Театр у метро «Арбатская»

Спектакль для детей и взрослых по сказкам Ганса Христиана Андерсена в постановке молодого режиссёра Аси Князевой.

Спектакль в постановке режиссёра Михаила Цитриняка рассказывает о судьбе великой актрисы Сары Бернар.

Россия между двух революций: 1905-1917. Два мира. Одна мастерская. Одна семья. Динамику эпохи передают знаменитые произведения искусства, её обрамляющие. В 1906 году создано самое большое из яиц Фаберже Императорской серии – «Московский Кремль»; в 1915 – «Чёрный квадрат» Казимира Малевича. Павел Кутейников, гений русского ювелирного искусства, верит: его хрупкие творения из сверкающего металла и драгоценностей переживут века, потому что красота вечно лежит в основании мира. Сыновья Кутейникова с детства впитали веру отца. Но они – дети революционного времени, каждый из них по-своему переживает драму расколовшегося «Серебряного века». Линия раскола прошла прямо по семье, раздор поселился в доме Кутейниковых. Отец и сыновья спорят не о деньгах, не о политике, а о красоте, в которой продолжают искать опору в лихие времена. В чём она, истинная красота: в блеске золота или пламени мирового пожара? Анатолий Шульев, автор идеи и режиссёр: «Наш спектакль не о том, «как это было». Скорее, мы ведём диалог с историей, вместе всматриваемся в эпоху, где в горниле революций и войн проверялось на прочность всё: семейные узы, личные идеалы, любовь, вера, преданность и мастерство. Начало XX столетия – эпоха тотального самоутверждения человека, бескомпромиссного фанатизма и жизнетворчества; эпоха, когда перерождалась страна, неузнаваемо менялся мир, а человечество искало рай, сидя верхом на пороховой бочке. В том обжигающем времени гораздо больше рифм с нашей современностью, чем может показаться на первый взгляд: кризис веры, морали, традиционных ценностей, обретение технологий, к которым человечество совсем не готово, разобщённость и нарастание угроз, связанных с оружием массового поражения. Предреволюционная Россия 1917 года очень напоминает сегодняшний мир в целом, со всеми его противоречиями, ускоряющимся временем, за которым простой, живой человек порой не поспевает. Как же сохранить в этом мире себя самого, свою семью, веру в человека, в любовь и в красоту?»

История эта проста, как дыхание. И оттого так невыносимо трогает сердце и будоражит мысли каждого. Три человека. Три судьбы, израненные войной и суровой жизнью. Шизофреник, эпилептик, одноногий ветеран – герои Первой мировой, доживающие свой век в тихом загородном пансионе. Но разве можно назвать их существование тихим? Нет! Они жадно ловят каждое мгновение, каждый лучик солнца, каждый порыв ветра в тополях. Каждый день они собираются на террасе. Смотрят на холм вдали. Мечтают о путешествии – хотя бы до этого холма, а лучше... лучше в Индокитай! У каждого из них – целая вселенная воспоминаний, богатое прошлое, полное событий, которые так и просятся быть рассказанными. И потому, как это часто бывает у взрослых, очень занятых людей, у них всегда находится тысяча причин отложить запланированный побег из пансиона. Но самое главное – они пытаются. Они не сдаются. Они живут.

Спектакль Михаила Левитина о молодых годах Елены Блаватской, религиозного философа, литератора, публициста, оккультиста, путешественницы, одной из самых ярких и загадочных женщин не только в российской, но и в мировой истории. Спектакль о тифлисском периоде жизни героини, когда формировалась ее личность, а влияние на умы людей распространялось пока только на членов семьи, встречая их активное сопротивление. Елена Блаватская оказалась тогда в кругу выдающихся исторических деятелей царской России, отличавшихся исключительным консерватизмом. А кем была она? Обладательницей тайного знания или неподражаемой авантюристкой? Может быть, просто веселой женщиной?

