Театр у метро «Сретенский бульвар»

Спектакль «Новаторы» Театр Маяковского – премьера, посвященная Году науки и технологий. Артисты под руководством режиссера Никиты Кобелева делятся со зрителями документальными историями о компьютерных гениях, начиная с XIX века до конца XX века, от первого в истории программиста Ады Лавлейс, дочери поэта Байрона, до первого блогера 1990-х годов, от создателей первых компьютеров 1930–1940-х годов XX века до таких фигур как Стив Джобс и Билл Гейтс. В спектакле рассказывается о том, как на самом деле возникают передовые технологии, каким образом самые креативные новаторы нашего времени превращали безумные идеи в реальность, как они соперничали и сотрудничали и почему одни преуспели, а другие потерпели неудачу. Постановка стала четвертым проектом Студии-OFF – первой студии документального театра при репертуарном театре. В рамках Студии-OFF создают спектакли без привычных правил. Здесь нет изначально готового текста и распределения ролей, все возникает в процессе работы. Заведомо есть только тема для исследования. В этом случае – компьютерные технологии и люди, которые эти компьютерные технологии создавали.

Киносценарий «Пять ложек эликсира» был написан братьями Стругацкими в 1984 году. Театральная версия, созданная Павлом Прониным в рамках режиссерской лаборатории Et Cetera... lab, станет первой сценической интерпретацией этого произведения в Москве. Режиссер представит зрителям спектакль в жанре «диалоги о бессмертии» – в той изящной ироничной манере, что свойственна творчеству знаменитых фантастов. Хотя, как известно, самые важные мысли всегда сдобрены толикой иронии. Итак, кто они, эти люди, которые избраны или, вернее, обречены на бессмертие. В сочинении Стругацких их пятеро. Всего пять ложек эликсира, и к чудодейственному напитку никого больше допустить нельзя. Главный герой, Феликс Снегирев, случайно узнавший эту тайну пятерых бессмертных, теперь приговорен. Он должен умереть или… остаться в живых, но тогда убьют кого-то из этой пятерки.

«Завтрак у предводителя» – это сатирическая комедия Ивана Сергеевича Тургенева, неожиданная для писателя, написавшего «Отцы и дети», «Вешние воды», «Накануне», «Первая любовь»… Произведения, которые мы изучали в школе, зачитывали до дыр в юности, возвращались к ним уже взрослыми. В этой комедии нет ни слова о любви, нет в ней трогательных «тургеневских девушек», «лишних людей», будоражащих сознание. В этой комедии вообще нет романтических героев, нет даже тех, кого называют «положительными», хотя один положительный герой в ней все-таки есть, как писал Гоголь про своего «Ревизора», это смех. Смех неудержимый, непрекращающийся, который сопровождает каждую реплику, каждый жест всех героев. Ситуация с каждой минутой становится все абсурдней, все нелепей и комичней. Режиссер Юрий Буторин создал игровое пространство, в котором «играют» не только персонажи, но и предметы. Летят вилки, падают колонны, рушится мебель. Все доведено до гротеска, бытовая история про тяжбу между братом и сестрой, которые не могут поделить наследство, доставшееся им от тетушки, обретает черты веселой фантасмагории. В игровую стихию спектакля вовлечены не только артисты, но и зрители, оказавшиеся на этом «завтраке у предводителя».

Живет в одном городе очаровательная, милая, улыбчивая женщина – Оленька Племянникова. И вся жизнь ее подчинена одному чувству – любви. Но проблема и трагедия Оленьки в том, что, кроме того, что она бесконечно обаятельна и вообще «душечка», у нее нет ничего… Даже для собственного мнения и взгляда на окружающие предметы ей нужен кто-то рядом. Кто-то, подающий пример, способный дать мысли, идеи, направление жизни… Замысел рассказа Антон Павлович Чехов вынашивал 10 лет, об этом свидетельствуют его записные книжки. В итоге в небольшой рассказ он сумел уложить историю длиной в годы, наглядно изобразив драму человека приятного, но пустого, подверженного чужому влиянию. Обретет ли «душечка» настоящий смысл жизни или же будет бесконечно продолжать поиски? Будет ли у героини шанс обрести самодостаточность, которая спасет ее от мучительного одиночества? Проблема отсутствия собственного «я» и в отношениях, и в жизни гораздо актуальнее, чем кажется на первый взгляд.

