Екатерина Шарыкина — спектакли в Москве

Любимый всеми мультфильм Гарри Бардина, волшебные истории из самого известного сборника русских народных сказок, составленного Александром Афанасьевым, стихи Юрия Энтина и объединяющая все это фантастическая музыка Максима Дунаевского. Гости снова встретятся со старыми знакомыми – трубочистом Иваном, царевной Забавой, воеводой Полканом, мечтательным водяным и не только. В сказке нет места лубочным чувствам и отношениям, все по-настоящему: коварство Полкана, захотевшего захватить царство, бескорыстие водяного, протянувшего руку помощи своему новому другу. А самое главное – любовь Забавы и Ивана, способная преодолеть все преграды и творящая самые настоящие чудеса. Этот спектакль о том, что надо верить в свою мечту, бороться за нее, и тогда она обязательно сбудется.

Предстоящий спектакль обещает вернуть зрителей в атмосферу ожидания волшебства. Идет снег, начинается метель, сквозь шум ветра слышится звон колокольчиков… Арина Родионовна, убаюкивая маленького Пушкина, рассказывает ему о лукоморье, царе Салтане, князе Гвидоне Салтановиче, тридцати трех богатырях… Сказочные образы появляются один за другим, и вот сквозь снежную завесу на сцене появляется царский возок, загорается свет, звучит музыка… Три девицы под окном, пряли поздно вечерком… Так начинается история.

В 95-й, юбилейный, сезон театр возвращает на большую сцену знаменитую комедию. 1812 год. Героиня готовится к знакомству с женихом – поручиком Ржевским. Желая узнать его истинные мысли о предстоящей помолвке, она на маскараде надевает мундир корнета. Так она понимает, что будущий жених совсем не рад предстоящей свадьбе. В это время приходит сообщение о начале войны с Наполеоном, и героиня той же ночью сбегает из дома на войну. Спектакль поставил режиссер музыкального театра – заслуженная артистка России Татьяна Константинова. «Я собрала всю музыку Хренникова, написанную не только к этому спектаклю, но и для одноименного балета, который был поставлен в Большом театре, музыку к спектаклю «Много шума из ничего», «Дуэньи» и самые известные песни, – говорит режиссер. – Так что весь спектакль будет пронизан музыкой. Но это не мюзикл, а именно современная музыкальная комедия с равноправным диалогом драматического действия и музыкальных номеров, хореографии и сценографии, костюмов и света».

Место действия спектакля Глеба Черепанова – съемочная площадка: сегодня, в XXI веке, снимается фильм по произведениям Михаила Зощенко. Действующими лицами становятся не только герои писателя, но и члены съемочной группы, а сама съемка – основное событие, вокруг которого все и разворачивается, именно на его фоне зрителю будут рассказаны три новеллы. В основе постановки – киносценарий знаменитой комедии Леонида Гайдая «Не может быть!». Точно так же, как в фильме, в спектакле объединены три произведения: рассказы «Преступление и наказание», «Забавное приключение» и пьеса «Свадьба». Но если в фильме истории рассказаны как самостоятельные произведения, то в спектакле зритель будет наблюдать за тем, как снимается кино.

Молодой писатель переживает ужасы газовой атаки, тоску окопной войны, расчеловечивание сослуживцев – и все это, чтобы понять: в любых, самых страшных обстоятельствах человек может сохранить любовь к жизни. Зощенко начал писать в 11 лет и не прекращал занятий литературой даже на войне: продолжал сочинять рассказы, вел полевой дневник, придумывал искрометные эпиграммы на офицеров. «В девятнадцать лет я был уже поручиком. В двадцать лет – имел пять орденов и был представлен в капитаны. Но это не означало, что я был герой. Это означало, что два года подряд я был на позициях», – вспоминал писатель. За проявленную во время службы отвагу Зощенко получил два ордена – Святого Станислава и Святой Анны. Но пережитый страшный опыт на передовой не прошел для него даром. Долгое время писателю казалось, что война лишила его возможности творить. Лишь спустя годы он осознал, что именно на войне впервые нащупал свой авторский голос, свою неповторимую интонацию – иронию сквозь невидимые миру слезы…