Александр Олешко: «Музыку к спектаклю по моей просьбе написал легендарный Александр Зацепин – гений, признанный классик своего жанра. Без его музыки в кино невозможно представить нашу жизнь!». Александр Олешко: «Сказка о царе Салтане» адресована не только маленьким зрителям.  Это настоящий шедевр! Это великий русский язык! Это истинный гений Александр Сергеевич Пушкин, посланный нам свыше в утешение, на радость и на удивление! Из-за пандемии премьеру пришлось перенести. Но это наша благодарность великому поэту по следам его 220-летия со дня рождения. Вся сказка будет рисоваться на глазах у зрителей специальными красками на воде художником Анной Клыковской или разноцветным песком художником Лилией Чистиной. »

Сказка для оркестра и чтеца «Аленький цветочек» – это новая интерпретация известной истории о русских Красавице и Чудовище. Сказка сопровождается многокрасочным песочным шоу, выполненным по заказу Театра Вахтангова. Александр Олешко и оркестр Вахтанговского театра (музыкальный руководитель – Татьяна Агаева) подарят юным зрителям сказку «Аленький цветочек», музыку к которой написал современный композитор и дирижер Андрей Рубцов. Текст Сергея Аксакова был подвергнут переработке, благодаря которой повествование обрело нужную динамику. «Аленький цветочек» – оригинальное и целостное сочинение. Композитору удалось создать яркие и запоминающиеся музыкальные образы, точно иллюстрирующие происходящие события. Александр Олешко: «Читать сказки с оркестром – это особое творческое счастье! Но в случае с «Аленьким цветочком» и волшебной музыкой, которую написал Андрей Рубцов, это умноженные в сто раз радость и восторг! Талантливый композитор, удивительный дирижер, добрый, честный, хороший человек! Все эти качества можно услышать в музыке! И я точно знаю, что и взрослые, и дети станут чуть счастливее и захотят прослушать эту сказку и эту музыку еще не раз!». Автор музыки: Андрей Рубцов – композитор и дирижер, окончил Московскую государственную консерваторию им. П.И. Чайковского по классу дирижирования, а затем – аспирантуру Королевской академии музыки в Лондоне.

Гюстав Флобер неоднократно переделывал роман, отрицая наличие прототипа героини, заявив однажды: «Госпожа Бовари — это я». После публикации романа в журнале «Ревю де Пари» Флобер и редактор журнала были привлечены к судебной ответственности за «оскорбление морали». Флобер был известен в России, русская критика восторженно приняла его в переводе Ивана Тургенева. Его романы пользовались успехом. Модест Мусоргский написал оперу по мотивам «Саламбо». Для творчества Гюстава Флобера свойственна тщательная разработка характера с подробностями в деталях. Эмма, дочь фермера Руо, выходит замуж за провинциального врача Шарля Бовари и вскоре разочаровывается в браке и начинает искать любовь и утешение на стороне.

Аскар Галимов, режиссёр: «Меня пригласили в Театр Вахтангова после того, как поставленный мною в ГИТИСе дипломный спектакль «П.О.Л.Е.» по пьесе Олега Богаева посмотрели народная артистка России Людмила Васильевна Максакова и главный режиссёр Вахтанговского театра Анатолий Фёдорович Шульев. Для меня это было неожиданностью. Ни о чём подобном я не мечтал. Театр Вахтангова – один из мощных, лучших в театральном мире, и я понимаю свою огромную ответственность. И всё, что происходит в моей жизни, я принимаю с благодарностью. «Утиная охота» стала поводом для размышлений об отношениях между моими родителями, о моих непростых взаимоотношениях с отцом. Я размышлял и о характере главного героя. Это особый человеческий тип. Зилов не живёт, однако всё время ожидает, когда эта жизнь начнётся. Здесь важно понять философию жизни этого персонажа. Для меня он – человек, который пытается снова почувствовать жизнь, убедить себя, что ещё не все потеряно. Я полтора месяца выбирал актёров для спектакля, провёл кастинг, интуитивно сформировал ансамбль. А постановочная команда у меня сложилась своя – мы уже вместе делаем четвёртый спектакль.»