Жестокая прекрасная принцесса Турандот, не желающая выходить замуж, загадывающая загадки потенциальным женихам, – известный классический сюжет! Все будут отправлены на казнь, пока не появится тот единственный герой, который после множества испытаний завоюет (или все-таки нет?) сердце злой красавицы. Пьеса «Турандот» написана Карлом Гоцци в его авторском жанре «фьяба» – трагикомической сказке для взрослых. Спектакль театра «Школа драматического искусства» – о любви и театре. Эти два явления, которым подвластно все, которые побеждают все. И время, и пространство, и возраст – все перестает иметь значение, если ты любишь и если ты в театре. Так как создатели выводят на сцену еще одно главное действующее лицо – Театр, публику ожидает яркий каскад всех возможных и разнообразных театральных жанров.

Режиссер Евгений Закиров отказывается от расхожей эстетики сумасшествия и главным мотивом делает экзистенциальный кризис слабого интеллигентного героя, заблудившегося в щемящей абсурдности русского мироустройства. В спектакле кроется много философии, неспешной лирики, абсурдного юмора и трагедия, обычная у Чехова: когда могло случиться чудо, а случилась нелепость – и погубила человека. Евгений Закиров: «Этот текст вообще не про психушку! Стоит ли бороться с чем-либо вообще? Вот главная тема. Еще для меня важна здесь форма любви. Два человека – врач и пациент – нашли друг друга. Это очень важная встреча, когда один в другом открывает целый мир и влияет на него. Но волею судьбы эти двое оказались по разные стороны баррикад, как жертва и палач».

В основе спектаклей Панкова всегда лежит музыкальная партитура, которая складывается из литературного текста, музыки, пластики, различных шумов. И все эти составляющие взаимопроникают и взаимодействуют друг с другом, образуя единую структуру – объемный сценический текст. На этот раз Владимир Панков обратился к одной из наиболее загадочных пьес культового драматурга Александра Вампилова. В центре повествования – советский интеллигент Виктор Зилов и неизбывная русская тоска, от которой нет спасения. Что это за русское явление «зиловщина»? Кто этот русский тип со своей неизбывной русской тоской? Почему он всегда существует за пределами нормальной жизни нормальных людей? Откуда берется этот плохой хороший человек и почему его все любят, а он не может любить никого?

При жизни Антона Павловича Чехова его повесть «Черный монах» была переведена на многие языки, а также стала первой публикацией автора на китайском. Подобный интерес объяснялся многими факторами, прежде всего – философским смыслом, который вкладывал в свою повесть Чехов. Создатели спектакля понимают тонкое лукавство Антона Павловича, обозначившего основную тему как «манию величия». Ведь если бы все было так просто, не было бы мирового интереса к повести, многочисленных трактовок и вариаций восприятия истории Коврина, главного героя произведения. Вместе с публикой артисты хотят разгадать главную загадку повести и понять, кем же на самом деле являлся Черный монах: утешающим ангелом, соблазняющим бесом или же галлюцинацией больного человека? Спектакль создан в рамках Молодежной программы Школы драматического искусства, художественный руководитель – Глеб Черепанов.

На бал к сэру и леди Чилтерн неожиданно приезжает старинная знакомая – опасная и хитроумная леди Чивли. Какие последствия будет иметь это внезапное появление, как повлияет на отношения семейной пары вмешательство в их жизнь? Зрители увидят смешную комедию, но не без излишней серьезности. История разворачивается на фоне семейных взаимоотношений, первой любви, политических авантюр. Фирменный юмор Оскара Уайльда наполняет сюжет легкостью, а прекрасная игра артистов позволяет оценить все перипетии сюжета. В спектакле звучит оригинальная музыка, написанная Григорием Ауэрбахом на стихи Оскара Уайльда в переводах поэтов Серебряного века Михаила Кузьмина и Николая Гумилева.