Режиссер Павел Сафонов обращается к русской классике: «Роман «Идиот» непростой, таинственный – хочется ставить настоящего Достоевского не буквально, а открывать мир героев, искать поэтические, пластические, музыкальные переходы, создать свою атмосферу, чтобы спектакль давал силы и надежду, ведь в нем много света». Над новой уникальной инсценировкой работала сплоченная команда – заслуженный художник России Максим Обрезков и художник по костюмам Евгения Панфилова. Пространство спектакля «Идиот» режиссер идейно разделил на три акта, каждый из которых имеет свое цветовое и смысловое наполнение. Первый акт – желтый, погружающий в «петербургский туман» встреч, показывающий знаменитую сцену сжигания денег. Второй окрашен в черный, замкнутое пространство дома Рогожина, в котором разворачивается одна из кульминационных сцен романа. Третий акт – белый, воздушный и легкий, где, несмотря на трагизм финала, сохраняется попытка соединить все несоединимое. Музыкальное оформление – совместная работа режиссера и композитора Вадима Маевского. Большая часть будет связана с пронзительными и атмосферными композициями Арво Пярта, а также с произведениями Иоганна Себастьяна Баха, чья музыка, соединяясь с текстом, откроет зрителю неочевидные стороны романа.

Притча с двумя антрактами. В авторской версии главного режиссера Театра Армии народного артиста России Александра Лазарева по мотивам пьесы Фридриха Дюрренматта «Визит старой дамы» главные роли исполнят мастера сцены – народные артисты России Ольга Богданова, Александр Домогаров, Максим Аверин, заслуженные артисты России Николай Козак, Сергей Колесников. В постановке заняты более 40 артистов труппы, а также воспитанники Детской студии театрального творчества Театра Армии. «Это не повесть, не рассказ, а притча. В какой-то степени – это продолжение темы, начатой нами в «Романе» – о выборе, о раскаянии и всепрощении или непрощении. В новом спектакле вновь коснемся этих глобальных тем. Финал открыт, и я позволил себе добавить одну ремарку, какую – узнаете на премьере», – говорит Александр Лазарев.

Как сохранить верность идеалам, лицом к лицу сталкиваясь с ложью и несправедливостью? Можно ли делить людей на своих и чужих, если все они – граждане одной страны? Такие мучительные вопросы стоят перед героями знаменитой повести Б. Васильева «А завтра была война» – одного из самых значительных произведений о военном поколении. Драматическая история про выпускной класс обычной московской школы – юношах и девушках, выходивших в жизнь прямо накануне Великой Отечественной войны, – недаром кажется сегодня такой актуальной. Врагом народа объявлен отец самой красивой девочки в классе. Его арестовывают. Выросшая без матери девочка остается одна. Поддержат ли ее одноклассники? Поверят ли взрослые тяжкому, но пока не доказанному обвинению? Выбор между правдой и ложью, верностью и предательством с неожиданной остротой встает перед героями истории. Выступить в защиту неправедно осужденного – как это делает директор школы – опасно и грозит потерей места. Куда выгоднее присоединиться к спущенному сверху обвинению – как это делает завуч. Потрясение осиротевшей девочки оказывается таким огромным, что она не выдерживает и кончает жизнь самоубийством, так и не дождавшись возвращения домой оправданного отца. Но поддержавшие обвинение по указке сверху не успевают раскаяться: начинается война, которая мгновенно расставляет по своим местам добро и зло.

Петр Гринев, прожив жизнь и утратив супругу, вспоминает их с Машей историю. Мелодраматическая линия в спектакле Павла Сафонова, таким образом, выходит на первый план. И не случайно, ведь для режиссера «Капитанская дочка» – это одно из первых русских произведений о маленьком человеке, вовлеченном в роковые события истории. Такой частный и от того очень человечный взгляд становится смысловой доминантой инсценировки. Сценография (художник-постановщик – Дмитрий Разумов, художник по костюмам – Евгения Панфилова) подчеркивает условно-поэтический подход. «Мы словно бродим внутри событий, пытаясь разгадать, в чем же их сила и красота. Как будто в зеркале перед нами проступают отражения и лица некогда существовавших людей, не знавших, что они – герои, но помнивших о своей смертности… Они были нелепы и даже смешны, говорили иногда по-другому и не о том, но почему-то мы любуемся ими и так хотим им помочь», – говорит режиссер. Павел Сафонов – режиссер, известный по работам в Театре им. Евгения Вахтангова, «Современнике», Театре на Бронной и др. – не впервые обращается к Пушкину. По словам Павла Сафонова, проза Александра Сергеевича – всегда вызов для творческого человека, поэтому предложение поставить «Капитанскую дочку» вызвало у него интерес и даже азарт. По мнению режиссера, сегодня «Капитанская дочка» звучит как никогда актуально. Произведение отвечает на вопрос о том, что позволяет человеку сохранить себя в сложные времена.