Автобиографическая «Повесть о Сонечке» была написана М.И. Цветаевой в 1937-1939 годах в городке Лакано-Осеан на побережье Атлантического океана. Поводом к написанию послужило запоздалое известие о смерти Софьи Голлидэй (1894-1934), с которой она была особенно дружна в период короткого увлечения театром и людьми театра. В 1918 году Цветаева познакомилась с актёрами Павлом Антокольским и Юрием Завадским – участниками театральной Студии Евгения Вахтангова (так называемой «Мансуровской студии» – по названию переулка, на котором она помещалась), а потом с актёрами Владимиром Алексеевым и Софьей Голлидэй, занимавшимися и в Студии Вахтангова, и во Второй студии МХТ. Молодые студийцы и их учителя сформировали круг её общения в 1918-1919 гг. Владислав Наставшев, режиссёр: «Повесть о Сонечке» – густой, очень плотный текст. Общественные потрясения становятся для Марины Цветаевой своеобразным катализатором. Сумасшедшая энергия обновления, которой буквально пропитан воздух, даёт ей силы, темы, новый язык. О ком бы ни писала Цветаева, она, как большой поэт, писала о себе. Примеривала на себя чужие жизни, разные роли. Её проза, соединенная с реалиями жизни, полна магии, которая завораживает…»

«Бег» – 8 снов Булгакова о гражданской войне, пересказанных режиссером Юрием Бутусовым под «Пинк Флойд». Пьеса «Бег» Михаила Булгакова почти не имеет сценической истории. Меньше 10 более или менее известных постановок за почти 100 лет! Причина кроется в авторе, создавшем столь оригинальное произведение для театра, к которому далеко не каждый режиссер способен подобрать ключик. Многократный лауреат «Золотой маски» Юрий Бутусов рискнул и представил зрителю свое видение «Бега» – истории о людях в период Гражданской войны, поделенной не на акты или действия, как это обычно бывает в пьесах, а сны. Мрачная захватывающая красота с легким привкусом ночного кошмара, драма и абсурд, романтика и сарказм, психологическая глубина и ювелирно выстроенная композиция – так можно описать тот мир, который создал режиссер на сцене.

Пьесу «Обыкновенное чудо» Е.Л. Шварц, по его собственному признанию, сочинял 10 лет, потому что особенно дорожил ею и работал над ней только в те часы, «когда чувствовал себя человеком». Евгений Львович посвятил эту работу жене Екатерине Ивановне; они поженились за 15 лет до выхода пьесы. Фраза, произнесённая в самом начале, с буквальной точностью передаёт мысли драматурга: «Пятнадцать лет я женат, а влюблён до сих пор в жену свою, как мальчик, честное слово!». Николай Чуковский: «Верил ли Шварц в возможность побеждать зло искусством или не верил, но пьесы его полны такой горячей ненависти к злу, к подлости всякого рода, что они обжигают… И хотя пьесы его – сказки, и действие в них происходит в выдуманных королевствах, зло и добро в них – не отвлечённые, не абстрактные понятия.»

Спектакль по рассказам Гоголя, вошедшим в сборник «Вечера на хуторе близ Диканьки»: «Сорочинская ярмарка», «Майская ночь, или Утопленница», «Ночь перед Рождеством», «Заколдованное место» – это переплетение различных образов и героев, национальностей и традиций, надежд и ожиданий, сливающихся вместе в предчувствии главного события – сорочинской ярмарки. Вот только ярмарка эта никак не может состояться, жених никак не может встретиться с невестой, торговцы – разложить свой товар, а главный герой и рассказчик не может найти вечно мешающего ему беса и пуститься в пляс.

Честный разговор о людских судьбах и их хитросплетениях, о забавных и нелепых случаях из жизни, о памяти и забвении, о выборе и вечном поиске. Даже в тяжелые времена испытаний и абсолютного безверия герои находят силы сохранить в себе человека. Их истории становятся настоящими псалмами и надеждой на спасение в период «русского лихолетья»... Спектакль, собранный из рассказов, писем, заметок и дневниковых записей М. Булгакова, создан студентами нескольких курсов Вахтанговской школы. Их художественные руководители – профессор А. Дубровская и профессор В. Николаенко. Автор пьесы, режиссер спектакля и сценограф – студент третьего курса Е. Сидоренко. В спектакле используется музыка И. Шатрова, а также стихи П. Германа и А. Вертинского.