Чеховские герои – просто люди. Это человеческие типы, которых великое множество. Чехов, словно фотограф, фиксирует случайные лица, не выбирая красивые или значительные, просто разные лица обычных людей. Так и герой его повести «Моя жизнь» – некий человек со странным именем Мисаил, самый обычный рядовой обыватель. Он не претендует на какие-то высшие способности, вполне четко осознает свою ординарность, но пытается найти смысл в своей жизни, найти самого себя. Дворянин Мисаил идет работать обыкновенным маляром. Физическим трудом заниматься не стыдно, стыдно перебирать бумажки – считает он, не видя в своем поступке никакого геройства. Но в маленьком провинциальном городке это событие из ряда вон выходящее, и кто-то его презирает, кто-то видит в нем выдающегося человека, решившегося на бунт. Скучающие барышни ищут знакомства с ним. Дочь богатого инженера Маша решается стать его женой, чтобы вместе сделать мир лучше. Но когда и кому это удавалось?

Московский театр Et Cetera взялся перечитать культовую повесть Брэдбери и обнаружил, что в предсказаниях известного американского фантаста вырисовываются наши сегодняшние проблемы, общие для всех жителей планеты. Писатель рассказывает фантастическую историю, как вполне реальную, захватывающую, как остросюжетный детектив… Случайная встреча юной девушки и пожарного, сжигающего книги, взрывает запрограммированную жизнь города, где живут люди, которые выполняют исключительно чужие команды, переживают только чужие драмы, глядя на большие экраны телевизоров, расставленных повсюду. Каждый, кто пожелает вырваться из программы, обречен. И все же человек решается на бунт. Его история – это история прозрения и любви, обретения свободы думать, чувствовать, это история погони и смерти. Огонь, пожирающий культуру, – это метафора, из которой возникает мир Брэдбери. И этот фантастический и такой пугающе реальный мир Брэдбери возникает на сцене, давая зрителям шанс услышать предупреждение заокеанского мыслителя.

В повести А. П. Чехова отразились его взгляды на философию Л. Н. Толстого, его согласие с ней и критика отдельных моментов. Зрители увидят историю Мисаила – сына архитектора и потомственного дворянина. В самом начале спектакля он отказывается от общественного положения, которое может дать умственный, достойный, по мнению окружающих, труд в пользу труда физического. Не видя в этом ничего дурного он становится настоящим пролетарием. Куда заведут эти поиски? Как в историю собственного становления впишется любовь, а потом и женитьба на дочери бывшего работодателя? Обретет ли Мисаил настоящую свободу или окажется слаб для того, чтобы противостоять общественному мнению? Создатели спектакля стремятся с помощью современных средств поговорить на вечные темы и заново открыть малоизвестную повесть Чехова. Режиссером спектакля выступил Данил Акутин, для которого спектакль стала первой премьерой в драматическом театре.

Спектакль поставлен известным режиссером лауреатом множества престижных театральных премий Григорием Дитятковским. Как признался сам режиссер, малоизвестную пьесу французского комедиографа Жана-Батиста Мольера он выбрал потому, что был совершенно заворожен красотой изумительного перевода Татьяны Львовны Щепкиной-Куперник. И с ним нельзя не согласиться – стихотворный текст звучит со сцены, поражая музыкальностью и изысканностью. И потребовалось немало усилий, чтобы артисты заговорили стихами, а не декламировали их. Чтобы появились живые характеры и живые интонации, чтобы герои не казались музейными экспонатами из другой эпохи, а заражали эмоциями и страстями, которыми живем сегодня и мы. Постановка не стала изысканной и красивой безделушкой, которой только любуешься, но которая не трогает ни души, ни ума, ни сердца. Напротив, на этом спектакле весело смеешься, сочувствуешь персонажам, увлеченно следишь за любовными и очень запутанными интригами, неизбежными разоблачениями и тайными встречами. В спектакле властвует игровая стихия, его пространство заполнено истинной мольеровской театральностью. Красивые декорации и красивые костюмы, оригинальная музыка и точный пластический рисунок у каждого персонажа – все это делает увиденное зрелищным, ярким и увлекательным.

