Афиша театров Москвы на 12 ноября 2026

Рудольф Эрих Распе Чтобы воплотить на сцене театра кукол фантастические приключения самого знаменитого барона, художник Сергей Алимов и режиссёр Екатерина Образцова придумали много интересного. Главного героя представляет не одна, а несколько кукол! Самая большая – в полтора метра ростом. Её руки и ноги на шарнирах, поэтому двигаются «как живые». Три барона Мюнхаузена сделаны тростевыми куклами: один гуляет по снежным просторам, второй танцует на придворных балах, а третий гарцует на скакуне и даже скачет верхом на диком вепре! В финале наш кукольный барон отважно оседлает пушечное ядро и полетит на Луну!

Первая полностью оригинальная российская постановка, созданная на основе мирового классического произведения. В центре сюжета – молодой чистосердечный моряк, ставший невинной жертвой ревностных хитросплетений. Его оклеветали и предали забвению, но спустя многие годы он возвращается, чтобы закрутить карнавальное колесо разоблачений. Вместе с героями зрители переносятся во времени и пространстве, оказываясь на ярком карнавале, в таинственном замке Иф и даже в открытом море на корабле контрабандистов. Трогательные и судьбоносные события увлекают и захватывают!

Nirvana – яркий, захватывающий и страстный рассказ о музыканте-легенде Курте Кобейне, его таланте и пути к славе... Это живая и глубокая история об истинной цене признания и важности выбора, колоссальной силе и очевидной беспомощности перед злом, которые дает обычному человеку талант. Курт Кобейн, огненная Кортни Лав, их трогательная и пронзительная любовь, а также коварный искуситель Драг в сочетании с драйвовой рок-музыкой и неожиданными режиссерскими решениями запомнятся зрителям надолго. Зрителей ждут драйв, рок-н-ролл, острые диалоги и яркие образы, а также невероятные режиссерские решения!

Вас ждет постановка Георгия Долмазяна по пьесе «104 страницы про любовь» Эдварда Радзинского. Режиссер признается, что в инсценировку о любви стюардессы Наташи и сотрудника Научно-исследовательского института с именем Электрон он добавил и физики, и лирики, и атмосферной аутентичной музыки шестидесятых, и современной динамики. Постановка, полная энергии молодости, нежной романтики и доброй иронии, представлена как «музыкальная мелодрама». За легкостью жанра скрывается философский подтекст. «Это спектакль об отчаянной попытке ухватиться за молодость через поиск настоящей большой любви», – говорит Георгий Долмазян. Открытые, честные и красивые герои 60-х вернутся – закружат, зазвучат, запоют! Время не пойдет, а побежит против часовой стрелки! И всем окончательно станет понятно: тема любви – вне времени, она вечна, как мир.

Немолодой и состоятельный Александр Амилькар решает купить себе семейное счастье. За большие деньги он устраивает домашний спектакль: роль жены исполняет профессиональная актриса, дочери – уличная путана, друга – случайный встречный. При этом продюсером, режиссером и единственным зрителем остается сам Амилькар, тщательно репетирующий с «близкими» их роли. Забавный и одновременно грустный сюжет по пьесе французского драматурга Ива Жамиака разыграют актеры Анна Большова, Анна Якунина, Андрей Соколов, Евгений Герасимов и другие.

Зрителей ждет захватывающее путешествие в стиле джаза по миру моды и чувственной поэзии Владимира Маяковского. Жизнь Владимира Маяковского – клубок противоречий: главный поэт революции был потомственным дворянином, изысканным модником и безнадежным романтиком. Воспевая советскую одежду, он шил сорочки на заказ в Париже; провозглашая революционные манифесты, писал нежнейшие любовные стихи; предвосхищая появление соцсетей, выставлял свою личную жизнь напоказ. Считая, что без галош элегантнее, он волею судьбы и революции был вынужден их надеть… Футуристические страсти и модные дефиле под ритмы малоизвестных стихов Владимира Маяковского ворвутся в мастерскую таинственного портного, где на живую нитку будет сшит костюм-судьба величайшего поэта.