Лондон, XVIII век, дворцовые тайны, интриги, перевороты. Знаменитая пьеса Э. Скриба – цепочка ходов шахматной партии, ведущейся при дворе, а ходы – тонкий расчет или веселая нелепость, фантастическое стечение обстоятельств или искренняя любовь. Исторические персонажи и реальные факты не делают сюжет этой яркой и эксцентрической комедии документальным. Как в драматургии У. Шекспира, у Скриба реальность становится лишь поводом для неудержимого полета фантазии и остроумия. Место действия спектакля – Сент-Джеймсский дворец, в котором золото и пышное убранство заменили идеальной английской лужайкой. Особы голубых кровей здесь колесят на велосипедах, верша судьбы народов. А суть остается прежней: две главные противоборствующие силы – обаятельный и решительный лидер оппозиции Генри Сент-Джон и влиятельная фаворитка королевы герцогиня Мальборо – ведут свою партию под лозунгом: «Движение – счастье, покой – несчастье». Игра их, азартная и всепоглощающая, способна увлечь кого угодно, от простой продавщицы магазина Абигайль и ее возлюбленного капитана Мешема до самой королевы Анны.

Заслуженный артист России Александр Павлов — актёр театра и кино, знаменитый чтец и исполнитель романсов, представляет в Арт-кафе новую программу: «Незнакомый Крылов». В её основе — поэтические тексты русского писателя, знаменитого баснописца Ивана Андреевича Крылова. Музыка М.И. Глинки и Д.С. Бортнянского На счету Александра Павлова более 60 фильмов, среди которых «Экипаж», «Преступление и наказание», «Мужики», «Слезы капали», «Человек с бульвара Капуцинов», «Процесс», «Жажда», вошедших в золотой фонд российского кино, и подаривших артисту заслуженное признание и любовь многочисленных российских зрителей. Исключительные вокальные данные позволили актёру создать несколько сольных концертных программ, в основе которых романсы и поэзия Александра Пушкина и Сергея Есенина.

Режиссёр спектакля Анна Горушкина: «В современном мире общественное мнение и статус человека становятся важнее чем чувства, родственные связи. Ради статуса – можно предать даже близкого, родного человека. В “Нахлебнике” есть эта тема, и она для меня очень важна. Людей, подобных главному герою спектакля, я называю чудаками. Чудаки – те, кто сохранил в себе душу, достоинство; просто внешне они не занимают много места в обществе. Они стараются не мешать другим жить: они способны принимать людей такими, какие они есть, способны жертвовать. Главный герой – человек достойный, он многое мог бы сделать, многое изменить в жизни. Но он не выпячивает свои душевные достоинства; для него важнее всего то, что он прожил жизнь любя, а значит прожил её не зря.»

Режиссёр Владислав Наставшев: «Интересно задуматься о том, кто в «Идиоте» главный герой. С одной стороны, конечно, князь Мышкин. Он резко отличается от других действующих лиц. Мышкин – человек «извне», он приезжает в Россию из Швейцарии, где прожил долгое время. Поэтому он способен взглянуть на Россию не только «изнутри» как русский человек, но и с позиции другой культуры. Достоевский ведь и сам писал «Идиота», находясь за границей. Мышкин – не такой, как все, еще и потому, что он болен; его взгляд на действительность поневоле отличается от взгляда окружающих его здоровых, или «нормальных» людей. С другой стороны, князь Мышкин – не только действующее лицо. Он – еще и зритель разворачивающейся перед ним драмы, в которой другие герои – актеры. Играя свои роли, они втягивают Мышкина в свое действие, и он становится «идиотом» в том смысле, что перестает отличать правду от вымысла, свою правду – от чужой игры. Романы Достоевского верно называют «полифоничными». Это значит, что каждый из героев претендует на обладание некой конечной правдой. В столкновении разных правд рождается новая реальность, в которой с равной силой звучат разные голоса. В этом смысле все герои «Идиота» – авторы сюжета; все герои главные, они даже спорят за авторство своей истории. Поэтому в романе невозможно определить одну правду – «главную» для всех. В этом хоре голосов Достоевский стремится услышать и предугадать будущие судьбы своей страны и ее людей. «Идиот» – это, конечно, роман о России.»