Спектакль по пьесе классика отечественной драматургии Александра Островского «Не все коту масленица». Как быть бедной девушке: выйти замуж за нелюбимого, но богатого старика или за любимого, но нищего молодого человека? Как быть вдове-матери: устроить судьбу дочери или свою собственную? Проблемы выбора на фоне бытовых сцен московской жизни XIX столетия, яркие герои и смешные ситуации, и при всем этом поучительный сюжет – все это ждет зрителя в постановке Леонида Хейфеца, уверенного, что такая история не потеряет актуальности и сегодня.

Режиссер Александр Савельев и молодые артисты театра создали семь театральных эскизов по рассказам А. П. Чехова («Из записок вспыльчивого человека», «Скверная история», «Шуточка», «Цветы запоздалые», «Герой-барыня», «Дорогие уроки», «Душечка»). Этот спектакль – осторожное прикосновение к творчеству русского классика, откровенный, порой грустный, порой ироничный разговор о любви, надежде, несбывшихся мечтаниях – о человеческих страстях и пороках. Постановка адресована как молодым зрителям, которые смогут вынести из нее свои уроки, так и более «взрослой» аудитории, для которой спектакль станет поводом с улыбкой вспомнить о своей юности, ее ошибках и чаяниях.

В спектакле – несколько сюжетных линий, каждая из которых влияет на остальные и дополняет их. В разговоре двух друзей появляются размышления об истинном таланте, встреча бывших мужа и жены натолкнет на мысли о различиях дружбы и любви, расставшиеся возлюбленные увидят друг в друге что-то неизвестное, а отец и сын поймут друг друга. Все это приведет к простой мысли: не надо бояться перемен, они помогают начать жизнь с чистого листа. Главной станет тема вопросов морали и справедливости. Как быть в ситуации, когда входят в противоречие свобода, инстинкт самосохранения и групповой инстинкт, общая мораль? Как обрести новую справедливость и найти свой путь, обрести почву под ногами?

«Волки и овцы» – это остроумная комедия А. Островского в режиссуре А. Вилькина. Действие пьесы разворачивается в небольшом губернском городе в 1870-е годы. В центре сюжета – борьба за богатство и влияние. Властная и честолюбивая помещица Меропия Давыдовна Мурзавецкая, прикрываясь маской благочестия, пытается завладеть состоянием молодой и неопытной вдовы Евлампии Николаевны Купавиной. Параллельно развивается линия другой героини – Глафиры Алексеевны, бедной родственницы Мурзавецкой. Она не хочет оставаться приживалкой и ведет собственную изощренную игру: пытается обольстить и женить на себе состоятельного, но ленивого барина Михаила Борисовича Лыняева. Но появляется более расчетливый игрок – столичный делец Василий Иванович Беркутов, сосед Купавиной. Беркутов вступает в решительный поединок с Мурзавецкой и ее окружением. В итоге он выходит победителем. Актеры с ненадуманной игрой оживляют галерею колоритных персонажей, соперничающих за богатство и внимание.

Режиссер Евгений Закиров предлагает острое, близкое сегодняшней молодежи прочтение знаменитой пьесы А. Н. Островского. При этом в постановке нет злободневного осовременивания, действие остается близким к классике. Переосмыслены мотивы героев, заострены конфликты. Зрители полностью погружаются в происходящее на сцене, живут и дышат вместе с героями. На спектакль можно (и нужно) ходить с подростками. Жизнь Катерины Кабановой течет по привычному, тоскливому порядку: нелюбимый муж, требовательная свекровь и никакой надежды на перемены. Но однажды в Калинове появляется Борис – племянник одного из самых влиятельных жителей города. Первое настоящее чувство становится для героини и счастьем, и проклятием – город не примет этой истории. Как поступят влюбленные?

