков способ существования на сцене исполнителей в этом материале. Зритель, который придёт на наш спектакль, не забудет о вахтанговских традициях, о том, что он в театре актёрского отстранения, поэтому хочется проникнуть в глубину этой истории, в суть этих удивительных персонажей. Мы ставим спектакль в зале «Амфитеатр» Симоновской сцены. Само пространство интересно и аскетично, у нас будет и видео составляющая. Мы работаем этюдным методом, ведь это не драматургия, а проза, сцены не идут одна за другой, а создаётся композиция по тексту. Я впервые ставлю спектакль в Театре Вахтангова, но я – выпускник Щукинского института, в театре работают мои педагоги, безмерно уважаемые и почитаемые мною. Я чувствую, что мы «одной крови» с актёрами и работниками цехов. Мне здесь очень комфортно работать – давно такого не было.

Знаменитая артистка театра и кино, звезда телесериала «Кухня» Елена Подкаминская в моноспектакле о судьбе актрисы. Главным героем становится также завораживающая музыка Фаустаса Латенаса, которая создаёт настроение, образы и атмосферу. Режиссерский рисунок позволяет актрисе играть интонациями, иллюстрируя героев повествования, наслаждаться звучанием слова, импровизировать. Елена Подкаминская окончила Театральный институт имени Бориса Шукина (курс Александра Ширвиндта). Широкую известность у телезрителей приобрела в сериале «Кухня» в роли арт-директора ресторана Виктории Сергеевны. Уже в статусе известной и любимой зрителями актрисы сериала «Кухня» Елена снялась в полнометражном фильме «Кухня в Париже», где её партнером был знаменитый французский актер Венсан Перес. В фильмографии актрисы более 30 киноработ: «Я вернусь», «По ту сторону от войны», «Судьба по имени Фарман», «О чем говорят мужчины» и др. Режиссёр спектакля — заслуженный артист России, заслуженный деятель искусств Алексей Кузнецов. Актёр сыграл в множестве спектаклей,  кинозрители полюбили его роли в фильмах «Зеленый огонек», «Крутой горизонт», «Отцы и дети», «Гончарный круг», «Д’Артаньян и три мушкетера» и др. В качестве режиссёра и со-режиссёра работал над вечерами Дома Актёра и спектаклями Вахтанговского театра. Фаустас Латенас — композитор, который несколькими музыкальными фразами способен создать настроение, интонацию спектакля, взволновать или утешить зрителя, дать надежду героям или оборвать ложные чаяния.

К 90-летию А.И. Солженицына Идея создания сценической редакции рассказа принадлежит Александру Михайлову. Режиссёр Театра Вахтангова, профессор Щукинского театрального института Владимир Иванов владеет редким даром психологического анализа, тончайшей разработкой характеров в сочетании с точно угаданной интонацией автора. Эти качества пригодились в работе над прозой А.И.Солженицына. В соавторстве с Александром и Еленой Михайловыми, в свое время закончившими Щукинское училище, художником Максимом Обрезковым, режиссером и автором сценической версии Владимиром Ивановым родился спектакль “Матренин двор”. Премьера его окончательной редакции состоялась 13 апреля 2008 г. на малой сцене театра им. Евг.Вахтангова. Н.Д. Солженицына с уважением отнеслась к этой работе и одобрила ее. Спектакль “Матренин двор” – подарок вахтанговцев к 90-летию Александра Исаевича Солженицына – великого писателя и гражданина.

Сергей Яшин, режиссёр спектакля: «История, рассказанная в пьесе «Королева-мать», автобиографична. Так написать мог только человек, который или сам это прожил, или услышал подобное от своих детей, друзей, близких. Событие, ставшее основой пьесы, подкупает своей подлинностью, настолько всё индивидуально и личностно. И становится понятно, что важен не конкретный случай, а показаны отношения между детьми и родителями в самом широком понимании, которые, увы, очень часто превращаются в открытую и беспощадную вражду. Мы становимся свидетелями непоправимого непонимания близкими людьми друг друга и фатальных последствий этого противостояния. В медицине есть такой термин – «сердечная недостаточность». Но есть и другая сердечная недостаточность, от которой страдает душа, потому что не может справиться с невозможностью родных услышать друг друга. Волею судьбы и обстоятельств в квартире матери оказываются мать и сын, которые давно не виделись, они стремятся друг к другу, но всё упирается в неосуществимость нормального человеческого контакта.»