Находясь в Америке, в среде армянских эмигрантов, будущий писатель Сароян собирал простые и непридуманные истории о жизнелюбивых и не умеющих приспосабливаться людях, оторванных от родины. Истории эти, ставшие впоследствии романами и новеллами и прославившие родившегося и выросшего в Америке армянского писателя, стали основой спектакля «В горах мое сердце». Яркие персонажи и пронзительные сюжеты автора, горькая ирония и неиссякаемое жизнелюбие, неповторимый мягкий юмор и вера в то, что все преодолимо, соединились в постановке Театра Стаса Намина. Ну и конечно, создатели постарались донести до зрителя бережно хранимые традиции и бессмертный дух древнейшей нации – этот дух вечен, он передается из поколения в поколение с великой добротой и состраданием.

Александр Николаевич Островский и Малый театр рассказывают старую как мир историю о том, что одним людям суждено быть простодушными и кроткими, как овечки, а другим – хищными и опасными, как волки. Порою, однако, и матерый хищник попадает впросак... Пьеса «Волки и овцы» во все времена была своеобразной визитной карточкой Малого театра и выдержала немалое количество постановок, в которых блистали лучшие артисты труппы. Вот и сейчас в спектакле заняты Людмила Полякова, Борис Невзоров, Виктор Низовой, Валерий Бабятинский, Владимир Дубровский и другие. За 20 лет, прошедших со дня премьеры, спектакль не потерял своей свежести, актуальности и всегда идет при полном зале.

В глубокой и сложной постановке почти шепотом ведется разговор о великой тайне жизни, о том, что все кончается не тогда, когда приходит смерть. Все будет кончено, когда уйдет любовь. Герои этой пьесы, как в камере смертников, каждый – наедине с собой, беспощадно погружаются в себя, до основания, до опустошения, в поисках утраченного счастья, в поисках утраченного времени, вместо того, чтобы услышать другого. Вместо того, чтобы полюбить другого, пусть даже «своего палача», того, кто говорит, что пора умирать.

В доме только что овдовевшей испанки Бернарды Альбы объявлен восьмилетний траур. В течение этого времени пять дочерей Бернарды не имеют права не только думать о браке, но и выходить на улицу. Запрет не касается только самой старшей дочери Ангустиас, у которой есть жених – красавец Пепе Римлянин. Но в доме властной Бернарды зреет буря, ведь обреченные на жизнь взаперти сестры рвутся на волю, и каждая из них втайне мечтает о Пепе… Для режиссера Ивана Рубцова очень важно подчеркнуть конфликт «суда человеческого» и «суда Божьего» в человеке: «Мы все живем в ощущении суда людей, которые скажут, что мы живем как-то не так. Соответственно, это давит на нас, мы часто совершаем поступки не с учетом своей собственной совести, своих собственных чувств истины и правды, а с учетом этого – внешнего суда. При этом мы абсолютно не учитываем суд Божий, который пройдет по совсем другим законам, с нас спросят совсем другие вещи. И вот это противопоставление внешнего и внутреннего для меня очень важно. Хотелось в финале создать надежду на другой исход, подобно тому, как заканчивается «Демон» Лермонтова, когда ангелы забирают душу Тамары».

Одну из самых блистательных и смелых пьес мирового репертуара на сцене «Сатирикона» воплотила замечательная, большая, разновозрастная актерская компания. Заглавную роль сыграл Тимофей Трибунцев. Роль Сганареля, написанную Мольером для себя, – Константин Райкин. В спектакле заняты Агриппина Стеклова, Григорий Сиятвинда, Владимир Большов, Антон Кузнецов, Дарья Урсуляк, Алексей Якубов и другие. Режиссер постановки Егор Перегудов и художник Владимир Арефьев представили на сцене высококлассное изобретение – вращающуюся башню, на которой строится вся конструкция пьесы. На ней происходит извечный диалог между Дон Жуаном и его слугой Сганарелем, предостерегающим «сластолюбца, хахаля и извечного жениха» от новых пороков. Здесь в ошеломительном музыкальном сопровождении Сергея Филиппова и световом решении Андрея Абрамова возникает и ось любви, и линия жизни, и вертикаль смерти.