Дружба – это одна из самых главных вещей в жизни ребенка с того момента, как он столкнулся с окружающим миром, пошел в школу, встретился со сверстниками. Но что такое дружба? Какая она бывает и откуда берется? Может ли она быть доброй или хитрой? Бескорыстной или завистливой? Смелой или трусливой? Разобраться в этих непростых вопросах маленьким зрителям помогут герои спектакля «Сказки дядюшки Римуса», – безусловно, хорошо знакомые старшему поколению Братец Кролик, Братец Лис, Братец Медведь, Братец Волк и сам дядюшка Римус (рассказчик, чей образ станет отдельным сюрпризом спектакля) – герои знаменитых на весь мир сказок Джоэля Харриса. Истории противостояния ярких и острохарактерных героев, – это череда невероятных приключений, бесконечная погоня друг за другом, смешные и нелепые ситуации. Многие из этих рассказов послужили вдохновением для хорошо знакомых мультипликационных приключений Тома и Джерри, Волка и Зайца из «Ну, погоди!». Однако важно отметить, что каждая из сказок дядюшки Римуса призвана не только развлечь зрителя, но и заставить его задуматься о чем-то более важном: о справедливости, находчивости и смелости, вежливости и понимании. И самое главное – о дружбе.

Моноспектакль «Записки сумасшедшего» (руководитель постановки — Римас Туминас) с неизменным успехом идёт на сцене Студии Вахтанговского театра уже больше 10 лет. Юрий Красков: « У творчества Николая Гоголя не было предшественников, не было образчика ни в русской, ни в зарубежной литературе. Игнорируя и все сложившиеся традиции, и новые веяния, Гоголь открывает нам свой собственный мир, не похожий ни на что. Мир искусства, в котором жизнью управляет противоречие здравому смыслу. Один из самых неразгаданных писателей. Казалось бы, о Гоголе собраны все мельчайшие подробности его жизни, записки, заметки друзей и недругов. И всё же: «Я почитаюсь загадкой для всех, никто не разгадает меня совершенно…», — сказал сам Николай Васильевич. »

Джинн, белым дымом вырывающийся из старинного кувшина или лампы, – что может быть привычнее? Загадочный дух, готовый «разрушить дом или построить дворец» по одному слову счастливого освободителя, – ваш добрый знакомый с самых малых лет. А о чудачествах и приключениях доброго старика Гассана Абдуррахмана Хоттабовича, если вдруг кто-то и не читал, то слышал обязательно. Пришла пора ему вернуться! Ведь дело не в том, что он умеет творить чудеса. И не в том, что он может сделать своего повелителя сказочно богатым человеком. Дело как раз в его искренности и доброте. А такой человек и другого счастливым сделает, и чудеса сотворит необыкновенные!