Дворянин Евгений Александрович Арбенин, сильный и волевой человек, профессиональный игрок в карты, решает оставить прежний образ жизни и начать степенную жизнь. Но не так легко уйти от судьбы. За основу спектакля взят лабиринт: в центре спектакля, как и в пьесе, – человек, который решает выбраться на светлую сторону, преодолевая препятствия, попадая в ловушки, и все в земной жизни подталкивает его на темную сторону. Это спектакль о пути человеческой души, о том, способна ли она выжить в темном обществе, найти спасение, выйти из лабиринта. «Я очень люблю этого автора, и с артистами мы ищем звучание лермонтовского слова, которое способно воздействовать на человека очень сильно. Лермонтов проникает прямо в душу: читаешь – и сразу рождаются образы, ставишь – начинается процесс поиска, находятся ответы, в том числе на твои внутренние вопросы. Для чего ты здесь, можешь ли верить этому миру, способен ли привнести в него хоть немного света», – рассказала режиссер Нина Чусова. Художником-постановщиком выступила Анастасия Глебова, главный художник Театра армии. Она создала не один запоминающийся спектакль в соавторстве с Ниной Чусовой. Костюмы для спектакля создает лауреат российской национальной театральной премии «Золотая маска», заслуженный художник России Виктория Севрюкова.

Для режиссера Ани Макеевой это вторая работа на тему русской свадьбы. Автору интересно исследовать, как в произведениях классической драматургии интерпретируется одно из важнейших событий в жизни каждого. Кто-то вступает в брак по любви, а для кого-то это возможность улучшить свое благосостояние. В новой постановке главный герой – игрок по жизни. Для Кречинского люди – пешки, он легко их переставляет по доске судьбы и при необходимости готов скинуть тех, кто ему не нужен. И лишь знакомство с Лидочкой, полной его противоположностью, заставляет взглянуть на этот мир иначе, задуматься и впервые сделать нелегкий выбор: остаться собой или ответить взаимностью. «Когда я прочитала эту пьесу в первый раз, Кречинский мне показался каким-то ненастоящим. Мне было сложно представить такого персонажа в современном мире. И я восприняла это как вызов. Кто этот человек сейчас? Какая у него система координат?» – рассказывает Аня Макеева.

Добрый волшебник отправляет школьников Машу и Витю в один из миров на помощь своей дочери – Сказке. Узнав об этом, Кощей посылает им навстречу нечистую силу – Бабу-ягу, Лешего и дикого кота Матвея. Но дети встречают Печку и Яблоньку, которые помогают им преодолеть трудности. Витя и Маша очень разные. Витя серьезно интересуется наукой и техникой, а Маша увлечена сказками и кукольным театром. Но следуя советам волшебника – помогать всем, кто нуждается, не теряться в трудную минуту, держаться друг друга, – они становятся настоящей командой. Мюзикл «Удивительные приключения Маши и Вити» – современная постановка по мотивам советского фильма. Любимые всеми песни аранжировал композитор Олег Васенин, известный своими крупными музыкальными проектами в МХТ и Гоголь-центре. «Перемены коснулись композиций в стиле рока. Они превратились в современный бит, который произведет на зрителей тот же эффект, что и рок в 1975 году», – рассказывает Олег Васенин. «Некоторые сцены с элементами саспенса могут удивить даже современного ребенка, выросшего на «Гарри Поттере»: наши Кощей и кот Матвей по-настоящему страшные персонажи. Но мюзикл наполнен красотой, любовью и добром», – говорит режиссер Сергей Смирнов.