Имя Amadeus означает любовь Бога, и эта любовь обращена на Моцарта, а не на Сальери. Для Сальери мучительно осознавать, что Бог выбрал своим инструментом другого человека. Он объявляет сделку с Богом недействительной и начинает ему мстить, уничтожая Моцарта. Тот факт, что Сальери единственный, кто при дворе императора способен в полной мере оценить талант Моцарта, развязывает ему руки. Обычно, говоря о расплате за вечность, мы вспоминаем историю Фауста. Сальери в отличие от Фауста хотел заключить сделку с Богом, а не с дьяволом. Но Бог не заключает сделок. Высшим наказанием для Сальери, все долгие годы его жизни, стало мучительное понимание бессмертия музыки Моцарта и осознание бессмысленности своих действий. Анатолий Шульев, режиссёр: «Это история о природе таланта, о вечной неудовлетворенности человека собственной жизнью, и о его беззащитности перед Вечностью. Антонио Сальери когда-то был самым популярным и востребованным композитором Вены, но теперь, в старости, он всеми забыт. Больше всего на свете Антонио боится забвения. Он готов на всё, лишь бы остаться в памяти потомков. И он не понимает, где в прошлом что-то пошло не так. Для этого старик Сальери погружается во сны наяву — в воспоминания о прошедшей жизни, где он ещё молод, успешен, и где ещё жив тот, кого мир помнит и любит до сих пор — гениальный и неразгаданный Вольфганг Амадей Моцарт.»

Захватывающие приключения, феи, пираты, индейцы, русалки – посетите мир волшебства. Задача актеров – разбудить фантазию ребёнка, увлечь его и предложить участвовать в сказочных событиях, сделать так, чтобы маленьким зрителям захотелось после спектакля доиграть, досочинять историю. Приглашаются все желающие дети к сотворчеству. Спектакль рассчитан и на детей с шести до семи лет, и на взрослых, особенно на тех, кто в душе так и остался ребёнком. Детство продолжается, пока человек играет. Продолжительность спектакля: 2 часа.

Юных зрителей ожидает целый волшебный мир, который населяют не только всем известные персонажи сказки Шарля Перро, но и совсем новые герои: грозный Ураган и находчивая Статс-дама, весёлые разбойники, говорящие деревья и птицы. А новые герои – значит, и новые приключения. Добрые песни, зажигательные танцы, акробатические трюки порадуют и детей, и взрослых. В постановке Владимира Иванова задействовано множество зрелищных элементов: яркие костюмы и грим, перемена декораций с помощью поворотного круга, использование объёмной видеопроекции. Состав спектакля постоянно обновляется. Играют студенты Театрального института имени Бориса Щукина и молодые артисты Вахтанговского театра. В самом первом составе, сыгравшем премьеру в 2013 году, были студенты курса, которым тогда руководил режиссёр Владимир Владимирович Иванов. Теперь многие из них уже играют главные роли в других спектаклях нашего театра. Тем временем неизменно одно: сколько бы раз ни был сыгран «Кот в сапогах» — каждое утро перед приходом зрителей Владимир Иванов обязательно проходит самые сложные сцены вместе с молодёжью. Победитель конкурса II московского фестиваля детских спектаклей “Лига Синей Птицы”, 2014 Лауреат VII ежегодной театральной премии «Звезда Театрала» в номинации «Лучший спектакль для детей и юношества», 2014

Прикосновение к античности, попытка приоткрыть дверь в мир столь далёкий и пленительный со своими законами, эстетикой, сюжетами — это риск. V век до нашей эры, нас и героев Софокла разделяют почти 2500 лет. И всё же: гордость, страсть, ответственность, сострадание — это вечные темы. Театр Вахтангова находит способ приблизить ту эпоху к современному зрителю , наполнить её эмоциями и страстями. «Царь Эдип» — первый в истории человечества детектив. Такой, что его сюжету могут позавидовать современные авторы. Целеустремленный, требовательный и беспощадный, наделённый безграничной властью следователь распутывает нити интриг и оказывается главным преступником. Конфликт зреет в душе Эдипа. Совершив убийство в запальчивости, по незнанию, он находит силы для суда над самим собой. Не бежит и не ждёт наказания извне, а выносит себе  приговор. Строгий, беспощадный, нравственный. Осознанно теряя власть, благополучие и здоровье, Эдип стремится обрести искупление через страдания.

Степенный учитель музыки пишет весьма фривольные оперетты, а юная воспитанница монастырского пансиона мечтает о театре… Знакомый сюжет, не так ли? Постановка Владимира Иванова стала новым прочтением оперетты, но в ней остались особый шарм, изящество, остроумная шутка, восхитительный вокал, озорной танец и легкий, ироничный стиль вахтанговской игры. Впервые оперетту «Мадемуазель Нитуш» в Театре Вахтангова поставил в декабре 1944 года Рубен Николаевич Симонов. Художником по костюмам был Николай Акимов, а текст интермедий написал Николай Эрдман. Этот спектакль играли и 9 мая 1945 года – а в антракте и зрители, и артисты вместе вышли на улицу смотреть салют Победы. Уже более 15 лет новая версия «Мадемуазель Нитуш» украшает афишу Вахтанговского театра и остается безусловным шлягером. Бессменно в спектакле играют Мария Аронова в роли начальницы пансиона «Небесные ласточки» и Анатолий Меньщиков в роли унтер-офицера Лорио.