Наталья Ковалёва: «Две актрисы простыми словами, песнями, языком пластики расскажут непростую историю о силе духа женщин, рядом с которыми мы живем. Представление создано по мотивам одноименной повести. Повесть эта — гимн Женщине, гимн Матери». В спектакле исполняются народные песни. «Чингиз Айтматов – писатель, хорошо известный не только в России, но и за рубежом. Повести его переведены на многие языки, экранизированы, показывались на фестивалях в Берлине и Венеции, спектакли по его произведениям ставились в театрах. Когда-то я начала читать Айтматова и влюбилась в его героев, его язык. Мечтала побывать на его земле. Будучи актрисой, создала программу по его произведениям и была приглашена с нею в Бишкек — праздновалось 85-летие писателя. Здесь я встретилась с родными Айтматова, своими глазами увидела его любимые горы, степи, пила воду Иссык-Куля. И поняла, что эту любовь сохраню и постараюсь передать другим. Так и родилась идея создания этого представления. Арт-кафе театра – то самое пространство, в котором нет четвертой стены и можно вести близкий, исповедальный разговор со зрителем. Очень простая история. Просто женщины, просто любовь, просто жизнь, просто война. Но здесь как в капле воды отразилась история тысяч людей Айтматов рассказывает о киргизской женщине. На самом деле у этой истории нет национальности, потому что в сердце у всех матерей единое чувство – любовь к жизни. Есть ли бесконечное счастье? Да – ответит каждая мать. Это сама жизнь. Жизнь бесконечна. Недаром символом спектакля является зерно: посаженное в землю оно всегда продолжит жизнь. Это и есть бесконечное счастье. Только бы земля не горела в огне войны. У героинь данные автором киргизские имена, но они говорят о любви, надежде, добре, беде, счастье знакомыми русскими словами. Повесть написана в 1963 году, но героини спектакля живут сегодня, потому что у настоящих чувств нет времени, они пребудут всегда. В спектакле много музыки — задушевные народные песни звучат в исполнении героинь», — Наталья Ковалёва, автор инсценировки и режиссёр.

«Дневник Анны Франк» – исторический документ. Это подлинная история одной еврейской семьи, скрывавшейся от нацистов в оккупированном Амстердаме в годы Второй мировой войны. Вход в тайное убежище был спрятан за книжным шкафом в конторе, которая до войны принадлежала Отто Франку, отцу Анны. Анна Мари Франк родилась 12 июня 1929 года во Франкфурте в еврейской семье. В 1933 году в Германии начались массовые гонения и притеснения евреев, и семья Анны была вынуждена переехать в Амстердам. 15 мая 1940 года была подписана капитуляция вооружённых сил Нидерландов. К 1942 году обстановка в Амстердаме накалилась настолько, что Анна Франк с сестрой, их родители и несколько друзей семьи были вынуждены спрятаться в мансарде дома. Снаружи казалось, что верхние этажи необитаемы. Дневник Анна получила в подарок ко дню рождения 12 июня 1942 года. Семья скрывалась в течение двух лет. В начале 1944 года Анна сама начала литературно обрабатывать записи, надеясь опубликовать их после окончания войны. Последняя запись в дневнике сделана 1 августа 1944 года. Вскоре всех обитателей убежища нашли и арестовали. В 1947 году Отто Франк опубликовал дневник дочери в сокращённой версии. С тех пор книга была много раз переиздана и дополнена, «Дневник Анны Франк» переведён более чем на 60 языков мира.

Людмила Гурченко – слишком яркая, слишком наша, слишком близкая, чтобы сочинять о ней оды. Настоящая женщина, она – вне времени. Кто-то обожал её, кто-то завидовал ей и, возможно, ненавидел, но никто не оставался равнодушным. Людмила Гурченко была добрым другом Вахтанговского театра и Римаса Туминаса. Никогда не пропускала премьеры, всегда была желанной гостьей. Это спектакль о ней, про неё. Посвящение великой актрисе? – Да, конечно, но при этом драматический текст целиком создан из книг самой Людмилы Марковны. Это её прямая речь: весёлая и грустная, трагичная и ироничная… разная. Какая угодно, как сама жизнь. Важные события биографии, актёрская карьера, друзья и недруги, победы и неудачи, радость и разочарование, – спектакль рассказывает обо всём. Честно, иногда резко, всегда – правдиво. Идея постановки родилась на концертах-квартирниках в Музее-мастерской Людмилы Гурченко в Трёхпрудном переулке. Повествование идёт от первого лица. И, конечно, спектакль никак не может обойтись без музыки и танцев.

Александр Гельман – знаменитый советский и российский драматург, чьи пьесы до сих пор идут во многих театрах страны. В рамках проекта «Театр Михаила Левитина глазами его учеников» молодой режиссер Василий Корсунов обратился не к драматургии, а к стихотворениям и биографической прозе этого удивительного автора. В его ярких, открытых, в чем-то кристально «прозрачных» и невероятно точных стихотворениях – искренность и мудрость человека, пережившего депортацию, гетто и войну, ставшего свидетелем всей второй половины XX века, свидетелем смены эпох.