На сцене прозвучат стихи Ронсара, Верлена, Гейне, Пушкина, музыка ХI–XIX веков в живом исполнении – чувственные, эротичные, порой ироничные фантазии поэтов погружают зрителей в радостный мир любовной игры. Под веселым руководством Купидона, Эрота и Талии прекрасный женский актерский ансамбль смело проводит действо спектакля по лабиринтам страстей к мощному завершающему аккорду в исполнении заслуженного артиста РФ Игоря Яцко. Название в полной мере отражает содержание программы: легкая, игривая, не без фривольности, она посвящена светлой, радостной стороне любви и охватывает широкий временной диапазон. Прозвучат стихи поэтов и поэтесс XI–XIX веков и музыка композиторов XVI–XIX веков. Разговор о любви происходит исключительно в женской компании, если не считать финального сюрприза…

Легендарный роман Шодерло де Лакло, вдохновивший не одно поколение знаменитых художников и режиссеров, о нравах французской аристократии XVIII века (и шире – о низком и высоком в природе человека) стал основой нового яркого спектакля театра. Зрители увидят вполне современный сюжет, а великолепная игра актеров заставит на одном дыхании пережить вместе с персонажами страсть, любовь, подлость и раскаяние. Режиссер спектакля Игорь Яцко расширил и осовременил текст спектакля, включив в него пьесу Кристофера Хемптона «Опасные связи» в переводе Сергея Таска и пьесу Леонида Филатова «Опасный, опасный, очень опасный…». Лауреат премии «Звезда театрала» в номинации «Лучший спектакль. Малая форма».

«Действо о злосчастной молодости, напрасной любви и торжествующем коварстве. Слухи и домыслы». Именно с этих слов начинается пьеса, ведь ее сюжет соткан из всевозможных догадок и анекдотов XVIII века. Произведение Елены Греминой «За зеркалом» – это историческая драма. В ее основе лежит роман молодого поручика Александра Ланского и Екатерины II, которую он ласково называет Матушкой. Александр Ланской, он же Сашенька, был приставлен «на службу» к Екатерине. Будучи ее фаворитом, он живет в особой комнате, которая находится в парадной спальне императрицы, за зеркалом. Отсюда и название пьесы. В постановке Максима Иванова большая роль отведена хору. Он существует как отдельный персонаж. Пение хора сопровождает зрителя на протяжении всего спектакля, помогая раскрыть историю и прочувствовать атмосферу того времени.

Театр Маяковского первым инсценировал этот бестселлер в России, чтобы рассказать о людях, пытающихся побороть разнообразные парадоксальные отклонения. Среди героев этих историй: парень с синдромом Туретта, затихающим только в тот момент, когда он начинает отбивать бешеный ритм на барабанах, старушка, в чьей голове ни на секунду не умолкает музыка. Создатели спектакля с помощью медиатехнологий, экзотических музыкальных инструментов и деликатного юмора исследуют отклонение как откровение, изменения в работе мозга – как открытие неведомых в обычной жизни путей.

Семья ждет с войны пропавшего без вести сына, почти лишившись надежды. Исчезновение молодого летчика оказывается результатом фатальной ошибки его же отца, чья постыдная вина оборачивается неотвратимостью наказания для детей. Судьба плетет свою страшную паутину причин и следствий и отказывает в прощении тем, кто совершил роковой промах. Истинная любовь между невестой пропавшего летчика и его младшим братом подвергается сомнению как бесчестная, предательская и опасная для семейного благосостояния. В постановке о высшей мере ответственности главный герой становится абсолютным заложником: истина родственных отношений подменяется жаждой обогащения, а последствия этой подмены оказываются необратимыми. Постановка «Все мои сыновья» стала второй работой Леонида Хейфеца по драматургии Артура Миллера. С 2012 года в репертуаре театра идет спектакль «Цена». Премьера состоялась 5 ноября 2016 года.