Ностальгическая комедия по рассказам Василия Шукшина – трогательный и ироничный спектакль из жизни 60-х годов ХХ века. Постановка Сергея Виноградова, пронизанная атмосферой другого времени, напоминает семейный фотоальбом, который хочется разглядывать и размышлять о судьбах людей, изображенных на фото. На сцене в подробностях воссоздана обстановка эпохи оттепели: для молодежи постановка станет увлекательным путешествием на несколько десятилетий назад, а зрители постарше наверняка вспомнят детство и молодость. Забавные и поучительные истории заставляют смеяться и сопереживать героям, в которых так легко узнать самих себя. «Произведения Василия Шукшина связаны с моей деревенской юностью, противоречивым русским характером и острым вопросом сохранения национальной идентичности», – отмечает режиссер-постановщик Сергей Виноградов.

Живет в одном городе очаровательная, милая, улыбчивая женщина – Оленька Племянникова. И вся жизнь ее подчинена одному чувству – любви. Но проблема и трагедия Оленьки в том, что, кроме того, что она бесконечно обаятельна и вообще «душечка», у нее нет ничего… Даже для собственного мнения и взгляда на окружающие предметы ей нужен кто-то рядом. Кто-то, подающий пример, способный дать мысли, идеи, направление жизни… Замысел рассказа Антон Павлович Чехов вынашивал 10 лет, об этом свидетельствуют его записные книжки. В итоге в небольшой рассказ он сумел уложить историю длиной в годы, наглядно изобразив драму человека приятного, но пустого, подверженного чужому влиянию. Обретет ли «душечка» настоящий смысл жизни или же будет бесконечно продолжать поиски? Будет ли у героини шанс обрести самодостаточность, которая спасет ее от мучительного одиночества? Проблема отсутствия собственного «я» и в отношениях, и в жизни гораздо актуальнее, чем кажется на первый взгляд.

Как бы вы повели себя в тривиальных, будничных или, наоборот, критических ситуациях, если бы точно знали будущее? Какие решения приняли бы прямо сейчас, как бы поступили? «Жил. Был. Дом» – это 11 историй, объединенных общим финалом. Финалом, меняющим абсолютно все. Финалом, известным с первых минут. Смешные и грустные, захватывающие и до боли понятные и близкие любому человеку. Потому что они про каждого человека, каждого, кто в этой жизни стоял перед выбором: верить или не верить в любовь, дружбу, судьбу, счастье, Бога.

Театр сатиры открывает юбилейный сотый сезон пьесой Михаила Булгакова «Иван Васильевич». Режиссер спектакля Сергей Газаров столкнет на сцене две эпохи – времена НЭПа и русского Средневековья. Сюжет разворачивается вокруг перемещения героев в пространстве с помощью машины времени, созданной инженером Тимофеевым. Однажды во время опыта изобретатель нечаянно отправляет управдома Буншу с жуликом Милославским в позднее Средневековье, а царь Иван Васильевич Грозный обнаруживает себя в московской коммуналке по адресу: Банный переулок, 10.

Каждый порой мысленно возвращается к поворотным событиям жизни и спрашивает себя: правильно ли я поступил? Чиста ли моя совесть? История странной дружбы между молодым дворянином и беглым бунтовщиком, их необычный уговор – платить добром за добро – делает «Капитанскую дочку» одним из самых оригинальных и многослойных произведений Пушкина. Этот удивительный сюжет сложен из сплетения судеб и череды случайностей. Погружаясь в него, нельзя не задуматься о жертвах, на которые приходится идти для обретения свободы.