Впервые театр «Эрмитаж» обращается к прозе Исаака Башевиса-Зингера, выдающегося американского автора еврейского происхождения, писавшего на идише, жившего и работавшего в Нью-Йорке. В 1978 году он был удостоен Нобелевской премии по литературе с формулировкой «За эмоциональное искусство повествования, которое, уходя своими корнями в польско-еврейские культурные традиции, поднимает вместе с тем вечные вопросы». Именно этим вечным вопросам и посвящен спектакль в постановке заслуженной артистки РФ Ирины Богдановой – всевозможным граням во взаимоотношениях между мужчиной и женщиной. Смешные, нелепые и даже случайные (на первый взгляд) встречи, вскользь брошенные слова вдруг обретают совершенно иной смысл, становясь судьбоносными. Постановка продолжает традицию уникальных интерпретаций малой прозы, предпринятую художественным руководителем театра Михаилом Левитиным в спектакле «Аксенов, Довлатов. Двое».

Создатели спектакля, взяв комедию Лопе де Веги, выражают своё юное безумие, любовь к поэзии, музыке и почти забытому сочетанию театрального пафоса, подлинной романтики и юмора. Сюжет испанской приключенческой комедии не тайна: молодая вдова Леонарда служит предметом восхищения всей Валенсии. Однако, она не поддаётся на уговоры дяди Лусенсьо выйти замуж вторично, остаётся надменно-равнодушной к ночным серенадам влюблённых. Леонарда посвящает жизнь служению Господу, желая достойно нести вдовье званье, но это оказывается не так просто, когда на смену молитве и ханжеству приходит любовь. Все здесь окутано любовью и подчинено её законам. Любовь приводит героев в отчаяние, толкает на безрассудные поступки, путает и водит. Бледный свет Луны хранит тайну сердца, а маска прячет лицо. Сложность и необычность режиссёрских решений иногда кроется в их простоте, игровой природе действия. Авторы постановки искали грани между условностью маски и подлинным переживанием, стремились к музыкальности слов.

Ганс Христиан Андерсен – автор, не нуждающийся в представлении. На его волшебных историях выросли поколения. Но детей принято ограждать от излишне жестоких, по мнению взрослых, поворотов сюжета. Ведь мы ещё помним, не так ли, чем на самом деле заканчивается «Русалочка»? Сказки Андерсена мудрые, и оттого – грустные. Не все финалы могут быть счастливыми, не всегда торжествует справедливость. Но это не означает, что не нужно бороться вовсе. Дети столкнутся со взрослой жизнью рано или поздно, и родители не смогут всегда защищать их от испытаний и препятствий, оберегая, как фарфоровых Пастушку и Трубочиста. Но сказки дают детям шанс узнать и поверить, что любовь и преданность по-прежнему в цене, а смелость и стойкость достойны вознаграждения.

Сказку с оркестром читает Александр Олешко. Александр Олешко, заслуженный артист России: «Щелкунчик» – продолжение цикла «Сказка и музыка», задуманного несколько лет назад для нашего театра. Этот жанр придумала Наталья Сац в начале прошлого века. Нам показалось очень важным детскую тему поддержать и развить, так как Театр Вахтангова всегда славился и прекрасной музыкой, и спектаклями, где отчётливо и красиво звучало слово. Такими постановками мы готовим и растим новое поколение вахтанговских зрителей. Очень важно, чтобы первый поход в театр для ребенка не стал единственным. Судя по тому, что на спектакли в этом жанре с радостью приходят и дети, и их родители, мы всё делаем правильно. Таким образом, маршрут «дом – театр» для ребенка становится привычным, а это значит, что они придут со временем и на другие, взрослые спектакли. Наш спектакль адресован детям от 5 и… до ста лет. «Щелкунчик» – это волшебство, великая музыка, замечательная сказка (мы сами сделали инсценировку), которая добавит новогоднее настроение зрителям.