Заслуженный артист России Александр Павлов — актёр театра и кино, знаменитый чтец и исполнитель романсов, представляет в Арт-кафе новую программу: «Незнакомый Крылов». В её основе — поэтические тексты русского писателя, знаменитого баснописца Ивана Андреевича Крылова. Музыка М.И. Глинки и Д.С. Бортнянского На счету Александра Павлова более 60 фильмов, среди которых «Экипаж», «Преступление и наказание», «Мужики», «Слезы капали», «Человек с бульвара Капуцинов», «Процесс», «Жажда», вошедших в золотой фонд российского кино, и подаривших артисту заслуженное признание и любовь многочисленных российских зрителей. Исключительные вокальные данные позволили актёру создать несколько сольных концертных программ, в основе которых романсы и поэзия Александра Пушкина и Сергея Есенина.

Русский вальс – всегда отражение времени. Выдающиеся композиторы разных эпох писали вальсы на самые разные сюжеты. Вальс проник в симфоническую, оперную и балетную музыку, а впоследствии даже в джазовые композиции. Вальсы звучали на балах, в салонах дворянских усадеб, в садах, парках и в кино. Популярные советские кинофильмы 40-х и 50-х годов невозможно представить без вальсов. В музыкальной гостиной музея состоится изумительный вечер, посвященный всем разновидностям русского вальса. Вокальные и танцевальные дуэты, вальсы-романсы и инструментальные композиции исполнят артисты «Москонцерта»: почетный деятель искусств города Москвы Ирина Суханова и Александр Гладков. Весь вечер за роялем – Ирина Никонова.

Вечера народной артистки России Марины Есипенко всегда получаются удивительно арбатскими, настоящими. В этом их особый шарм. «В Александровском саду» произведения Золотого века чередуются со стихами наших современников, звучат песни Олега Митяева. Одна за другой раскрываются драгоценные грани таланта Марины Есипенко. Жанр пародии тоже полностью подвластен этой лёгкой, звонкой, очаровательной вахтанговской актрисе. Павел Подкладов о вечере марины Есипенко: «Марина выйдет на крошечную сцену для того, чтобы пообщаться с вами, почитать стихи, спеть песни. Если на большой сцене театра актеры обычно произносят чужие тексты, то здесь будет доверительный разговор с любимыми зрителями буквально с глазу на глаз. И это дорогого стоит. Хотя и таит немало опасностей для любого актера. Когда ты «на носу» у зрителя, невозможно фальшивить, врать, прикидываться значительным, умным и талантливым, если этих качеств у тебя нет и в помине. Но Марине и не надо «прикидываться», потому что она — гармоничный, интересный и доброжелательный человек. И это очень притягивает к ней людей.»

Музейное собрание уникальных книжных изданий, которые расскажет об истории книгопечатания нашей страны.

Фотографии и негативы с изображением Толстого и Горького, Ахматовой и Бунина, Чехова, Блока, Паустовского и многих-многих других — в одной из самых богатых в России коллекций Государственного литературного музея.

Вас ждет увлекательный рассказ сотрудников Музея об истории нашего Театра и его современных буднях и праздниках. Вы познакомитесь с пространством основной сцены Театра, закулисной частью, мемориальным кабинетом Р.Н. Симонова и М.А. Ульянова, “сталинской” ложей, исторической фотовыставкой и выставкой костюмов, экспозиционным залом и недавно открытым залом спектакля «Пристань». Официальная история театра началась 13 ноября 1921 года – в день премьеры спектакля Евгения Вахтангова «Чудо святого Антония» в здании на Арбате, 26. В 1922 году вахтанговцы сыграли премьеру «Принцессы Турандот», ставшей нашей визитной карточкой на долгие годы. В разное время театром руководили легендарные режиссёры и актёры: Рубен Симонов, Евгений Симонов, Михаил Ульянов. С 2007 по 2022 год художественным руководителем был Римас Туминас. Осенью 2018 года на должность главного режиссёра был приглашён Юрий Бутусов. Ждём вас в театре!

Экскурсия «Вахтанговское закулисье. Новая сцена» — это портал между прошлым и будущим театра. Вы узнаете, как сочетаются высокие технологии и вековые традиции, кого называл Евгений Вахтангов капитаном, сколько уровней подземелий у Театра Вахтангова, для чего на сцене нужны «лягушки» и многое другое. Вам предстоит познакомиться с пространством Новой сцены Вахтанговского театра, открытой в октябре 2015 года, и побывать в тех закоулках театрального комплекса, где обычно не ступает нога зрителя. Сотрудники театра расскажут о работе разных подразделений при подготовке и проведении спектакля, покажут Вам помещения свето- и звукоаппаратных, пульт помощника режиссёра и склад декораций, гримёрный цех, запасник театральных костюмов и многое другое. Ждём вас в театре!

На лекции будет освещена тема отмены крепостного права в Российской империи. Посетители музея узнают, как формировалась антикрепостническая идеология в русском обществе, почему в правление Николая I попытки ограничить крепостное право были обречены на неудачу, что послужило поводом к началу реформ и какую роль в процессе преобразований сыграли Александр Герцен и Вольная русская типография. Лекцию читает ведущий научный сотрудник отдела Государственного литературного музея имени Владимира Даля «Дом-музей А. И. Герцена» Елена Нарская.