Петр Гринев, прожив жизнь и утратив супругу, вспоминает их с Машей историю. Мелодраматическая линия в спектакле Павла Сафонова, таким образом, выходит на первый план. И не случайно, ведь для режиссера «Капитанская дочка» – это одно из первых русских произведений о маленьком человеке, вовлеченном в роковые события истории. Такой частный и от того очень человечный взгляд становится смысловой доминантой инсценировки. Сценография (художник-постановщик – Дмитрий Разумов, художник по костюмам – Евгения Панфилова) подчеркивает условно-поэтический подход. «Мы словно бродим внутри событий, пытаясь разгадать, в чем же их сила и красота. Как будто в зеркале перед нами проступают отражения и лица некогда существовавших людей, не знавших, что они – герои, но помнивших о своей смертности… Они были нелепы и даже смешны, говорили иногда по-другому и не о том, но почему-то мы любуемся ими и так хотим им помочь», – говорит режиссер. Павел Сафонов – режиссер, известный по работам в Театре им. Евгения Вахтангова, «Современнике», Театре на Бронной и др. – не впервые обращается к Пушкину. По словам Павла Сафонова, проза Александра Сергеевича – всегда вызов для творческого человека, поэтому предложение поставить «Капитанскую дочку» вызвало у него интерес и даже азарт. По мнению режиссера, сегодня «Капитанская дочка» звучит как никогда актуально. Произведение отвечает на вопрос о том, что позволяет человеку сохранить себя в сложные времена.

Их 9, и им – от 20 до 80 лет. Учитель и кондитер, искусствовед и кассир, хирург и министр – они абсолютно разные, но их жизни абсолютно одинаково зависят от животика, зубика и сообщения в чате детского сада или школы. Потому что у каждой из них есть тот, кто называет ее мамочкой… Мамочка – это статус вне возраста, вне времени и вне исторической эпохи. Апокалипсис придется отложить, стихию свернуть, если надо немедленно ответить на ребенкино: «Чем дядя Петя отличается от тети Тани?» или «Зачем пупок, если он все равно не откручивается?» Ответить надо. А еще надо обязательно надевать шарф, смотреть, когда переходишь дорогу, налево и только потом – направо, и да, не грызть ногти. И все это – даже если тебе 62. Ты ребенок, пока у тебя есть мама.

Всех героев играют два актера – Мария Аронова и Владислав Гандрабура. Виртуозная стремительная смена масок, образов и эпизодов: от детства Павлуши до несостоявшейся женитьбы и знаменитого путешествия за «мертвыми душами». Как писал Н. В. Гоголь: «Галопад летел во всю пропалую: почтмейстерша, капитан-исправник, дама с голубым пером, дама с белым пером, грузинский князь Чипхайхилидзев, чиновник из Петербурга, чиновник из Москвы, француз Куку, Перхуновский, Беребендовский – все поднялось и понеслось». Галопад (от французского galopade) – бальный танец в быстром темпе. Описание галопада в поэме Гоголя создает ощущение несущейся в невероятном вихре жизни, потерявшей надежную точку опоры. Владимир Иванов, режиссер: «Первоначально наш спектакль назывался «Галопад», но мы остановились на более традиционном «Мертвые души». Галопад – особая пляска, в которой кавалер с дамой, обняв друг друга, скачут оба вместе. В этой фразе, в этом определении – смысл и квинтэссенция идеи нашего спектакля, который станет гимном актерству, театру. Это главное, так как Гоголь бездонен, это невероятный автор, и мы понимаем, что можем показать только одну его сторону».

Как бы парадоксально это ни звучало, но для Малого театра «Мёртвые души» Н. В. Гоголя – это новый материал. Да, если посмотреть на дореволюционный репертуар, то можно найти целых пять постановок по бессмертной поэме Гоголя. Но все они не оставили заметного следа в истории Малого, а в более позднее время театр к этому произведению не обращался. Одной из основных тем спектакля, как ни странно, является одиночество. Не с кем поговорить мечтателю Манилову, с трогательной сентиментальностью вспоминает своих ушедших мастеровых Собакевич, неоднократно поминает своё вдовство Коробочка, беспременно жаждет общения Ноздрёв, а Плюшкин – воплощение одиночества. Прибавьте к этому «бродячие» по России души умерших крестьян и одинокую птицу-тройку, от которой «косясь, постораниваются и уступают ей дорогу другие народы и государства».