Несмотря на расхожее мнение, что пьесы Марины Цветаевой не подходят для постановки, Игорю Яцко удалось найти сценический эквивалент «Каменному ангелу» – пьесе, которая считалась утерянной и была найдена только в середине 60-х годов. Зал «Глобус» стал идеальным пространством для воплощения замысла: трехуровневая структура соответствует измерениям, в которых разворачивается действие постановки. Начинается оно на земле, в средневековом городе у фонтана с Каменным ангелом, к которому юные девицы приходят рассказать о своей несчастной любви, и лишь одна, Аврора – о счастливой, о любви к нему. Вслед за Авророй зрителю предстоит спуститься в нижний, демонический мир, где в роскошных чертогах царствуют Венера с Амуром, насылая на смертных душевные страдания (сцена «Глобуса» устроена так, что этот спуск стоит понимать буквально). С небес же, из-под купола зала, появляется Ангел, уже во плоти и крови, чтобы разогнать темный морок преисподней и проводить обманутую душу Авроры к Богоматери. В этой постановке Игорь Яцко обращается сразу к нескольким ключевым темам «Школы драматического искусства» – он, вслед за Анатолием Васильевым, изучает «несценичное» поэтическое слово. Режиссер совмещает драматический спектакль с небольшим концертом с участием колоколов, клавесина, органа, лютни и тамбур-пайпа. Также в спектакле звучит клавирная и лютневая музыка европейских композиторов XVI и начала XVII веков.

Классическая постановка Александра Вилькина по одной из самых популярных комедий Мольера «Тартюф или обманщик» до сих пор не потеряла своей актуальности. Весело рассказанная нравоучительная история обличает вечные пороки – ханжество, льстивость и лицемерие. Ловкие циничные «Тартюфы» процветают и сегодня, управляя доверчивыми «Оргонами» и надалекими «Пернелями». Спектакль снова напомнит, как важно сохранять независимое восприятие жизни, чтобы не стать пешкой в руках безжалостных манипуляторов, которых возводим на пьедестал.

«Строитель Сольнес» – одна из самых личных и загадочных пьес Генрика Ибсена, написанная в 1892 году. В ней великий норвежский драматург, находясь на закате своей жизни и карьеры, впервые так откровенно и болезненно обращается к внутреннему миру художника – измученного, уязвимого, наполненного страхами и величием одновременно. Эта пьеса – не просто драма о стареющем архитекторе, потерявшем опору в мире и в себе. Это – исповедь. Это – психопортрет. Это – Ибсен, смотрящий на самого себя с бескомпромиссной ясностью. В спектакле, помимо оригинального текста пьесы Ибсена, звучат фрагменты личных воспоминаний, размышлений, фантазий режиссера и артистов. Евгений Закиров Режиссер спектакля «Это история о художнике в каждом из нас, не желающем умирать, не желающем мириться с предложенными ему условиями существования: со смертью, с моралью, с долгом, с ограниченным количеством любви. Чехов писал, что человеку нужен весь земной шар, а не три аршина земли, как трупу – наш Сольнес отстаивает перед миром, перед Богом право на свою человечность. Такое либо делает, либо вынужден будет делать в своей жизни каждый из нас».

Может ли существовать страна, где любовь бедняка и принцессы возможна, где есть министры нежных чувств, где свадебный наряд только умный видит, где за плохое поведение голубей страдают даже голубцы? Эта страна зовется Другой сказкой. Светлый, задорный, ироничный, афористичный текст Сергея Урсуляка, сотканный из сказок «Тень», «Дракон», «Голый король» и малоизвестного киносценария «Каин XVIII», создает на театральной сцене атмосферу настоящего праздника и необыкновенного чуда. «Другая сказка» – театральный дебют известного кинорежиссера Сергея Урсуляка. Крупным планом в камерном пространстве на Сретенке он выводит вечно актуальный юмор, замешанный на самоироничном и доброжелательном подходе к миру в любом его проявлении. Сергей Урсуляк превращает сказочную философию в театр яркой формы, откровенной актерской импровизации и дуракаваляния. Если и идти на глубину – то с легкостью и музыкой.