Режиссер Дмитрий Крестьянкин вместе с молодыми артистами «Маяковки» сочинили эту историю специально для проекта «Театр в школе» Департамента культуры и Департамента образования и науки города Москвы. Герои трех новелл, основанных на интервью с координаторами поисково-спасательного отряда «ЛизаАлерт», – подростки в сложном стечении обстоятельств. Кто-то принимает решение уйти из дома, кто-то становится жертвой школьной травли или доверяет свою жизнь незнакомцу из социальных сетей. И спасительный пароль «Найден. Жив» прозвучит, увы, не про всех… «Этот спектакль – возможность поговорить с подростком о том, что заставляет его переживать, – комментирует Дмитрий Крестьянкин. – Именно поэтому следующий за сценическим показом живой разговор с инструктором школы «ЛизаАлерт» является обязательной частью замысла. Важно, чтобы на этот спектакль приходили подростки с родителями. С этого может начаться важный разговор внутри семьи, на который страшно решиться просто так».

«Преступление и наказание» – спектакль, поставленный режиссером Вячеславом Спесивцевым по мотивам одноименного романа Ф. М. Достоевского, повествует о несчастной судьбе Родиона Раскольникова, задумавшего совершить преступление, которое оборачивается для него страданиями и суровым наказанием. Моральные и духовные муки вынужден испытывать главный герой, пытаясь найти оправдание своему злодеянию. Он уже готов признаться во всем, но боится, пытаясь лгать. В итоге герой сам выдает себя с помощью профессионализма и таланта пристава следственных дел Порфирия Петровича – знатока своего дела. Тонкая игра актеров и уникальное музыкальное сопровождение помогут зрителю стать свидетелем жизни, преступления и наказания главного героя Родиона Романовича Раскольникова – жертвы времени и эпохи.

Действие этой истории происходит в СССР, в 70-х годах. В эпоху, когда артисты цирка и эстрады, такие как Леонид Енгибаров, Роман Карцев и Виктор Ильченко, Эдуард Хиль, Михаил Жванецкий, Муслим Магомаев, могли давать концерты без декораций, костюмов, спецэффектов, собирая целые стадионы, благодаря одной лишь силе своего таланта. В то застойное время, как через мерзлую землю, с особой силой прорастали мечты. Герой спектакля Павла и Данилы Рассомахиных – вымышленный гениальный цирковой артист Александр Теплов – ищет, кто написал на него ложный донос, тем самым сорвав долгожданную поездку на международный конкурс в Монте-Карло. Ради этой мечты он готов почти на все… Ведь смысл жизни – идти к своей мечте, верно? Или нет?

«Сон в летнюю ночь» – спектакль-праздник, где в шекспировской сказке сплелись смешная и динамичная комедия с феями, фавнами и глубокий философский смысл, где есть место и злободневной шутке, и классической поэзии великого драматурга. Тезей хочет жениться на царице амазонок Ипполите. Но появляется Эгей и требует сочувствия: его дочь Гермия отказалась выходить замуж и сбежала с другим избранником. За беглецами гонятся. За теми, кто гонится за беглецами, тоже гонятся. Вот тут-то все и попадают в волшебный лес...

По мотивам пьесы Арбузова. Новая премьерная постановка Московского государственного театра «Ленком Марка Захарова» с народным артистом России Игорем Ивановичем Бочкиным и заслуженной артисткой России Олесей Владимировной Железняк. Классическая постановка в неклассической форме. Переплетение и взаимодействие непростых характеров, вечные вопросы взаимоотношений между ним и нею, любовь и разлука, нежность и непонимание – вся глубина человеческих взаимоотношений и вечная проблема выбора – что же будет, если...

Глубокая и трогательная история о семье, доверии и человеческой доброте. Постановка Московского драматического театра им. Н. В. Гоголя акцентирует внимание зрителей на ключевых ценностях, которые остаются неизменными вне зависимости от времени и обстоятельств. В основе сюжета лежит случайная, на первый взгляд, встреча, которая становится точкой отсчета для формирования новых семейных уз. Герои спектакля проходят путь от легкомысленной шутки до осознания истинной ценности родственных отношений. Эта история затрагивает вечные вопросы: что значит быть частью семьи? Можно ли стать родным человеком, не имея общих кровных связей? Постановка способствует формированию у зрителей бережного отношения к семейным ценностям, демонстрируя, как любовь, доброта и готовность принять другого человека могут изменить жизнь к лучшему. Спектакль пробуждает размышления о роли отцовства, ответственности перед близкими и о том, что настоящая семья строится не только на родстве, но и на искренних чувствах и взаимопомощи. Также спектакль знакомит с творчеством одного из значительных драматургов XX века – Александра Вампилова, чье наследие продолжает вдохновлять и находить отклик в сердцах современных зрителей.

Казалось бы, все просто. Как говорит один из главных героев пьесы Семен Николаевич Баохин, солидный человек с должностью, с обеспеченной и со всех сторон устроенной жизнью: «…Если человек доволен, значит, он счастлив. Счастье это то, чем вы довольны, вот и все…». Но оказывается, «счастье-довольство» – лишь мираж, который моментально и бесследно исчезает, когда ты оказываешься на рубеже, на перепутье, в странной жизненной ситуации. Спектакль, созданный на основе не просто остроумных, но глубоких ранних пьес Александра Вампилова. «Воронья роща» и «Двадцать минут с ангелом», объединенных единым названием «Странные, однако, бывают истории...», – спектакль с парадоксальным сценическим решением, сочетающим в себе бытовизм и образность. Не раз и не два за все время в театре, ты задаешь себе вопрос: может такое быть в жизни или нет? Выдумка все эти экстраординарные обстоятельства, когда просто так отдаются деньги, когда искренность становится смертельно опасной, когда спасение зависит от совершенно случайных людей, а к гибельному краю тебя подталкивают самые близкие и прочая? Или все это может произойти с нами завтра? Ответы на эти вопросы – непредвиденны, равно как непредсказуемы сцены и неожидан финал.

В усадьбе Прозоровых по случаю именин младшей из сестер намечается веселый праздник в кругу эксцентричных гостей. Уже мерещится новая, счастливая жизнь, в которой у каждой из сестер свои мечты. Ирина ищет смысл в работе, Ольга мечтает найти счастье в личной жизни, а Маша пытается убежать от скуки. Но с каждым годом желание что-то менять становится призрачней, и они все больше вязнут в мистическом мороке, окутывающем их дом. «Три сестры» Саши Золотовицкого балансируют между повседневной реальностью и воспаленным сном – с ритуальными обрядами и метафорами болезненных иллюзий. Гротескные, похожие на сомнамбул образы героев усиливают беспощадную правду чеховской жизни. Оторваться от налипшего слоя интерпретаций канонического текста режиссеру удается через современный культурный код и иронию. Абсурд, прорастающий как «сорная трава», отсылки и цитаты других произведений искусства, которыми насыщен спектакль, не отменяют чеховский дух. Здесь все так же через иронию поднимаются экзистенциальные вопросы, а аккомпанементом к боли звучит смех.

Студенческий театр «Просвещение» представляет на малой сцене спектакль по пьесе Антона Чехова. Действие разворачивается в усадьбе Петра Сорина. В центре сюжета – переплетение судеб людей, связанных с искусством: молодого драматурга Константина Треплева, его матери, актрисы Ирины Аркадиной, писателя Бориса Тригорина и мечтающей о сцене Нины Заречной. Треплев ищет новые формы в искусстве и влюблен в Нину, а та увлекается признанным литератором Тригориным. Символом хрупкой мечты и ее гибели становится чайка: она отражает судьбу Нины, чьи надежды на актерскую славу рушатся, и трагедию Треплева, не сумевшего примирить свои творческие идеалы с реальностью. В финале неразделенная любовь и чувство творческой несостоятельности приводят героя к отчаянному поступку. Пьеса раскрывает взаимоотношения героев, конфликт поколений и представлений об искусстве, а также показывает, как личные драмы сплетаются с поисками смысла творчества. Мотив чайки, положенный в основу пьесы, отразил также факт чеховской биографии, связанный с художником Исааком Левитаном и Лидией Мизиновой (Ликой), – историей о подстреленном в крыло вальдшнепе во время охоты Чехова и Левитана. Зрители увидят постановку, в которую введены особенные персонажи – «люди театра». Их пребывание в сценах спектакля определяет основной смысл чеховской пьесы: «Нужны новые формы»!

Идея постановки родилась благодаря сильной команде авторов, ангажированных театрами всего мира: их постановки успешны, заслужили высокие оценки критики и публики. На этот раз свою творческую энергию они сконцентрировали вокруг темы, испокон веков волновавшей человечество. «Яма» – это история о девушках, которых заживо похоронили и оплакали родители, а женихи предали и продали в публичные дома. Их осудило и презрело общество, выбросило на «дно» жизни. По мнению режиссера Анны Бабановой, тема «социального дна» сегодня звучит так же злободневно и трагично, как и 100 лет назад. «Яма» – музыкальный спектакль, в котором звучат народные песни, романсы, духовные стихи в исполнении Надежды Бабкиной и солистов ансамбля «Русская песня».

«Любовь у трона» – это своего рода фантасмагория: сон снится Екатерине Великой накануне государственного переворота, который приведет её к власти на долгие годы. Во сне она вспоминает свои отношения с мужем Петром III. По сути, это история о любви на фоне политики. Андрей Максимов, режиссёр: « Я давно мечтал поработать с поразительной актрисой Ольгой Тумайкиной, очень хотел, чтобы Екатерину сыграла именно она. Мечта сбылась. Она очень мощная актриса, очень интересный, глубокий человек. С исполнителем роли Петра III были проблемы, пока я не вспомнил, что в Вахтанговском театре работает поразительный актер Андрей Ильин. Я видел его в роли Хлестакова на сцене Русского театра в Риге. Это была поразительная актерская работа! Я видел его на сцене МХТ и театра Моссовета. Счастлив теперь не только работать, но и общаться с ним. Впервые встретился в работе с художником Максимом Обрезковым, который придумал очень интересный мир для наших героев, очень необычный. Но Обрезков ещё и создатель Симоновской сцены. Мне кажется, это уникальный случай, когда главный художник театра создал несколько сценических пространств, включая Новую сцену. Очень спокойный, интеллигентный, творческий человек. Музыку написал замечательный композитор Сергей Шустицкий, с которым мы сделали несколько спектаклей, и он даже выпустил диск с музыкой к моим постановкам. Мне кажется, что синонимом театра является удовольствие. Надо с удовольствием репетировать, с радостью. Я знаю, что есть режиссёры – любители «кровавых» репетиций, Бог им судья. Поставив довольно много спектаклей, я всегда старался, чтобы и актёры, и постановочная часть, и я сам получали удовольствие. Иначе не вижу смысла этим заниматься. Удовольствие должен получать и зритель. Это самое главное. Мне кажется, именно за этим он и приходит. Сегодня есть большой интерес к судьбе Екатерины Великой. Мы, что называется, в тренде. И, слава Богу! Любовь у трона… Любовь на фоне серьезных разговоров о судьбе России, о судьбах русских людей… Сон-фантасмагория с подлинной человеческой страстью… Если зрителю будет интересно, если он поймет, что не напрасно потратил почти два часа – мы будем считать, что наша задача выполнена. »

Музыкальный спектакль, разыгранный на крошечном пятачке сцены Черной комнаты, – это по-хорошему домашняя, светлая история. Главный герой с детства мечтал стать морским волком. Шли годы, а мечта так и оставалась мечтой. Тогда он решил построить лодку, при этом самую легкую в мире. Нашел бамбук, заказал лодку у мастера и, дождавшись лета, отправился в плавание по рекам и озерам вместе с напарником-фотографом. Ну а дальше начинается самое интересное: его ждут невероятные, даже фантастические встречи с разными людьми. У одних из них головы летали, у других – руки. Книга Коваля очень увлекательная, а неподражаемый стиль придает ей особую сказочную атмосферу. Юрий Коваль в «Самой легкой лодке в мире» показал своим читателям, что каждый может сделать себе такую лодку и поплыть туда, куда мечтал с самого своего детства, и при этом даже не быть капитаном. Ведь главное – захотеть и не отказываться от этой возможности. Коваль показал, что можно быть чуть ближе к природе и себе самому. ООО «Компания Афиша» – по ссылке; ООО «МДТЗК» – по ссылке;ООО «Яндекс Афиша» – по ссылке;ООО «Кассир. Ру» – по ссылке.

В полумраке Театра Образцова рождается «Тишина. Возвращение» — камерный спектакль, где театр кукол, музыка, танец и пантомима сплетаются в историю жизни и смерти Эдит Пиаф. Постановка, удостоенная премии «Золотая маска» в номинации «Лучший спектакль театра кукол» в 2020 году, возвращается к зрителю, обретая новое дыхание с артистами Театра Образцова. Эта работа — посвящение жизни «воробушка» Парижа (именно так с французского жаргона переводится Piaf — псевдоним, придуманный для Пиаф Луи Лепле, владельцем кабаре на Елисейских Полях). Вместе с Эдит зрители шагнут на туманные улицы Монмартра, а затем в то самое кабаре, где двадцатилетняя героиня впервые ступила на профессиональную сцену. Боль, любовь, разочарования и утраты сплетутся в «тишину» — ту, что Пиаф боялась больше всего на свете. Легендарная французская певица родилась в 1915 году в бедном квартале Парижа и прошла путь от уличной шансонье до иконы французской культуры. Ее жизнь — это череда триумфов и трагедий: любовь к Марселю Сердану, аварии и смерть в 1963-м накануне 48-летия. Пиаф пела о страсти, боли и надежде, её песни «La Vie en Rose» и «Non, je ne regrette rien» до сих пор трогают сердца по всему миру. Борис Константинов, режиссер спектакля, обращается к историям легендарных личностей — таких как Фрида Кало и Эдит Пиаф — чтобы через их судьбы создать живой портрет целой эпохи. «Главное для меня в Эдит Пиаф не то, что она — легендарная певица, а то, что она — человек, женщина, — говорит Борис Константинов, режиссер спектакля — Мне важнее ее  непростая судьба: как она жила, боролась с недугами, преодолевала трудности. Конечно, я сам себе не раз задавал вечный вопрос режиссера театра кукол: надо ли браться за воплощение такого материала, используя выразительные средства театра кукол? — Надо. Именно потому, что историю жизни Эдит Пиаф не хотелось рассказывать бытово. Но, с другой стороны, не хотелось патетики и ходульности. Хотелось сказать: вот человек, но редкий человек, очень редкий, таких мало! Вроде бы неказистая и хрупкая, но силы духа в ней столько, что только дивиться можно». Главный художник Театра Образцова, Виктор Антонов, специально для постановки превратит пространство арт-клуба в легендарное кабаре «Жернис» в стиле «старого» Парижа. А его трогательные куклы, оживающие в руках артистов, помогут рассказать, как самая хрупкая душа способна стать легендой.

Этот динамичный, яркий и веселый сатирический спектакль отсылает зрителей к французской комедии положений, в которой сцены буквально «нанизываются» одна на другую. В постановке используются различные приемы театра масок, художник Ирина Кондрашова создала оригинальные костюмы и декорации, передающие фарсовый дух мольеровского театра. Сцена превращается в шахматную доску, на которой персонажи-интриганы меняют «маски» и костюмы, затягивая Пурсоньяка в водоворот игры. Несмотря на заявленный жанр, спектакль дает пищу для серьезных размышлений. Прежде всего о том, как честному человеку доказать свою невиновность и может ли безобидное на первый взгляд лицедейство превратиться в жестокий эксперимент.